Ар-деко́,— течение в декоративном искусстве первой половины XX века, проявившееся в архитектуре, моде и живописи. Представляло собой синтез модерна и неоклассицизма. Отличительные черты — строгая закономерность, этнические геометрические узоры, роскошь, шик, дорогие, современные материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа, алюминий, редкие породы дерева, серебро). В США, Нидерландах, Франции и некоторых других странах ар-деко постепенно эволюционировал в сторону функционализма.
Международная выставка, прошедшая в 1925 году в Париже и официально называвшаяся, дала жизнь термину «ар-деко». На этой выставке миру были показаны предметы роскоши французского производства, доказавшие, что Париж остался интернациональным центром стиля и после Первой мировой войны.
Мастера ар-деко любили использовать такие материалы, как алюминий, нержавеющая сталь, эмаль, инкрустации по дереву, кожа акулы и зебры. Мы видим смелое применение зигзагообразных и ступенчатых форм, широких и энергичных кривых линий (в отличие от мягких текучих кривых модерна), мотивов шеврона и клавиш фортепьяно. Некоторые из этих декоративных мотивов стали повсеместными, например, узор клавиш, который встречался в дизайне дамской обуви, батарей отопления, лекционных залов Радио Мьюзик Холла (Radio City Music Hall) и шпиля небоскреба Крайслер билдинг. В этом стиле охотно оформлялись интерьеры кинотеатров и океанских лайнеров, таких как «Иль де Франс» (Ile de France) и «Нормандия» (Normandie). Ар-деко был стилем роскошным, и считается, что это роскошество — психологическая реакция на аскетизм и ограничения в годы Первой мировой войны.
Ар-деко незаметно исчез после подъема массового производства, когда к нему стали относится как к кричащему, безвкусному и поддельно-роскошному. Окончательный конец этому стилю положили лишения Второй мировой войны.
23. Предвоенный дизайн в России. Краткий обзор. Московский Метрополитен -лучший в мире».*
В молодой Советской России, в условиях отсталого, но находящегося на подъеме производства, художники становились изобретателями и пропагандистами вещей. Именно благодаря художникам, а не механизмам рынка, появлялись новые вещи, рассчитанные на нового потребителя, часто благодаря художникам перестраивалось производство. Попутно дизайнер (художник) выполнял на производстве и совершенно ему несвойственные функции: грамотного инженера, организатора оформления производственной среды. Идея стандартизации в 30-е годы шла в производство в том числе и из дизайна, и была связана с принципами авангарда 20-х годов, представлявшего весь мир, и предметный в том числе, в виде комбинаций из заданных форм-элементов.
Развитие советского дизайна в 30-е годы шло в трех основных направлениях: конструирование новой техники, оформительское искусство и самодеятельное техническое творчество и изобретательство. В это время в СССР вводились первые общесоюзные стандарты на комплектующие изделия, широко внедрялась технология штамповки и объемного формования, помимо расчета конструкций на прочность, в условиях развития транспорта, новых скоростей, инженеры начинали учитывать и аэродинамическое сопротивление. Не только в авиации, автомобилестроении, электротехнике, но ив бытовых приборах, светильниках, мебели стали применять пластмассы (бакелит, целулоид, плексиглас) и новые декоративные защитные покрытия металла (хромирование и никелирование).
Несмотря на то, что обтекаемые формы в критических статьях называли «буржуазной» модой, аэродинамичность форм нельзя было отменить правительственными постановлениями, она получала все большее распространение.
Появление аэродинамических форм было вызвано не только модой, но и новыми технологиями объемного формования, штамповки, которые все больше использовались в промышленности. От конструкций рам и внутренних каркасов дизайнеры и инженеры переходили к конструкциям-оболочкам. В автомобилестроении это получило название «несущий кузов».В 30-е годы массовое техническое творчество, изобретательство захватило не только инженеров и рабочих, но и художников, а также представителей других профессий. В фантастических проектах воплощались технические мечты о будущем, об освоении морских глубин и воздушных океанов, о новых скоростях и т.д.
Моско́вский метрополите́н — метрополитен в Москве и, частично, в Московской области. Является рельсовым внеуличным общественным транспортом на электрической тяге. Это вторая по интенсивности использования система метро в мире после метрополитена Токио. Московское метро известно также богатой отделкой многих станций с образцами искусства эпохи социалистического реализма.
