Первым художественным течением, которое обогатило культуру XX столетия, был фовизм. Его название произошло от французского слова fauve — «дикие», а появилось оно после Осеннего салона 1905 г., где представили свои работы Анри Матисс, Андре Дерен, Морис де Вламинк, Жорж Руо, Кес ван Донген, Альбер Марке и другие художники. Критик Луи Воксель заметил, что оказавшаяся в том же зале статуя, которая была выполнена в стилистике итальянского Возрождения, поражает своей наивностью, словно «Донателло среди диких зверей». Определение, подхваченное Матиссом, прижилось. Спустя короткое время «дикими» стали называть себя и русские, и немецкие художники — приверженцы нового искусства. Ранее неизвестный фовизм вдруг обнаружил признаки вполне сложившегося течения.Общих интересов у художников входивших в это течение много: это увлечение живописью Гогена и Ван Гога,и увлечение восточным и примитивным искусством. Фовисты не считались ни с какими установленными в европейской живописи законами: перспективы, светотени, постепенного сгущения или смягчения цвета, первенства рисунка в структуре картины. «Исходный пункт фовизма, — писал Матисс, — решительное возвращение к красивым синим, красивым красным, красивым жёлтым — первичным элементам, которые будоражат наши чувства до самых глубин».Импрессионизм рядом с полотнами фовистов выглядел вполне традиционным, реалистическим искусством.
Анри Матисс родился во Франции.Его отец мечтал видеть сына адвокатом. Матисс благополучно выдержал экзамен на факультете права в Париже и, вернувшись на родину, поступил в адвокатскую контору. Но вскоре он увлёкся живописью. Успехи на курсах рисования и поддержка учителей сломили упорство отца: Матисс получил родительское благословение на отъезд в Париж для занятий искусством.Матисс часто бывал в Лувре и оттачивал свое искусство, копируя работы старых мастеров. Уличные зарисовки Матисса, сделанные быстро и точно, воспитали в нём умение упрощать линию. Изысканной простоте учили его и японские гравюры, ставшие в то время очень популярными в Европе. В первые годы XX в. Матисс познакомился и сблизился с Дереном, Руо, Вламинком и другими художниками, составившими впоследствии группу фовистов. В 1903 г. он принял участие в первом Осеннем салоне — ежегодном смотре нового искусства. В 1904 г. состоялась его первая персональная выставка, не принёсшая, впрочем, успеха. М. всегда восхищался творчеством Поля Гогена. Осенью 1905г. о Матиссе заговорили все художественные критики Парижа в связи с выступлением фовистов. Портрет жены художника поразил современников невиданными ранее резкими сочетаниями цветов — синего, красного и зелёного, — смелым построением форм.(Мадам Матисс). Смелость цветовых решений отличает и множество небольших пейзажей, которые художник привозил из своих поездок к морю. Матисса по праву считали главой фовистов. В 1906 г. в парижской мастерской на улице Севр открылась школа Матисса. «Один тон сам по себе есть всего лишь цвет, — учил художник, — два тона — это уже соотношение, это жизнь. Цвет значим только в соотношении с соседним... Запомните своё первое впечатление... Это чувство — самое главное». Живописец окончательно отказался от смешения цветов, светотени и мелких деталей — ничто не должно было снижать звучность краски. Другим выразительным средством в его картинах стала точно отработанная линия. Кажущаяся лёгкость, детская простота изображения добывались упорным, напряжённым трудом. Работая с моделью или с натурой, мастер стремился создать на полотне максимально обобщённый образ, который передавал бы самую сущность формы, её «знак», будь то рука, глаз или цветок. В 1908—1910 гг. по заказу русского коллекционера С. И. Щукина Матисс выполнил два декоративных панно для его московского особняка — «Танец» и «Музыка».Художник совершил поездки в Африку, Алжир и Марокко, после поездок в его картинах появилась красочная декоративность, цветистые орнаменты арабских тканей.