Европейское искусство эпохи барокко

Баро́кко (итал. barocco — «порочный», «распущенный», «склонный к излишествам», порт. perola barroca — «жемчужина неправильной формы» (дословно «жемчужина с пороком»); существуют и другие предположения о происхождении этого слова) — характеристика европейской культуры XVII—XVIII веков, центром которой была Италия. Стиль барокко появился в XVI—XVII веках в итальянских городах: Риме, Мантуе, Венеции, Флоренции.

Искусству барокко свойственны грандиозность, пышность и динамика, патетическая приподнятость, интенсивность чувств, пристрастие к эффектной зрелищности, совмещению иллюзорного и реального, сильным контрастам масштабов и ритмов, материалов и фактур, света и тени.

Всеобъемлющий характер приобрел в эпоху барокко синтез искусств: городские ансамбли, дворцы и церкви благодаря причудливой пластике фасадов, беспокойной игре светотени, сложным криволинейным планам и абрисам приобрели живописность и динамичность, как бы вливались в окружающее пространство; интерьеры зданий украшались многоцветной скульптурой, лепкой, резьбой, зеркала и росписи иллюзорно расширяли пространство, а живопись плафонов создавала эффект разверзшихся сводов.

В изобразительном искусстве барокко идеализация образов сочетается с неожиданными композиционными и оптическими эффектами, реальность – с фантазией, религиозная аффектация – с подчеркнутой чувственностью. В живописи большое значение приобрели эмоциональное, ритмическое и колористическое единство целого, непринужденная свобода мазка, в скульптуре – живописная текучесть формы, ощущение изменчивости образа.

В первой половине 18 столетия барокко эволюционирует к грациозной легкости стиля рококо, сосуществует и переплетается с ним, а с 1770-х годов повсеместно вытесняется классицизмом.

Человек эпохи барокко отвергает естественность, которая отождествляется с дикостью, бесцеремонностью, самодурством, зверством и невежеством — всем тем, что в эпоху романтизма станет добродетелью. Женщина барокко дорожит бледностью кожи, на ней неестественная, вычурная причёска, корсет и искусственно расширенная юбка на каркасе из китового уса.

А идеалом мужчины в эпоху барокко становится джентльмен — от англ. gentle: «мягкий», «нежный», «спокойный». Изначально он предпочитал брить усы и бороду, душиться духами и носить напудренные парики. К чему сила, если теперь убивают, нажимая на спусковой крючок мушкета. В эпоху барокко естественность — это синоним зверства, дикости, вульгарности и сумасбродства.

Эпоха барокко порождает огромное количество времени ради развлечений: вместо паломничеств — променад (прогулки в парке); вместо рыцарских турниров — «карусели» (прогулки на лошадях) и карточные игры; вместо мистерий — театр и бал-маскарады. Можно добавить ещё появление качелей и «огненных потех» (фейерверков). В интерьерах место икон заняли портреты и пейзажи, а музыка из духовной превратилась в приятную игру звука.

 

Художники барокко открыли искусству новые приемы пространственной интерпретации формы в ее вечно изменчивой жизненной динамике, активизировали жизненную позицию. Единство жизни в чувственно-телесной радости бытия, в трагических конфликтах составляет основу прекрасного в искусстве барокко.

Живопись барокко характеризуется динамизмом, «плотскостью» и пышностью форм, самые характерные черты барокко — броская цветистость и динамичность; яркий пример — Рубенс, Караваджо.

Более жесткое, строгое воплощение получил стиль барокко в Испании, воплотившись в работах таких мастеров как Веласкес, Рибера, Эль Греко и Сурбаран. Для искусства Испании характерна декоративность, капризность, изощренность форм, дуализм идеального и реального, телесного и аскетичного, нагромождения и скупости, возвышенного и смешного.

В Голландии сложилось несколько школ живописи, объединявших крупных мастеров и их последователей: Франца Халса — в Харлеме, Рембранта — в Амстердаме, Вермеера — в Делфте. В живописи этой страны барокко носило своеобразный характер, ориентируясь не на эмоции зрителей, а на их спокойное, рациональное отношение к жизни. Рембрант это подчёркивал в следующих словах: «Небо, земля, море, животные, люди, — всё это служит для нашего упражнения».

