Страны Восточной Европы долгое время в силу разных исторических причин не могли обрести государственность. Вероятно, поэтому деятели культуры особое значение придавали национальному своеобразию собственных сочинений. Наиболее удачные работы в области театра были пронизаны пафосом борьбы за независимость родины. Иногда такая направленность вела к уходу в местную проблематику - и тогда сцена оставалась в кругу частных вопросов, а иногда приводила к рождению произведений высокого искусства, глубоких, человечных и поэтичных. На мировой уровень польскую сцену вывела романтическая драматургия.
Пьесы Юлиуша Словацкого, Адама Мицкевича и Зигмунда Красиньского по сей день, играют театры не только Польши, но и других стран. Сочинения этих авторов были поставлены позже, чем написаны, но в тексте словно заложены рекомендации для будущих актёров и режиссёров - и в ремарках, и в необычной ритмической интонации, и в характерах персонажей. Над поэмой "Дзяды" Адам Мицкевич (1798-1855) работал несколько лет, но так и не завершил её. В польской народной культуре словом "дзяды" (буквально "деды", "предки") называют обряд поминовения усопших, в котором слились христианские и языческие элементы. Первая и вторая части поэмы написаны в драматической форме и представляют собой реконструкцию обряда. Третья часть, наиболее приспособленная для сцены театра, состоит из девяти сцен. Это один из первых опытов своеобразной документальной драмы: автор воспроизводит эпизоды следствия по делу об оппозиционных Российской империи студенческих обществах в 1820 г. Для куска четвёртой части автор избрал форму диалога; остальные фрагменты по жанру приближаются к средневековой мистерии. Современные режиссёры используют в основном монолог героя-романтика из третьей части - "Импровизацию Конрада". В Конраде соединены черты Гамлета и Фауста, он неутомимый искатель истины, счастья для себя и своего народа. Преодолевая собственный эгоизм, стремясь заглушить боль утраченной любви, герой вступает в борьбу и в этой борьбе обретает цель жизни. Роль Конрада играли лучшие польские актёры.
В историю национальной сцены вошла постановка поэмы "Дзяды" Казимежем Деймеком (1968 г.). Своеобразно трактована поэма Мицкевича в фильме Тадеуша Конвицкого "Лава" (1982 г.). Все драматические произведения Юлиуша Словацкого (1809- 1849) были созданы в Париже. Он писал трагедии, подражая одновременно классицистам и романтикам, и исторические драмы. Главной для Словацкого стала пьеса "Кордиан" (1834 г.). Эта романтическая историческая драма рассказывает о заговоре против русского царя. Юный герой мечтает о великих деяниях - о бунте во имя освобождения родины. Он видит себя цареубийцей, но не может осуществить свои намерения. Подойдя к царской спальне, Кордиан теряет сознание; его видит Николай I и приказывает арестовать и расстрелять. Резко отличается от "Кордиана" другая пьеса драматурга - "Балладина" (1834 г.). Автор рассказывает историю "польской леди Макбет". Помимо обычных людей в произведении действуют сказочные персонажи. Нимфы и феи вмешиваются в дела людей, но не могут никому помочь. Балладина, добиваясь короны, совершает преступление за преступлением, делая окружающих несчастными. Как и в традиционной сказке, в финале пьесы зло карается - преступницу поражает молния. В начале 70-х гг. XX столетия в варшавском "Театре Народовы" "Балладину" поставил режиссёр Адам Ханушкевич (родился в 1924 г.).
