Венецианская школа XV в.





 

Искусство Венеции Кватроченто обусловлено некоторыми особенностями. Выгодное географическое положение издавна сделало Венецию торговым центром. Венеция успешно торговала как с феодальной Европой, так и с Востоком, что приносило купцам огромные прибыли. Власть в республике принадлежала нескольким богатым аристократическим семьям. Структура власти практически не менялась. Аристократизация венецианского правления способствовала развитию в Венеции патрицианской культуры. Благополучие социально-экономической жизни задержало появление ренессансной культуры по сравнению с Флоренцией почти на полвека. Венецианская школа формировалась под влиянием французской и нидерландской живописи. Но главная особенность венецианской школы - внимание к проблемам колорита в живописи.

 

История венецианской живописи начинается с таких художников, как основоположник итальянского медальерного искусства Пизанелло и тонкий колорист, отдавший в творчестве дань многим сюжетам и персонажам Евангелия, Джентиле де Фабриано.

 

Пизанелло (1392/95 - ок. 1455) - первый итальянский художник, который уделял огромное внимание рисунку как самостоятельному виду искусства. Тщательный рисовальщик, он выбирает для своих зарисовок ужасную натуру: повешенные, слепая лошадь, мертвые тела - все это признаки готического мировосприятия, но такая приверженность детализации придает его живописи естественные черты. В поздний период своего творчества в живописи фресок в церкви св. Анастасии в Вероне Пизанелло пытается соединить свои готические пристрастия с новыми художественными идеями.

 

Витторе Карпаччо (1455/65 - ок. 1526) был художником реалистического направления венецианской школы. Реализм Карпаччо выразился в передаче городского быта Венеции, ее архитектуры, пейзажей. В его живописи появились первые бессюжетные картины, например "Куртизанки".

 

Как уже отмечалось, главной особенностью венецианской школы было стремление к пластическому колориту. Антонелло да Мессина (ок. 1429/31 -1479) - первый живописец Венеции, который усложнил задачи живописи, научил венецианцев видеть свет, воздух, далекие и близкие предметы, мягкость и жесткость цвета и формы. Многие считают, что развитие масляной живописи связано с именем этого художника. Именно Антонелло да Мессина первым натуралистично изобразил обнаженное тело ("Св. Себастьян"). В картине "Св. Иероним в келье" впервые появляется подлинный интерьер (итальянцы редко писали интерьеры). И наконец, Антонелло был прекрасным портретистом ("Мужской портрет"). Его портреты отличаются "живыми" глазами. Глаза модели смотрят на вас, улыбаются, сердятся, презирают. Как напишет Б.Р. Виппер, "только перед портретами Антонелло мы понимаем, что все остальные живописцы Кватроченто писали не глаза, а каменные или стеклянные шарики".

Искусство Высокого Ренессанса

 

Итак, мы подошли к последнему периоду итальянского Возрождения, который длился недолго, всего 30 лет, но называют его Высоким Возрождением, или "золотым веком". В начале XVI в. (Чинквеченто) центром художественной жизни Италии становится Рим. Стремясь к объединению Италии под властью Рима, папы пытались превратить его в подлинную столицу. С этим связана меценатская политика пап. Основным заказчиком становится Ватикан. При Юлии II и Льве X в Рим стали стекаться лучшие художники Италии. Имена гениев, которым "золотой век" обязан своим названием, известны всему человечеству: Леонардо, Рафаэль, Микеланджело, Джорджоне, Тициан. Творчество этих мастеров изучено и интерпретировано многими поколениями искусствоведов, философов, культурологов. Причину невиданного взлета творческого гения ученые рассматривают по-разному, но почти все сходятся в одном: художники "золотого века" выросли на традициях предшествующих поколений мастеров, которые решили глобальные живописно-пластические проблемы, подготовили почву, на которой достойно была воплощена главная идея эпохи - человек-герой. Героями-титанами были и сами художники, продемонстрировавшие нам невероятный универсализм человеческих способностей, духовное и художественное перенапряжение, доведя их до предела. После них начнется маньеризм, годы подражания и эпигонства.

 

Искусство Высокого Ренессанса отрешается от частностей, незначительных подробностей во имя обобщенного образа, во имя стремления к гармоничному синтезу прекрасных сторон жизни. В этом одно из главных отличий Высокого Возрождения от Раннего.

