Объем и пространство (иллюзия глубины).




 

Как я уже говорила – мы с вами имеем дело с двухмерным пространством. Однако, мы можем создать в нем иллюзию объема и глубины, используя следующие средства: оперируя размером объектов, наложением объектов друг на друга, введением светотени и тона, перспективы.

 

 

Объем.

 

Объем мы создаем за счет света и тени. Сравните рисунки: в первом случае мы имеем дело с плоским кругом, во втором – у нас уже получился шар, добавив свет и тень, мы создали иллюзию того, что наш шар объемен.

 

 

 

Пространство.

 

 

Размер.

Одна из особенностей нашего восприятия: удаленные объекты мы воспринимаем, как меньшие по размеру, чем те объекты, которые находятся ближе к нам. Т.е. рисуя одни объекты больше по размеру, чем иные, мы можем создать иллюзию того, что они ближе или дальше к нам. Об этом я упоминала, когда мы говорили о линии.

 

 

Наложение.

Накладывая один объект на другой, мы можем также создать впечатление, что они находятся дальше-ближе по отношению друг к другу. Посмотрите на рисунок: мы выставили все объекты в ряд, однако, возникает впечатление, что, например, ведра находятся к нам ближе чем розовые сапоги, и дальше от нас, чем коричневые.

 

Свет и тень.

 

Организовать пространство мы можем также при помощи светотени. Давайте вернемся к нашему шару:

 

 

 

Мы расположили наш объемный объект в пространстве при помощи света и тени. Кроме объемности шара и падающей тени эту иллюзию поддерживает и то, что мы ввели две плоскости: ту, на которой лежит шар, и которая ближе к нам, мы оставили светлой, а ту, что дальше от нас, и перед которой лежит шар, мы сделали темнее, чтобы создать иллюзию, что она дальше.

 

 

Можно сделать и наоборот: более близкое пространство темным, а удаленное светлым – это называется воздушная (атмосферная) перспектива. В обычной жизни, когда мы смотрим, допустим, на пейзаж, мы видим удаленные от нас объекты как бы сквозь толщу воздуха, поэтому объектам, находящимся вдали от нас, присущи менее контрастные и более нейтральные цвета. Соответственно, более яркие и насыщенные цвета присущи объектам, которые находятся ближе к нам. Т.е. в итоге, на наше восприятие глубины влияет не только свет и тень, но и насыщенность цвета, его оттенки.

 

 

Перспектива.

Самый лучший, но не самый безопасный путь понять, что такое перспектива – это встать на железнодорожное полотно, тогда будет заметно, что рельсы сходятся где-то на горизонте в одной точке, такая точка называется точкой схода.

 

Как правило, линейная перспектива используется, чтобы правильно расположить геометрические объекты в пространстве, например, при изображении городских, индустриальных пейзажей.

 

 

В теории, линия горизонта – это линия, на которой расположен взгляд наблюдателя. Как правило, природные объекты, вроде гор, или объекты вроде домов и деревьев располагаются целиком или отчасти над линией горизонта.

 

Конечно, когда мы изображаем, допустим, интерьер квартиры, линия горизонта нам не видна, но мы считаем, что она есть, и расположена на уровне глаз наблюдателя.

 

Возьмем куб, чтобы нарисовать его в перспективе, мы рисуем одну из его сторон, все грани которой параллельны/перпендикулярны и равны друг другу. Чтобы найти остальные грани мы берем произвольную точку схода на линии горизонта и проводим от углов стороны куба линии к точке схода. Теперь нам остается нарисовать вторую сторону куба (на глаз), у которой тоже все стороны параллельны или перпендикулярны.

 

 

Параллельные друг другу объекты имеют одну точку схода.

 

 

 

Однако, объекты, расположенные друг к другу под разными углами, имеют разные точки схода.

 

 

 

Кстати, мы пока что говорили с вами о перспективе, когда берется только одна точка схода линий, проведенных от объекта к горизонту. Как правило, такое используется не часто, потому что, если мы берем одну точку схода, это значит, что мы смотрим на объект «в лоб». Если же мы смотрим на объект немного под углом, со стороны, то мы используем две точки схода, потому что в этом случае мы видим объект более искаженным.

 

 

 

Также, может вводиться перспектива, когда мы используем три точки схода, одна из которых лежит не на линии горизонта. Обычно, мы вводим третью точку схода, когда угол изображаемого объекта «вылезает» на передний план.