Этот спектакль вызвал острые споры. Злая героиня напоминала современного главаря мафиозной группировки или террористку. По сцене разъезжали мотоциклы, персонажи были одеты в кожаные куртки и брюки. Но в конце концов добро торжествовало - приговор выносился и сказочным, и современным героям. Ханушкевич считал, что, смешав приметы разных эпох, он окажется более понятным и доступным молодому польскому зрителю. Зигмунд Красиньский (1812-1859) вошёл в историю польского театра одной пьесой - драмой "Не божественная комедия" (1833 г.). Он обратился к самому болезненному вопросу литературы XIX столетия: какова цена исправления мира и крови, пролитой во имя светлого будущего? После Великой французской революции, Июльской революции во Франции, выступления декабристов в России и восстания в собственной стране польские драматурги, часто в иносказательной форме, поднимали эту проблему. У Красиньского два главных героя: аристократ граф Генрих и вождь крестьян Панкратий. Генрих - поэт, а Панкратий - практик, он хочет изменить существующие порядки. Панкратий понимает, что за Генрихом - традиция, поэзия, культура, а потому с его гибелью из жизни уйдет нечто важное и наступит "царство без гения". Восставшие ничего этого знать не хотят и берут замок графа приступом - Генрих бросается в пропасть, а Панкратий напрасно ищет его, надеясь, что поэт спасся. В финале, вопреки названию"небожественная", появляется Христос и укоряет героя, нарушившего заповедь "Не убий", - победитель, сражённый угрызениями совести, падает замертво. Постановка "Небожественной комедии" стала одной из удач варшавского "Театра Народовы". Генрих (Адам Ханушкевич) и Панкратий (Мариуш Дмоховский) были достойными соперниками, равными и сильными. С их гибелью мир стал духовно беднее - цена восстания оказалась преступно высокой. В этом спектакле, созданном в последней трети XX в., отразился горький и трагический опыт польской истории. В XX столетии польский театр прославился экспериментами в области театра абсурда. Задолго до появления сочинений Беккета и Ионеско собственный вариант драматургии абсурда предложил Станислав Игнаций Виткевич (1885-1939). Он создавал в своих произведениях странный мир - и похожий на обычный, и отличающийся от реальной жизни.
Виткевич творил, по его словам, "жизненную симфонию", однако но ты в этой симфонии были перепутаны; люди порой переставали походить на самих себя, превращались толи в монстров, то ли в не до человечков, то ли в полу животных. В пьесе "Янулька, дочь Фидзейко" (1923 г.)герой умирает потому, что... у него под костюмом лопнул воздушный шарик. А в пьесе "Безумный локомотив" (1923 г.) обыденная ситуация на железной дороге оборачивается кошмаром, и поездка на поезде превращается в дорогу в никуда. Человеку Виткевича - марионетка; персонажи иногда не имеют имён, порой обозначены только буквами. Произведения драматурга лишены весёлости - это чёрный юмор попольски. Пьесы Виткевича очень театральны. Самой удачной постановкой считается спектакль Тадеуша Кантора "Водяная курица" в театре "Крико2".Интересны пьесы абсурда Славо мира Мрожека (родился в 1930 г.). Его сатирические произведения идут на сценах Польши и других стран, в том числе в России. Наиболее известна пьеса "Танго" (1967 г.), в которой автор говорит о том, что люди не управляют собой, втягиваются в жестокие игры, теряя не только собственное "я", но и жизнь. Изображая обыденность, Мрожек беспощаден; по его мнению, автоматизм быта чреват трагедиями и преступлениями. Польская сцена завоевала авторитет и благодаря режиссёрам Конраду Свинарскому, Юзефу Шайне, Анджею Вайде. Особое место в европейской театральной культуре занимал ЕжиГротовский.
