ТОККАТА.
Слово «токката» произошло от итальянского toccare, что значит трогать, касаться. Когда-то так называли всякое произведение для клавишных инструментов -- клавесина, органа. А в прошлом веке токкатой стали называть инструментальные пьесы быстрого равномерно-четкого движения. Таковы фортепианные токкаты Шумана, Прокофьева, Хачатуряна и многих других композиторов. в характере токкаты написаны и некоторые страницы оркестровой музыки, например, третья часть Восьмой симфонии Шостаковича.
ТОНАЛЬНОСТЬ
-- см. Лад.
ТОНИКА.
С понятием тоники вы могли уже познакомиться, если прочли строки, посвященные ладу. Греческое слово «tonos» и латинское tonus означают звук. От них и произошло итальянское tonica -- термин, которым обозначают основную, самую устойчивую ступень лада. Тоника -- первая, начальная ступень, поэтому ее сокращенное, условное обозначение -- римская цифра I или буква Т. Такое же обозначение имеет и тоническое трезвучие -- аккорд, построенный на первой ступени мажорного или минорного ладов.
ТРАКТОВКА
-- см. Интерпретация.
ТРАНСКРИПЦИЯ.
Наверное, вам иногда приходилось слышать, как, объявляя очередной номер концертной программы, ведущий фортепианного вечера говорит: «Бах -- Бузони. Чакона». Или: «Шуберт -- Лист. Серенада». «Глинка -- Балакирев. "Жаворонок"».
Что же это значит? Что Бах, Шуберт или Глинка написали объявленные произведения не самостоятельно, а с помощью соавторов?
Нет, конечно. Речь в таких случаях идет не об оригинальных сочинениях, а о транскрипциях -- переложениях, переработках музыкального произведения. В данном случае -- о фортепианных транскрипциях скрипичного (Чакона) и вокальных произведений.
Из этого можно сделать вывод, что транскрипция -- это обработка, но не простая, элементарная, а виртуозная и притом «свободная».
Композитор, создающий транскрипцию какого-то сочинения, не придерживается строго оригинала, а распоряжается его музыкальными темами свободно, часто развивает их по-своему.
Обычно транскрипции пишут для своих инструментов те из исполнителей на них, которые обладают и композиторским даром. Так, замечательный скрипач США Хейфец любил делать скрипичные транскрипции оперных отрывков.
Больше всего транскрипций у Листа. Для своего любимого инструмента -- фортепиано, которым Лист владел в совершенстве, он сделал транскрипции симфоний Бетховена, песен Шуберта, многих оперных страниц, в том числе -- Глинки, музыку которого он очень высоко ценил. Широко известны также его парафразы на темы оперы Верди «Риголетто», делал Лист и транскрипции собственных произведений. Вы, наверное, слышали в разных исполнениях его Мефисто-вальс.
ТРЕМБИТА.
Далеко в чистом горном воздухе разносятся звуки трембиты -- карпатского пастушьего рога. Если вы встретите пастуха с трембитой, то наверное, пожалеете его: каково таскать с собой такой огромный, в целых два метра длиной, инструмент; а между тем трембита почти невесома. Сделана она из тонкой древесной коры, свернутой в трубку. Этот инструмент дал название и оперетте Ю. Милютина «Трембита».
| ГУЦУЛЬСКИЙ ПАСТУХ, ИГРАЮЩИЙ НА ТРЕМБИТЕ |
ТРЕМОЛО.
Итальянское слово «tremolo» означает дрожащий. В музыке этим термином называют очень быстрое повторение одного и того же звука, возможное на струнных смычковых инструментах, балалайках, литаврах и некоторых других инструментах симфонического и русского народного оркестров. Так же называется и быстрое многократное чередование двух созвучий или несоседних звуков. Чередование звуков, расположенных рядом, называется трелью.
ТРЕУГОЛЬНИК.