 

 

 

***

 

Итак, как мы убедились для того, чтобы позиционировать объекты в пространстве и относительно друг друга, у вас есть много способов. Как правило, они используются вместе, а не по одиночке.

 

Дизайнер – не художник, но даже при создании упрощенных объектов и образов, вам понадобятся знания, которые получают учащиеся в художественных Вузах. Общее представление о вполне очевидных законах сделают вашу жизнь намного проще, а ваши работы качественнее.

 

Цвет.

 

Как я уже говорила, не так давно возникла такая наука, как колористика, наука о цвете. Наука вполне серьезная, и основывается на вполне серьезных научных физических открытиях. О цвете написано много книг, и я была бы слишком самонадеянной, если бы решила вам рассказать вкратце все о цвете в одной статье. Поэтому я очень надеюсь, что вы все-таки последуете моему совету и скачаете книгу Иоханеса Иттена, не смотря на то, что весит она чуть больше мегабайта, более того, я надеюсь, что вы ее даже прочитаете, и я также надеюсь, что вы еще пройдетесь и по ссылкам в правой колонке.

 

Цвет самый сильный по воздействию из наших элементов и самый сложный, именно поэтому к его изучению надо подходить серьезно. Как правило, в художественно-дизайнерских Вузах с цветом начинают работать лишь на втором году обучения.

 

 

Каждый цвет, или сочетание цветов мы воспринимаем по-разному:

 

- Оптически и физически (например, предметы, окрашенные в красный цвет, кажутся нам ближе, именно поэтому его часто можно встретить на дорожных знаках, глаз заметит и воспримет такие знаки быстрее, чем, допустим зеленые, красный цвет для нас сигнал опасности, тревоги).

- Эмоционально, психологически (определенные цвета и гаммы вызывают у нас определенные эмоции и чувства, так природные синий и зеленый вызывают в нас ощущение спокойствия и умиротворенности, ведь синий – это цвет ясного неба, или спокойного моря, а зеленый напоминает о лесе, о луге, о теплом времени года, когда трава и деревья были зелеными).

 

Конечно, я не могу отрицать того, что каждый художник и дизайнер, работая с цветом руководствуется и своими субъективными чувствами, однако, я хочу заметить, что даже великие мира сего подходили к работе с цветом серьезно, так, например, такие мастера, как Роден, Матисс и многие другие логи­чески продумывали и рассчитывали цветовую компози­цию, которую процессе работы либо осуществляли, либо отбрасывали, как ненужную, но тем не менее, если художник подходит к цвету в своей работе не только субъективно, но и логически, то дизайнеру уж сам бог велел относиться к цвету с умом.

Если вы будете работать в области рекламного дизайна, то столкнетесь с тем, что за определенными направлениями и родами деятельности закрепились уже какие-то определенные цвета и цветовые гаммы. Вы можете следовать им, чтобы обеспечить узнаваемость, а можете нарушать их, так, например, в рекламе женских гигиенических средств был поставлен крест на ярких цветах, в частности на красном цвете, видимо, из боязни вызвать неприятные ассоциации. Однако, создатели бренда Kotex перешагнули через такое предубеждение, они нагло использовали красный цвет и в оформлении упаковки своей продукции, и в рекламе, только красный (с черным и белым), и в итоге они только выиграли от этого, они выделили себя из массы. Прошу прощения за пример, надеюсь, тонкие и чувствительные натуры, на дух не переносящие слов «женские гигиенические средства» меня простят.

Т.е. я хочу сказать, что правила знать необходимо, чтобы не изобретать колесо, когда оно уже есть, и чтобы не совершить разных глупых ошибок. Однако, любое правило может быть нарушено, но с умом, ведь может так случится, что нарушив правило, как герой одной из наших первых статей Петрович, вы только напортачите, и не добьетесь никакого положительного результата.

Еще раз напоминаю вам про ссылки в правой колонке, и заканчиваю на этом главу-отписку о цвете, которую можно было бы написать одной фразой – скачайте книгу Иоханеса Иттена, но разве я могу так просто отпустить вас к следующей интересной статье, не помучив немного нравоучениями?:)

Текстура и Фактура.