(«Марокканка»). О живописи Матисса говорят, что она музыкальна. То же можно сказать и о графике. Его рисунки пером просты и изысканны. Подчас мастеру достаточно тонкого беглого контура, чтобы изображение обрело жизнь, «зазвучало». Матисса называли живописцем роскоши в мире, где царит нищета. Спокойствие духа царит в работах художника даже в трагические годы Второй мировой войны. Он упрямо продолжал восславлять красоту и ценность жизни. «Нужно уметь сберечь свежесть детства в восприятии вещей, не утратить наивности», — сказал однажды Матисс. В последние годы жизни, когда художнику уже трудно было писать маслом, он стал делать вырезки из цветной бумаги. Ведь «рисовать ножницами, врезаться прямо в цвет» — это ещё один способ находить идеальные соотношения цвета и линии на плоскости. В конце жизни Матиссу посчастливилось осуществить давнюю мечту о синтезе искусств: в 1951 г. была освящена Капелла чёток в городе Вансе (близ Ниццы), над которой он работал как архитектор, художник, витражист, мастер по металлу и керамист. Стоящее на холме здание сияет белизной, а его бело-голубая крыша похожа на небо с облаками. Венчает капеллу ажурный металлический крест. Благодаря цветным витражам всё внутреннее пространство храма словно пронизано цветами неба. Капелла была построена для маленькой общины доминиканских монахинь, однако с момента открытия она стала местом паломничества туристов со всего мира.
5. Кубизм. Творчество П.Пикассо и Ж.Брака
К началу 20 столетия- времени рождения кубизма- мастера предыдущего поколения уже сильно пошатнули ранее незыблемые основы европейской живописи.В те же годы в Европе стала очень популярной традиционная африканская скульптура.Она давала пример свободного обращения с формой: так, голова статуи могла быть больше тела, и при этом фигура выглядела очень выразительно.Непосредственным толчком к появлению кубизма послужили 2 большие выставки Поля Сезанна.Его слова «трактуйте природу посредством цилиндра, шара, конуса» можно считать своего рода эпиграфом ко всем исканиям нового направления.В 1907г. П.Пикассо показал друзьям свое незаконченное полотно «Авиньонские девицы».Он отверг иллюзорную трехмерность, перспективу, светотень.Поверхность большой картины- и фон, и тела пяти бнаженных женщин-была рассечена на геометрические сегменты.Пикассо в своих работах дробил предметы и фигуры на составные части, упрощал их до строгих геометрических форм: кубов, конусов,цилиндров.В 1908г. Жорж Барк привез из поездки «по сезановским местам» пейзажи, созданные тем же способом, что и новые картины Пикассо.(В рецензии критика Луи Вокселя на выставку Брака впервые появилось слово кубизм).Брак хотел вернуть в современную живопись то, что она утратила после импрессионизма- ощущение плотности тел, наполненности объема.Спустя 2 года кубистические объекты Пикассо и Брака уже нельзя было назвать стабильными.Контуры в их картинах стали прерывистыми.Грани же представали не в положенных по законам перспективы ракурсах, а разворачивались в сторону зрителя.Большие цельные объемы стали распадаться на множество мелких.Зрителю давали возможность рассмотреть, из чего состоит форма, «ощупать» ее глазами с разных сторон и даже увидеть один предмет сквозь другой.Эта стадия развития кубизма получила название Аналитического кубизма.В дробном ритме сечений уже едва можно было различить саму форму, и тогда художники стали делать узнаваемыми некоторые детали, способные намекнуть на изображаемый предмет.Затем они начали вводить в полотна реальные предметы(коробочки, детали музыкальных инструментов и т.д.) и материалы разной фактуры(бумага,дерево,ткань)Так кубизм подошел к следующему этапу-Синтетическому.Здесь образ уже не разлагается, а собирается, синтезируется из отдельных атрибутов, характерных деталей.Если в сезановский период кубизма были важны только форма и объем, то теперь важно было почувствовать именно разный качественный состав предметов.Эта черта еще ярче проявилась в овальных композициях.Их даже стали именовать рокайльным кубизмом.Некоторых художников кубистические эксперименты с формой постепенно привели к беспредметному, абстрактному искусству.Большинство художественных течений, возникших в начале 20 столетия, остались лишь краткими эпизодами в бурной биографии века. Кубизму же была суждена долгая жизнь.И в сегодняшнем искусстве часто можно наблюдать результаты его пластических экспериментов.
