У греков было множество общественных, народных танцев, в которых отражался эллинский дух, переплетенный с мифологическими верованиями. Публично предавались танцам во славу богов, в честь героев и по случаю разного рода земледельческих событий. Тут веселился и забавлялся весь народ.
К общественным танцам в первую очередь относятся военные (воинственные) танцы, танецы гормос, гимнопедия, геранос.
Воинственные танцы. Благодаря гимнастическим упражнениям в школах греки с раннего детства приобретали ловкость и гибкость в движениях, потому исполнявшиеся публично танцы с воинственным пылом были красивым и любимым развлечением, е кроме того играли большую роль в воспитании мужества, патриотизма, чувства долга.
Попробуем их себе представить: обычно военные пляски исполняли двое, но существовали и танцы где танцевали несколько юношей, а иногда вместе с юношами танцевали и девушки. Эти пляски воспроизводили бой, различные боевые перестроения, это были сложные хореографические композиции. В руках у танцующих были луки, стрелы, щиты, зажженные факелы, мечи, копья, дротики. В сюжетах этих танцев, как правило, находили отражения мифы и предания о героях.
Главнейшим из всех воинственных танцев, несомненно, был пиррический танец, который можно даже назвать военной пантомимой.
Гормос – общественный танец в честь разных божеств, утвержденный древнеспартанский законодателем Ликургом, как средство для преклонения перед красотой человеческих форм.
Гимнопедия – общественный танец, исполнялся на площадях в праздничные дни и без каких-либо символических атрибутов. Украшенные венками из пальмовых ветвей, танцевали старики, взрослые и дети, собиравшиеся на площадях. Участвующие делились на три группы. Каждый хор пел и двигался отдельно, останавливаясь и принимая различные позы.
Геранос - «журавль»,— изобретение которого приписывается Тесею, как напоминание его выхода из Лабиринта. Составляющие цепь считались жертвами, спасенными из Лабиринта от ярости Минотавра. А такое название ему было дано благодаря исполняемым фигурам, напоминающим стаю летящих друг за другом журавлей. Веселый танец исполнялся преимущественно во время весеннего празднества Панафиней, символически олицетворявший собою освободителя от тьмы.
Домашние, сельские, пиршественные, исполнявшиеся в домах, на полях, в селениях и во время пиров.
Каждое событие обыденной жизни греков ознаменовывалось торжеством, соединенным с танцами. День рождения хозяина дома, появление на свет ребенка, свадьба, чествование именитого гостя, возвращение с поля битвы и даже похороны сопровождались соответствующими данному случаю танцами. Домашние танцы можно разделить на две категории: на семейные, имевшие торжественный характер, и на увеселительные, служившие для развлечения. В обеих категориях сохранялся отпечаток «священных» танцев. Внутреннее содержание их, с сюжетами из жизни олимпийских богов, было проникнуто мифологическими влияниями.
К первой категории домашних танцев относятся: танец гименей, исполнявшийся в домах после совершения брачного обряда; гингра - танец исполняемый во время прощания с усопшим. Большинство домашних чисто увеселительных плясок, как-то: танец спартиатов, танец с обручами и др., основывались на гимнастическими и эквилибристическими упражнениями.
Сценические танцы, то есть та форма хореографии, где профессиональные артисты танцевали не ради собственного удовольствия, а для развлечения народа и для того, чтобы блеснуть своим талантом. Танцыдревних греков были частью театральных представлений, причем каждому жанру соответствовали свои танцы. В трагедиях исполнялись танцы медленные, торжественно-плавные, а в комедиях лихо отплясывали, забывая о скромности и приличиях. Во время танцев исполнители отбивали такт ногами, для чего надевали особые деревянные или железные сандалии, иногда отбивали такт руками с помощью надетых на средние пальцы своеобразных кастаньет – устричных раковин.
Древнегреческий театр.
Постепенно растущая популярность ритуальных мистерий к тому, что они не только заняли доминирующее место в религиозных и общественных празднествах, но и отделились постепенно от религиозных церемоний и стали самостоятельным видом искусства и одним из самых страстных увлечений древних греков. Из древнегреческой мистерии родился театр.
Правда, в отличие от современных театралов, в античном театре каждая пьеса ставилась на сцене только один раз. А сами театральные фестивали проходили всего три раза в год – во время праздников в честь Диониса, ставшего покровителем театрального искусства. Но во время фестиваля представления давались с раннего утра и до позднего вечера несколько дней подряд.