Многие предметы и вещества, окружающие нас имеют текстуру и фактуру: если вы прикоснетесь к отколотому от скалы камню, то ощутите на его шершавую в трещинках поверхность. Позже, если вы увидите поверхность камня, отображенную в двухмерном рисунке, она вызовет у вас определенные ассоциации и ощущения.

 

Итак, фактура – это свойства материала, предмета, которые мы ощущаем при прикосновении к нему. Фактурами в своей работе пользуются художники-декораторы, дизайнеры по интерьеру. Грубо говоря, фактура – это то, к чему мы можем прикоснуться, и ощутить, что оно действительно шершавое или гладкое, или колючее.

 

Художник или дизайнер использует в своей работе текстуры – двухмерные картинки, на которых при помощи цвета, света и тени, он создает иллюзию, что эта поверхность каменная, шершавая, холодная, мокрая и т.д.

 

 

 

Как правило, создать текстуру с нуля в графическом редакторе очень сложно, если там не предусмотрены специальные фильтры и функции для этого. Как правило, у дизайнера в запасе есть коллекция с текстурами, которые он достает в нужное время, как фокусник карту из рукава.

 

Иногда дизайнеру приходится самому создавать текстуры, это не сложно, нужно лишь иметь некоторые представления о свойствах материалов и поверхностей. Так, если вы захотите создать текстуру камня, вы можете найти характерную стену, где наиболее очевидна фактура, приложить к ней тонкий лист бумаги, и выявить текстуру на поверхности бумаги при помощи мягкого карандаша или кусочка угля (он продается в художественных магазинах и салонах, не надо сжигать соседей и конкурентов ради того, чтобы создать текстуру самому:)

 

Текстуру можно использовать не только для того, чтобы сделать стену в вашем рисунке стеной (со всеми необходимыми трещинками и шершавинками), вот посмотрите, например, как на наша текстура на рисунке практически перешла в рекламный плакат.

 

Не смотря на то, что мы не применяем эту текстуру к какому-то определенному объекту на нашем рисунке, а используем ее саму по себе, она все же сохраняет свои свойства, и вызывает определенные ощущения и ассоциации: она агрессивна, современна, хаотична и т.д. Так, например, эта наша текстура могла бы перейти в рекламу какой-нибудь молодежной обуви 21-го века, или какого-нибудь молодежного клуба, группы.

Для интересующихся: текстура создана при помощи туши, и двух листов бумаги, на один мы наносили текстуру, другой мы смяли, обильно испачкали тушью и использовали, как штамп (печать), в итоге получили достаточно интересный результат.

 

Принципы Дизайна.

 

Элементы никогда не бывают сами по себе, они всегда связаны в некую композицию, подчиненную некой идее. Говоря о принципах дизайна, мы имеем в виду целесообразность, единство, равновесие, доминанты, соподчинение, динамизм, гармонию.

 

 

Целесообразность.

Что такое принцип целесообразности? О нем я уже упоминала в первых статьях курса: любой авторский замысел и весь строй произведения должны быть подчинены какой-то цели, идее, художественной задаче.

 

Если речь идет о художественном произведении, то его тема должна задевать, быть близкой определенной группе людей. Тему, идеологию – в этом случае диктуют чувства автора, его взгляды на жизнь, политику, его страну, мир в целом.

 

Если же речь идет о работе дизайнера, то цели и задачи ставятся перед дизайнером заказчиком, состоянием рынка, и многими другими факторами. В отличие от художника – дизайнер не хозяин сам себе, его работы не имеют художественной ценности, он подчинен коммерции и рекламе.

 

Единство.

Все элементы в композиции должны быть взаимосвязаны, они должны так взаимодействовать друг с другом, чтобы композиция смотрелась единым гармоничным целым. Самая большая ошибка начинающих дизайнеров (в том числе и веб), что их творение буквально разваливается на куски, разнородные и невзаимосвязанные, этого ни в коем случае нельзя допускать.

Какие же приемы вы можете использовать для достижения единства в вашей композиции: наложение объектов друг на друга, тем самым, показывая их близость, ваши элементы могут быть выполнены в одной манере, стиле. Какие-то элементы композиции могут повторяться и перекликаться друг с другом в цвете, текстуре, по форме и т.д.