 

Портрет Караваджо работы Оттавио Леони, ок. 1610 года

Караваджо Микеланджело (1573–1610). Собственно, полное имя Меризи да Караваджо. Итальянский живописец. Художник внес большой вклад в становление бытового жанра. Зрелые произведения художника Караваджо - это монументальные полотна, обладающие исключительной драматической силой. Живописная манера Караваджо в этот период основана на мощных контрастах света и тени, выразительной простоте жестов, энергичной лепке объемов, насыщенности колорита - приемах, создающих эмоциональное напряжение, острую аффектацию чувств. Подчеркнутая “простонародность” типажей, утверждение идеалов демократизма поставили Караваджо в оппозицию по отношению к современному искусству, обрекли его в последние годы жизни на скитания по югу Италии. В поздних произведениях Караваджо обращается к теме одиночества человека во враждебном ему мире, его привлекает образ небольшого содружества людей, объединенных родственной близостью и душевным теплом. События биографии Караваджо поражают своим драматизмом. Караваджо обладал очень вспыльчивым, неуравновешенным и сложным характером. Начиная с 1600 года, времени наивысшего творческого подъема Караваджо, его имя стало постоянно появляться в протоколах римской полиции. Сначала Караваджо с друзьями совершал незначительные противоправные действия (угрозы, непристойные стихи, оскорбления), за которые привлекался к суду.

Караваджо рано пристрастился к азартным играм, делал долги, кроме того обладал вспыльчивым нравом, не раз приносившим ему неприятности. Осенью 1591 года участвовал в ссоре и последовавшей за ней драке, окончившейся смертью одного из её участников. Он бежал из Милана, все ранние работы Караваджо, оставшиеся в мастерской, бесследно исчезли.

Суровый реализм Караваджо не был понят его современниками, приверженцами «высокого искусства». Обращение к натуре, которую он сделал непосредственным объектом изображения в своих произведениях, и правдивость ее трактовки вызвали множество нападок на художника со стороны духовенства и официальных лиц. Тем не менее, в самой Италии нашлось много его последователей, получивших название караваджистов. Через этап караваджизма прошли Питер Пауль Рубенс, Диего Веласкес, Рембрандт ван Рейн, Жорж де Латур.

Меризи да Караваджо. 1594-1595. Мальчик, укушенный ящерицей. Национальная галерея, Лондон.

Картина Караваджо «Мальчик, укушенный ящерицей» входит в цикл полотен раннего периода творчества художника. На картине Караваджо изобразил, как мальчик подскакивает от боли, поскольку его палец укушен ящерицей, скрытой среди фруктов. Великолепный натюрморт размещен художником между подростком и зрителями. Внимание зрителей приковывает стеклянная ваза с веточкой жасмина, и гроздь сочных и не очень вишен около вазы. Стоит отметить отражение комнаты, нарисованной в изгибающемся контуре сосуда. Эта картина является самым необычным жанровым натюрмортом для живописи конца шестнадцатого столетия. Караваджо в своей работе чрезвычайно реалистично показал через мгновенное действие реакцию персонажа картины на боль и укус. Собственно, композиция и замысел этой картины может иметь аллегорическое значение, и, возможно, является повествованием о душевной боли, которую может причинить внезапная и неразделенная любовь.

 

Меризи да Караваджо. Лютнист 1596. Эрмитаж, Санкт-Петербург.

К числу лучших портретно-жанровых картин художника относится «Лютнист» или «Юноша с лютней». Перед лютнистом на столе лежат скрипка, ноты, фрукты; рядом стоит ваза с цветами. С отточенным мастерством написаны художником все эти предметы в своей плотной округлости, вещественности, осязаемости. Светотенью пролеплено лицо и фигура юноши с лютней, темный фон подчеркивает насыщенность выступающих вперед светлых тонов, предметность всего представленного живописцем на картине.

 

 

Меризи да Караваджо. Юдифь, убивающая Олоферна 1597-1598. Национальная галерея античного искусства, Рим.

