XVI Всероссийская промышленная и художественная выставка была профинансирована императором Николаем II и проходила с 28 мая (9 июня) по 1 (13) октября 1896 года в Нижнем Новгороде, в районе Канавино, где сейчас расположен «Парк им. 1-го мая». Для детального осмотра выставки, общей площадью около 25000 квадратных саженей, требовалось не менее недели. Количество посетителей составило примерно один миллион человек. Участниками выставки были отечественные предприниматели, и прежде всего подчеркивалось российское происхождение представленных товаров. Успех выставки обеспечивался целой системой мер, предпринятых русским правительством для стимулирования экономического развития страны.
Выставка 1896 года в Нижнем Новгороде стала крупнейшей дореволюционной выставкой в России. Одновременно с выставкой был проведён Всероссийский промышленный съезд. На выставке были продемонстрированы лучшие достижения начавшегося промышленного подъёма: первая в мире гиперболоидная стальная сетчатая башня-оболочка и первые в мире стальные сетчатые висячие и сводообразные перекрытия-оболочки конструкции В. Г. Шухова .(Высота гиперболоидной оболочки башни — 25,2 метра. Над смотровой площадкой на баке сделана гиперболоидная надстройка с прямой лёгкой лестницей, ведущей на более высокую малую смотровую площадку). Диаметр нижнего кольцевого основания — 10,9 метра, верхнего — 4,2 метра. Максимальный диаметр бака — 6,5 метра, высота — 4,8 метра.) Первый в мире радиоприёмник конструкции А. С. Попова. Первый русский автомобиль конструкции Евгения Яковлева и Петра Фрезе; многие другие технические изобретения, технологии, художественные достижения.
После выставки первая башня Шухова была перенесена в имение мецената Ю. С. Нечаева-Мальцова в село Полибино Данковского района Липецкой области. Башня сохранилась до нашего времени, является памятником архитектуры, охраняется государством. Первая в мире гиперболоидная конструкция страдает от коррозии и нуждается в реставрации.
В начале 20-го века многие боевые корабли, в основном в США, строились с ажурными гиперболоидными мачтами. Такое решение объясняется необходимостью размещения большого объема наблюдательных и дальномерных приборов на большой высоте от палубы, меньшей уязвимостью в бою и амортизацией ударов от отдачи собственных, очень мощных, орудий.
Гиперболоидные шуховские башни востребованы и в настоящее время. В 1963 году в порту города Кобе в Японии по проекту компании Nikken Sekkei была построена 108-метровая гиперболоидная шуховская башня (Kobe Port Tower. В 1968 году в Чехии по проекту архитектора Карела Хубачека была построена гиперболидная башня «Йештед» высотой 100 метров. В 2003 году была построена гиперболоидная башня Шухова в Цюрихе.
16. Характеристика ар нуво. (хронология, различные названия).* Принципы формообразования нового стиля.
Стиль Ар–нуво относится к стилю модерн, точнее является его частью. Из-за этого Ар–нуво воспринимают несерьезно и больше обращают внимание на модернистский стиль, что несправедливо. Стиль Ар–нуво заслуживает отдельных лавров и повествования.
Словосочетание L’Art Nouveau впервые начало широко использоваться во Франции в середине 19 века. L’Art Nouveau переводилось как «новое искусство» и имело прямое отношение к стилю модерн. Ар–нуво означает декоративно–орнаментальный стиль, был заимствован из японского искусства. Аналогичного в Японии стиля тогда не существовало. Зато были отдельные элементы характерные японской культуре, которые как – то присмотрел французский живописец и мастер по керамике Ф. Бракмон. Он увидел японские цветные гравюры, сделанные на дереве. В них заворачивали пачки китайского чая. Свою находку Ф. Бракмон привез во Францию. Благодаря этому, французские художники начали использовать японские мотивы в своем творчестве, развивая их и видоизменяя.