Все части композиции должны быть соподчинены друг другу. Если вы не можете изъять из вашей готовой композиции ни одну ее часть, ни один ее элемент без ущерба для целого, если части композиции нельзя поменять местами, добавить какой-то новый элемент, то это говорит о том, что вы справились со своей задачей, что вы имеете на руках вполне завершенную и хорошую работу.

Равновесие.

Говоря о равновесии, мы не имеем в виду не только четко выстроенную симметричную композицию, нет, равновесие – это условие устойчивости зрительной композиции, это состояние, когда все элементы сбалансированы между собой.

Симметрия

Это лишь наиболее очевидный и простой способ достичь в композиции равновесия. Симметрия предполагает собой некий определенный порядок, математическую закономерность расположения элементов относительно друг друга и в пространстве.

 

Симметрия встречается не только в объектах, созданных человеком, мы сплошь и рядом встречаем симметрию в природе, именно оттуда изначально брал пример человек, создавая какие либо объекты и предметы, именно поэтому древние считали симметрию условием красоты и гармонии.

Посмотрите на иллюстрации, как вы можете видеть, в природе не бывает точной симметрии. Да, лист и птица симметричны в целом, но они различны в деталях (перья на крыльях птицы, глаза на ее голове, прожилки на листе). Такой вид симметрии, когда симметрична лишь общая форма, но точного сходства в мелочах нет, лежит в основе многих произведений искусства, художественных работ.

«Один из» обозначает, что бывают разные виды симметрии. Зеркальная, инвертированная, осевая, радиальная, и т.д.

 

 

 

Симметрию можно выстраивать вокруг точки (радиальная), вокруг одной оси, вокруг нескольких осей.

 

 

Асимметрия.

 

Асимметрия – это полное нарушение симметрии, это когда повторяющиеся элементы отсутствуют или расположены так, что их нельзя совместить путем сдвига или поворота.

 

Однако, асимметрия – не значит отсутствие равновесия. В ассиметричных композициях мы используем цвет, форму, насыщенность тона, текстуру, направление движения, расположение объектов относительно центра плоскости, чтобы сделать нашу композицию сбалансированной.

 

 

Посмотрите на картинку. Небольшой красный элемент делает всю картинку более живой, не было бы его, картинка бы умерла от обилия нейтральных тонов, была бы весьма скучной и неинтересной. Однако, этот яркий элемент, очень бы выбивался из общей композиции и мог бы испортить картинку, если бы он не был уравновешен нейтральным по тону темно-розовым пятном.

 

 

Или взгляните на этот рисунок. Ломанная белая линия собирает все элементы композиции воедино, и задает им направление движения. В итоге рисунок получается очень динамичным, цельным, уравновешенным.

 

Доминанта.

 

Всякая композиция имеет смысловой центр, где завязывается основное действие, и возникают основные связи. Кроме смыслового центра существует еще и визуальный центр, с него начинается восприятие нашей работы зрителем, именно он первым притягивает взгляд. Иногда смысловой и визуальный центры могут совпадать.

 

Не следует воспринимать слово «центр» буквально, под этим словом вовсе не имеется в виду центр листа или экрана. Место размещения смыслового или визуального центра внутри нашего рабочего пространства (экрана, листа) может быть любым.

 

 

Вернемся к этой иллюстрации. Красная юбка девушки является центром композиции, с нее начинает наш взгляд созерцание картинки. Т.е. красная юбка является визуальным центром, однако не является, в данном случае смысловым. В задумчивость нас повергает не красная юбка, а лицо девушки в розовом, именно оно, является смысловым центром картинки.

 

Очень часто в своей работе дизайнер или художник использует несколько смысловых центров, в том случае, если он изображает сложные события, несколько идей, равных по своей значимости. В этом случае, чтобы отделить эти смысловые группы друг от друга, дизайнером активно должно использоваться свободное пространство, чтобы композиция не превратилась в кашу, кучу-малу. Однако, при этом надо следить и за тем, чтобы композиция не развалилась на несколько частей.

 

Соподчинение.

 

Итак, мы говорили о том, что все элементы нашей работы должны быть взаимосвязаны друг с другом, а это значит, что внутри композиции существует соподчиненность отдельных ее частей друг другу. Что-то является важным, что-то наименее важным.

 

Задача дизайнера и художника сделать для своего зрителя (конечного потребителя) очевидными эти связи, т.е. ваша задача управлять вниманием вашего зрителя. Нужно, чтобы части вашей композиции воспринимались зрителем в определенной последовательности, определенным образом.