Работа живописца изображает известную историю времен Ветхого Завета из неканонической «Книги Юдифи». Иудейская красавица, вдова Юдифь соблазнила военачальника вавилонского царя Навуходоносора Олоферна, осадившего со своим войском иудейский город Ветилуя. Заманив Олоферна для любовных утех в свой дом, Юдифь при помощи служанки убила полководца, отрезала Олоферну голову и отослала ее в стан вражеских войск. Иудеи воспользовались смятением во вражеском лагере и разгромили войска царя Навуходоносора.

 

Меризи да Караваджо. Саломея с головой Иоанна Крестителя 1607-1610. Национальная галерея, Лондон.

На картине живописцем изображены, предположительно, танцовщица Саломея, Иродиада и Ирод Антипа. Иродиада была замужем за своим дядей Филиппом и имела от него уже взрослую дочь Саломею, но увлеклась преступной связью с братом мужа, галилейским царьком Иродом Антипой. Эта любовная связь произвела на всех жителей Галилеи тяжелое впечатление; народ глухо роптал, но не смел высказать своих чувств. Тогда мстителем за поруганный нравственный закон выступил Иоанн Креститель, который смело явился к тирану и высказал ему горький укор. Ирод Антипа, не вынося обличений за незаконную связь с Иродиадой, заключил Иоанна Крестителя в темницу, где предвестник Иисуса Христа и пал жертвой злобы Иродиады. Саломея так хорошо танцевала для царя Ирода Антипы, что он поклялся выполнить любую её просьбу. Ее мать, Иродиада, которая искала возможность мести Иоанну Крестителю, убедила Саломею потребовать у Ирода голову Иоанна Крестителя. Эта картина является последней работой художника Микеланджело Меризи да Караваджо, написанной в течение последних трех лет его жизни, возможно закончена живописцем в Неаполе, где он проживал с 1609 до 1610 года.

 

Питер Пауль Рубенс. Автопортрет. 1623 г.

Питер Пауль Рубенс (1577-1640), великий фламандский живописец. В творчестве Рубенса ярко выражены мощный реализм и своеобразный фламандский вариант стиля барокко. Всесторонне одаренный, блестяще образованный, Рубенс рано созрел и выдвинулся как художник огромного творческого размаха, искренних порывов, смелых дерзаний, бурного темперамента. Прирожденный живописец-монументалист, график, архитектор-декоратор, оформитель театральных зрелищ, талантливый дипломат, владевший несколькими языками, ученый-гуманист, он пользовался почетом при княжеских и королевских дворах Мантуи, Мадрида, Парижа, Лондона. Рубенс — создатель огромных барочных патетических композиций, то запечатлевающих апофеоз героя, то исполненных трагизма. Сила пластического воображения, динамичность форм и ритмов, торжество декоративного начала составляют основу творчества Рубенса. Исполненное страстного жизнелюбия, многогранное и виртуозное по мастерству творчество Рубенса оказало огромное воздействие на фламандских живописцев, на множество художников XVIII-XIX веков (Антуан Ватто, Жан Оноре Фрагонар, Эжен Делакруа, Огюст Ренуар и другие живописцы).

 

Питер Пауль Рубенс. Суд Париса 1605. Музей Прадо, Мадрид.

Этот мифологический сюжет неоднократно повторялся художником во многих картинах на протяжении всей его творческой жизни. Меркурий, чей алый плащ слегка колышет ветер, привел к Парису трех богинь: Юнону с павлином, Венеру с Купидоном и Минерву, которую можно узнать по шлему и щиту с головой Горгоны. Украшенные драгоценностями и почти нагие, женщины стоят перед пастухом Парисом, держащим золотое яблоко, которое он по велению богов должен присудить красивейшей из трех богинь. В этой картине раннего периода творчества Рубенс изобразил один из популярнейших мифологических сюжетов с яркостью и великолепием, типичными для стиля барокко. (Рубенс был в числе его ярчайших представителей.) Роскошный колорит и трепетные, волнообразные движения кисти передают чувственную красоту женского тела. В дальнейшем при повторных вариантах сюжета «Суд Париса», чтобы передать чувственный трепет жизни, Рубенс использовал богатую цветовую гамму, вдохновляемый венецианскими мастерами, Тицианом и Веронезе. Текучие мазки кисти, сочный цвет и повышенная эмоциональность его композиций создали ему репутацию величайшего барочного живописца к северу от Альп.

 

Питер Пауль Рубенс. Союз Земли и Воды 1618. Эрмитаж, Санкт-Петербург.

Рубенс написал эту картину по возвращению на родину из Италии. В этом произведении фламандского живописца чувствуется сильное влияние, которое итальянские художники, в частности, Тициан и Аннибале Караччи, оказали на Рубенса. Картина ранее находилась в коллекции князя Киджи в Риме; между 1798-1800 годами она была приобретена для Эрмитажа. Картина Рубенса «Союз Земли и Воды» изображает аллегорическую сцену союза Земли, которую олицетворяет чувственно прекрасная богиня Кибела, держащая в руке рог изобилия, наполненный плодами, и Воды - морского бога Нептуна с грозным трезубцем, полного энергии и силы. Союз Земли и Воды освящает крылатая Виктория, которая возлагает золотую корону на голову богини. Собственно, в греческой мифологии богиня фригийского происхождения Кибела (Цибела, иногда Кибеба) является олицетворением регулирующего, упорядочивающего стихийные природные силы начала. Современники Рубенса считали, что художник изобразил союз города Антверпена с рекой Шельдой, то есть союз торговли и морских дорог - залог и символ процветания Фландрии.

 

Питер Пауль Рубенс. Портрет камеристки инфанты Изабеллы 1624. Эрмитаж, Санкт-Петербург.

В 1620-е годы Рубенс много работал как портретист. Художник продолжил гуманистическую традицию портрета Высокого Возрождения, но проявил более непосредственное, личное отношение к людям, значительно больше раскрывал чувственную полноту жизни и обаяние модели. «Портрет камеристки инфанты Изабеллы» чарует трепетом жизни, лиризмом юного образа. Лицо девушки, окруженное жемчужно-белой пеной воротника, выделяется на темном фоне. Легкость письма, золотистые рефлексы и прозрачные тени, сопоставленные со свободно положенными холодными бликами, передают ясность и чистоту ее душевного мира. Во влажных, чуть грустных зеленых глазах искрится свет. Он трепещет в золотистых волосах, мерцает в жемчугах. Волнистая линия мазка порождает иллюзию вибрации поверхности, ощущение внутренней жизни, движения. Считается, что в этом образе хрупкой юной девушки Рубенс попытался воплотить идеализированное представление о безвременно умершей дочери Кларе Сирене.

 

 

Питер Пауль Рубенс. Шубка 1630-е. Музей истории искусства, Вена.

Этот портрет Елены Фаурмент также известен как «Венера в мехах». В 1626 году умерла первая жена Рубенса, Изабелла Брант. Женитьба Рубенса в 1630 году на шестнадцатилетней Елене Фаурмент (1614-1673) стала новым этапом жизни художника, исполненным безмятежного семейного счастья. Рубенс приобретает поместье, включающее замок Стен (отсюда название этого периода — «стеновый»). Разочаровавшись в придворной карьере и дипломатической деятельности, Рубенс целиком отдается творчеству. Мастерство позднего Рубенса с блеском проявляется в сравнительно небольших, собственноручно исполненных произведениях. Образ молодой жены становится лейтмотивом его творчества.

Из многочисленных, более двадцати, портретов этой женщины, писанных самим Рубенсом, пользуется особой известностью венский портрет «Шубка». Художник создает редкий по откровенности личного чувства и пленительности живописи образ обнаженной Елены с накинутой на плечи бархатной, отороченной мехом шубкой. Образ Елены Фаурмент, молодой фламандки, с ее упругим телом, атласной кожей, мягкими пушистыми волосами, блестящими глазами — пышной, цветущей, женственно-обаятельной, в этой картине полон особой свежести. Переливающееся нежными перламутровыми красками тело Елены Фаурмент оттенено темным пушистым мехом шубки. Художник тонко чувствует оттенки полупрозрачных красок, нежных, красноватых теней, розовых мазков, переходящих друг в друга и образующих словно эмалевый сплав.

 

 

Рембрандт Харменс ван Рейн. Автопортрет 1660 год

Рембрандт Харменс ван Рейн (1606-1669), голландский живописец, рисовальщик и офортист. Творчество Рембрандта, проникнутое стремлением к глубоко философскому постижению жизни, внутреннего мира человека со всем богатством его душевных переживаний, знаменует собой вершину развития голландского искусства XVII века, один из пиков мировой художественной культуры. Художественное наследие Рембрандта отличается исключительным многообразием: он писал портреты, натюрморты, пейзажи, жанровые сцены, картины на исторические, библейские, мифологические темы, Рембрандт был непревзойденным мастером рисунка и офорта. Влияние искусства Рембрандта было громадным. Оно сказалось на творчестве не только его непосредственных учеников, из которых ближе всех подошел к пониманию учителя Карел Фабрициус, но и на искусстве каждого более или менее значительного голландского художника. Глубочайшее воздействие оказало искусство Рембрандта на развитие всего мирового реалистического искусства впоследствии.

 

Рембрандт. Урок анатомии доктора Николаса Тюльпа, 1632. Холст, масло, 170х217. Мауриц Хаус, Гаага

Рембрандт написал эту картину, основываясь на лекции, которую читал в январе 1632 года д-р Николас Тюльп. Голландская школа славилась групповыми портретами, а этот предназначался в дар доктору Тюльпу, причем его коллеги рассчитывали предстать на картине в самом выгодном свете. Живописец с блеском справился с этой задачей: передал индивидуальность каждого и объединил композицию: Тюльп читает лекцию, а слушатели с профессиональным интересом всматриваются в труп казненного преступника. Благодаря «Уроку анатомии» Рембрандт сразу снискал известность. Скорее всего, первоначально на картине были изображены шесть человек, а крайний слева и самый верхний дописаны художником позднее. Также список с именами собравшихся, находящийся в руках одного из зрителей, появился позже — сегодня он облегчает идентификацию.

 

Рембрандт Блудный сын в таверне (“Автопортрет с Саскией”), 1635 Холст, масло. 161×131 см

Свободны и разнообразны по композиции автопортреты Рембрандта и портреты близких ему людей, в которых художник смело экспериментировал в поисках психологической выразительности. Время создания картины “Автопортрет с Саскией”, относится к самому счастливому периоду жизни Рембрандта, когда он добился популярности как художник, был счастлив и в семейной жизни, и решил создать портрет своей семьи. Это единственная картина Рембрандта, на которой он изобразил себя с Саскией.

Существует версия, что первоначально на картине были и другие персонажи, но потом художник решил оставить только себя и Саскию, и холст с левой стороны был обрезан самим Рембрандтом.

В картине “Автопортрет с Саскией” Рембрандт смело порывает с художественными канонами, её отличает живая непосредственность композиции, свободная манера живописи, мажорная, наполненная светом, красочная гамма.

Рембрандт Даная, 1636—1647 Холст, масло. 185×203 см

«Даная» (1636—1647) — картина Рембрандта из коллекции Эрмитажа, написанная по мотивам древнегреческого мифа о Данае, матери Персея.

Когда царь древнегреческого города Аргоса узнал о пророчестве, согласно которому ему суждено умереть от руки сына Данаи, своей дочери, он заключил её в подземелье и приставил к ней служанку. Бог Зевс, однако, проник к Данае в виде золотого дождя, после чего она родила сына Персея.

Классический сюжет картины — явление Зевса в виде золотого дождя к находящейся в заключении женщине. К этому сюжету обращались многие знаменитые художники.

Молодая обнажённая женщина в постели освещена потоком тёплого солнечного света, падающего через сдвинутый служанкой полог. Женщина приподняла голову над подушкой, протянув правую руку навстречу свету, пытаясь как бы почувствовать его своей ладонью. Её доверчивый взгляд обращён в сторону света, губы чуть приоткрылись в полуулыбке. Спутанная прическа, примятая подушка — всё говорит о том, что ещё минуту назад, раскутавшись в дремотной неге, женщина смотрела сладкие сны в своей роскошной постели.

Обнажённое тело молодой женщины привлекает внимание мягкими контурами, игрой света и тени. Беззащитность и мягкость чувствуется во всей её фигуре, которая, несмотря на несоответствие современным канонам, является символом женственности и красоты.

В отличие от произведений других художников, на картине отсутствует золотой дождь, символизирующий Зевса, и взгляд Данаи направлен не вверх, как можно было бы ожидать, а в сторону протянутой руки.

Руки женщины украшены браслетами, а на левой руке на безымянном пальце надето кольцо, которое может трактоваться как обручальное, хотя это идёт вразрез с сюжетом древнегреческого мифа. Над изголовьем кровати младенец с крылышками, на лице которого застыло страдание.

Картину «Даная» Рембрандт начинает писать в 1636 году, через 2 года после своей женитьбы на Саскии ван Эйленбюрх. Художник нежно любит свою молодую жену, часто изображая её на своих картинах. Не стала исключением и «Даная», написанная Рембрандтом не для продажи, а для своего дома. Картина оставалась с художником вплоть до распродажи его имущества в 1656 году. Долгое время оставалось загадкой, почему сходство с Саскией не так очевидно, как на других картинах художника 1630-х годов, а использованный им стиль местами более походит на творения более позднего периода его творчества. Лишь сравнительно недавно, в середине XX века, при помощи рентгеноскопии удалось найти ответ на эту загадку. На рентгеновских снимках сходство с женой Рембрандта более явное. Оказывается, картина была изменена после смерти супруги художника (1642), в то время, когда он состоял в интимных отношениях с Гертье Диркс. Черты лица Данаи на картине были изменены таким образом, что совместили в себе обеих любимых женщин художника. Кроме того, рентгеноскопия показала, что на первоначальном изображении присутствовал золотой дождь, льющийся на Данаю, а взгляд её был направлен вверх, а не в сторону. У ангела в изголовье кровати было смеющееся лицо, а правая рука женщины была повёрнута ладонью вверх.

 

Рембрандт. «Ночной дозор» (1642).

В 1642 году Рембрандт получил заказ на один из шести групповых портретов амстердамских военных. При создании этой четырёхметровой картины — самого масштабного из своих произведений — Рембрандт порвал с канонами голландской портретной живописи, за два столетия предсказав художественные находки XIX века — эпохи реализма и импрессионизма. Модели были изображены весьма непосредственно, в движении, что вовсе не понравилось заказчикам, многие из которых оказались при этом задвинутыми на задний план. Монументальное создание Рембрандта, запечатлевшее внезапное выступление в поход стрелковой роты, возглавляемой её командирами, решено им как массовая сцена, пронизанная движением толпы конкретных и безымянных персонажей и построенная на мерцающем контрасте ярко освещенных цветовых пятен и затенённых зон. Создающая впечатление разнобоя и напряжённости случайность запечатленной на полотне ситуации вместе с тем проникнута торжественностью и героическим подъёмом, сближается по своему звучанию с исторической композицией.

Столь смелое сочетание группового портрета с военными воспоминаниями Нидерландской революции отпугнуло некоторых заказчиков. То, что в продолжение 1640-х годов от Рембрандта отворачиваются заказчики и оставляют ученики, объясняется не только неоднозначной оценкой «Ночного дозора», сколько общим поворотом живописной моды в сторону скрупулёзной детализации, к которой сам Рембрандт был наиболее склонен в ранние годы. Логика творческого развития вела художника в прямо противоположном направлении. С годами он стал отдавать предпочтение смелым мазкам кисти и резким контрастам света и тени, скрадывающей почти все фоновые детали.

 

Рембрандт. Возвращение блудного сына, 1669. Холст, масло, 262х206. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.

Пожалуй, ни одно другое полотно Рембрандта не внушает столь возвышенных чувств, как эта картина. Сюжет взят из Нового Завета. Иисус рассказывает притчу о сыне, который получает у отца свою часть имения и расточает ее в дальней стороне, живя распутно. Когда, собравшись с духом, он возвращается домой, отец сразу прощает его и принимает с радостью. Религиозный смысл притчи таков: как бы ни грешил человек, раскаяние всегда вознаградится радостным прощением. Здесь Рембрандт, по-видимому, взялся исследовать общечеловеческое значение притчи. Коротко остриженные волосы на голове блудного сына и потрепанная одежда говорят сами за себя, а воротник хранит намек на былую роскошь. Туфли изношены, одну он обронил, став перед отцом на колени. Отец прижимает сына к груди, прощая его. Характерно, что Рембрандт избегает конфликтности притчи: там говорится о ревности послушного сына, хотя, возможно, он стоит в тени позади отца.

В картине господствует только одна фигура - отец, изображённый в фас, с широким, благословляющим жестом рук, которые он почти симметрично кладёт на плечи сына. Этот же, изображённый со спины, стоит перед отцом на коленях, образуя с ним монументальную группу, которую можно было бы вылить в бронзе. Нигде с таким чувством не проявлялась объединяющая человеческая сила монументальных форм. Отец - полный достоинства старец, с благородными чертами лица, одет в царственно звучащие красные одеяния. Но и эта монументальность у Рембрандта распадается, подмываемая мощным потоком человечности, изливаемой на этот, кажется, так прочно спаянный блок. От благородной головы отца, от его драгоценного одеяния наш взгляд спускается к постриженному наголо, преступному черепу сына, к его беспорядочно висящим на теле отрепьям, к подошвам ног, дерзко выставленных навстречу зрителю, преграждая его взгляд... Отец кладёт руки на грязную рубашку сына так, как будто он совершает священное таинство, потрясённый глубиной чувства, он должен так же держаться за сына, как и держать его...

 

Диего Веласкес. Автопортрет

Диего Веласкес (1599–1660), великий испанский живописец. На формирование Диего Веласкеса как портретиста огромное воздействие оказала жизнь при королевском дворе, научившая художника постигать глубины человеческого характера, скрытые под маской придворного этикета. Бесстрастно-холодные парадные конные портреты королевских особ отличаются сдержанным великолепием поз, одежд, коней, величием пейзажных фонов.

В портретах придворных, друзей, учеников Веласкес накапливал и синтезировал свои наблюдения, отбирал необходимые изобразительные средства. В этих полотнах обычно отсутствуют аксессуары, жесты, движение. Нейтральный фон благодаря тонкому соотношению валёров обладает глубиной и воздушностью; темные тона одеяний направляют внимание зрителя на ровно освещенные лица. Найденные для каждого портрета неповторимые сочетания оттенков серебристо-серого, оливкового, серо-коричневого цветов при общей сдержанности гаммы создают индивидуальный строй образов. В поздних произведениях Веласкеса с наибольшей полнотой сказались особенности его творческого метода: глубокое постижение жизни во всем богатстве и противоречивости ее проявлений, целостность ее образно-пластического воплощения, единство всех элементов художественной формы. Творчество художника Веласкеса является вершиной испанской живописи XVII века и одним из ярчайших явлений мирового искусства.

 

Диего Веласкес Венера с зеркалом, ок. 1647—1651

«Венера с зеркалом» — картина Веласкеса, изображающая полулежащую обнажённую Венеру. Она смотрится в зеркало, которое держит перед ней Амур.

Предположительно, Веласкес написал «Венеру с зеркалом» во время своего визита в Италию, так как инквизиция в Испании запрещала писать обнажённое женское тело. Также влиянием целомудренного испанского мировоззрения считается то, что Венера изображена, в отличие от итальянских «Венер», лежащей спиной к зрителю.

Сюжет этого полотна навеян венецианской живописью эпохи Возрождения. В своей работе Веласкес объединил две устоявшиеся позы, в которых изображалась Венера — полулежащая и с зеркалом.

«Венера с зеркалом» — единственное сохранившееся изображение обнажённого женского тела кисти Веласкеса.

 

Диего Веласкес Портрет папы Иннокентия Х, 1650 Холст, Масло. 140×119 см Галерея Дориа-Памфили, Рим

В 1650 году по поручению короля Диего Веласкес поехал в Рим, там художник впервые повстречал папу Иннокентия Х, который был известен своей продажностью и корыстью. Папа заказал Веласкесу свой портрет.

Перед Веласкесом встали проблемы, связанные с традиционными правилами портрета и непременной парадностью. Художник решил показать на картине внутренный мир Иннокентия Х, как это когда-то сделал его любимый художник — Тициан, на своём портрете Павла III. Второй раз Веласкес увидел папу случайно: ему разрешили посещать Ватикан, и он подолгу там задерживался. Однажды художник увидел в окно проходившего по аллее папу. Веласкеса поразили изменения в лице старика: он был наедине с собой и поэтому не притворялся жестоким и подозрительным, он был угнетён и подавлен чем-то.

Через несколько дней Веласкес преподнёс портрет в дар Иннокентию Х. Увидев свой портрет, папа произнёс: «Чересчур правдиво!». В награду за портрет художник получил массивную золотую нагрудную цепь с миниатюрным портретом Иннокентия X в медальоне, осыпанном самоцветами. На картине папа изображён таким, каким его увидел Веласкес в первый раз — энергичным и подозрительным. Колористическая гамма сконцентрирована на двух тонах — красном и белом. Красный цвет разнообразен множеством оттенков.

На портрете подчёркнуты грубые, некрасивые черты лица папы, на лице играют багровые блики. Наряду с красными красками выделяется белый цвет сутаны, воротника, манжет. В левой руке Инокентий Х держит письмо с надписью: «Наисвятейшему папе Иннокентию X Диего де Сильва Веласкес, придворный живописец его величества, короля католического».

 

 

Диего Веласкес Менины (Фрейлины), 1656 Холст, масло. 318×276 см

Картина испанского живописца Диего Веласкеса «Менины». В центре композиции художника представлена пятилетняя дочь испанского короля Филиппа IV, инфанта Маргарита, в окружении свиты служанок и карликов. Слева Веласкес изобразил самого себя работающим над большим портретом короля и королевы, который отражается в зеркале прямо над головой инфанты. Свет, также как и взгляды родителей, направлен на девочку. Веласкес создает впечатление семейного счастья, богатства и блестящего будущего, персонифицированных в лице маленькой принцессы.

Диего Веласкес. Портрет придворного карлика дона Себастьяна дель Морра

Это единственная картина Веласкеса, на которой король и королева изображены вместе, но очень неотчетливо, схематично. Филипп IV на 30 лет старше своей второй жены и является ее дядей. Инфанта Маргарита на момент написания картины была их единственной дочерью. Этот шедевр Веласкеса словно выхватывает одно из мгновений скоротечного и неумолимого в своей краткости бытия, одно из мгновений палитры жизненных коллизий и изменчивых проявлений реальности. Картина «Менины» наполнена движением пространственных планов, воздуха и света, своеобразна и интересна своим цветовым и тональным решением. Веласкес - один из величайших портретистов в истории искусства; эта картина считается шедевром позднего периода творчества художника.

Полотно вдохновило Оскара Уайльда к написанию сказки «День рождения инфанты».

 

Лос труанес (исп. los truhanes — шуты) — название типа испанского портрета, изображавшего придворных шутов и карликов. Они писались придворными художниками испанских королей и изображали любимых монархами, а также высшей знатью страны карликов и дураков (при дворе Филиппа IV было по крайней мере 110 карликов). Наиболее известна серия Los truhanes, принадлежащая кисти Веласкеса, хотя эти портреты писались и другими живописцами.

В серии портретов шутов и карликов (los truhanes) испанского двора художник Веласкес психологически точно, откровенно и непредвзято раскрывает характеры комедиантов, их душевное состояние, мир переживаний, поднимающийся подчас до скорбного трагизма. Этим портретам зрелого периода творчества художника Диего Веласкеса в большой степени свойственен артистизм и психологическая завершённость.

 

 

Контрольные вопросы:

- особенности стиля барокко в изобразительном искусстве

- творчество Диего Веласкеса

- творчество Караваджо

- творчество Рембрандта ван Рейна

- творчество Питера Пауля Рубенса

 

Вопросы для самостоятельной проработки:

- особенности стиля рококо в изобразительном искусстве

- творчество Франсуа Буше

- творчество Антуана Ватто

- творчество Жан Оноре Фрагонара

- творчество Эль Греко

- творчество Хусепе де Риберы

- творчество Франсиско Сурбарана