 

Леонардо да Винчи (1452-1519) стал первым художником, наглядно воплотившим это отличие. Вечный экспериментатор и вечный странник: его творческая судьба начиналась во Флоренции, в мастерской Андреа Верроккьо, а закончилась во Франции, в замке Клу, под покровительством короля Франциска I. Во Флоренции он начинает решать свою главную живописную проблему - проблему света как основного фактора пластического единства, как средства органического слияния фигур с пространством, которое потом разовьется в знаменитое леонардовское сфумато и станет основой его живописной концепции. Но Флоренция Лоренцо Великолепного проповедовала иные идеи, была под влиянием утонченного и линейного искусства Боттичелли, и Леонардо уезжает в Рим, а затем в Милан в качестве инженера мостов, строительных укреплений и изготовителя боевых снарядов. В Милане он прожил 17 лет и создал свои законченные шедевры "Мадонну в скалах" и фреску "Тайная вечеря" для трапезной монастыря Санта-Мария делле Грацие. Покинув Милан, Леонардо вновь возвращается во Флоренцию, где пишет "Мону Лизу" и алтарную картину "Святая Анна". Первым учителем Леонардо был Андреа Верроккьо. Ко времени ухода из мастерской Верроккьо исследователи относят "Мадонну с цветком" ("Мадонна Бенуа", как она называлась раньше, по имени владельцев). В этот период Леонардо, несомненно, некоторое время находился под влиянием Боттичелли. Его "Благовещение" по детализации еще обнаруживает тесные связи с Кватроченто, но спокойная, совершенная красота фигур Марии и архангела, цветовой строй картины, композиционная упорядоченность говорят о мировоззрении художника новой поры, характерном для Высокого Ренессанса.

 

Воплощением леонардовского идеала женской красоты, олицетворением высокой материнской любви стал созданный в технике темперы образ "Мадонны Литта". Лаконичность и уравновешенность композиции - фигуры изображены на фоне симметричных проемов окон, за которыми синеет горный пейзаж, - лишь усиливает впечатление от прекрасного одухотворенного лица Марии и детской живости младенца.

 

Самой большой работой Леонардо в Милане, высшим достижением его искусства была расположенная вдоль стены трапезной монастыря Санта-Мария делле Грацие фреска на сюжет "Тайной вечери" (1495-1498). Роспись с центральной фигурой Иисуса подчинила себе весь интерьер трапезной. Это леонардовское умение владеть пространством в большой степени проложило путь Рафаэлю и Микеланджело.

Христос в последний раз встречается за ужином со своими учениками, чтобы объявить им о предательстве одного из них: "Истинно говорю вам, один из вас предаст меня". Этот сюжет, являющийся кульминационным событием в Евангелии, писали многие художники Кватроченто, но помним мы только плохо сохранившуюся "Тайную вечерю" Леонардо. О ней так много написано, что она стала своего рода мифом, "краеугольным камнем всех представлений об искусстве" (Гете). Композиция росписи традиционно проста: за столом Христос и ученики. Драматизм события передан за счет контраста молчания Христа и бурного смятения всех без исключения учеников. Что стремился передать интеллектуал Леонардо, работавший два года над росписью, написавший фигуры апостолов, в полтора раза превышающие человеческий рост? Леонардо стремился выявить в художественной форме связь происшедшего события с психической данностью самых разных характеров, "возвести духовный процесс в сферу художественно усиленного воздействия" (М. Дворжак), показать драму характеров. Подтверждение тому - большое количество рисунков, относящихся к этому периоду, в которых Леонардо пытался зафиксировать различные психические состояния людей.

 

Портрет Моны Лизы (Джоконды) - шедевр портретного искусства. А философия шедевра заключается в "попытке воплотить невозможное, это результат погони художника за идеей, это путь, на котором художник обречен превосходить самого себя. Суть шедевра не в исполненном, а в неисполнимом. Это не портрет-документ, а портрет-концепт". Трудно представить, что судьба этого портрета была далеко не безоблачной. Не согласившись с заказчиком, Леонардо оставил портрет у себя и увез его во Францию, где он долroe время хранился в запасниках сначала дворца Фонтенбло, а затем Версаля, не вызывая особого интереса. И только в 1851 г. портрет был вывешен в зале Лувра. Композиция портрета вполне типична для Раннего Возрождения: человек главенствует над Вселенной. Нереальный, фантастический пейзаж на заднем плане придает таинственную неуловимость образу. В Джоконде нет внутренней скованности, она абсолютна свободна. Сколько слов написано об ее улыбке и глазах, в которых есть ум, ирония, снисходительность. Она все знает про вас и все понимает. Так умеют смотреть только умные и красивые женщины. Это портрет самой жизни.