 

Как это обеспечить? Отдельные элементы композиции объединяют в группы. Соответственно, должны быть признаки связи между этими группами (например, мы объединяем их общей осью симметрии, однако при этом симметрии внутри группы элементов быть не должно). Группы могут перекликаться друг с другом между собой своими элементами (допустим на сайте: иконки, цвета заголовков, размер иллюстраций и т.д.).

 

Естественно, при всем этом наша композиция должна восприниматься, как единое целое.

 

Т.е. благодаря группировке элементов и деталей происходит последовательное восприятие частей целого, и в тоже время все элементы нашей композиции мы воспринимаем, как нечто единое целое, а не дробное.

 

Динамизм.

 

 

Динамизм не есть изображение движения в вашей работе буквальном смысле, даже если ваша композиция статична, спокойна, то в ней все равно есть некая жизнь (движение), потому что все равно происходит взаимодействие между деталями и элементами вашей работы. Т.е. управляя взглядом и вниманием вашего зрителя, вы, так или иначе, создаете движение в вашей работе.

 

 

 

 

Вернемся к нашим иллюстрациям. Первая чуть хаотична, вся в движении. Вторая статичная, спокойная. Однако, и в той, и другой присутствует динамизм, определенный ритм.

 

В первой иллюстрации наш взгляд следует за белой линией. На второй иллюстрации направление движения не указанно так же определенно, но все же оно есть:

 

 

 

Направление взглядов девушек, их позы (как они сидят, как лежат их руки, как повернуты головы) – все это управляет нашим взглядом.

 

 

Статичный или динамичный характер будет носить ваша композиция, зависит от того, какие цели и задачи стоят перед вами. Так, например, для сайта банка предпочтительнее некоторая статичность стабильность, а для сайта стадиона, ипподрома – лучше создать настроение напряжения, активности.

 

Статичное состояние в работе поддерживается симметричной композицией, не слишком большим количеством свободного пространства, отсутствием диагональных линий, направлений.

 

 

 

Для выражения динамики можно использовать асимметричную композицию, элементы с острыми углами, большое количество свободного пространства, диагональные направления.

 

 

Помните, движение в композиции должно носить организованный характер, иначе может получиться так, что динамика превратится в хаос, мешанину, а статичность будет скучной, неинтересной взгляду.

 

Гармония.

 

Симметрия, пропорции, ритм, контраст, цельность, равновесие – все эти категории образуют гармонию. Гармония осуществляет связь между всеми элементами вашей работы, примиряет форму и содержание, предмет и пространство, сводя все воедино.

 

Гармония – это эстетическая категория и нельзя ее сводить только к понятиям пропорции, симметрии и другим. Гармония включает в себя личностное, ваше отношение к своей работе. Если вам неприятно то, что вы создаете – это так или иначе отразиться в том, что вы создаете.

 

Ваш зритель не разбирается в принципах дизайна, не знает его основ, но он без труда уловит дисгармонию в вашей работе, не нужно быть дизайнером или художником, чтобы интуитивно почувствовать, что работа дизайнера или художника оставляет желать лучшего.

 

Именно поэтому вам стоит стремиться к достижению гармонии в своей работе, потому что фальшь, дисбаланс в состоянии почувствовать любой человек. Если вы не уверены в себе – то можно показать работу обыкновенному потребителю и узнать его отношение к ней. Его мнение может оказаться для вас весьма ценным.

 

 

Гармония и единство играют достаточно важную роль, дизайнер должен уметь сбалансировать визуальную информацию в своей композиции. Все разнообразие наших элементов должно быть приведено к некому единству. Вы, как дизайнер, несете полную ответственность за то, что творится в пределах вашего листа (рабочего пространства), вы не должны допустить, чтобы ваша композиция развалилась. Различные цвета, размеры фигур, их взаиморасположение - все подлежит вашему контролю, даже если вы создаете нечто абстрактное.

 

 

© Алленова Наталья – admin@postroika.ru – https://postroika.ru/design/



Поделиться:




Поиск по сайту

©2015-2024 poisk-ru.ru
Все права принадлежать их авторам. Данный сайт не претендует на авторства, а предоставляет бесплатное использование.
Дата создания страницы: 2016-08-20 Нарушение авторских прав и Нарушение персональных данных


Поиск по сайту: