Компания «Софтформ» - крупный производитель и экспортер офисной корпусной мебели
https://101fps.org.ua/_ld/1/53779517.jpg
Дизайн как появление дипломированного специалиста относится к появлению первых школ и методик преподавания дизайна. (ВХУТЕМАС в СССР (1920), Баухауз в Германии (1919).
ВХУТЕМАС (Высшие художественно-технические мастерские) — московское учебное заведение, созданное в 1920 году в Москве путём объединения первых и вторых Государственных свободных художественных мастерских (образованных ранее на основе Строгановского художественно-промышленного училища и Московского училища живописи, ваяния и зодчества).
Бывшее здание ВХУТЕМАС, ныне Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Мясницкая улица, 21б
В конце 1920 года на архитектурном факультете ВХУТЕМАСа, наряду с мастерскими, где студенты знакомились с ордерной архитектурой
(И. Жолтовский, И. Рыльский, А. Щусев), возникло две мастерских с новой методикой преподавания.
В одной объединились Н. А. Ладовский, В. Ф. Кринский и Н. Докучаев, в другой — И. Голосов и К. С. Мельников. В разное время во Вхутемасе преподавали А. Е. Архипов, В. В. Кандинский, Д. Н. Кардовский,Н. А. Ладовский, В. Ф. Кринский, Л. М. Лисицкий, К. С. Мельников, П. В. Митурич,А. М. Нюренберг, А. М. Родченко, В. Ф. Степанова, В. Е. Татлин, В. А. Фаворский, П. А. Флоренский, Ф. О. Шехтель. Здесь училась Кольцова-Бычкова А.Г.. В 1926 году реорганизован во ВХУТЕИН.
§ За выпускника ВХУТЕМАС выдавал себя Остап Бендер в «12 стульях», когда пытался попасть на пароход «Скрябин» в Нижнем Новгороде.
§ Выпускником ВХУТЕМАС также был Перикл Фемиди, муж Зоси Синицкой из «Золотого теленка»
§ Кукрыниксы
§ Дейнека, Александр Александрович
|
|
§ Смирнов, Глеб Борисович (1908—1981)
Здание школы в Дессау
Ба́ухаус (нем. Bauhaus, Hochschule für Bau und Gestaltung — Высшая школа строительства и художественного конструирования, или Staatliches Bauhaus) — учебное заведение, существовавшее в Германии с 1919 по 1933, а также художественное объединение, возникшее в рамках этого заведения, и соответствующее направление в архитектуре.
В XX веке многие принципы, определяющие внешний облик архитектуры, повсеместное употребление классических ордеров, продолжавшееся с XV по XIX века, были поставлены под сомнение: избыточность украшений не соответствовала техническим реалиям, и, отринув орнаментику, архитекторы переломили многовековую традицию. Вначале новые здания казались невыносимыми в своей наготе, но со временем общество научилось ценить ясные очертания и компактные формы нового стиля. У его истоков стоит Баухаус, теоретические посылки которого часто сводятся к лозунгу «функционализм», то есть что утилитарно, удобно, то и красиво. Однако это не совсем верно: лучшие создания функционализма красивы потому, что дизайнеры обладают вкусом и художественным чутьем[1].
В выпущенном школой «Манифесте» 1919 года архитектура была названа ведущим направлением в дизайне, провозглашались принципы равенства между прикладными и изящными искусствами, декларировались идеи повышения качества промышленной продукции. Основатели движения видели целью удовлетворение массовых потребностей населения и стремились сделать промышленные товары красивыми, доступными по цене и максимально удобными.
|
|
Школа Баухаус (Государственный Баухаус) была образована в Веймаре 25 апреля 1919 в результате объединения Саксонско-Веймарской Высшей школы изобразительных искусств и основанной Анри Ван де Вельде Саксонско-Веймарской школыприкладного искусства. Будучи инициатором создания нового заведения, на должность руководителя А. Ван де Вельде предложил кандидатуру молодого берлинского архитектора Вальтера Гропиуса.