Дизайн интерьера в стиле Ар–нуво скорее всего очень понравится любителям природы. Этот стиль приветствует интерьер, где все элементы кажутся как бы природными, естественными, а не сделанными и придуманными человеком. Об этом говорит отказ от прямых линий и углов. Создается наружная и внутренняя архитектура – мебель, ковры и даже самые второстепенные предметы обихода. Конструктивные элементы стиля оформлены в виде орнаментальных, более того, его постройки представляют собой в идеале синтез чисто орнаментальных форм, которые также могут быть несущими или заполнять свободные плоскости. Особенности ар-нуво, как и модерна, это волнистые линии и формы по образцу органических растений (водные растения, магнолия, лилия), также лебедь, аист, пламя, развевающиеся волосы и т.п.
Однако архитекторы «нового стиля» придавали флореальным формам более сложное значение, выходящее за рамки простой стилизации растений. Очертания зданий расплываются, амебообразно вдавливаются, образуют спиралевидные планы или аморфные фигурации, выступающих в самых неожиданных местах внутрь или наружу. Иногда даже превращаются в структурную бесформенность. Сложной является и конструкции крыш: складчатые, изломанные, растресканные, изогнутые, висячие и в виде оболочки. На основе изогнутых линий они разрабатывали концепцию непрерывного «перетекающего» пространства, объединяющего утилитарную функцию архитектурных сооружений, мебели, бытовых предметов с их конструкцией, внешним декором и технологией обработки материала. Эта новаторская концепция обусловила целостность и органичность Ар-Нуво.
В рисунках и расцветках интерьера в стиле Ар–нуво преобладают цвета, которые существуют в природе и рисунки – геометрические фигуры, формирующие природные образы. Это могут быть зигзаги, треугольники, овалы и т.д. Особое предпочтение отдается кругу. «Символ солнца» можно встретить в этом стилевом дизайне интерьера намного чаще, чем другие фигуры.
17. Стилевые направления в модерне.*
Модерн (moderne – современный, новейший) – стилевое направление в искусстве конца XIX – начала XX века. У этого стиля, распространившегося очень быстро и охватившего все виды искусств, нет единого названия. Нельзя назвать и классическую страну модерна – его признаки существуют по всей Европе, включая Россию, а также очень явственны и в Америке, воспринявшей эти веяния почти синхронно с Европой.
· Во Франции стиль модерн чаще всего именуется «ар-нуво» - «новое искусство».
· В Германии – «юнгедстиль» - «молодой стиль» или «стиль молодости».
· В Италии – «либерти» - «свободный ».
· Более редкое название «блуменстиль» - «цветочный стиль » - указывает на одну из важных черт: растительные мотивы составляют основу орнаментов модерна.
Показательно, что все названия подчеркивают современность, новизну и свободу.
В 1860—1870 годы в Европе главенствовал стиль эклектики, который заключался в цитировании и повторении предыдущих художественных стилей.
18. Особенности американского функционализма.*
Функционализм — направление в архитектуре XX века, требующее строгого соответствия зданий и сооружений протекающим в них производственным и бытовым процессам (функциям). Возник в Германии (школа «Баухауз») и Нидерландах (Я. Й. П. Оуд). Используя достижения строительной техники, функционализм дал обоснованные приёмы и нормы планировки жилых комплексов (стандартные секции и квартиры, «строчная» застройка кварталов торцами зданий к улице). Функционализм и другие стили
В отличие от конструктивизма функционализм лишен монолитности. При детальном рассмотрении дом распадается на отдельные блоки.
В отличие от сталинского ампира функционализм лишен помпезности и претенциозности. Дома напоминают не дворцы, а ульи с квартирами-сотами. В отличие от неоготики — дешёвый искусственный материал и видимое отсутствие крыши. В отличие от хай-тека — закрытость маленьких окон, тяжеловесность и непрочность.
19. Чикагская архитектурная школа.*
сложившееся в 1880-е годы в Северной Америке с центром в Чикаго. Характеризовалось стремлением к много этажности и вертикальности линий сооружений-небоскребов. Наиболее выдающийся представитель направления — архитектор Луис Салливен. Обобщая идеи рационалистического направления в эстетике американского романтизма. Л. Салливен провозгласил «форма в архитектуре следует функции». Архитектор изучал проблемы акустики и каркасной конструкции, но больше всего его интересовала работа с абстрактными формами. Его постройки отличают конструктивное совершенство и функциональность. Развернувшееся в Чикаго после пожара 1871 года строительство выявило необходимость новых решений. Предшественником небоскреба Чикагской школой стало здание страховой компании, построенное в 1883-85 гг. в Чикаго Уильямом Ле Бароном Дженни (1832—1907). В нем архитектор основой многоэтажной конструкции сделал металлический каркас, облицованный кирпичом.
