Европеизация всех областей русской жизни, связанная с деятельностью Петра I, породила в русском искусстве параллельное существование сразу нескольких стилевых направлений. Только с середины века начинается уже более соответствующее общеевропейской художественной культуре развитие таких стилевых направлений, как барокко, рококо, а затем классицизм.
Русское барокко
Царь Петр начал приглашать в Россию мастеров барочной архитектуры и посылать своих перспективных молодых художников и архитекторов на учебу за границу. Первый этап развития этого стиля в России получил название "петровское барокко". В числе знаменитых архитектурных строений - московский Петровский путевой дворец, Меншикова башня на Сухаревской площади, храм Покрова Богородицы в Филях. Особое место занимает церковь Знамения Пресвятой Богородицы, построенная в подмосковном селе Дубровицы по заказу князя Голицына на рубеже XVII-XVIII вв. К центральному четверику примыкают полукруглые объемы. В центре возвышается восьмигранная башня, завершенная формой, уподобленной царской короне. Восьмиугольные окна, скульптура, огромное количество криволинейного декора, лестница даже со стороны алтаря - все это абсолютно новые приемы и детали для русской архитектуры того времени.
Весь изысканный наряд храма выполнила из подольского известняка большая артель русских камнерезов. Сохранившийся иконостас и галерея-балкон исполнены в сложной деревянной резьбе с раскраской и позолотой. Церковь включена в "Список всемирного наследия" ЮНЕСКО. Оценили красоту и высокий символизм здания создатели последней международной экранизации романа "Война и мир", разместив изображение этой церкви на заставке ко всем сериям фильма.
К русскому барокко относится собор Успения Богоматери в Смоленске. Его строительство было начато в 1677 г. под руководством московского мастера Алексея Королькова, собор строился в несколько этапов, последние работы велись уже в наши дни. После перестройки в 1772 г. архитектором П.И. Обуховым собор приобрел черты европейской барочной постройки. Возведенный на высокой части города и имеющий впечатляющие размеры, он стал своеобразным символом западного русского города, где вполне естественным был процесс соприкосновения московской и западноевропейской культур. В интерьере собора множество икон и вышивок, из которых самая примечательная - плащаница из мастерской Ефросиньи Старицкой.
Но главные достижения русского барокко связаны с более поздним периодом истории. Россия - одна из стран, где барокко будет существовать долго.
Самые блистательные архитектурные достижения этого стиля связаны с отцом и сыном Растрелли. Отец, Бартоломео Карло Растрелли, не снискав славы в родной Флоренции, долго работал во Франции, получил там от Людовика XIV графский титул. После смерти короля был приглашен в Россию царем Петром в 1716 г. и приехал уже с семьей, учениками, помощниками. Лучшие скульптурные работы Бартоломео Карло Растрелли создал именно в России. Это портреты царя Петра - бюст и конная статуя, которая сегодня стоит перед Михайловским замком в Санкт-Петербурге. Растрелли-отцу принадлежат многие портреты соратников Петра. Но, вероятно, самая удачная его работа - бронзовая скульптурная группа "Императрица Анна Иоанновна с арапчонком".
Однако главным вкладом семьи Растрелли в русскую культуры стало творчество сына скульптора, Франческо Бартоломео Растрелли. Между отцом и сыном не было полной ясности в творческом отношении. В ранний период творчества отец выступает как автор любых работ, производимых ими обоими, позднее роли меняются. С 1730 по 1763 г. граф Ф.Б. Растрелли является придворным архитектором. В этот период по его проектам и с его участием созданы шедевры русской архитектуры, признанные во всем мире.
Растрелли-младший с увлечением изучал дворцовые и храмовые русские постройки допетровского периода, это в дальнейшем выразится в планировке его строений, в соединении западных барочных мотивов с русскими традициями. К тому же в его архитектурных ансамблях ощущается елизаветинская эпоха с ее демонстративной роскошью, намного превосходящей сегодняшние представления о чувстве меры. Картинный зал в Екатерининском дворце оформлен пышно, по моде того времени: шпалерная развеска живописных полотен по всей площади стен, огромные оконные проемы, разукрашенный потолок, резные двери, узорчатый паркет, - однако это изобилие декора органично и отмечено высоким вкусом. Усиливает впечатление анфиладная перспектива, при которой комнаты переходят из одной в другую и великолепие одной очевидно дополняется великолепием целого.