Этим геометрическим термином называется музыкальный инструмент, который входит в группу ударных и довольно часто применяется в симфонической и оперной музыке. По форме инструмент представляет собой равносторонний треугольник. Сделан он из стального прута.
| ТРЕУГОЛЬНИК |
Треугольник подвешивают к пульту и легонько ударяют металлической палочкой. Звук получается высокий (неопределенной высоты), звонкий и нежный, а при сильном ударе пронзительный, напоминающий колокольчики. В музыке Грига к драме Ибсена «Пер Гюнт» треугольник введен в танец Анитры. Его звенящая трель подчеркивает изящный, капризный характер танца. А в «Шехеразаде» и «Испанском каприччио» Римского-Корсакова ритмичное позвякивание треугольника придает музыке еще больший блеск, живость, задор.
ТРЕЩОТКИ.
И сейчас же щетки, щетки
Затрещали как трещотки
И давай меня тереть,
Приговаривать...
Все мы с детства помним эти строчки знаменитого, ставшего классическим «Мойдодыра» Чуковского, но вот что такое трещотки, пожалуй, ответить затруднимся. Ясно только одно: они трещат, что и следует из их названия.
| ТРЕЩОТКА |
Трещотки -- старый русский народный инструмент. Состоит он из сухих тонких дощечек, которые нанизаны на шнур или ремешок и отделены одна от другой узкими планками. Играющий на трещотках держит шнур за концы и, по-разному встряхивая его, извлекает звонкие и сухие звуки в различных ритмах.
ТРИО.
Так называют ансамбль из трех музыкантов -- инструментальный или, реже, вокальный. Так же называются и произведения, написанные для этого состава исполнителей. Впрочем, пьеса для трех певцов чаще называется терцетом.
Наиболее часто композиторы пишут трио для скрипки, виолончели и фортепиано. Может быть, вы слышали «Трио памяти великого артиста», посвященное его автором -- Чайковским -- памяти Николая Рубинштейна? Это трио положило начало традиции русской музыки -- именно такое произведение посвящать памяти ушедших. Свое «Элегическое трио», написанное в год смерти Чайковского, Рахманинов посвятил его памяти. А Шостакович Второе трио посвятил памяти друга, выдающегося музыкального деятеля И. И. Соллертинского.
Встречаются трио, написанные для другого состава инструментов. Например, «Патетическое трио» Глинки предназначено для кларнета, фагота и фортепиано.
Есть у слова трио еще одно значение. Так именуется средний раздел менуэта или скерцо. И вот почему: когда-то давно в менуэте среднюю часть играли только три инструмента. Потом менуэт вошел в симфонию, сонату, квартет как одна из средних частей. Еще позднее вместо менуэта композиторы стали писать в симфониях скерцо. И в нем, по традиции, для среднего раздела сохранилось то же определение.
ТРОМБОН.
В 1840 году французский композитор Гектор Берлиоз написал симфонию, которую назвал «Траурно-триумфальной». Он посвятил ее памяти жертв французской революции 1830 года. Вторая часть симфонии -- своеобразная музыкальная надгробная речь. Композитор поручил произнести ее тромбону.
Почему же именно тромбон выбрал Берлиоз для скорбного и торжественного, патетического монолога?
Возник тромбон в XV веке из трубы: ее сильно удлинили, сделали выдвигающуюся трубку-кулису. В зависимости от положения кулисы -- более или менее вдвинутой -- изменяется общая длина инструмента, изменяется длина колеблющегося внутри трубки столба воздуха, а следовательно и высота звука. Диапазон тромбона -- от соль контроктавы до ре второй октавы.
Тромбон занимает одно из почетных мест в группе медных духовых инструментов. У него очень сильный голос, легко пронизывающий звучание всего оркестра. А когда несколько тромбонов играют вместе, это придает музыке торжественность и блеск.
Тембр тромбона в среднем и высоком регистрах светлый, мужественный, а на низких нотах мрачный, даже зловещий. Очень хорошо удаются тромбону героические, трагические мелодии. Он может звучать как ораторская речь, полная пафоса. Этим и воспользовался Берлиоз в Траурно-триумфальной симфонии. Нередко поручал тромбонам выразительные патетические монологи в своих симфониях австрийский композитор Густав Малер. Но все же чаще три тромбона и туба, объединенные в одну группу, играют аккорды, выполняя роль аккомпанемента.