Преподавателей и учащихся в эпоху Веймарской республики объединяли левые взгляды и новаторские подходы к искусству. Гропиус считал, что в новую эпоху архитектура должна быть строго функциональной, экономичной и ориентированной на технологии массового производства. Школа выпускала одноименный журнал («Bauhaus») и серию Баухаус-книг (Bauhausbücher).
окончательно оформился только с переездом в Дессау, где у Баухауса появляется не только новое здание, но и новый фирменный стиль
Вальтер Гропиус с самого начала, еще в Веймаре отстаивал полную независимость Школы, в том числе и в финансовых вопросах. Поэтому, мастерские Баухауса ориентировались не только на учебный процесс и создание единичных образцов предметов,
но на внедрение своих проектов в массовое производство. Продажа прав на производство мебели, текстиля, светильников, посуды по проектам дизайнеров Баухауса приносила неплохие доходы. Естественно, продвижение товаров, обладающих столь яркими новыми конструктивными и эстетическими характеристиками, требовало нового графического языка. Как к архитектурным проектам Баухауса, так и к графике не совсем применимо слово «стиль». Это был в первую очередь декларируемый принцип функционализма. Если шрифт — то это моноширинный гротеск, построенный на чистой геометрии. Как, например, работы Герберта Байера (Herbert Bayer
|
|
. 
В 1925, когда Веймарские власти перестали субсидировать школу, заведение прекратило существование в Веймаре и было переведено в Дессау.
Директором школы с 1919 по 1928 был Гропиус, затем его сменил Ханнес Мейер, а в 1930 руководящую должность занял Людвиг Мис ван дер Роэ. Помимо них преподаванием занимались многие ведущие архитекторы и художники-авангардисты, в частности:
И. Иттен, Л. Мохой-Надь, П. Клее, В. Кандинский, Л. Фейнингер,
О. Шлеммер, Г. Маркс, Ю. Шмидт, Г. Штёльцль.
Макса Бурхартца (Max Burchartz),
и Вальтера Пуффа (Walter Puff).
Юст Шмидт — обложка журнала «Форма» (1925 год).
В 1933 году, после прихода национал-социалистов к власти, школа была упразднена нацистским правительством (нацисты и в 1920-х выступали против Баухауса, считая школу рассадником коммунизма).
В середине 1930-х годов, Баухаус активно развивался в Палестине, куда эмигрировали из Германии архитекторы-евреи.
В Тель-Авиве наиболее целостно сохранились кварталы, построенные в стиле Баухаус. В 1933 году Ханнес Майер представил генеральный план развития Биробиджана, выполненный в стиле Баухаус, который был воплощен лишь частично.
Музей Баухаус -Архив.
Мебель баухаус.
https://imgculture.ru/2010/09/08/seriya-bauhaus-predmety-mebeli/
ПРЕПОДАВАТЕЛИ БАУХАУСА
В разное время в учебном заведении преподавали следующие художники:
§ Герберт Байер
§ Йозеф Альберс
Вальтер Гропиус
§ Иоханнес Иттен
§ Василий Кандинский
§ Пауль Клее
§ Ласло Мохой-Надь
§ Пит Мондриан
§ Людвиг Мис ван дер Роэ
§ Лионель Фейнингер
Оскар Шлеммер
§ Герхард Маркс
- Наум Габо
Издания «Баухауса»
§ «Staatliches Bauhaus Weimar. 1919-23», (1923);
§ серия «Bauhausbücher» (с 1925);
§ журнал Bauhaus. Zeitschrift für Bau und Gestaltung (c 1926).
Слово «Баухауз» (Дом строительства) придумал сам Гропиус, оно символизировало построение своеобразного храма искусств, в котором есть место всем ремеслам и искусствам при ведущей роли архитектуры. Манифест Баухауза состоял из текста, написанного Гропиусом, в котором были отражены его идеи касающиеся преподавания и искусства, окончательно и безоговорочно порвавшего с академизмом.