 

За пять лет до смерти Леонардо нарисовал автопортрет. Рисунок выполнен сангиной. Мы видим старца, уставшего от жизни и растерявшего все иллюзии. "Лицо с благородными бровями, властными, похожими на пещеры глазами и струящимся потоком бороды предвосхищает лица девятнадцатого столетия, сохраненные для нас фотографической камерой, - Дарвина, Толстого, Уолта Уитмена. Время, вечно ставящее спектакль человеческого страдания, вознесло их всех на недосягаемую высоту". Леонардо был величайшим художником своего времени, гением, открывшим новые горизонты искусства. Он оставил после себя немного произведений, но каждое из них явилось этапом в истории культуры.

 

Рафаэль де Санти (1483-1520) - великий художник умбрийской, а затем и римской школы. Чистый гений, соединивший в своем творчестве традиции античности и дух христианства. В его искусстве нашли зрелое решение две основные задачи: гармония образов через пластическое совершенство человеческого тела, в чем Рафаэль следовал античности, и сложная многофигурная композиция, передающая все многообразие мира. Рафаэль достиг поразительной свободы в изображении пространства и движения в нем человеческой фигуры, безукоризненной гармонии между средой и человеком. Он был гением композиции и мадонн. Его искусство стало основой для всех будущих академий.

 

Многообразные жизненные явления под кистью Рафаэля просто и естественно складывались в архитектонически ясную композицию, но за всем этим стояли строгая выверенность каждой детали, неумолимая логика построения, мудрое самоограничение, что и делает его произведения классическими. Творческая биография Рафаэля связана с тремя городами: Перуджо, где он написал "Обручение Марии" под влиянием своего учителя, умбрийского художника Псруджино, и первую свою мадонну ("Мадонна Конестабиле"), где обозначились особенности образной трактовки: тонкий лиризм и гармония, а также Флоренцией и Римом.

 

На протяжении своей короткой жизни Рафаэль был занят поисками идеального, гармоничного образа, чтобы воплотить его в мадонне. Он сумел выразить все тончайшие оттенки чувств в идее материнства, так понятного всем. Его мадонны не требуют никакого объяснения, их надо покорно созерцать как чудесное явление. Он напишет много мадонн: "Мадонна в зелени", "Мадонна со щегленком", "Мадонна в кресле"; все они разные по композиции, но каждый раз образ неизменно сочетает в себе величие и незащищенность.

 

Одно из самых совершенных произведений Рафаэля - "Сикстинская мадонна" - было написано в 1516 г. для бенедиктинского монастыря Сан-Систо в Пьяченце и теперь находится в Дрездене. Это алтарная картина, на которой изображены Мария с младенцем, св. Варвара и папа Сикст П. Фигуры четко вырисовываются на фоне светлого неба. Рафаэль изобразил Марию с младенцем не на земле, как всех своих мадонн, а идущую по небесам. Богоматерь, юная и прелестная, предстает перед нами как чудесное явление. Занавес открыт, Мария, окруженная золотистым сиянием, несет на руках сына, одновременно прижимая его к себе и отдавая. Выражение лица Марии сложно, в нем нет твердой решимости и героической готовности к жертве, "здесь все молитвенный ужас" (Гете).

 

Величайший талант Рафаэля как мастера монументальной живописи проявился, когда он получил от папы Юлия II заказ на роспись личных папских покоев (станс) в Ватикане. Темой фресок были избраны четыре духовные силы, на которых держится христианская культура, - теология, философия, поэзия и юриспруденция. Цикл росписей начинается с фрески, носящей название "Диспут", где речь идет о таинстве евхаристии. В огромном полукружии арки изображены два мира, земной и небесный, где расположились люди свободные и общительные. В парной росписи, именуемой "Афинская школа", представлено собрание философов и ученых античности. В центре композиции Платон и Аристотель, по сторонам на ступенях широкой лестницы расположились мудрецы древности. Несмотря на то что основная идея этих росписей должна была заключаться в прославлении христианства, художественная реализация этой программы Рафаэлем - человеком своего времени - вылилась в победу светского начала над церковным.