Древнегреческая трагедия возникла из Великих (городских) Дионисий, на которых происходили состязания поэтов, выступали хоры ряженных в козьи шкуры певцов, исполнялись свободные гимны (дифирамбы). Так. Малые (сельские) Дионисии послужили основой для комедии, на них исполнялись шуточные песни, сопровождаемые плясками.
Тип театральных зданий сложился в Др. Греции под влиянием климатических условий и рельефа (Греция -гористая страна). Театры были устроены на склонах холмов. Театр в Афинах вмещал 17 тыс. зрителей, в Эпидавре – 10 тыс.
Древнегреческий театр состоял из орхестры - круглой площадки для танцев, скены - («палатка»), где актеры готовились к выступлению и зрительских мест. Сначала зрители просто располагались около орхестры. Позже для них стали отводится на склонах холмов специальные места. На круглой площадке — «орхестре» размещался хор. Тут же играли актеры. Огромные размеры театров привели к необходимости использовать маски, т.к. мимика лица актера зрителям не была видна. Перевоплощение осуществлялось просто: актеры меняли маски в которых выступали. Маски делались из глины. Каждому определенному характеру и настроению соответствовала «своя» маска, которая выражала определенное состояние (ужас, веселье, спокойствие и т.д.). Кроме того маски имели разный цвет. Так, силу и здоровье представлял смуглый цвет лика маски, болезненность — желтый, хитрость — красный, а гнев — багровый. Гладкий лоб выражал веселое настроение, а крутой — мрачное. Выразительность масок была необходима для наглядности, кроме того, маска выполняла и роль рупора, усиливавшего голос актера.
В соответствии с сюжетом актер в течении спектакля менял собственные лики. Маска меняла пропорцию тела, поэтому кроме масок актер надевал на ноги специальную обувь на высокой подошве – котурны (сандалии с толстыми подошвами). Котурны делали актера выше ростом, а его движения становились более величественными. Под одежду надевали толщинки. Ярко окрашенные ткани, из которых шились сложные костюмы, также укрупняли и подчеркивали фигуру. Сначала в спектаклях принимали участие хор и только один актер, позднее появился второй и третий. В одной постановке актер мог представлять несколько персонажей. Женские роли всегда исполнялись мужчинами. Трагические и комедийные актеры должны были не только хорошо декламировать стихи, но и владеть вокальным мастерством, так как в наиболее патетических местах драмы актеры исполняли арии. Путем постоянных упражнений греческие актеры вырабатывали у себя силу, звучность и выразительность голоса, безукоризненность дикции и доводили до большого совершенства искусства пения. Но кроме этого, греческий актер должен был владеть искусством танца и вообще искусством движения в самом широком смысле этого слова. Поэтому греческому актеру необходимо было много работать над гибкостью и выразительностью тела. Так как актеры носили маски, то мимика из игры была исключена, что заставляло греческих актеров работать над искусством движения и жеста. Древнегреческий артист был прекрасным чтецом, певцом и танцором, т.к. первоначально танец, музыка и слово у древних эллинов считались единым искусством и называлось одним словом – «музыка» или «хорея».
Трагический хор насчитывал сначала 12 человек. В комедии хор всегда состоял из 24 человек. Участрики хора назывались хоревтами, предводитель хора - корифеем. При выходе на орхестру во главе хора шел флейтист, который останавливался на ступенях алтаря, расположенного в центре орхестры. В трагедии хор обычно изображал людей, близких главному герою. Комический хор изображал не только людей, но и животных и сказочных существ.
Хореографические представления состояли из разнохарактерных маршей, отрывочных мимических сцен с танцами, постановка и сочинение которых поручалось специальному начальнику хора, всегда очень уважаемому лицу. Впрочем балетмейстерами были и сами драматические писатели.
Профессии актера и драматурга считались в Элладе очень почетными. Театр содержался государством, а наиболее состоятельные граждане вносили плату за обучение и содержание хора. Актерами в театре Древней Греции могли быть только свободорожденный мужчина. В эллинистическую эпоху впервые выступают актеры-профессионалы. Появляются актерские товарищества, бравшие на себя защиту интересов своих членов, а также выступающие организаторами драматических и музыкальных состязаний. Актеры также пользовались большим уважением. Для организации представлений актеры даже во время войны могли свободно выезжать в другие государства, их личность и имущество были не прикосновенны. Сами актеры получали освобождение от несения военной службы.