Гравюра на дереве Лайонела Фейнингера с изображением готического собора с сияющими звездами украсила фронтиспис «Манифеста Баухауза». Собор с тремя шпилями символизировал единство архитектуры, живописи и скульптуры. Гропиус писал: «Нет границ между ремеслом, скульптурой или живописью, они и есть здание. Давайте вместе создадим это здание будущего, где все будет слито в единой форме. Архитектура, скульптура, и живопись».
Принципиальную схему обучения изобразил сам Гропиус. Она представляла собой концентрические кольца, каждое из которых обозначало свой курс. Начиналось обучение с полугодового пропедевтического курса (наружное кольцо), придуманного в 1919 году художником и преподавателем школы Йоханнесом Иттеном, которому Гропиус позволил экспериментировать с учебным процессом. В ходе этого курса студенты изучали основные закономерности формы, цвета и знакомились с различными материалами в начальных мастерских. В наши дни пропедевтический курс расценивается как одна из самых важных инноваций Гропиуса в Баухаузе.
История дизайна в стилях
Помимо дизайн-икон, воплотивших в себе эстетические идеалы определенного исторического периода, технические и художественные идеи своих создателей, особое значение в описании истории дизайна имеют художественные стили. В.Власов в своем известном словаре «Стили в искусстве» отмечает, что всю историю мирового искусства можно рассматривать как историю художественных стилей. В равной степени это относится и к стилям в истории дизайна, объединяющим по определенным формальным признакам дизайн-иконы в уникальные целостные художественные течения и направления. Упомянутый выше искусствовед В.Власов рассматривая внутреннюю структуру понятия «стиль» выделяет ряд его уровней: исторический художественный стиль, историко-региональный (стилистическое течение) и индивидуальный стиль мастера. Аналогичное можно наблюдать и в истории дизайна. Стили в дизайне как части общей художественной культуры корреспондируются с большими историческими художественными стилями в искусстве, и, в особенности, архитектуре. Достаточно вспомнить также общие художественные стили, как ар деко, поп-арт, постмодерн и хай-тек. При этом в предметном формообразовании они, безусловно, трансформируются в свои стилевые течения, отражая специфику формообразования массовых изделий в условиях индустриальных технологий.
История дизайна в дизайн-иконах
Историю архитектуры пишут по памятникам архитектуры или фотографиям и гравюрам утраченных объектов, чертежам и рисункам-фантазиям неосуществленных проектов. Историю искусств — по собраниям в музеях изобразительных искусств, картинных галереях, частным коллекциям картин. Историю дизайна, в основном, по шедеврам дизайнерской деятельности — дизайн-иконам.лп
Хронология исследований истории дизайна
Первые теории о соотнесении красоты и пользы принадлежат древнегреческим ученым Сократу, Аристиппу, Протагору,Платону, Аристотелю. Уже тогда философы впервые задумывались о различиях между искусством и наукой по их целеполаганию. Уже тогда были и работы по комбинаторике: о соединении человека и машины «Театр автоматов» ГеронаАлександрийского. Подобные альбомы получили большое распространение под именем «Театры машин» в эпохуВозрождения. Отдельное место в этом списке занимают трактаты Леонардо да Винчи. Далее в хронологическом порядке появляются работы Жоффруа Тори о шрифтах (1529), Готфрида Лейбница «Об искусстве комбинаторики» (1666), «Театриум Махинарум» Андрея Нартова (1720), «Трактат о природе человека» Дэвида Юма (1740), «Размышления о природе и принципах чувств» Арчибальда Алисона (1790), «О влиянии живописи на художественную промышленность» Эмиля Экмерид-Давида (1805), «Теория органопроекции» Павла Флоренского. Возникновение промышленного производства способствовало развитию критической мысли. Одним из первых критических трудов стала «Практическая эстетика» Готфрида Земпера, развившаяся в трудах Джона Рескина, Уильяма Морриса, Уолтера Крейна, обозначивших взаимоотношения искусства и ремесла. Эпоха американского функционализма дала миру творения теоретиков дизайна:
§ эстетические эссе Горацио Грино,
§ «Трактат по архитектуре гражданских и военных морских судов» Джона Гриффита (1856),
§ «Листья травы» Уолта Уитмена,
§ манифест «Высотные административные здания с художественной точки зрения» Луиса Салливена (1896),
§ доклад «Искусство и ремесло» Фрэнка Ллойда Райта (1903),
§ ряд книг Адольфа Лооса,
§ «Проблема формы в изобразительном искусстве»(1912) Адольфа Гильдебранда,
§ «Вопросы стиля» Алоиза Ригля, 30 фундаментальных исследований Германа Мутезиуса, «Торжество жизни и искусства»,
§ «Размышления о театре как высшем художественном синтезе» Петера Беренса.