В XX столетии чешский театр прославили сначала драматург Карел Чапек, потом сценограф Йозеф Свобода и, наконец, режиссёр Отомар Крейча. Театр Карела Чапека (1890-1938) - это восемь пьес (три Чапек написал совместно с братом Йозефом Чапеком), которые по сей день не сходят со сцен театров Чехии и Словакии. Будущий драматург окончил гимназию, изучал философию в университетах Берлина и Парижа, в 1915 г. защитил в Пражском университете диссертацию и получил степень доктора философии. Человек в первой комедии Чапека"Разбойники" (1920 г.) предстаёт как мир в себе. Старость и молодость -два прямо противоположных отношения к жизни: примиренческое, построенное на отстаивании незыблемости сложившихся устоев, -и дерзновенное, смело разрушающее их. Этой дерзновенной силой автор наделяет главного героя. В пьесе "R.U.R." ("Россмусовские универсальные роботы", 1920 г.) Карел Чапек открыл очень важную для XX столетия тему: взаимоотношения человека и машины. Разум живой и разум сконструированный, как показала история, отнюдь не существуют в гармонии - робот способен присвоить себе функции человека и может стремиться к власти, господству над миром. Ранняя пьеса Чапека - предупреждение без думному экспериментаторству. Сходные проблемы поставлены в пьесе "Средство Макропулоса" (1922 г.). Автор задаёт вопрос: стоит ли изобретать средство, дарующее вечную жизнь, принесёт ли эликсир жизни счастье своему владельцу и окружающим его людям? Чапек ироничен, он посмеивается над своей героиней, обречённой на молодость, но за этой иронией стоят серьезные философские размышления о роли и месте человека в мире. Приход фашистов к власти в Гер мании оказался переломным моментом в творчестве Чапека. С 1934 г. он активный антифашист. В 1937 г. была написана пьеса "Белая болезнь",а в 1938 г. - "Мать".Доктор Гален в первой пьесе изобрёл лекарство от загадочной болезни, охватившей население страны. Условия лечения - отказ соотечественников во главе с Маршалом от военной агрессии. Доктор Гален -воплощение гуманизма, мужества и бескорыстия. Ему противопоставлены Маршал и барон Крюге, которых современники соотносились Гитлером и Крупном. Не случайно посольство Германии в Праге потребовало запретить спектакль "Белая болезнь".Завершает путь философских исканий Чапека пьеса "Мать". Это вершина творчества чешского драматурга. Суть пьесы - в поисках смысла человеческого существования. Сыновьям главной героини Долорес свойственны героизм, отвага и честность. Эти черты - в традициях семьи. И Долорес теряет четырёх сыновей: они погибают, выполняя свой долг. Однако высокие идеалы близких людей кажутся героине искусственными, выдуманными и даже бессмысленными по сравнению с чувством материнской любви. Но в час испытаний, когда отчизне грозит беда, мать, сорвав со стены винтовку, вручает её последнему оставшемуся в живых сыну. В 60х гг. интерес к чешскому театру вновь пробудили спектакли маленькой пражской сцены "За во ротами". Руководитель группы Отомар Крейча (родился в 1921 г.) обратился к творчеству А. П. Чехова. Крейча вернул сценическим трактовкам пьес русского драматурга лиризм, главное внимание он уделял потаённым чувствам персонажей, подтексту сочинений. Умение актеров передать тончайшие движения души, особая откровенность эмоций принесли успех постановкам "Трёх сестёр" и "Вишневого сада". В этих спектаклях режиссер пользовался символами: например, в финале "Вишнёвого сада" персонажей будто сметало со сцены, как листья, рассыпанные по площадке. Лучшие спектакли режиссеров из стран Восточной Европы включались в программу фестиваля БИТЕФ
ЕЖИ ГРОТОВСКИЙ И "БЕДНЫЙ ТЕАТР"
Долгие годы экспериментальный театр послевоенной Европы жил под влиянием Ежи Гротовского (1933-1999). Гротовский окончил актёрский факультет Государственной высшей театральной школы в Кракове, затем приехал в Москву, где посещал занятия по режиссерскому искусству в ГИТИСе. Потом много путешествовал, в разных странах смотрел спектакли, знакомился с актёрами и режиссёрами, посещал семинары и репетиции. Современный европейский театр Гротовского не устраивал, он считал, что необходимо обновить палитру выразительных средств, а начать сле дует с актёра. Уже с середины 50х гг. польский экспериментатор стал разрабатывать собственную систему подготовки актёра. Он обращался к опыту Станиславского, к трудам Арто и, что очень важно, к принципам восточного театра. Первые самостоятельные режиссёрские опыты были осуществлены городе Ополе (1959 г.). Здесь возник