Первая линия открылась 15 мая 1935 года и шла от станции «Сокольники» до станции «Парк культуры», с ответвлением на «Смоленскую». Метрополитен первоначально носил имя Л. М. Кагановича. С 1955 года метрополитен носит имя В. И. Ленина. Эксплуатацию метрополитена осуществляет ГУП «Московский метрополитен».
Система состоит из 12 линий (включая линию лёгкого метро) общей протяжённостью 305,7 км (в двухпутном исчислении). В московском метро 185 станций (на конец 2011 года)[1], 44 из которых признаны объектами культурного наследия[2]. До 2020 года по планам правительства Москвы будут построены ещё 67 станций, а протяжённость подземки возрастёт на 145,5 км
24. От большой робы к джинсам. Кристиан Диор. Новый взгляд на развитие моды, (послевоенный дизайн).*
Вторая мировая война оказала сильное влияние на весь предметный дизайн. Воюющие страны радикально сократили потребление сырья частными предпринимателями. Фабрики выпускали в основном военную продукцию. В Великобритании в 1941 году была введена специальная программа, направленная на экономию ресурсов. Обработка серебра и алюминия были практически прекращены. Применяемые в текстильном производстве краски требовали согласования.
Одной из особенностей послевоенного развития дизайна было массовое появление различных административно-научно-пропагандистских структур, призванных содействовать его внедрению в производство. Государственная власть, заинтересованная в развитии национальной промышленности и торговли, очень быстро поняла значение дизайна в этом процессе.
От большой робы к джинсам. Новый взгляд на развитие моды. Кристиан Диор (Christian Dior, 1905-1957 гг.)
Выдающийся французский кутюрье, создатель "нового стиля" ("The New Look") в моде послевоенного периода, основатель фирмы "Диор". Первая коллекция Диора "Чашечка цветка", показанная 12 февраля 1947 г. в Доме Диора произвела переворот в моде и принесла Диору мировую славу. Диор отказался от канонов суровой, экономной одежды военных лет: костюмы, напоминающие военную форму, приподнятые квадратные плечи, прямые юбки длиной чуть ниже колена. Юбилейная коллекция Диор.
25. Поп - арт, поп- дизайн - культура для молодых.*
Поп-арт (англ. Pop-art, сокращение от popular art - отрывистый удар, хлопок) - направление в изобразительном искусстве 1950-1960-х годов, возникшее как реакция на абстрактный экспрессионизм, использующие образы продуктов потребления.
Поп-арт создан, чтобы удивлять людей своим дизайном. В дизайне интерьера поп-арт выглядит необычно, экспрессивно, контрастно, ярко. Основные черты поп-арта: радужные цвета, броские формы, использование пластика, повторяющиеся элементы.
Поп-арт открыто оспаривал принципы "хорошего дизайна", отрицал модерн и его ценности. Поп-арт возвел в ранг произведения искусства обычные бытовые предметы из окружающего нас повседневного мира и изображения людей. После чего смешал все это ярким колоритом или причудливой формой и использовал в качестве произведения искусства. Поп-арт показывает себя как эмоциональный и энергичный стиль, как взрыв эмоций.
рисованные изображения больших размеров; картины, активно эксплуатирующие изображения банок кока-колы и супа Campbell, а также образы знаменитостей Мэрилин Монро, Элвиса Пресли, Мао Дзедуна;
Использование повторяющихся мотивов, как для акцента (постеры и картины), так и для фона (настенная плитка, ковры с растиражированным рисунком);
Основные материалы: синтетика, пластмасса, бумага, металл. Для мебели свойственны абстрактный рисунок, кричащая расцветка, глянцевые поверхности и, конечно же, пластик. Неонове краски, яркая расцветка, комиксы и множество интересных деталей, в выборе которых нет ограничений.
Наиболее известные произведения поп-арт стиля: коллажи Роберта Раушенберга - сочетание масляной краски и вырезок из газет и рекламных изданий; картинки комиксов больших размеров Роя Лихтенштейна; гигантские пирожные Класа Ольденбурга из окрашенного гипса, а также куски торта и гамбургеры размером с машину, сшитые из парусины и плюша, а также работы Джаспера Джонса, Джеймса Розенквиста и конечно Энди Уорхола.