 

Рафаэль был замечательным портретистом. В его портретах есть стремление раскрыть сложный мир личности, делающей историю. Таковы портреты двух пап - Юлия II и Льва X, портрет Балдассаре Кастильоне писателя-гуманиста.

 

Третий величайший мастер Высокого Возрождения - Микеланджело Буонаротти (1475-1564), центральная фигура истории искусства. Его жизнь и творчество не оставляло равнодушным человечество на протяжении всей дальнейшей истории и служило предметом вдохновения для писателей (Ирвин Стоун "Муки и радости", Роландо Кристофанелли "Дневник Микеланджело неистового"), поэтов (А. Вознесенский "Мой Микеланджело"). Микеланджело "первый превратил свое творчество в неписанный "роман" о самом себе - "роман испытания". Мир этого "романа" - арена борьбы и испытания героя; события, приключения - пробный камень для героя. Герой дан всегда как готовый и неизменный" (М.М. Бахтин). Мятежный гений, проживший долгую жизнь и до конца отстаивавший идеалы гуманизма, несмотря на то, что надвигались другие времена. Главной темой его творчества был могучий и прекрасный, сильный духом и телом человек. Микеланджело был непревзойденным мастером передачи пластики человеческого тела. Он начал свою художественную карьеру во Флоренции под покровительством Лоренцо Медичи, но его творческая судьба связана с Римом. Его основным заказчиком был Ватикан в лице пап Юлия I и Климента VII. В 1496 г. молодой художник приезжает в Рим, где создает свои первые принесшие ему славу произведения "Вакх" и "Пьета".

 

Гениальность решения темы "Пьеты", излюбленного сюжета Средневековья, заключается в том, что Микеланджело изобразил совсем юную Марию, держащую на коленях мертвого Христа, этим самым нарушив все традиции и наполнив сцену тихой печалью и неподвижным отчаянием. Вся сила страдания воплощена в тяжелом лежащем на руках матери Христе с запрокинутой головой и бессильно упавшей рукой.

 

Возвратившись в 1501 г. во Флоренцию, Микеланджело по поручению Синьории взялся изваять фигуру Давида из испорченной до него незадачливым скульптором мраморной глыбы. В 1504 г. Микеланджело закончил пятиметровую статую, названную флорентийцами "Гигантом" и поставленную ими перед палаццо Веккьо, городской ратушей. Микеланджеловский Давид в отличие от Донателло и Верроккьо не мальчик, а юноша в полном расцвете сил, готовый к схватке. Энергия и мощь, наполняющие этот пластический образ, могут сокрушить любую силу. На наших глазах рождается герой, исполин, которому подвластен земной мир. Новизна трактовки Давида заключалась в передаче классической правильности обнаженного мужского тела, что сразу отсылает нас к античной скульптуре. Недаром во всех художественных вузах и поныне штудируются детали фигуры и лица атлета.

 

Следующей работой стала роспись плафона Сикстинской капеллы при Ватиканском дворце, над воплощением своего гениального грандиозного замысла художник трудился четыре года.

 

Центральную часть потолка Микеланджело расписал сценами священной истории, начиная от сотворения мира. Каждый из эпизодов представлен как акт мировой и человеческой драмы. Смысловым центром всего ансамбля росписей являются протянутые друг другу руки Бога и Адама, которые так и не соприкоснутся во Вселенной. Их "невстреча" - метафора духовной сущности акта сотворения человека. Композиции обрамляют создающие иллюзию архитектуры написанные карнизы и живописные тяги-прямоугольники, подчеркивающие и обогащающие реальную архитектуру плафона. Ниже - огромные фигуры пророков и сивилл, а в арках над окнами (нетах) предки Христа, занятые, как простые люди, повседневными делами, и сцены из Библии. В этих фигурах на первое место мастер опять-таки выводит красоту человеческого тела, которая для него важнее священного сюжета.

 

В 1513-1516 гг. Микеланджело изваял фигуру Моисея и рабов для надгробия папы Юлия II. Образ Моисея - один из самых сильных в творчестве мастера. Моисей - грозный владыка, полон силы и деятельности. "Это дух, не знающий предела. Это апофеоз божественного начала в человеке", - напишет Макс Дворжак. Фигуры рабов не вошли в окончательный вариант гробницы. Освобождение духа из материи через символику оков, которые пленники пытаются разорвать, - в этом заключен смысл скульптур.