Театр 13 рядов. Гротовский долго занимался с актёрами, тренируя их мозг, душу и тело - изнуряюше, часами на пролёт. Актёры ставили дыхание, работали по программам гимнастов и даже акробатов. Спустя три года театр пере именовали в Театр лабораторию. Сменилось не просто название - отныне все, что делал режиссёр, превращалось в дерзкие, иногда заводившие в тупик опыты. В 1965 г. Ежи Гротовский и его труппа переехали во Вроцлав. По степенно коллектив обрёл мировую известность. Теперь он называется Институт изучения актёра, занятия посвящены исполнительской технике. Наиболее известные спектакли Гротовский поставил в Ополе. Это "Кордиан" (1962 г.; по Словацкому), "Фауст" (1963 г.; по Марло), "Стойкий принц" (1965 г.; по Кальдерону). Действие, как правило, происходило в комнате, сравнительно небольшой, оформления не было. Сценический мир творился голосами и телами актё ров, которые играли на грани человеческих возможностей. Наибольшую известность Гротовскому принесла постановка "Apocalipsis cum figuris"(1968 г.; на тему евангельского сюжета). Это необычное действо трудно назвать спектаклем в привычном смысле слова. Актёры разыгрывали практически у ног зрителей притчу о втором пришествии Христа. Бог оказывался людям не нужен, и его изгоняли. В притчу были включены эпизоды исступлённых радений, ритуальных обрядов (например, преломление хлеба). Актёры бились в судорогах, обливались потом, физически страдая от не способности обрести веру и покой...Свои взгляды на искусство сцены Гротовский изложил в книге "Бедный театр". Такое название автор выбрал не случайно: "бедным" театр именуется потому, что в нём есть только актёр, и именно актёр, без помощи графа, композитора и костюмера, силой своей личности, страстей и эмоций, должен передать замысел драматурга. Постепенно Гротовский отошел от обычной театральной практики -он начал создавать некие действа на грани театра, психотерапевтического сеанса и ритуала. Принципы подготовки актёра и разработанные Гротовским сценические средства вы разительности, найденные в "бедном театре", всё чаше используют в обычных театрах. Ученики и последователи Гротовского работают во многих странах мира.
CЦEHA АНАЖЕЯ ВАЙДЫ
Польского режиссёра Анджея Вайду (родился в 1926 г.) широкая публика знает больше по кинофильмам, чем по работам в театре. Однако благодаря Вайде на польской сиене появились оригинальные интерпретации романов Ф. М. Достоевского. Трагизм и психологическая изощрённость прозы русского писателя привлекали и других режиссёров, но именно Вайда сумел открыть в произведениях Достоевского особую театральность, превратить литературный текст в захватывающее сценическое зрелище. Несколько раз Вайда обращался к роману "Идиот"; известен опыт работы с японским актёром, который сыграл сразу две роли: и князя Мышкина, и Настасью Филипповну. В спектакле "Бесы" (1971 г.) на сцене Старого театра в Кракове Вайде удалось создать мрачную и тревожную атмосферу, соответствовавшую духу одноимённого романа.
Перед зрителем представал мир в предчувствии катастрофы, поражённый не известной болезнью. Ритм действия был лихорадочен взвинчен, персонажи балансировали на грани бездны. Общее построение дополняло художественное решение спектакля: тёмные облака, поле с увядшей травой, комья серой, грязной земли на досках сцены... В театре Вайда использовал кинематографические приемы: "кадрирование" пространства (на площадке высвечивался небольшой участок), монтаж эпизодов, резкую стыковку разных по настроению фрагментов. По свидетельству самого режиссёра, он столь же охотно работает на сиене, как и в кино, потому что любит литературу и актёров.
БИТЕФ
Белградский интернациональный театральный фестиваль (БИТЕФ) родился в Югославии в 1967 г. В белградском театре "Ателье212" решили организовать международный фестиваль, на котором будут представлены лучшие экспериментальные спектакли. Превратить фестиваль в один из самых авторитетных и представительных смотров мирового театрального искусства удалось не сразу. Но за три с лишним десятилетия в рамках БИТЕФа были показаны спектакли Брука и Штайна, Товстоногова и Гротовского, Крейчи и Ронкони, Эфроса и Любимова.
Спектакли БИТЕФа составили своеобразную антологию мирового театра: здесь можно было увидеть работы не только европейских мастеров, но и режиссёров из США и Японии, из ЮАР и Латинской Америки. В программу фестиваля организаторы включают различные выставки. Проходят дискуссии и обмен опытом актё ров, режиссёров и драматургов