ТРУБА.
Есть в Польше такая легенда. В древние времена на башне крепостной стены города Кракова стоял в дозоре воин. Зорко смотрел он вдаль: не покажется ли враг. В руках он держал медную трубу, чтобы подать сигнал в случае опасности. И вот однажды увидел он вдали вихрь пыли. А через несколько мгновений сомнений уже не было: враги! Дозорный вскинул трубу, и над Краковом зазвучал сигнал тревоги. Тучей посыпались стрелы на башню. Одна из них вонзилась в грудь трубачу. Собрав все силы, он доиграл сигнал. Только на последнем звуке труба выпала из рук...
Многие столетия бережно хранится в народе память о герое, спасшем свой город ценою жизни. И сейчас позывные Кракова -- древний боевой сигнал трубы, обрывающийся на последнем звуке.
Труба - один из самых древних медных духовых инструментов. Ее изображения находят при раскопках Древнего Египта, Древней Греции. Она извещала об опасности, поддерживала отвагу воинов в бою, открывала торжественные церемонии, призывала к вниманию.
А в XVII веке труба вошла в состав оперного оркестра. Сначала она выполняла скромную роль: изредка играла короткие сигнальные мотивы, участвовала в исполнении аккордов. В то время ей были доступны только несложные мелодии, построенные по звукам трезвучия. Однако шли годы, инструмент совершенствовался, увеличивался его диапазон. Труба смогла исполнять более сложные и выразительные партии. Ее яркий, чистый, чуть резковатый тембр все чаще привлекал композиторов. Трубы зазвучали в торжественных, героических, а иногда и лирических эпизодах.
В партитуре партия труб расположена над партией тромбонов, так как трубы ближе всего к ним по характеру звучания, лучше других инструментов сливаются с ними в оркестре, а по диапазону более высоки: от ми малой до ре третьей октавы.
ТУБА.
Самый низкий из медных духовых инструментов -- фундамент медной группы, подобно контрабасу у струнных, -- туба была изобретена в 1835 году. Диапазон ее -- от ми контроктавы до фа первой октавы, тембр суровый, массивный. Как правило, роль тубы в оркестре ограничивается исполнением, на октаву ниже, партии третьего тромбона (обычно в оркестр входят три тромбона и туба). Иногда для нее пишут и самостоятельную басовую партию. Сольные эпизоды у тубы встречаются крайне редко. Один из них -- мелодия в пьесе «Быдло» из «Картинок с выставки» Мусоргского, оркестрованных французским композитором Равелем.
ТУТТИ.
Итальянское слово tutti означает «все». Его пишут в партитуре оркестровых произведений тогда, когда после прозрачного звучания отдельных групп оркестра, отдельных, может быть, солирующих инструментов, вступает весь оркестр полностью, создавая впечатление торжественности и мощи.
* У *
УВЕРТЮРА.
Известно ли вам, что знаменитую увертюру к опере «Севильский цирюльник» Россини написал значительно раньше, когда не думал еще о создании оперы по бессмертной комедии
Бомарше? Он предназначал ее для оперы «Аврелиан в Пальмире». Но опера эта провалилась, и вскоре после премьеры о ней уже никто не вспоминал. Тогда композитор перенес увертюру в одну из следующих своих опер, «Елизавету, королеву английскую». И лишь годом позднее, в 1816 году, она была исполнена перед началом «Севильского цирюльника», вместе с которым и приобрела всемирную известность.
Сейчас такую историю трудно себе представить, а в те времена это было в порядке вещей. Увертюру тогда еще не было принято непременно связывать с содержанием оперы. В XVII веке оперная увертюра вообще представляла собой что-то вроде оркестрового сигнала: она звучала как призыв к вниманию, предупреждение зрителям, что нужно собираться в зале, так как скоро начинается действие оперы. Во время исполнения увертюры входили, рассаживались, не боясь шуметь.
