В 1737 году после опустошительных пожаров 1736 года и лета 1737 была создана "Комиссия о Санкт-Петербургском строении", на которую было возложено руководство всей застройкой города и его благоустройством. В нее вошел крупнейший градостроитель и один из наиболее просвещенных людей своего времени П.М.Еропкин, разработавший в 1737-1740 годах вполне реальный, глубоко продуманный план перестройки и развития Петербурга, по которому продолжалась застройка города в течение нескольких следующих десятилетий. В основу его была положена трехлучевая планировочная система центральной части города, намеченная еще зодчими петровского времени, в соответствии с которой в 1738 году была проложена между уже существовавшими проспектами Невским (1711 г.) и Вознесенским Гороховая улица. Основные элементы планировки города, его улицы и площади, намеченные этим планом, были впоследствии осуществлены и в основном сохранились до нашего времени.
В 1740-1750 годах в архитектуре получили распространение переосмысленные формы и приемы западноевропейского барокко и традиции национального зодчества, соединившиеся в своеобразном национальном стиле - русском барокко. C наибольшей полнотой этот стиль воплотился в произведениях архитектора Ф.-Б.Растрелли. Грандиозные размеры, богатство фантазии, сложность и в тоже время четкость объемно-пространственной структуры отличают Зимний дворец (1754-1764 гг.), парадно и торжественно выглядят дворцы Воронцова (1749-1757) и Строганова (1752-1754). Наиболее совершенное создание гения - ансамбль Смольного монастыря (1748-1764 гг., закончен в 1831-1836 гг. В.И.Стасовым). Это не только лучшая жемчужина в творчестве Растрелли, но и наиболее "русское" из его произведений. Яркий выразитель эпохи, он наложил печать своего личного вкуса на все творчество его сверстников и учеников. Наряду с сотнями безымянных зодчих школы Растрелли в его время работало несколько мастеров, пользовавшихся в Петербурге большой репутацией. К ним прежде всего должен быть отнесен сын петровского зодчего Доменико Трезини Пьетро Антонио Трезини. За Трезини-сыном упрочилась репутация специалиста по церковным сооружениям, ему принадлежит главная роль в проектировании ансамбля Александро-Невской монастыря в том виде, как он существует ныне. По его проекту была создана Федоро-Никольская церковь (1754 г). Более заметной величиной и более ярким дарованием был русский современник Растрелли, его ученик С.И.Чевакинский. Никольский собор (1753-1762 гг) Чевакинского является одним из самых блестящих образцов барокко в Роcсии.
Монументальные здания, сооруженные по проектам Растрелли и современных ему русских зодчих, отличаются пышностью, богатством декоративного убранства, имеют ярко выраженный торжественный характер. Их самобытный архитектурный стиль, является своеобразным сочетанием переработанных классических архитектурных форм и национального русского декоративного искусства.
Пришедший на смену барокко русский классицизм вполне отвечал новым задачам и новым эстетическим вкусам передовых людей того времени. В сооружениях классицизма красота простых, строгих архитектурных форм сочеталась с требованиями удобства планировки. Большой вклад в формирование классицизма в архитектуре России, в частности Петербурга, на первом этапе развития этого стиля сделали его основоположники - великий русский зодчий В.И.Баженов,
по проекту которого архитектор В.Ф.Бренна построил Михайловский (Инженерный) замок (1797-1800), и И.Е.Старов, создатель Таврического дворца (1783-1789) и Троицкого собора Александро-Невской лавры (1778-1790)