Архитекторы «чикагской школы» создавали здания, соединяющие ясность композиции целого с выразительной пластикой деталей, отражающей логику конструкции.
Примерами могут служить: в Чикаго — Монаднок билдинг (1891 г., Даниэл Х. Бернем (1846—1912), Джон Уэлборн Рут (1850—1891)), Рилайенс билдинг (1894, Д. Бернем, Ч.Этвуд), универмаг «Карсон-Пири-Скотт» (1899—1904, Луис Салливен); в Нью-Йорке — Баярд билдинг (ныне Кондикт билдинг) (1898, Л. Салливен),; в Сент-Луисе — Уэйнрайт билдинг (1891, Д.Адлер, Л.Салливен).
«Чикагская школа» распалась к середине 1890-х годов.
20. характеризуйте деятельность одного из представителей ар нуво.*
Декоративная линия. Ар-нуво. Стилистической особенностью стал отказ от прямых линий и углов в пользу более естественного плавного движения изогнутых линий. Весьма важным для понимания стилистических поисков архитекторов модерна является примененный Штейнером принцип метаморфоз — изменений и вариаций исходного мотива — «прафеномена». По существу, это основной стилеформирующий принцип символистического направления архитектуры. В качестве исходного мотива выступали самые различные формы: линия «удар бича», форма человеческой почки, круг, овал, квадрат и т.д. Бесконечные вариации одного и того же мотива создавали искомое «единство многообразного». Таким образом, в своей концепции метаморфоз Штейнер обобщил опыт модерна по созданию формального стилистического единства.
Поль Гоген
(1848–1903), французский художник. В возрасте 23 лет начал успешную, но кратковременную деловую карьеру в Париже. Финансовые успехи позволили Гогену заняться коллекционированием произведений импрессионистов. В 1883 он оставил коммерческую деятельность, чтобы полностью посвятить себя живописи; это привело к нищете и разрыву с семьей. В своих работах, выполненных в Бретани, в противоположность ярким произведениям импрессионистов, он сосредоточил внимание на изображении суровой красоты этой местности и сценах из жизни крестьян. В одной из своих наиболее известных бретонских работ – Видение после проповеди (1888) художник акцентирует плоскостность живописной поверхности, что, возможно, является результатом его знакомства с японской гравюрой. Лучшие пейзажи Гогена и картина Желтый Христос (1889) тоже относятся к бретонскому периоду творчества.
В эти годы Гоген становится лидером нового направления – синтетизма, приверженцы которого по-новому использовали цвет и форму, смело очерчивая объекты, упрощая образы, сопоставляя большие участки чистого цвета для достижения эмоционального эффекта.
Уильям Моррис (1834-1896) — английский поэт, художник, издатель, социалист. Крупнейший представитель второго поколения «прерафаэлитов», неофициальный лидер Движения искусств и ремёсел. В начале 1860-х годов Моррис был поглощён строительством и оформлением Красного дома (Red House) в Бексли-Хис для своей семьи и созданием фирмы по производству декоративных предметов. В 1861 году Моррис создаёт фирму по производству предметов декоративно-прикладного искусства «Моррис, Маршалл, Фолкнер и Ко». Моррис отвергал машинное производство. Он мечтал о гармонии двух видов труда — физического и интеллектуального. По его мнению, только тогда ремесленник, совмещавший в одном лице технолога, конструктора и художника, поднимался до уровня творца. В мастерских Морриса всё производилось вручную. В его мастерских возрождалось искусство художественного ткачества, находившееся в конце XIX века в упадке из-за повсеместного распространения механического производства. Он сам был прекрасным ткачом, но также владел и приёмами окраски пряжи — это существенно расширяло его возможности как создателя шпалеры. В семидесятые годы Моррис постоянно экспериментирует, создавая рецепты составов на основе природных материалов, вытесненных недавно изобретёнными анилиновыми красителями. Внимательный наблюдатель природы с детских лет, Моррис, умело применяя средневековое открытие: принцип непрерывного роста кривой линии, используя методы построения композиции с помощью ромбической сетки и диагональной ветви, создавал растительные орнаменты для тканей, ковров, фонов и бордюров шпалер, кажущиеся естественными, но на самом деле продуманные до мелочей. Вместе с тем он отходит от станковой живописи: последняя его картина датирована 1862 годом, а единственная законченная — «Прекрасная Изольда», написана с Джейн Бёрден в 1858 году. Красный дом стал воплощением идеи о соединении высокого искусства с повседневной жизнью. Он был построен по проекту Филиппа Вебба с участием самого Морриса. Своё название получил из-за нетрадиционного для того времени внешнего вида: наружные кирпичные стены дома не были оштукатурены.