Значительный вклад в становление теоретических воззрений истории дизайна и его популяризации сыграли и играют периодические издания. Первый специальный журнал Генри Кола по эстетическим проблемам предметного мира и его проектированию «Journal of Design and Manufactures» (1849). Позднее уже появились специализированные журналы «Pan»(1895), «Decorative Kunst»(1897), «Kunst und Handwerk»(1898). Это и журнал «Югенд», от которого произошёл немецкий вариант названия стиля «модерн» — «югендстиль». Широкую известность в центральной Европе получил скандинавский журнал «Форма и функция», в СССР — «Техническая эстетика» Свое творческое кредо формулировали в манифестах, лозунгах, концептуальных статьях многие дизайнерские группы и отдельные мастера:
§ Чарльз Ренни Макинтош и школа Глазго,
§ Пит Мондриан и группа Де стейл
§ Этторе Соттсас и группа «Мемфис»,
§ Александр Мендини и группа «Алхимия»
Особое место в историко-теоретических исследованиях дизайна занимает «государственный дизайн», давший толчок комплексному подходу в изучении индустриального дизайна. Впервые совет по дизайну был создан в Англии в конце второй мировой войны. В 1962 году был создан Всесоюзный научно-исследовательский институт технической эстетики в СССР. Таким образом, во второй половине XX века была подготовлена материальная и теоретическая база для специальных исследований в области истории дизайна. Она не заставила себя ждать: к концу века появился целый ряд комплексных исследований по истории дизайна. Это известные работы английских теоретиков Катрин МакДермотт, Шарлоты и Петера Филл, немецких искусствоведов Томаса Хауфе, Вольфгана Шиперса и Петера Шмидта. [4]
1. ↑ Михайлова А. Особенности художественного формообразования в условиях индустриальных технологий ХХ века. Текст диссертации
2. ↑ В.Аронов, «Художник и предметное творчество» (1987)
3. ↑ Н. В. Воронов. Очерки истории отечественного дизайна
4. ↑ Михайлова А. Кто пишет историю дизайна? Статья в сборнике международной Казанской Биеннале 2005
Литература
§ Михайлов С.М. История дизайна. Том 1,2: Учеб. для вузов. — Москва: Союз Дизайнеров России, 2004
§ Михайлов С.М, Михайлова А. С.. История дизайна. Краткий курс. Учеб. для вузов. — Москва: Союз Дизайнеров России, 2004
§ Ковешникова Н. А. Дизайн: история и теория. Издательство: ОМЕГА-Л, ГРУППА КОМПАНИЙ, 2007 г.
§ Рунге В. Ф. История дизайна, науки и техники. — Москва: Архитектура-С, 2006
§ Лаврентьев А. Н. История дизайна. Учеб. пособие для вузов. — М.: ГАРДАРИКИ, 2007 г.
§ Вячеслав Глазычев Дизайн как он есть - М.: Европа, 2006 г. ISBN 5-9739-0066-5
Дизайн глазами профессионального дизайнера (история, теория и практика дизайна) https://tesiart.mypage.ru/?page=2
Принципы дизайна. Динамизм. Гармония.
Динамизм.
Динамизм не есть изображение движения в вашей работе буквальном смысле, даже если ваша композиция статична, спокойна, то в ней все равно есть некая жизнь (движение), потому что все равно происходит взаимодействие между деталями и элементами вашей работы. Т.е. управляя взглядом и вниманием вашего зрителя, вы, так или иначе, создаете движение в вашей работе.