Дворец и парковый комплекс со знаменитыми фонтанами в Петергофе, Зимний дворец, Большой Екатерининский летний дворец в Царском Селе, Андреевская церковь в Киеве, Смольный монастырь, дворцы в Митаве и Руентале (ныне территория Литвы), Строгановский дворец, включая их интерьеры - вот неполный список трудов Ф.Б. Растрелли. Все здания носят эмоционально насыщенный характер. Яркая полихромия, богатство скульптурной отделки, позолота - все это в соединении с точным видением здания на местности с учетом архитектурного контекста делает любой из этих комплексов незабываемым.
Рядом с Растрелли трудились зодчие Д.В. Ухтомский, М.Г. Земцов, СИ. Чевакинский и множество других соратников и помощников. В России искусство барокко отразило рост и укрепление дворянской абсолютистской монархии. При общей для барокко сословной природе русское барокко было свободно от экзальтации и мистицизма, присущих этому стилю в католических странах. Характерной национальной особенностью русского барокко в архитектуре стал величественный размах ансамблей, их торжественная ясность и цельность композиции. В изобразительных искусствах именно в эту эпоху начинается освобождение от церковных сюжетов и переход к светским жанрам: портретам, пейзажам, жанровым сценам.
Русское барокко заканчивается вместе с царствованием императрицы Елизаветы Петровны (1709-1761). Взошедшая на престол Екатерина Вторая была поклонницей классицизма и с первых же дней своего правления начала привлекать ко двору архитекторов, которые отвечали ее запросам.
XVIII в. - время расцвета портретной живописи. Художественная линия русского портрета сохранила свою самобытность, но одновременно впитывала западные традиции. Наиболее известные художники петровского времени - A.M. Матвеев и И.Н. Никитин - основоположники русской светской живописи. Живописному мастерству они учились за границей. Портреты Андрея Матвеевича Матвеева (1701 - 1739) отмечены непринужденностью поз и правдивостью характеристик. Ему принадлежит первый в русском искусстве "Автопортрет с женой" (1729). Иван Никитич Никитин (ок. 1690-1742) добивался в своих портретах передачи характерных индивидуальных черт модели, выразительности изображаемых предметов. В портретах "Напольный гетман" (1720-е) и "Петр I на смертном ложе" (1725) художник намного опередил своих современников по глубине и форме художественного выражения.
Особая страница русского классицизма - портретный жанр. Появление портрета в Петровскую эпоху было, по словам академика И.Э. Грабаря, "одним из главных факторов, решивших судьбу русской живописи". К концу 1720-х гг. наметился поворот к "придворному" направлению в живописи. Лучшие портретисты XVIII в. - И.Я. Вишняков, А.П. Антропов, Ф.С. Рокотов, Д.Т. Левицкий, В.Л. Боровиковский, скульптор Ф.И. Шубин. Это было время интенсивного развития личности, что нашло отражение в портретных изображениях их современников.
Портреты Алексея Петровича Антропова (1716-1795) еще сохранили связь с парсуной. В то же время их отмечает правдивость характеристики человеческой личности. Таков портрет Петра III (1762).
В XVIII в. появилась мода на семейные портретные галереи. Большой поклонник искусства граф П.Б. Шереметев обратил внимание на самородный талант своего крепостного, послал его учиться у иностранных художников, и из молодого живописца вырос замечательный портретист Иван Петрович Аргунов (1729-1802). Художник был отмечен благосклонностью и Елизаветы Петровны, и Екатерины Второй, которая, увидев свой портрет, написанный художником "наизусть", заметила, что "в работе и идея хороша, также и в лице сходство есть", а потом даже пожелала позировать крепостному живописцу. Семейные портреты Шереметевых, князя и княгини Лобановых-Ростовских, супругов К.А. и Х.М. Хрипуновых и другие создают новый для России тип интимного (камерного) портрета. В 1767 г. Аргунов написал портрет любимицы В.А. Шереметевой - девочки-калмычки Аннушки. Это полотно считается одной из жемчужин его творчества.