6. Абстракционизм. Линии развития, мастера.
Абстракционизм (от лат. Abstractus – отвлеченный) – одно из главных художественных направлений в искусстве 20 века, в котором структура произведения основывается исключительно на формальных элементах – линии, цветовом пятне, отвлеченной конфигурации. Произведения Абстракционизма отрешены от форм самой жизни: беспредметные композиции воплощают субъективные впечатления и фантазии художника, поток его сознания, они порождают свободные ассоциации, движение мысли и эмоциональные сопереживания.
Абстракционизм, как направление, возник в начале 20 в. одновременно в нескольких европейских странах. Признанными основоположниками и вдохновителями этого движения считаются художники Василий Кандинский, Казимир Малевич, Пит Мондриан, Франтишек Купка и Робер Делоне, изложившие основные положения Абстракционизма в своих теоретических трудах и программных заявлениях. Разные по целям и задачам, их учения были едины в одном: Абстракционизм как высшая ступень развития изобразительного творчества создает формы, присущие только искусству. «Освобожденный» от копирования действительности, он превращается в средство передачи различными изобразительными образами непостижимого духовного начала мироздания, вечных «духовных сущностей», «космических сил».
С момента появления Абстракционизма в нем наметились две основные линии. Первая – геометрическая, или логическая абстракция, создающая пространство путем сочетания геометрических форм, цветных плоскостей, прямых и ломаных линий. Она находит воплощение в супрематизме К.Малевича, неопластицизме П.Мондриана, орфизме Р.Делоне, в творчестве мастеров постживописной абстракции и оп-арта.
Вторая - лирико-эмоциональная абстракция, в которой композиции организуются из свободно текущих форм и ритмов, представлена творчеством В.Кандинского, работами мастеров абстрактного экспрессионизма, ташизма, информального искусства.
Как художественное явление Абстракционизм оказал огромное влияние на становление и развитие современного архитектурного стиля, дизайна, промышленного, прикладного и декоративного искусства.
Абстракционизм, как направление, возник в начале 20 в. одновременно в нескольких европейских странах. Признанными основоположниками и вдохновителями этого движения считаются художники Василий Кандинский, Казимир Малевич, Пит Мондриан, Франтишек Купка и Робер Делоне, изложившие основные положения Абстракционизма в своих теоретических трудах и программных заявлениях. Разные по целям и задачам, их учения были едины в одном: Абстракционизм как высшая ступень развития изобразительного творчества создает формы, присущие только искусству. «Освобожденный» от копирования действительности, он превращается в средство передачи различными изобразительными образами непостижимого духовного начала мироздания, вечных «духовных сущностей», «космических сил».
С момента появления Абстракционизма в нем наметились две основные линии. Первая – геометрическая, или логическая абстракция, создающая пространство путем сочетания геометрических форм, цветных плоскостей, прямых и ломаных линий. Она находит воплощение в супрематизме К.Малевича, неопластицизме П.Мондриана, орфизме Р.Делоне, в творчестве мастеров постживописной абстракции и оп-арта.
Вторая - лирико-эмоциональная абстракция, в которой композиции организуются из свободно текущих форм и ритмов, представлена творчеством В.Кандинского, работами мастеров абстрактного экспрессионизма, ташизма, информального искусства.
Как художественное явление Абстракционизм оказал огромное влияние на становление и развитие современного архитектурного стиля, дизайна, промышленного, прикладного и декоративного искусства.
Мастера Абстракционизма: Василий Кандинский, Казимир Малевич, Франтишек Купка. Пауль Клее, Пит Мондриан, Тео Ван Дусбург, Роббер Делоне, Михаил Ларионов, Любовь Попова, Джексон Полок, Йозеф Альберс.