В развитии классицизма в русской архитектуре большую роль сыграл в конце XVIII - начале XIX вв. Дж.Кваренги: им построены главное здание Академии наук (1783-1789), здание Ассигнационного банка на Садовой ул. (1783-1790), Эрмитажный театр с аркой через Зимнюю канавку (1783-1787 гг.), Смольный институт (1806-1809 гг.), Малый Гостиный двор (1790-е гг.) и другие сооружения. Е.Т.Соколов выстроил здание Публичной библиотеки на углу Невского проспекта и Садовой ул. (1796- 1801 гг.). Наивысшего расцвета градостроительство эпохи русского классицизма достигло в первой трети XIX в., когда в Петербурге был создан ряд выдающихся произведений русской и мировой архитектуры - монументальных общественных зданий и дворцов, были завершены главнейшие, начатые еще в XVIII в. ансамбли в центре города. Вопросами планировки и благоустройства города ведал с 1802 г. "Комитет для управления городских повинностей". В 1808 г. был создан "Комитет городских строений", на который были возложены строительство и ремонт всех казенных зданий. В 1816 г был организован "Комитет для строений и гидравлических работ", ведавший до 1842 г. регулированием всей застройки города. Руководящую роль играли в нем К.И.Росси, В.П.Стасов, А.А.Михайлов, председателем комитета был видный инженер А.А.Бетанкур. В этот период А.Н.Воронихин построил здание Казанского собора (1801-1811 гг.) у Невского проспекта и здание Горного института на набережной Невы (1806-1811 гг.). На Биржевой стрелке Васильевского острова архитектором Тома де Томоном были возведены величественное здание Биржи (1805-1810 гг., ныне Центральный военно-морской музей) и две Ростральные колонны (1806 г.). Одним из крупнейших русских мастеров, сумевших создать свою, "русскую классику", был А.Д.Захаров. Самой замечательной его работой является здание Адмиралтейства (1806-1823). В этом произведении вылились не только все лучшие идеи мастера, в нем, как в фокусе, отразилась вся архитектурная эпоха. В.П.Стасов построил на Марсовом поле Павловские казармы (1817-1820). Лучшим созданием Стасова является Триумфальная арка у Московских ворот (1833-1838). Весьма важное для города значение имели ансамбли и отдельные здания, созданные между 1818 и 1834 гг. Карлом Ивановичем Росси. Первой работой Росси был Елагинский дворец(1818-1822) с парком, павильонами и службами (1818-1822), перестроенный по распоряжению императора Александра I из ранее существовавшего небольшого здания. В 1819 году Росси была поручена постройка дворца для великого князя Михаила Павловича. Михайловский дворец (1819-1825, ныне Русский музей) с его роскошным коринфским портиком в центре, с низкими флигелями дорического ордера в контраст с главным фасадом, - один из прекраснейших архитектурных памятников эпохи. Общая перестройка здания Главного штаба продолжалась с 1819 по 1829 гг. Росси взял самое простое решение: правильное полукружие для площади с прорезанной в центре монументальной аркой для проезда на Морскую улицу, завершившее ансамбль Дворцовой площади. Из других зодчих первой половины XIX в. следует отметить А.А.Монферрана, построившего с помощью выдающихся русских архитекторов и инженеров монументальный Исаакиевский собор (1818-1858) и создавшего замечательную своими пропорциями и строгой красотой Александровскую колонну (1830-1834) на Дворцовой площади, А.П.Брюллова, построившего на той же площади здание Штаба Гвардейского корпуса (1837-1840)
17. Творчество русских живописцев эпохи Романтизма первая половина Х1Х
в. (А. Иванов, К Брюллов, Венецианов)
Карл Павлович Брюллов по праву заслужил звание гениального мастера кисти. Вы находитесь на сайте, посвященном его жизни и творчеству.
В своем стремлении глубже осмыслить пути и тенденции развития живописи искусствоведы создают целую классификацию направлений и обширную картотеку понятий и терминов, способствующих более четкому и внятному описанию художественного наследия тех или иных мастеров кисти. Но есть личности, не вписывающиеся в общепринятые каноны, выходящие за их рамки, разрушающие сложившиеся стереотипы. Одним из таких талантливейших живописцев был Карл Павлович Брюллов. Главным отличием творчества художника от произведений многих его российских современников следует назвать наднациональный масштаб дарования этого уникального виртуоза живописи.