Федор Степанович Рокотов (1735-1808) одним из первых в России освоил искусство парадного портрета (портреты Екатерины Второй, Голенищева-Кутузова). В Москве он основывает своеобразную школу московского портретного искусства. Он нашел в этом городе круг просвещенных людей, оппозиционный петербургскому высшему свету с его показным блеском. Художник оставил нам замечательные портреты образованнейших людей своего времени, первых московских красавиц и интеллектуалок. В этих камерных портретах нет внешних эффектов, но есть искренность, одухотворенность. Единый ряд образуют портреты В.И. Майкова, А.И. Воронцова, А.П. Струйской. Последний из названных портретов, воспеваемый поэтами трех веков, по сложности передачи натуры, по психологизму и проникновенности стоит среди лучших женских портретных изображений всех времен.
Тонкие по живописи и глубоко поэтичные портреты Ф. Рокотова проникнуты осознанием духовной и физической красоты человека - "Неизвестная в розовом платье" (1770), портрет В.Е. Новосильцевой (1780), портрет Струйской и др.
Эмоциональное воздействие картин Рокотова объясняется артистической игрой светотени на его полотнах. Лица на них словно выступают из глубокого мрака, поток неяркого, но интенсивного света как бы утончает фигуры, при этом часто не освещая всю модель в целом, но лишь выхватывая ее фрагменты: одну щеку, выдвинутое вперед плечо, шею. Легкие мазки жидкими белилами или розовой краской создают мерцающую фактуру кружев, лент и драгоценностей.
В последний период своего творчества Рокотов особенно приближается к канонам европейского классицизма. Его палитра как будто осветляется, объемы делаются более рельефными, в картинах появляется больше ясности и определенности. Нарядность и импозантность портретов сочетается со значительностью изображаемых персон - их лица полны благородного достоинства и некоторого высокомерия (портреты В.Е. Новосильцевой, супругов Суровцевых, Е.В. Санти).
Крупнейшим портретистом того времени был Дмитрий Григорьевич Левицкий (1735-1822). Он создал великолепную серию парадных портретов - от портрета Екатерины Второй (1783) до портретов московских купцов. В его произведениях торжественность сочетается с красочным богатством. Жизненностью наполнены его женские портреты, особенно "смолянок" - учениц Смольного института.
Творчество Владимира Лукича Боровиковского (1757-1825) отличает сочетание декоративной тонкости и изящества с верной передачей характера. Он рисует портрет на фоне мягкого пейзажа. Чудесен его лирический портрет очаровательной молодой женщины М.И. Лопухиной (1797).
Изобразительное искусство XVIII в. сделало значительный шаг вперед в развитии светского направления. Развитию русского искусства способствовало основание в 1757 г. Академии художеств. В течение многих десятилетий XVIII в. Академия была единственным в России высшим художественным заведением, ведущим направлением которого становится классицизм. Его высокие идеалы, гражданственные и патриотические идеи служения Отечеству, восхищение красотой человека были бы невозможны без философии просветителей XVIII в. В тесной связи с классицизмом развивался и сентиментализм.
Во второй половине XVIII в. начинается расцвет русской скульптуры, представленной именами Ф.И. Шубина, Ф.Г. Гордеева, М.И. Козловского, И.П. Мартоса.
Известный скульптор Федор Иванович Шубин (1740-1805), земляк М.В. Ломоносова, холмогорский крестьянин. В девятнадцать лет талантливый юноша отправился в Петербург. Сначала он был истопником, а затем учеником Академии художеств (по классу Н. Жилле), совершенствовал свое мастерство за границей. Он создал галерею психологически выразительных скульптурных портретов - бюсты A.M. Голицына (1775), М.Р. Паниной (1770-е), И.Г. Орлова (1778), П.В. Завадовского, М.В. Ломоносова (1790-е).
Ф. Шубин работал не только как портретист, но и как декоратор. Он исполнил 58 овальных мраморных исторических портретов для Чесменского дворца (находятся в Оружейной палате), скульптуры для Мраморного дворца и для Петергофа, статую Екатерины II - законодательницы (1789-1790).
Вместе с отечественными мастерами в России с 1766 по 1778 г. работал французский скульптор Этьенн-Морис
Фальконе (1716-1791). В памятнике Петру I на Сенатской площади он выразил свое понимание личности Петра, ее масштаба и роли в судьбах России. Фальконе писал в письме к Д. Дидро, что стремился воплотить образ созидателя, преобразователя, законодателя. Этот памятник, вынесенный на одну из красивейших площадей Петербурга, стал пластическим образом целой эпохи.