21. ВХУТЕМАС и ВХУТЕИН. Цели создания. Их роль в формировании художественной культуры, становлении отечественной школы дизайна.*
Также рождение дизайна приходится на период появления дизайнерских школ.
Наиболее яркими из них являются:
Баухауз в Германии (1919 - 1933 гг.)
ВХУТЕМАС в России Советского периода (1920 - 1930 гг. 25 декабря 1920 года были созданы Московские государст-венные высшие художественно-технические мастерские). Это должно было быть специальное высшее учебное заведение, имеющее целью подготовку "художников-мастеров высшей квалификации для промышленности". Образовался ВХУТЕМАС первоначально в результате слияния бывшего Строгановского училища и бывшего Училища живописи, ваяния и зодчества.
В 1926 году ВХУТЕМАС был преобразован в институт (ВХУТЕИН), который просуществовал до 1930 года.
В новом учебном заведении художественное творчество трактовали широкую сферу, включавшую и создание произведений искусства, и художественно ценных предметов быта и техники. Программа обучения нащупывалась довольно быстро. Более или менее окончательно методика обучения отработалась к 1922-1923 годам, хотя дисциплины художественного и технического циклов часто вступали в противоречие, их соотношение менялось, что приводило к известной изоляции друг от друга. Все это можно понять - создавалась новая специальность. Первые два года обучения, где студенты получали общехудожественное образование, были названы основным отделением. В процессе формирования этого отделения было сделано немало ценных методических находок. Этот курс, наряду с входным курсом "Баухауза", по существу, предвосхитил все вводные курсы современных дизайнерских школ.
Руководители ВХУТЕМАСа - ВХУТЕИНа рассматривали подготовку художника-производственника как синтетическую задачу воспитания всесторонне и гармонично развитого работника нового общества.
Факультеты металло- и деревообработки делали очень большую работу, прокладывая путь будущему дизайну. Возглавлявший металло-факультет А. Темы студенческих курсовых проектов были разнообразны: киоски, трансформирующаяся мебель, мелкие бытовые предметы (лампы, пепельницы, посуда и т. п.). Для реализации учебных программ были организованы производственные мастерские, которые мыслились как художественно-конструкторский центр, где могут выполняться любые задания - от архитектурных макетов до костюма. При ВХУТЕМАСе и ВХУТЕИНе работали и научно-исследовательские лаборатории, которые ставили своей целью создание действительно научно обоснованного преподавания и исследования природы художественных дисциплин. В 1925 году на Международной выставке декоративного искусства и промышленности в Париже ВХУТЕМАС был отмечен Почетным дипломом за новый аналитический метод, программы и учебно-экспериментальные работы студентов. Советский научно-учебный центр получил международное признание наряду с "Баухаузом".
Целый отряд архитекторов, искусствоведов и художников поставил перед собой цель - слияние своего искусства с новой жизнью, видел целью развития искусства вхождение его в промышленное производство, в "делание вещей". Их называли "производственниками". Мужество и социальный оптимизм этих энтузиастов и пытливых искателей нового тем более достойны удивления, поскольку их деятельность проходила в условиях почти полного хозяйственного разорения страны. То, что они могли дать обществу реально полезного - проекты совершенной мебели или одежды, в то время было не нужно: все это почти не производилось. Более же сложные производства этим художникам были недоступны - они не были технически подготовлены. Резкий разрыв между мечтами, теоретическими устремлениями "производственников" и насущными конкретными задачами, стоявшими перед новым обществом, в конце концов привел к упадку этого течения.