Вернемся к нашим иллюстрациям. Первая чуть хаотична, вся в движении. Вторая статичная, спокойная. Однако, и в той, и другой присутствует динамизм, определенный ритм.
В первой иллюстрации наш взгляд следует за белой линией. На второй иллюстрации направление движения не указанно так же определенно, но все же оно есть:
Направление взглядов девушек, их позы (как они сидят, как лежат их руки, как повернуты головы) – все это управляет нашим взглядом.
Статичный или динамичный характер будет носить ваша композиция, зависит от того, какие цели и задачи стоят перед вами. Так, например, для сайта банка предпочтительнее некоторая статичность стабильность, а для сайта стадиона, ипподрома – лучше создать настроение напряжения, активности.
Статичное состояние в работе поддерживается симметричной композицией, не слишком большим количеством свободного пространства, отсутствием диагональных линий, направлений.
Для выражения динамики можно использовать асимметричную композицию, элементы с острыми углами, большое количество свободного пространства, диагональные направления.
Помните, движение в композиции должно носить организованный характер, иначе может получиться так, что динамика превратится в хаос, мешанину, а статичность будет скучной, неинтересной взгляду.
Гармония.
Симметрия, пропорции, ритм, контраст, цельность, равновесие – все эти категории образуют гармонию. Гармония осуществляет связь между всеми элементами вашей работы, примиряет форму и содержание, предмет и пространство, сводя все воедино.
Гармония – это эстетическая категория и нельзя ее сводить только к понятиям пропорции, симметрии и другим. Гармония включает в себя личностное, ваше отношение к своей работе. Если вам неприятно то, что вы создаете – это так или иначе отразиться в том, что вы создаете.
Ваш зритель не разбирается в принципах дизайна, не знает его основ, но он без труда уловит дисгармонию в вашей работе, не нужно быть дизайнером или художником, чтобы интуитивно почувствовать, что работа дизайнера или художника оставляет желать лучшего.
Именно поэтому вам стоит стремиться к достижению гармонии в своей работе, потому что фальшь, дисбаланс в состоянии почувствовать любой человек. Если вы не уверены в себе – то можно показать работу обыкновенному потребителю и узнать его отношение к ней. Его мнение может оказаться для вас весьма ценным.
Гармония и единство играют достаточно важную роль, дизайнер должен уметь сбалансировать визуальную информацию в своей композиции. Все разнообразие наших элементов должно быть приведено к некому единству. Вы, как дизайнер, несете полную ответственность за то, что творится в пределах вашего листа (рабочего пространства), вы не должны допустить, чтобы ваша композиция развалилась. Различные цвета, размеры фигур, их взаиморасположение — все подлежит вашему контролю, даже если вы создаете нечто абстрактное.
Комментариев: 0
30.03.2012 в 10:53 Блог
Принципы дизайна. Доминанта. Соподчинение.
Доминанта.
Всякая композиция имеет смысловой центр, где завязывается основное действие, и возникают основные связи. Кроме смыслового центра существует еще и визуальный центр, с него начинается восприятие нашей работы зрителем, именно он первым притягивает взгляд. Иногда смысловой и визуальный центры могут совпадать.
Не следует воспринимать слово «центр» буквально, под этим словом вовсе не имеется в виду центр листа или экрана. Место размещения смыслового или визуального центра внутри нашего рабочего пространства (экрана, листа) может быть любым.
Вернемся к этой иллюстрации. Красная юбка девушки является центром композиции, с нее начинает наш взгляд созерцание картинки. Т.е. красная юбка является визуальным центром, однако не является, в данном случае смысловым. В задумчивость нас повергает не красная юбка, а лицо девушки в розовом, именно оно, является смысловым центром картинки.