Потомок прадеда, прибывшего в Россию из Франции, сын живописца-миниатюриста, академика орнаментной скульптуры, Карл Брюллов с первых дней своей жизни находился в атмосфере искренней и глубокой любви к искусству. Его отец старательно развивал в детях умение рисовать и ценить прекрасное. Благодаря домашним занятиям и редкостной одаренности Карл заметно выделялся из общего ряда учеников Академии, в которую он поступил в 1809 году. Его острый глаз, развитое чувство пропорций, точная, выверенная и одновременно пластичная постановка рисунка, подкрепляемая упорной практикой, позволили Карлу далеко обогнать в мастерстве своих однокашников. Брюллов яснее многих других ощущал веяния романтизма, пошатнувшего классические каноны и в российской литературе, и в живописи. Его все больше привлекал жанрпортрета, позволяющий передать индивидуальные черты личности, отразить живой характер конкретного человека.
После создания в 1821 году в Петербурге Общества поощрения художников Карл Брюллов и его брат Александр были удостоены высокой чести стать первыми молодыми живописцами, отправленными за счет общественных средств в Европу. Знакомство с лучшими образцами живописи, скульптуры и архитектуры Германии, Австрии, Италии потрясло Карла Павловича. Готические храмы, полотна Тициана, Рафаэля, Леонардо, античные статуи полностью перевернули его представление об изобразительном искусстве. Бурлящая вокруг жизнь все сильнее притягивала живописца своим многообразием и яркостью. За годы работы в Италии он практически полностью отошел от мифологических сюжетов и создал множество образцов великолепной жанровой и портретной живописи.
В стремлении познавать новое Карл Брюллов освоил самые различные изобразительные техники. Его интересовало все – масло и акварель, сепия и рисунок. В свои произведения художник вложил собственное понимание живописи, значительно расширившееся под влиянием знакомства с лучшими образцами работ старых мастеров, тонкое чувство формы, удивительную пластичность. В портретной живописи Брюллов создалотдельное направление, названное впоследствии «романтическим портретом», в котором весьма существенную роль играл цвет, помогавший выразительнее и ярче передать настроение и характер персонажей.Мастерство живописца заметно росло. Если некоторые из ранних его портретов напоминали глянцевые картинки, то в более поздних работах Брюллов достиг глубоко индивидуального подхода, позволившего ему создать широкий ряд уникальныхпсихологических образов, ставших подлинными свидетельствами эпохи.
Но главным достижением живописца современники признали его поистине монументальное историческое полотно «Последний день Помпеи». На написание картины, размер которой составил около тридцати квадратных метров, от первого замысла до завершения потребовалось целых шесть лет. Триумф и слава обрушились на мастера. Его произведение с восторгом и благоговением встретили Рим и Париж, прежде чем оно прибыло в Россию следом за своим гениальным создателем, вызванным ранее приказом императора.
Однако на родине далеко не все по достоинству оценили творчество живописца. Вскоре после пышной встречи волна славословий схлынула, и начались трудности. Смелость и новизна в подходе к написанию многих полотен вызывали обилие критических отзывов. Карл Брюллов не смог стать таким же талантливым педагогом Академии, каким он был мастером живописи. Заказ императора на написание исторической картины «Осада Пскова польским королем Стефаном Баторием в 1581 году» остался невыполненным. Тяжелый труд над росписью Исаакиевского собора и петербургский климат подорвали здоровье Карла. У художника обнаружилась серьезная болезнь сердца, вынудившая его отправиться на лечение сначала на остров Мадейру, а затем в Италию. Еще несколько лет он смог время от времени посвящать себя живописи прежде, чем умер в местечке Маршано близ Рима.
Обширнейшее творческое наследие гениального мастера кисти входит в «золотой фонд» во многих музеях и частных коллекциях мира. Его монументальное историческое полотно «Последний день Помпеи», находящееся в Русском музее Санкт-Петербурга, по-прежнему потрясает все новые поколения зрителей своей масштабностью, мастерством исполнения и драматичностью сюжета.
Работы Венецианова, столь содержательные и поэтичные, совершенные по исполнению, снисходительно причислялись в свое время к «упражнениям в домашнем роде». «Бытовой жанр» не считался ими равноправным среди других жанров. Скорее всего, именно разговоры о якобы неспособности Венецианова работать в области «благородной» академической темы заставили художника в 1829 году создать картину «Купальщицы».
«Здесь он прибегнул к традиционному для Академии сочетанию двух фигур - одной в рост, другой - присевшей и изображенной со спины, - пишет Э.В. Кузнецова. - Но этим и кончается связь этой композиции с академическими канонами. Купальщицы Венецианова - это обычные русские крестьянки со здоровыми и красивыми телами, сильными руками, чуть покрасневшими коленями. Несмотря на некоторую условность изображения, в целом в картине ощущается живое и искреннее чувство».
В 1830 году стараниями высокопоставленных доброжелателей Венецианов получил звание императорского живописца, ежегодное жалование и орден св. Владимира. А в следующем году после продолжительной болезни умерла жена, оставив ему двух малолетних дочерей. Не радовало и хозяйство в милом сердцу Сафонкове. Имение пришлось заложить в опекунском совете. В декабре 1836 года художник слег и сам.
Он пишет: «В 57 лет у человека, который жил не для того, чтобы есть, а ел для того, чтобы жить, желудок внутреннего существования спотыкается. Вот, мой почтеннейший, 24 декабря, сиречь в сочельник, я и споткнулся, мне и руду пускали, от роду первый раз, и снадобья в рот влили. Дня через два-три я глядь - ан рыло на стороне, однако и теперь косит, да не так. Отняли у меня кофе, водку, вино, крепкой и горячий чай, сигары, а дали суп из телятины, што со снегу, да воду с кремотартаром. Мне велено жить на улице, и я, невзирая на вьюгу и мороз, брожу - да как же, раз по пяти и по шести в день... Устал…»
К счастью, все обошлось. В сороковые годы Венецианов напряженно и плодотворно работает. Среди лучших его картин - «Спящая девушка», «Гадание на картах», «Девушка с гармоникой», «Крестьянская девушка за вышиванием». Колорит картин этого времени приобретает большую насыщенность, пестроту и декоративность по сравнению с прежними вещами.
Жизнь его оборвалась случайно. По дороге в Тверь, где он должен был расписывать иконостас в соборе, художник не справился с управлением санями, которые врезались в высокие каменные ворота. Выброшенный на дорогу Венецианов умер раньше, чем к нему подоспела помощь. Это случилось 16 декабря 1847 года.
18. Живопись русского Реализма: П. Федотов.
19. Наследие художников-передвижников старшего поколения (В. Перов,
А. Саврасов, И. Крамской и др.).
20. Русская музыка второй половины Х1Х в. (Глинка, П. Чайковский, композиторы «Могучей кучки»).
21. Западноевропейские стили XVIII в.(Барокко, Рококо, Классицизм)
Барокко (от итал. barocco, франц.
baroque – «странный, неправильный»)
зародился в Риме в XVI-XVII веках.
Этот стиль интерьера очень трудно
перепутать с каким-либо еще.
Стиль Барокко впервые в истории
архитектуры соединил два понятия
стиля и образа жизни. Чувственно
телесная радость бытия, трагические
конфликты составляют основу
прекрасного и источник вдохновения
стиля Барокко. В дизайне интерьера
Барокко стремится к величию,
пышности, пространственному
размаху, массивности. Изменчивость,
причудливая игра образов в
интерьерах этого стиля была сравнима
со сложностью настроения морской
раковины, в честь которой он был
назван. Барокко – это итальянское
слово, которым назван стиль интерьера,
означает раковину вычурной формы.
Главные черты, отличающие стиль
интерьера Барокко, – это повышенная
динамичность и пышность форм,
беспокойный ритм кривых линий и
всевозможные эффекты освещения.
Барочному интерьеру присущи
яркие краски, богатая игра света и
тени, сложные изогнутые очертания
элементов интерьера. Барокко
открывает совершенно новые
возможности стены. Стена как бы
лишается самой главной своей черты
– надежности и монументальности,
приобретает небывалую прежде
пластику и динамику в интерьере.
В интерьере внимания появляется
изысканная усложненность: изогнутые
линии, красивые камины, красочная
инкрустация, динамичные по формам
стулья, кресла, диваны, кровати-
шатры с балдахинами и большие,
опускающиеся до самого пола,
зеркала – все это придает интерьеру
роскошность и помпезность богатых
аристократических дворцов.
Стиль Рококо (от франц. rocaille
– «раковина, изделие из ракушек»)
зародился во Франции в начале
XVIII века. Придя на смену тяжелому
Барокко, Рококо отличался легкостью
и изяществом. Название произошло
от двух слов: барокко и рокайль –
«декоративная отделка камешками
и ракушками гротов и фонтанов».
Элементами орнамента являлись
арабески и различные завитки. Их
можно было встретить повсюду – на
обивочных тканях, обоях. особое
внимание уделялось цветам. Букеты
в стиле Рококо – неотъемлемая часть
интерьера. Использовались различные
цветы: орхидеи, гиацинты, лилии. В
отличие от Барокко, мебель в стиле
Рококо была более плавной и изящной.
В основном использовались пастельные
тона, также присутствовала позолота.
«Пузатые» комоды считались очень
популярными в эпоху Рококо. Эпоха
Рококо – время удовлетворенных
женских капризов, потому имеет
немного легкомысленные предметы
меблировки. В этот период появляется
секретер на высоких ножках с откидной
доской для письма и туалетный столик
с зеркалом, словно созданный для
дамских секретов. Интерьер в стиле
Рококо допускает закругленные углы
комнат, позолоченные зеркала, стены,
украшенные резными панелями.
В колорите преобладают нежно-
пастельные полутона: розовый,
светло-голубой, фисташковый,
лиловый, а также сочетания белого с
золотым. Характерные черты стиля
Рококо снова популярны. В их основе
– театрализованная игра, уход из
реальности в яркий фантастический
мир. В этом мире господствуют изящные
легкие интерьеры, пропитанные
духом интимности и созданные для
максимального комфорта
классицизм (от лат. classicus –
«образцовый») именуют последним
королевским стилем или «стилем
Людовика XVI». Стиль Классицизм взял
за основу античность, геометрические
формы, сдержанный декор и дорогие,
качественные материалы (натуральное
дерево, камень, шелк и др.). Роскошь
декора приобрела в интерьерах
Классицизма монументальный и
величественный характер, спокойствие
и утонченность. Этот стиль создает
эффект большого, масштабного
пространства независимо от реальных
размеров комнаты. Симметричность
и точность являются отличительными
чертами классического стиля
интерьера. Цветовая гамма – без
резких, смелых, кричащих красок.
Подойдут спокойные, нейтральные, но
теплые тона: все оттенки коричневого,
песочный, оливковый. В обоях и
коврах лучше отдать предпочтение
однотонным или с неброским рисунком,
чтобы не нарушать целостности
пространства. Интерьер, оформленный
в классическом стиле, – это обычно
помещение правильной формы,
излучающее покой и основательность.
Интерьер в стиле Классицизм не
чрезмерен, не перегружен деталями,
исполнен сдержанности и достоинства,
вкуса и респектабельности. Предметов
мебели здесь не много, но все они
просты и устойчивы. окна лучше
занавешивать шторами: легкие дневные
занавеси – тюль, а поверх – плотные
ночные шторы, например, из бархата.
Мебель из натурального дерева
(ореха, вишни, карельской березы),
украшенная резьбой, позолотой,
инкрустированная редкими породами
дерева, перламутром, бронзой. Линии
все больше выпрямляются, ножки
теряют прежний изгиб и сужаются
к низу, подчеркивается их функция
опорных конструкций.
22. Западноевропейская живопись. Ампир (первая треть Х1Х в.)
мпир (фр. empire - империя) - термин, который применяют в искусствоведении к западно-европейского классицизма времен империи Наполеона, преимущественно в архитектуре, портретном живописи и декоративно-прикладном искусстве.
Москва, Триумфальная арка.
Для Ампир характерно обращение к традициям императорского Рима с его стремлением к строгой величия и помпезности, холодной элегантности.
В декоративном оформлении архитектурных сооружений, мебели и проч. применяются военные эмблемы, оружие времен Древнего Рима, лавровые венцы, крылатые грифоны, сфинксы, львы и др..