Кстати, само слово ouverture в переводе с французского означает -- начало, открытие.
Конечно, прекрасные увертюры Россини служили вовсе не для того, чтобы рассаживаться под их звуки. Их и слушали с удовольствием. Но главной их целью было только создать праздничное, приподнятое настроение у зрителей, привлечь их внимание к порталу сцены.
Правда, еще предшественник Россини, великий оперный реформатор Глюк говорил о том, что увертюра должна «предупредить слушателей о характере предстоящего действия и оповестить их о содержании» оперы. Для этого необходимо было строить увертюру на музыкальных темах, которые в дальнейшем встречались бы в опере. И не просто встречались, а играли бы важную роль в ее драматургии.
Вспомним увертюру к «Руслану и Людмиле» Глинки. В ней нет ни одной мелодии, которая затем не использовалась бы в опере. Первая, радостная и сильная, звучит в финале, вторая -- певучая восторженная -- в арии Руслана, когда он мысленно обращается к Людмиле. А странные пугающие аккорды слышатся в сцене похищения Людмилы злым карлой Черномором. Музыка становится грозной, растет напряжение борьбы. Но вот, наконец, возвращается радостная, торжествующая мелодия. Увертюра заканчивается.
О чем же нам рассказала ее музыка? О том, что героям оперы предстоят трудные испытания, но в конце концов добро и свет восторжествуют над силами зла. Получилось, что в увертюре очень кратко передано содержание оперы.
Увертюры бывают не только в операх. Ими открываются балеты, оперетты, иногда -- драматические спектакли и кинофильмы. Кинофильм «Дети капитана Гранта» создан давно, и вы, может быть, не видели его. А вот прекрасная увертюра Дунаевского -- романтическая, взволнованная, живо передающая юношескую устремленность в неизведанное, -- часто звучит в концертах.
В XIX веке увертюрой стали называть и одночастные произведения для симфонического оркестра. Испанские увертюры Глинки
«Арагонская хота» и «Ночь в Мадриде» -- это красочные программные симфонические пьесы, основанные на подлинных испанских мелодиях. Композитор сочинил их под впечатлением своего путешествия по Испании. Свое симфоническое сочинение «Ромео и Джульетта» Чайковский назвал увертюра-фантазия.
Можно считать, что начало этому жанру -- самостоятельной симфонической увертюры -- положил Бетховен. Правда, симфонических увертюр как таковых он не писал, но его увертюры к драмам «Эгмонт» и «Кориолан», а также увертюра к опере «Фиделио», которая имеет отдельное название -- «Леонора», стали звучать отдельно от спектаклей, для которых предназначались. А увертюра Мендельсона «Сон в летнюю ночь» была написана как самостоятельное произведение, навеянное пьесой Шекспира, и лишь много лет спустя появилась музыка ко всей комедии. А затем и многие композиторы начали писать увертюры, не связанные со сценическими пьесами. Но отличительным признаком увертюры осталось программное название, ее, хотя бы косвенная, связь с каким-то конкретным сюжетом.
За последние сто лет созданы увертюры иного плана, такие как «Торжественная увертюра» Глазунова, «Праздничная увертюра» Шостаковича.
УДАРНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ.
Все музыкальные инструменты имеют очень древнее происхождение. Струнные -- от охотничьего лука, духовые -- от раковины, рога, тростника. Но самый почтенный возраст принадлежит, конечно, ударным инструментам: они возникли еще у первобытных людей, которые стали сопровождать свои пляски ритмичными ударами одного камня о другой.
Постепенно появились более совершенные инструменты. Оказалось, что если натянуть кожу на полый деревянный или глиняный предмет, то звук станет более гулким и сильным. Так родились предки барабанов и литавр.