 

Период работы над гробницей Медичи был тяжелым для Микеланджело и всей Италии. Вторжение испанских войск и разграбление Рима повлекли за собой восстание во Флоренции против Медичи. Работа над гробницей длилась 14 лет с большими перерывами. Весь ансамбль капеллы несет на себе отпечаток тревоги и безысходности, что особенно подчеркнуто в фигурах-аллегориях, расположенных на саркофагах: "Утро" и "Вечер" в надгробии Лоренцо, "Ночь" и "День" в надгробии Джулиано. Скульптуры слишком велики, несоразмерны крышке саркофага и, кажется, неминуемо должны соскользнуть с нее, но расположенная в центре статуя герцога уравновешивает композицию, образуя устойчивый треугольник. Капелла Медичи является уникальным памятником погребального ансамбля, мощного синтеза скульптуры и архитектуры.

 

Величие Микеланджело в том, что он всю свою художническую жизнь мучительно искал адекватные художественные формы для выражения божественного замысла человека как вершины творения.

 

История Венеции XVI в. выгодно отличалась от драматических коллизий, которые переживали в этот период другие итальянские государства. "Царицей Адриатики" называли Венецию современники, которым она казалась неким земным раем. Сказочно богатый и благополучный город, где власть находилась в руках патрициата - группы знатных семейств - и где влияние церкви на политическую и духовную жизнь было сведено к минимуму, жил абсолютно светской жизнью. В центре внимания венецианцев были изобразительное искусство, музыка, литература. Книги печатались в многочисленных городских типографиях и пользовались большим спросом. Венецианские гуманисты собирали домашние библиотеки, изучали греческий язык, занимались переводами античных мыслителей, коллекционировали живопись, являясь основными заказчиками.

 

Наиболее полно жизненные идеалы венецианских живописцев нашли отражение в станковой картине. Картина была предметом роскоши и отвечала индивидуальному вкусу заказчика. Способность венецианских живописцев чувствовать красоту окружающего мира, гармонию человека и природы и пробуждать в зрителе способность эмоционально переживать изображенный на холсте мир была поистине уникальна. Творчество Джорджоне и Тициана, двух величайших колористов, стали основой венецианской школы и определило путь живописи на последующие столетия.

 

Венецианского художника Джорджо да Кастельфранко, прозванного Джорджоне (1476-510), считают одним из самых таинственных и притягательных художников итальянского искусства. Джорджоне первым из художников Венеции пишет картины на мифологические и литературные сюжеты, вводит в живопись реальный пейзаж и изображение обнаженной женской фигуры. Он сформировался как художник в духовной атмосфере гуманизма, поэзии, музыки. Ценителями и заказчиками его работ были близкие ему по духу гуманисты. Джорджоне был музыкален, хорошо пел и играл на лютне. Он и в живописи изображает не события, не истории, а мотивы. К ранним работам относится алтарная картина "Мадонна да Кастельфранко", в которой Джорджоне преобразовал схему священного собеседования в сцену поминовения. Печальная Мария сидит очень высоко на троне, на заднем плане величественный пейзаж. Вся работа проникнута печалью, и только пейзаж, как послание художника, просветляет печаль. Одна из самых загадочных картин Джорджоне - "Гроза". Можно бесконечно долго импровизировать по поводу этого мотива, но окончательно разгадать замысел художника, изобразившего на грозовом фоне женщину, кормящую младенца, и пастуха, не удается никому. Поэзия Джорджоне заключается не только в замысле, а и в самой живописи. Природа и обнаженная женская модель - любимая тема художника - полностью воплотились в его "Спящей Венере". "Джорджоне показал Венеру без мифологии, без символики, без средневекового страха перед наготой - просто прекрасной женщиной и притом спящей. Так близко, вплотную подойти к жизни никто из художников Ренессанса еще не осмеливался" (Б.Р. Виппер). "Сельский концерт" - одна из последних и самых совершенных работ Джорджоне, где живописно-пластическая концепция художника нашла выражение в полной мере. Счастливая страна Аркадия изображена в "Концерте", "идеальное царство совершеннейшего блаженства и абсолютной красоты, воплощение невыразимого счастья, окруженного, однако, меланхолической аурой нежной печали" (Э. Панофский). После ранней смерти Джорджоне (он умер от чумы) ведущим мастером венецианской школы становится Тициан.