Однако по мере развития греческого театра все больше и больше значило в нем слово, речь, которой актеров наделял драматург, а танец все больше отступал на задний план, становился фоном, сопровождением. Из танцевальных празднеств в Древней Греции родился все таки словесный театр – драма.
Позднее в Греции большое распространение получили мимы. Эти представления устраивали странствующие группы лицедеев по городам и селам, в состав которых позднее стали входить и актеры-женщины. Мимы разыгрывались на деревянных подмостках, а актеры играли без масок. В Древней Греции мим становится любимым зрелищем в городах Средиземноморья.
Танец в древнем Риме
Танцевальное искусство древних греков оказало большое влияние на римлян. Только вот творческие вкусы римлян в корне отличались от вкусов греков. Для греков искусство и танец были чем-то священным, что облагораживало душу и приближало человека к богам. Римляне же, более грубые и приземистые, видели в искусстве лишь развлечение.
Римляне внесли в историю мирового танца большой вклад как создатели пантомимы. ПАНТОМИМ – сольный мужской театрализованный танец, основным выразительным средством которого была сильно стилизованная последовательность движений, причем в основном это была жестикуляция. Актер выступал в маске и играл сразу несколько ролей, в том числе и женских. Содержание пантомима под музыку «рассказывал» хор. Пантомиме обычно аккомпанировал маленький оркестр.
Хотя в Древнем Риме и преобладала пантомима, ритуальный танец там тоже не был забыт. Существовало много танцев-шествий на разные случаи. Например, жрецы бога Марса, исполняли свою культовую воинскую пляску. Повсюду на полуострове Италия жрецы проводили ритуалы, связанные с древними культами плодородия. Такого рода храмовые обряды постепенно перерастали в народные праздники. Например, знаменитые "сатурналии", проводившиеся в конце декабря, стали народным карнавалом, с танцами на улицах и взаимным одариванием.
А когда в Риме начались беспорядки и император испугался, что может произойти восстание, он велел выйти на улицы города трем тысячам танцовщиков и танцовщиц, которые своими плясками усмирили буйство толпы.
Сценическое искусство Древнего Рима развивалось тоже под влиянием греческого театра (римляне переняли от эллинов жанры трагедии и комедии) и собственных римских народных представлений:
В Риме были распространены:
Пантомим – сольный мужской театрализованный танец, основным выразительным средством которого была сильно стилизованная последовательность движений, причем в основном это была жестикуляция.
Пирриха – танцевальный спектакль в исполнении ансамбля танцовщиков. В качестве сюжета обычно – мифологическая история.
Фесценины – грубоватые сатирические песни, исполняемые в честь жатвы;
Сатуры - ведущие свое происхождение от танцев плясунов из Этрурии (современной Тоскании) включали в себя музыку, танцы, пение, драматические сценки бытового и комического содержания.
Ателлана – представления, в которых действовали маски-характеры: плут, богатый старик, шарлатан и обжора. Тексты сочинялись на ходу участниками спектакля. В последствии, когда ателлана стала профессиональной (ее стали разыгрывать специально подготовленные артисты), число масок стало увеличиваться.
Долгое время в Риме не было постоянных театральных зданий. Для представлений строились специальные сооружения, которые по окончанию представления ломались. Первый каменный театр был сооружен около 55 г. до н.э. Римский театр имел занавес. Римский театр не был связан с культом божества, как в Греции, поэтому не имел того общественного значения. Актеры считались презираемыми людьми, их набирали из числа рабов и вольноотпущенных.
В V веке н.э. под натиском отрядов германцев Римская империя пала. Вместе с государством погиб и античный театр. Однако традиции мимы и ателланы в том или ином виде никогда не прекращали своего существования, хотя и зародились в Древнем мире. Они продолжились в искусстве средневековых артистов (примерно VIII-XIV в.в.), а в эпоху Возрождения (примерно в XIV-XVI в.в.) преобразились в итальянскую Комедию масок. Также дело обстояло и с пантомимой: в средние века ее исполняли странствующие актеры, а затем она вводится в Комедию дел арте, а в эпоху Ренессанса становится основным средством выразительности в балете.