В течение многих веков складывалась группа ударных инструментов -- самая неустойчивая по составу, но и самая разнообразная в современном симфоническом оркестре. Сейчас в нее входят литавры, большой и малый барабаны, тарелки. Кроме них встречаются бубен или тамбурин, тамтам, треугольник, колокола, кастаньеты, колокольчики, ксилофон, челеста, вибрафон. Только некоторые среди этих очень разных инструментов обладают звуками определенной высоты.
Как показывает название группы, звук получается, когда по инструменту ударяют -- рукой, пальцами, металлической палочкой или специальной колотушкой. Тарелки нужно ударять одна о другую, бубен -- просто встряхивать.
В оркестр ударные инструменты пришли давно, однако только в XIX веке ударная группа получила широкое применение. Ударные инструменты подчеркивают ритм музыки, придают звучанию оркестра большую силу, а его краскам -- большее разнообразие. Иногда они используются с целью звукоподражания, например,
для изображения грома, ливня и т. д. О каждом из ударных инструментов вы можете узнать более подробно, прочитав соответствующий рассказ в этой книжке.
УНИСОН.
Итальянское слово «unisono» означает однозвучный и произошло от латинских unis -- один и sonus -- звук. Так называют слитное звучание двух или нескольких звуков, совпадающих по высоте. Например, когда вы хором поете одноголосную песню, вы поете ее в унисон. При унисонном звучании между составляющими его голосами или инструментами возникает интервал прима.
* Ф *
ФАГОТ.
Вспомним еще раз музыкальную сказку Сергея Сергеевича Прокофьева «Петя и волк», о которой говорилось в рассказе, посвященном лейтмотиву. Всех персонажей этой сказки изображают различные музыкальные инструменты: кларнет, гобой, струнные... Прокофьев подбирал для характеристики каждого персонажа тембр, который ярче всего его рисует. Роль дедушки в музыкальной сказке «исполняет» фагот.
У дедушки, наверное, должен быть низкий ворчливый голос (пожилые люди любят поворчать на своих внуков!), может быть, немножко хриплый. Фагот как нельзя лучше подходит к этой роли.
Появился фагот в начале XVI века, а с конца XVII века стал постоянным участником оркестров и духовых ансамблей. В современном виде он существует с начала XIX века.
Фагот - самый низкий по звучанию из деревянных духовых инструментов (еще ниже него звучит только контрафагот). Трубка, в которой заключен воздух, очень длинная, а поэтому играть на ней, как на флейте или кларнете, было бы невозможно. Выход нашелся: трубку «сложили пополам». Диапазон фагота -- от си-бемоль контроктавы до ми второй октавы, тембр густой и грубоватый в нижнем регистре. Очень быстрые, технически сложные пассажи на фаготе играть трудно. Но все же фагот достаточно подвижен. Нередко исполняемая на нем мелодия в быстром движении производит комическое впечатление. Юмористический характер звучания у фагота отрывистых нот -- стаккато -- чудесно использовал Глинка для характеристики трусливого поклонника Людмилы Фарлафа в опере «Руслан и Людмила»: в сцене встречи Фарлафа с колдуньей Наиной чередующееся стаккато двух фаготов передает его трусливую дрожь.
Но иногда фагот звучит трагически. Так, на фоне контрабасов, скорбную сосредоточенную мелодию играет фагот соло в начале Шестой симфонии Чайковского. И в симфониях Шостаковича фагот драматичен, патетичен, а иногда -- весел или задумчив.
Контрафагот очень похож на фагот по тембру. Звук его полный, немного хриплый. Диапазон по сравнению с фаготом сдвинут на октаву вниз. Применяется он, как правило, для усиления басовых голосов оркестра.
ФАКТУРА.
Латинское слово «facturo» означает обработка, делание, а в переносном значении -- устройство. Пожалуй, это последнее слово и определит лучше всего, что такое фактура в музыке. Это самый склад, устройство музыкальной ткани, совокупность ее элементов. А элементы фактуры, то, из чего она складывается -- мелодия, аккомпанемент, бас, средние голоса и подголоски.
Фактура бывает очень разнообразной. Музыканты говорят о плотной, аккордовой фактуре или фактуре прозрачной, состоящей из двух -- трех мелодических линий или мелодий и легкого аккомпанемента; о фактуре полифонической, которая может быть и прозрачной и плотной, в зависимости от числа входящих в нее голосов, и фактуре гомофонно-гармонической, то есть включающей в себя самые различные элементы в любых нужных для композитора сочетаниях.
Таким образом, фактура -- это действительно «устройство» музыкального произведения, но устройство не «по горизонтали», а «по вертикали». Фактура -- это словно бы «вертикальный разрез» звучащего пласта.
ФАЛЬЦЕТ.
Если вам приходилось слышать тирольские народные песни, так называемые йодли, вы, наверное, обратили внимание на то, как необычно они звучат. Мужской голос вдруг будто ломается, и слышатся высокие ноты совсем другого тембра -- словно обесцвеченные. Это и есть фальцет (от итальянского falso -- «ложный») или фистула -- верхний регистр мужского голоса. В профессиональном пении он используется крайне редко, только для особой окраски звука.
ФАНТАЗИЯ.
«Аренский. Фантазия для фортепиано с оркестром на темы былин Рябинина». «Увертюра-фантазия "Франческа да Римини"». В этих названиях присутствует одно и то же слово -- фантазия. Что же это означает?
Собственно, что оно означает, все вы прекрасно знаете. Не раз приходится слышать любому, еще не достигшему взрослого возраста человеку: «Вот еще фантазии какие!», «Брось свои фантазии», «Ах, ты, фантазер»... И почти всегда это звучит с укоризной.
Греческое слово phantasia переводится как «воображение». Мы привыкли употреблять его в значении -- причуда, вымысел. В музыке же фантазиями стали называть произведения, своеобразные по форме, не укладывавшиеся в рамки традиционных форм. «Он фантазирует», -- говорили иной раз об импровизаторе. Так, в творчестве И. С. Баха фантазиями предварялись порою органные фуги. Фантазии писали Моцарт, Бетховен, Шопен.
В XIX веке фантазии появились в программной музыке, там, где логика ее развития должна соответствовать литературной программе. Такова «Франческа да Римини» Чайковского.
Другой распространенный тип музыкальной фантазии -- произведение, сочиненное на темы, заимствованные композитором; темы народных песен, оперных отрывков и т. п. Такова Фантазия Аренского. По радио вы можете часто слышать фантазии на темы песен Дунаевского, Соловьева-Седого, на музыку из оперетт и другие подобные этим оркестровые сочинения.
ФЕРМАТА.
Итальянское слово «фермата» (fermata) означает остановка, задержка. В музыке им называется знак. Он ставится над нотой, аккордом или паузой (реже -- в перевернутом виде под ними) и означает, что исполнитель должен в этом месте увеличить длительность звука по своему усмотрению.
ФЛЕЙТА.
Это один из самых древних духовых инструментов. Археологи находят изображения флейтистов на фресках Древнего Египта и Греции.
Возникшая из тростниковой дудки, флейта поначалу была простой деревянной трубкой с отверстиями. В течение многих веков она совершенствовалась, пока не приобрела современный вид. Раньше флейта была продольной, и держали ее в вертикальном положении. Затем появилась так называемая поперечная флейта, которую музыкант держит горизонтально. Этот вид флейты, усовершенствованный в 1832 году немецким мастером Т. Бемом, постепенно вытеснил продольную, и сейчас во все оркестры входит именно поперечная флейта.
Диапазон ее - от до первой и до до четвертой октавы, нижний регистр глуховатый, мягкий; средний и часть верхнего очень красивы, обладают нежным и певучим тембром; самые высокие звуки пронзительные, свистящие.
В инструментальных ансамблях флейта принимала участие уже в XV веке. Композиторов привлекало ее напевное звучание, а позднее, когда инструмент усовершенствовался, -- богатые виртуозные возможности.
Флейте доступны самые сложные пассажи. Нередко она вступает в своеобразное соревнование с колоратурным сопрано, которое отчасти напоминает и своим тембром. Вспомните «Снегурочку» Римского-Корсакова: колоратурным пассажам дочери Мороза в начале оперы вторят «узорчатые» наигрыши флейты.
Одна из применяемых в оркестре разновидностей этого инструмента -- флейта пикколо (piccolo -- по-итальянски -- «маленький»). Она в два раза меньше обычной флейты и звучит октавой выше. Ее резкий свист прорезает звучность всего оркестра. Раньше флейту пикколо применяли лишь в тех музыкальных эпизодах, в которых требовалось изобразить сражение, грозу, свист ветра. Теперь же ей нередко поручают и мелодические партии.
В опере Римского-Корсакова «Сказка о царе Салтане» флейта пикколо играет тему белки, грызущей золотой орех. В первом акте оперы Бизе «Кармен» две флейты пикколо сопровождают хор мальчишек, бойко марширующих вслед за солдатами.
ФОЛЬКЛОР.
Знаете ли вы, как в далеком прошлом праздновали свадьбы на Руси? Свадебная игра, как ее принято называть (во многих сказках вы, наверное, слышали: «сыграли свадьбу»), продолжалась несколько дней, а иногда и несколько недель. Она складывалась из разнохарактерных сцен, то лирических, то комических, а то и трагедийных, из различных игр и обрядов. Очень большое место занимали в ней песни. Звучали песни торжественные, величальные, славящие невесту и жениха; шуточные, комические, иногда пародийные, чаще всего высмеивающие сватов; гостевые, застольные; веселые плясовые. Много песен должна была петь невеста: она причитала, прощаясь с родной семьей и девичьей долей, страшась неизвестного будущего в чужой семье. Хоровые песни исполняли подруги невесты на девичнике и в утро венчания.
В наше время некоторые хоровые коллективы воссоздают на сцене основные моменты старинной свадьбы. «Все в этом своеобразнейшем национальном действии -- песни, хороводы, диалоги, прибаутки, движения, костюмы -- проникнуто мудростью и целомудренностью, красотой сердца русского народа», -- написано в газете «Правда» о «сценах русской народной свадьбы», поставленных в 1945 году Государственным русским народным хором имени Пятницкого.
Не только свадьба игралась в народе так ярко и красочно. Вся жизнь наших предков сопровождалась пением, игровыми действиями. Существуют песни бытовые: колыбельные, шуточные, лирические; песни-причитания, оплакивающие умерших; песни-сказы, былины, повествующие о далеком прошлом. Множество песен связано с годовым земледельческим кругом: все сельские работы, все календарные праздники нашли в них свое отражение.
Это огромное песенное богатство объединяется термином «фольклор» -- народное творчество.
В отличие от подавляющего большинства терминов, ведущих свое происхождение от латинских и древнегреческих слов, этот
термин пришел к нам из староанглийского языка Быть может потому, что относится он не только к музыке. Английское folk -- народ; -- учение. Вместе эти слова -- folklore -- переводятся как «народная мудрость». Именно так, уважительно и даже возвышенно, принято во всем мире называть устное народное творчество музыкальное и литературное.
Название это глубоко справедливо. В самом деле: в произведениях устного народного творчества воплотились народный опыт, традиции, мировоззрение, то есть действительно передана народная мудрость.
Музыкальный фольклор -- это народные песни и танцы, былины и инструментальные наигрыши. В отличие от профессиональной музыки, фольклор не знает авторства. Произведение живет в устной традиции, передается от одного исполнителя к другому, подчас видоизменяется. Поэтому фольклористы (так называются те кто изучает народное творчество) в разных местах от разных исполнителей записывают порою очень отличающиеся друг от друга варианты одной и той же песни или былины. «Песни народные, как музыкальные организмы, отнюдь не сочинения отдельных музыкально-творческих талантов, а произведение целого народа», -- писал в свое время видный русский композитор и музыкальный критик А. Н. Серов.