 

Тициан Вечеллио (1477-1576)был помощником и учеником Джорджоне, вошел в историю как величайший колорист. За свою долгую жизнь Тициан написал огромное количество картин на мифологические и библейские сюжеты, писал портреты, как и Джорджоне, любил писать обнаженную модель. Его искусство наполнено земным полнокровным чувством, которое он выражает через колорит, являющийся главным организующим началом в картине. У Тициана на редкость счастливая судьба. Еще Вазари отметил, "он от неба ничего не получал, кроме счастья и благополучия". К раннему периоду его творчества относятся работы, где еще ощущается влияние Джорджоне ("Флора", "Саломея", "Цыганская мадонна"). Начало собственного творческого метода у Тициана проявилось в его трех работах: "Динарий кесаря", "Любовь земная и небесная", "Юноша с перчаткой". В этих работах четко обозначились те черты, которые будут развиваться в его искусстве в дальнейшие периоды. В "Динарии кесаря" представлено психологическое противопоставление двух образов - Христа и фарисея. Фарисей протягивает Христу монету, и в ответ Христос произносит: "Отдавайте кесарево кесарю, а Богово Богу". Столкновение добра и благородства Христа с низостью и подлостью уродливого фарисея подчеркнуто Тицианом композиционным решением картины - фигура фарисея урезана, он как бы вторгается в ясный, спокойный мир Христа. В картине Тициана "Любовь земная и небесная" уже в полном блеске проявляется живописное дарование мастера в изображении нагого женского тела на фоне пейзажа. Загадочный аллегорический сюжет наполнен символами. Но не сюжет, который пытаются разгадать искусствоведы, а красота женского тела на фоне листвы, переливающегося атласа, залитого золотым солнечным светом пейзажа является главным смыслом этой картины. Можно сказать, что в гимне красоте заключена суть живописи Тициана.

 

Период зрелости и триумфального успеха Тициана начинается с картины "Вознесение Марии", выполненной для церкви Санта-Мария ден Фрари в Венеции. По красоте живописного решения, мощной эмоциональной наполненности, масштабу ни до, ни после Тициана в истории венецианского искусства подобного изображения создано не было. Отныне за Тицианом прочно утвердилась слава первого живописца республики. Радость бытия, чувственная красота человеческого тела с полной силой найдут воплощение в мифологических картинах Тициана ("Праздник Венеры", "Вакханалия", "Вакх и Ариадна"). Его картины полны и философского смысла; так, "Аллегория времени, управляемого разумом", как бы продолжающая раннюю картину художника о трех возрастах человека, - это размышление зрелого мастера о скоротечности человеческого бытия, о мудрости, которая приходит к человеку лишь в конце его земного пути.

 

Портреты Тициана - особая страница в истории европейского искусства. По глубине психологического анализа, богатству и сложности внутреннего мира портреты Тициана далеко превосходят все, что было создано эпохой Возрождения. В его портретах сочетается парадность с глубоким психологическим реализмом. Историческая значимость и высокий социальный статус модели не умаляют ее человеческих черт, очень тонко подмеченных художником, - духовного благородства и разочарования, одиночества и гордости ("Портрет Карла V", "Портрет папы Юлия II", "Портрет молодого человека", "Портрет неизвестного с серыми глазами", "Портрет папы Павла III с кардиналом Алессандро Фарнезе и герцогом Оттавио Фарнезе").

 

Поздний период творчества Тициана отмечен трагическим восприятием мира ("Несение креста", "Святой Себастьян", "Оплакивание Христа", "Наказание Марсия"). В этих работах Тициан навсегда прощается с идеями гуманизма, понимая, что мир жесток, что ничто не способно спасти человека, и даже искусство не в силах изменить неумолимый ход событий. Влияние искусства Тициана на европейскую живопись огромно. Без Тициана трудно представить "золотой век" европейского искусства, творчество Рубенса, Рембрандта, Веласкеса.

 





Рекомендуемые страницы:


©2015-2019 poisk-ru.ru
Все права принадлежать их авторам. Данный сайт не претендует на авторства, а предоставляет бесплатное использование.
Дата создания страницы: 2017-04-03 Нарушение авторских прав и Нарушение персональных данных

Обратная связь

ТОП 5 активных страниц!