Парные – исполняемый 2 девушками или 2 юношами. Групповые - каждый артист исполняется свои движения, и они должны быть связаны с остальными участниками, известен танец, исполняемый 5 танцовщиками. По технике исполнения танцы древнего Египта делились на мимический, в котором жесты и позы служили выражением мыслей, и на танец подвижный, состоящий из колебательных движений корпуса и упражнений в ловкости, гибкости, грации. Исполнение танцев было подчинено строгим правилам. По иероглифам видно, что древние египетские танцы не были бессвязными движениями, а были подчинены правилам и законам, от которых исполнители не смели отступать. При храмах существовали школы, в которых готовили жриц-танцовщиц, пользующихся большим почетом у народа. Техника исполнения танцев достигла у египтян значительного совершенства и имела некоторое сходство с современной балетной школой. Иероглиф танца Позднее богатые и знатные египтяне приглашали в свои дома для увеселения гостей целые группы танцоров и танцовщиц. Под звуки оркестра, состоявшего из лир, арф, двойных флейт, барабанов исполнялись разнообразные пантомимные сценки. Особым разнообразием были обставлены пиршества фараонов и вельмож. Танцовщиц и музыкантов при дворах было так много, что для управления ими существовала даже особая должность «Заведующий изящными развлечениями царя». Царица Египта Клеопатра во время придворных пиров всегда устраивала спектакли, балеты-пантомимы с лучшими танцовщиками. С не меньшим уважением относились к Танцу в Китае, Японии, Индии.
Индийские танцовщики уже много веков назад так владели своим телом, что языком жестов и поз рассказывали о приключениях своих легендарных богов и героев. В Индии существовала «Пляска солнца». Одна из индусских легенд даже гласила, что в божественном танце создает, а затем разрушает мир творец Вселенной – многоликий бог Шива.
Индийский танец делится на: ритуальный (священный), военный, бытовой и театральный. Ритуальный танец. Как у многих народов древности – это язык, на котором люди общались с богами. К ритуальным индийским танцам относятся - танец бога огня, танец призыва дождя, который исполняли девушки, держащие на головах кувшины с водой. Похоронный танец, для того чтобы умерший спокойно переправился в царство мертвых. Ритуальные танцы исполняли как мужчины, так и женщины. Неотъемлемой частью индийских ритуальных танцев являются храмовые танцовщицы. При каждом храме обязательно существовали храмовые танцовщицы - баядерки. Они пользовались уважением, имели дом в лучшей части города, не платили налогов на землю. Каждая танцовщица имела превосходное музыкальное и хореографическое образование, которое она получала в специальных школах при храмах, знала языки. Считалось, что танцовщицы жены храмового божества. Практически все классические танцы Индии сформировались в рамках религиозного ритуала и принадлежали к храмовому искусству. Когда-то танец танцевали в одиночку, перед идолом божества, которому танец предназначался. Танцевальные подношения были частью каждодневного ритуала и самой важной составной частью молитвы. Индийский танец изначально – сольный танец. Классический индийский танец насчитывает 4 стиля: - бхарат-натьян – танец молитва, танец-разговор, исполняемый в храмах бога Шивы. Неотъемлемая часть индийской хореографии – храмовые танцовщицы; - каткахали – «расказ-искусство». Исполняют только мужчины. Танец групповой. Чаще всего в танце пересказываются сюжеты эпических поэм; - манипури – танцы посвященные богу Кришне, музыкально-танцевальные представления; - катхак- северный стиль. Военный танец. Арийские цари и воинские предводители, облачившись в доспехи и взяв оружие, исполняли особые воинские танцы. Бытовой танец. Индия - страна вечных религиозных празднеств и процессий во славу божеств. Уличные шествия сопровождались прыгающей и скачущей толпою, однако собственно бытовых публичных танцев с названиями в Индии не существовало. Театральный танец. О чрезвычайной древности развитого театрального и танцевального искусства у народов Индостана свидетельствуют наскальные росписи, обнаруженные в пещерах и гротах. В них можно обнаружить рисунки музыкантов, играющих на различных барабанах и бубнах, танцоров (в том числе, возможно, исполняющих танец на сцене), актеров в костюмах животных и в масках. В традиционный индийский театр входили певцы, танцоры, музыканты. Актерами были как мужчины, так и женщины. Каноны театрального искусства древней Индии были изложены в священном трактате.
|