В последней четверти XVIII в. выделился как самостоятельный пейзажный жанр. Истоками пейзажного жанра послужили ведута петровского времени (в гравюре) и фантастические пейзажные фоны в декоративных панно середины XVIII в. Выдающиеся пейзажисты XVIII в. - С.Ф. Щедрин, М.М. Иванов, Ф.Я. Алексеев, Ф.М. Матвеев.
В XVIII в. в России создается одна из богатейших художественных коллекций мира, начало которой положено частными собраниями картин западноевропейских мастеров, приобретенными Екатериной Второй. Музею, датой основания которого считается 1764 г., в Зимнем дворце были поначалу отведены залы Малого Эрмитажа (от фр. ermitage - место уединения). Коллекция произведений искусства пополнялась, в 1852 г. был достроен Новый Эрмитаж, и шедевры стали доступны обозрению публики. В Эрмитаже также устраивались театральные представления и музыкальные вечера.
Русский классицизм превратился в господствующий стиль в последней трети XVIII - первой трети XIX вв. Процесс формирования нации, подъем государственности и небывалый для России расцвет светской культуры были той почвой, которая питала патриотический пафос русского классицизма. Произведения раннего классицизма еще несут на себе следы влияния барокко (1760-1770-е гг.: А.Ф. Кокоринов, Ж.-Б. Валлен-Деламот, Ю.М. Фельтен, К.И. Бланк, Антонио Ринальди). Мастера зрелого классицизма (1770-1790-е гг.) - В.И. Баженов, И.Е. Старов, М.Ф. Казаков - создают строения с пластической дифференциацией фасадов, активно участвующие в организации пространственно-планировочной структуры города. Развивается новый тип камерного дворца (Чарльз Камерон, Джакомо Кваренги), возникает русский вариант палладианства (Н.А. Львов). В Петербурге впервые была поставлена и решена проблема сочетания регулярных начал симметрично-осевой планировки со свободным пространством реки. Разрабатываются регулярные планы более чем четырехсот городов, "образцовые проекты" почти всех типов городских сооружений. Формируются ансамбли центров Полтавы, Твери, Ярославля и др. Величественные ансамбли и отдельные задания (преимущественно в Петербурге) создают А.Д. Захаров, Ж.-Ф. Тома-де-Томон, К.И. Росси, В.П. Стасов. В Москве строительство ведут Д.И. Жилярди, О.И. Вове, А.Г. Григорьев. Особенно характерным для Москвы становится тип небольшого особняка с портиком на фасаде, с уютным интерьером. Многие из этих особняков сгорели в пожаре 1812 г.
Тонким своеобразием и поэтичностью отличаются городские особняки и сельские усадьбы русского классицизма, в которых формы и декор находят органическое воплощение в дереве.
Василий Иванович Баженов (1737-1799). Ученик Чевакинского и Ухтомского, много лет учился и стажировался во Франции и Италии. Один из его первых крупных проектов - Смольный институт благородных девиц. Современники восхищались проектом, но дальше дифирамбов дело не пошло. Реальное здание Смольного возведено Кваренги.
Первый осуществленный проект Баженова находится на Васильевском острове, это дворец для будущего императора Павла. С тех пор он неоднократно перестраивался, но, по свидетельству современников, в первоначальном виде был очень красив.
Баженов переезжает в Москву и здесь дерзает предложить проект перестройки Кремля. По замыслу Баженова, следовало упорядочить присущую московскому Кремлю хаотичность застройки, возвести новый дворец, реконструировать весь архитектурный ансамбль и Красную площадь так, чтобы Кремль превратился в грандиозный общественный форум, к которому стекались бы улицы города. Проект так и не был воплощен - отчасти в этом была виновата эпидемия чумы 1717 г., но главное - Екатерина II воспротивилась возвеличиванию Москвы. Баженов тяжело и болезненно переживал прекращение строительства.
Тем временем Баженов на Ходынском поле строил причудливые деревянные павильоны для празднования победы над турками. Императрице Екатерине понравились павильоны, и она заказала Баженову построить для нее в Москве резиденцию в таком же затейливом духе. На склоне холма, спускающегося к большому пруду, Баженов расположил множество сравнительно небольших строений из красного кирпича. Кирпич был эффектно оттенен вставками из резного белого камня. Десять лет строил Баженов Царицыно. Наконец, императрица посетила постройку и осталась недовольна. Помещения показались ей маленькими и тесными. Дворец для Павла был равен ее дворцу - в этом Екатерина увидела намек на то, что ей пора уходить с престола. Императрица отстраняет Баженова и передает переделку дворца Казакову. Дворец постройки Баженова был снесен, начали возводить новый, по проекту Казакова, но и он не был завершен. Реконструирован дворец в середине 2000-х гг.
Баженов, как считают специалисты, построил и украшение Москвы - знаменитый дом Пашкова на Ваганьковском холме. Большой знаток русской архитектуры И. Грабарь писал: "Трудно найти более совершенное взаимосоотношение частей, чем здесь". Сегодня здание входит в комплекс Российской государственной библиотеки. Оно, по мнению многих, - самый красивый и удачно расположенный дом в Москве.
После этого Баженов строил в Кронштадте казармы, сухарный завод, склады. Тут было не до архитектурных изысков. После смерти Екатерины перед мастером открываются большие перспективы, его одаривают чинами и должностями, ведут речь о новых больших заказах, но поздно. Баженов заболевает и вскоре уходит из жизни.
Чарлз Камерон (1743-1811) - русский архитектор, англичанин по национальности.
К моменту приезда в Россию Камерон был известен как автор книги "Термы римлян". Его и пригласили как специалиста для постройки в Царском Селе "терм". Он должен был возвести дом, "где в одном лице можно было бы встретить Цезаря, Цицерона и Мецената". Впервые получив возможность воплотить свои принципы, Камерон лихорадочно работает над залами Царскосельского дворца и Агатовыми комнатами. Он становится и архитектором Павловска. Позднее он был назначен архитектором при Адмиралтействе, но эта работа не была творческой. Позднее Камерону и А. Захарову поручили грандиозный проект Андреевского собора в Кронштадте и в 1817 г. храм был построен. До наших дней он не сохранился - был разрушен в 1932 г.
Джакомо Кваренги (1744-1817), итальянский архитектор, с молодых лет был популярен у заказчиков. Он работал для Рима, Бергамо, по его проектам строили в Англии, Швеции. В 1780 г. он с семьей приезжает в Москву. Он строит церкви, перестраивает Екатерининский дворец в Москве. Здание Академии наук в Петербурге является одной из самых впечатляющих построек классицизма в России - здание с восьмиколонным портиком ионического ордера и фронтоном, который в проекте был украшен статуями. Затем ему поручают перестроить Эрмитажный театр, что он и сделает с блеском.
Кваренги выигрывает конкурс на постройку для графа Шереметьева усадьбы в Останкино - жемчужины русского классицизма. Мастер строит в этом дворце театр. Затем он возводит Александровский дворец в Царском Селе - архитектурную антитезу Летнему дворцу Растрелли. Александровский дворец - отдельно стоящее открытое здание с типичной для классицизма колоннадой - великолепно вписывается в парк. К сожалению, дворец сильно пострадал от немцев в Великую Отечественную войну и только в наши дни отреставрирован почти полностью.
Позднее он строит два учебных заведения: Екатерининский институт и широко известное здание Смольного института благородных девиц. Оно входит в очаровательный контраст с рядом стоящим Смольным собором и Смольным монастырем, построенными Растрелли. Этот ансамбль является одним из самых красивых в Санкт-Петербурге.
Последней работой архитектора стали Триумфальные Нарвские ворота, установленные в честь победы над Наполеоном. Умер Кваренги в России, считая ее к этому времени своей подлинной родиной.
Карл Иванович Росси (1775-1849) родился в России, учился у В.Ф. Бренна, был в творческой командировке в Италии. По возвращении работал в Москве, а также в Твери. Там он создал ряд проектов как для центра Твери, так и для уездных городов: Торжка, Бежецка, Кашина и др. Многие из этих строений сохранились.
Затем архитектор возвращается в Петербург и получает задание обустроить острова на Неве, тогда еще малозаселенные. Лучшее произведение этого времени у Росси - застройка Елагина острова. На "стрелке", выходящей в море, построен главный дворец. Росси планировал не одно здание в отдельности, его архитектура организовывала окружающее пространство: так, на Елагином острове он разместил и пристань, и мосты, и парк, и оранжерею, и даже кухни и конюшни. Для того времени это один из самых продуманных и гармоничных ансамблей.
Росси поручают несколько крупных сооружений в Петербурге. Он работает над проектом Михайловского дворца, в котором в наши дни расположен Государственный Русский музей. Портик с коринфскими колоннами, фронтон, богато украшенный скульптурой. Здание прекрасно по пропорциям и очень торжественно. Сегодня оно является украшением площади Искусств.
Вместе с Бренна Росси строил также Михайловский замок. Это здание выглядит более приземистым и тяжелым. Произошедшее там убийство императора Павла придает зданию дополнительную мрачность. История Михайловского замка так впечатляет, что ей посвящены многочисленные литературные произведения, в том числе роман Ольги Форш, где главным героем является зодчий Росси. Позднее в замке разместили военно-техническое учебное заведение, он стал называться Инженерным замком. Сегодня оно отдано музеям под выставочный комплекс.
Затем Росси было предложено завершить ансамбль Дворцовой площади. Он проектирует простое, удивительно красивое здание Главного штаба. Оно полукругом опоясывает площадь. Простота здания дополняется красивыми группами коринфских колонн на уровне второго этажа. На улице Миллионной, точнее, над проездом на нее, Росси водружает две арки, одна лицом к площади, другая - к улице. Это оригинальное решение организует большое городское пространство. Арки украшают лепные изображения летящих гениев Славы и скульптурная композиция - колесница Славы с фигурами воинов и крылатой богини Победы - Ники. Над этими скульптурными группами трудились известные мастера С.С. Пименов и В.И. Демут-Малиновский. Подлинная арка сгорела, на ее месте установлена копия.
Грандиозные работы велись Росси при постройке Александрийского театра. Он не только построил одно из красивейших театральных зданий мира, но и преобразовал окружающие его кварталы. Главный фасад театра обращен к Невскому. Перед театром разбит не слишком густой сквер, чтобы зелень не скрывала красоту здания, она должна радовать глаз идущих по тротуару Невского проспекта, а задний фасад выходит в сторону Мойки. Пространство от театра до реки организовано в симметричную улицу, которая сегодня носит название улица Зодчего Росси. На ней всего два одинаковых здания, украшенных по первому этажу аркадами, а по второму - сдвоенными дорическими колоннами. Улица выглядит как торжественный концертный зал, да и используется именно так во время фестиваля "Белые ночи": возле театра сооружается сцена, а сама улица служит партером.
В одном из этих зданий располагалось хореографическое училище, сегодня - Академия танца им. А.Я. Вагановой. Сама великая преподавательница классического танца предостерегала руководство театра, что никогда никуда переносить училища с этой улицы не надо: самые совершенные в мире линии петербургского балета зависят от красоты улицы Зодчего Росси: учащиеся ежедневно получают уроки классической красоты, просто проходя по ней.
Росси участвовал в конкурсе на создание нового фасада для здания Сената. Он вновь предложил комплексное решение, в котором предусматривалась организация не только сенатского фасада, но и преобразование площади Петра Первого с памятником работы Фальконе. Проект Росси был принят. Он сделал фасад Сената и Синода с сильно выступающими пилонами, особенно по сторонам арки и на закругленном углу по набережной. Все здание приобрело торжественный и строгий вид, отвечающий назначению государственного учреждения. Росси был дружен с императором Николаем I и не получил достойного вознаграждения за свои труды. Но во многом именно его стараниями Петербург стал одним из красивейших городов мира.
Классицизм в области живописи в России представлен широко и многообразно. Видными живописцами этого направления были А.П. Лосенко, Г.И. Угрюмов, А.И. Иванов, A.A. Иванов. К наиболее ярким достижениям русского классицизма относится раннее творчество Карла Павловича Брюллова (1799-1852). Он много раз ездил на юг Европа, природа которого тогда рассматривалась как образцово прекрасная. Образование художник получил в духе классицизма уже в России, но к этому его подготовило знакомство с итальянским и западноевропейским искусством. Уже первые выставленные им картины показывают, что молодой художник обладает яркой индивидуальностью, темпераментом, не слишком подходящим к канонам классицизма, однако в этих работах преобладает классическая школа ("Итальянский полдень", "Вирсавия").
Брюллов добивается впечатления непосредственности, живости в бытовых зарисовках, в портретах. В 1830- 1833 гг. художник работает над самой знаменитой своей картиной, прославившей его и в России, и в Европе: "Гибель Помпеи". Известный исторический эпизод - гибель античного города из-за извержения Везувия - трактуется Брюлловым как высокая трагедия. Прекрасные, благородные люди бессильны перед природной стихией, но их стойкость взывает не столько к жалости, сколько к гордости за этих героев. Многое в картине свидетельствует о воспитании художника в духе классицизма: условное построение групп, выразительность фигур, драматизм переживаний, читаемый на лицах помпеян, сложный пейзажный фон. Однако успех картины объясняется не только бурным драматизмом сцены, блеском и яркостью красок, композиционным размахом, скульптурной четкостью и выразительностью форм. Автор убедительно показал, что никакие самые беспощадные и неотвратимые силы не в состоянии уничтожить человека в человеке. Даже в минуту неминуемой гибели каждый из изображенных не столько ищет собственного спасения, сколько стремится прежде всего спасти близких и дорогих для него людей.
Триумф, пережитый творением Брюллова, знали немногие художественные произведения. Когда автор прибыл в Одессу, то уже там начались чествования, а особенно восторженно его встречали в Москве - поэтическими строфами Е.А. Баратынского:
Принес ты мирные трофеи
С собой в отеческую сень,
И стал "Последний день Помпеи"
Для русской кисти первый день!
На произведении Брюллова лежит четкий отпечаток влияния романтизма. Он сказывается и в выборе темы, и в ее трактовке, и в тревожном огненном колорите. Но, с другой стороны, нельзя не видеть, что художник стремится раскрыть красоту человека прежде всего в гармонии и совершенстве, что характерно для академизма. Художника не случайно называли "гением компромисса" между идеалами классицизма и нововведениями романтизма.
В последующие годы Брюллов становится мастером парадного портрета, создавая подлинные шедевры. Такова "Всадница", портрет Джованнины Пачини; портреты В.А. Перовского, Ю.П. Самойловой с Амалией Пачини. Более строгие и сдержанные портреты Брюллова принадлежат к крупным достижениям русского реалистического портрета (автопортрет, портреты Н.В. Кукольника, И.А. Крылова, А.Н. Струговщикова). В этой живописи видно стремление к психологизму, к раскрытию сложного характера и внутреннего мира изображаемых персон.
Группа учеников и последователей Карла Брюллова организовала так называемую брюлловскую школу. К сожалению, они усвоили только внешние приемы художника, идиллические черты его поисков. Они остались в рамках салонного сентиментализма и красивости. К наиболее известным художникам этой школы относятся Я.Ф. Капков, A.M. Максимов, П.Н. Орлов и др. Многие исследователи причисляют сюда и Тараса Шевченко. Он действительно испытал в молодости сильное влияние Брюллова и как личности, и как художника. Но позднее он нашел собственный путь.
Начало XIX в. ознаменовалось в искусстве расцветом романтизма. Представителем романтического направления в живописи был русский художник и рисовальщик Орест Кипренский (1782-1836). Он рос в семье дворового человека, но, как полагают, был незаконнорожденным сыном хозяина усадьбы, который определил его в Академию художеств, даровал вольную. Очень скоро после окончания Академии Кипренский получает широкую известность как портретист. Среди его героев - многие выдающиеся люди того времени. Одно из лучших его творений - портрет гусара Евграфа Васильевича Давыдова, двоюродного брата героя войны 1812 г. Дениса Давыдова. В портрете прежде всего передается страстность характера героя. Она сквозит во всем его облике - в несколько картинной позе, в горячем взгляде темных глаз, в непокорных завитках волос. Давыдов изображен на фоне пейзажа с грозовыми тучами, предвещающими очистительную грозу. Давыдов у Кипренского - типизированный образ романтического героического современника, будущего участника войны 1812 г.
Другой известный портрет - прижизненный портрет Александра Сергеевича Пушкина. В послании к художнику A.C. Пушкин писал о портрете: "Себя, как в зеркале, я вижу, но это зеркало мне льстит". После смерти лицейского друга А. Дельвига Пушкин выкупил портрет у его вдовы. И портрет всегда висел в рабочем кабинете петербургской квартиры поэта. Полотно исполнено в гамме черно-коричневых тонов, сдержанность которых подчеркивается клетчатой подкладкой плаща, переброшенного через плечо. Руки, скрещенные на груди, придают фигуре устойчивость. Произведение показывает неколебимость духа поэта в годы тяжких испытаний, выпавших на долю передовых людей России после поражения восстания декабристов. Кипренский первый из русских живописцев завоевал всеевропейское признание, или, как сказал другой знаменитый художник - A.A. Иванов, "первый внес имя русское в известность в Европе". В портретах Кипренского находят воплощение тонкая духовность, сложная внутренняя жизнь человека, его творческая индивидуальность.
Романтизм оказал существенное влияние на формирование русского пейзажа (работы С.Ф. Щедрина (1791 -1830), М.Н. Воробьева (1787-1855). К романтикам относят обычно и известного художника-мариниста И.К. Айвазовского (1817-1900).
Традиции романтизма ощущались в русской художественной культуре на протяжении всего XIX в. Наряду с этим уже в 1830-е гг. начинает складываться мощное направление реалистического искусства. Достаточно вспомнить творчество А.Г. Венецианова (1780-1847), одного из основоположников бытового жанра ("На пашне", "Захарка", "На жатве" и т.д.), работы в батальном жанре В.В. Верещагина (1842-1904), художника, лично принимавшего участие в боевых действиях и показавшего ужасы войны в ее непарадных проявлениях: кровь, раны, тяжелый повседневный труд простых солдат, трагизм смерти, ставшей обыденностью ("Апофеоз войны", 1871, "Балканская серия", 1877-1881).
Родоначальником критического реализма в русской живописи принято считать П.А. Федотова (1815-1852). Выросший в небогатой семье в патриархальном Замоскворечье, обладая наблюдательностью, он точно передал в картинах дух и нравы купечества ("Разборчивая невеста", "Сватовство майора"). Юмором и даже иронией проникнуты сюжеты картин "Свежий кавалер", "Завтрак аристократа" ("Утро чиновника, получившего первый крестик"), "Львица" ("Жена-модница"), печалью веет на зрителя от милого лица молодой вдовы ("Вдовушка"). Федотов - признанный мастер детали, каждый предмет на его "сюжетных" картинах не только придает изображению достоверность, но и несет в себе дополнительную смысловую нагрузку, позволяющую глубже понять характер изображаемых персонажей.
Шагом на пути к реализму, сделанному исторической живописью, явилась картина "Явление Христа народу" Александра Андреевича Иванова (1806-1858). A.A. Иванов был сыном профессора, учился в Академии художеств и при выпуске был отмечен Большой золотой медалью. Это дало ему право на поездку в Италию, где он посвятил все последующие годы поискам сюжета для большой картины с глубоким морально-философским содержанием, а затем осуществлению замысла.
В картине "Явление Христа народу" (1837-1857) Иванов показал иудеев, принимающих крещение на реке Иордан. В этот момент происходит чудо - к народу является тот, чей приход должен был произвести коренной переворот в жизни человечества. Картина создавалась более двадцати лет. За это время изменились исторические условия, что вызвало эволюцию образов картины. Наименее выразительным получился образ Христа, а на первый план выдвинулась народная масса, в которой самое глубокое впечатление производит образ раба.
Он написан рядом с фигурой своего владельца, сидящего спиной к зрителю и одевающегося после крещения. Приняв новую веру, хозяин решил не обращать в нее раба, так как считал, что догмат христианства "все люди - братья" может распространяться после крещения только на людей свободных. Однако раб верит, что Христос несет новые жизненные заповеди для всех - и для свободных, и для рабов. Помогая хозяину одеться, он повернул голову в сторону Иоанна Крестителя, возвещающего о появлении Христа, и улыбка надежды осветила его болезненное, изборожденное морщинами лицо. Образ раба воспринимается как обобщенный образ всего угнетенного и страдающего народа. В этом образе художник передал и печать многолетних унижений, и благородную красоту человеческого духа, и веру в грядущее освобождение. Сила эмоционального воздействия картины заключается в том, что художник пытался передать религиозный сюжет как реальное событие. Он сделал массу этюдов, писал с натуры пейзаж, изучал геологическое строение русла реки Иордан, чтобы добиться наибольшего правдоподобия.
Ярким представителем нарождающегося критического направления в живописи был Василий Григорьевич Перов (1834-1882). Художник с обличительным пафосом показывает разные стороны простой будничной жизни: неприглядный облик некоторых священнослужителей ("Сельский крестный ход на Пасхе", "Чаепитие в Мытищах"), беспросветную жизнь русских крестьян ("Проводы покойника", "Последний кабак у заставы"), быт городской бедноты ("Тро