Очень часто в своей работе дизайнер или художник использует несколько смысловых центров, в том случае, если он изображает сложные события, несколько идей, равных по своей значимости. В этом случае, чтобы отделить эти смысловые группы друг от друга, дизайнером активно должно использоваться свободное пространство, чтобы композиция не превратилась в кашу, кучу-малу. Однако, при этом надо следить и за тем, чтобы композиция не развалилась на несколько частей.
Соподчинение.
Итак, мы говорили о том, что все элементы нашей работы должны быть взаимосвязаны друг с другом, а это значит, что внутри композиции существует соподчиненность отдельных ее частей друг другу. Что-то является важным, что-то наименее важным.
Задача дизайнера и художника сделать для своего зрителя (конечного потребителя) очевидными эти связи, т.е. ваша задача управлять вниманием вашего зрителя. Нужно, чтобы части вашей композиции воспринимались зрителем в определенной последовательности, определенным образом.
Как это обеспечить? Отдельные элементы композиции объединяют в группы. Соответственно, должны быть признаки связи между этими группами (например, мы объединяем их общей осью симметрии, однако при этом симметрии внутри группы элементов быть не должно). Группы могут перекликаться друг с другом между собой своими элементами (допустим на сайте: иконки, цвета заголовков, размер иллюстраций и т.д.).
Естественно, при всем этом наша композиция должна восприниматься, как единое целое.
Т.е. благодаря группировке элементов и деталей происходит последовательное восприятие частей целого, и в тоже время все элементы нашей композиции мы воспринимаем, как нечто единое целое, а не дробное.
Комментариев: 0
30.03.2012 в 10:51 Блог
Принципы дизайна. Равновесие.
Равновесие.
Говоря о равновесии, мы не имеем в виду не только четко выстроенную симметричную композицию, нет, равновесие – это условие устойчивости зрительной композиции, это состояние, когда все элементы сбалансированы между собой.
Симметрия
Это лишь наиболее очевидный и простой способ достичь в композиции равновесия. Симметрия предполагает собой некий определенный порядок, математическую закономерность расположения элементов относительно друг друга и в пространстве.
Симметрия встречается не только в объектах, созданных человеком, мы сплошь и рядом встречаем симметрию в природе, именно оттуда изначально брал пример человек, создавая какие либо объекты и предметы, именно поэтому древние считали симметрию условием красоты и гармонии.
Посмотрите на иллюстрации, как вы можете видеть, в природе не бывает точной симметрии. Да, лист и птица симметричны в целом, но они различны в деталях (перья на крыльях птицы, глаза на ее голове, прожилки на листе). Такой вид симметрии, когда симметрична лишь общая форма, но точного сходства в мелочах нет, лежит в основе многих произведений искусства, художественных работ. «Один из» обозначает, что бывают разные виды симметрии. Зеркальная, инвертированная, осевая, радиальная, и т.д.
Симметрию можно выстраивать вокруг точки (радиальная), вокруг одной оси, вокруг нескольких осей.
Асимметрия.
Асимметрия – это полное нарушение симметрии, это когда повторяющиеся элементы отсутствуют или расположены так, что их нельзя совместить путем сдвига или поворота.
Однако, асимметрия – не значит отсутствие равновесия. В ассиметричных композициях мы используем цвет, форму, насыщенность тона, текстуру, направление движения, расположение объектов относительно центра плоскости, чтобы сделать нашу композицию сбалансированной.
Посмотрите на картинку. Небольшой красный элемент делает всю картинку более живой, не было бы его, картинка бы умерла от обилия нейтральных тонов, была бы весьма скучной и неинтересной. Однако, этот яркий элемент, очень бы выбивался из общей композиции и мог бы испортить картинку, если бы он не был уравновешен нейтральным по тону темно-розовым пятном.
Или взгляните на этот рисунок. Ломанная белая линия собирает все элементы композиции воедино, и задает им направление движения. В итоге рисунок получается очень динамичным, цельным, уравновешенным.
Комментариев: 0
30.03.2012 в 10:50 Блог
Принципы дизайна. Целесообразность и единство.
Элементы никогда не бывают сами по себе, они всегда связаны в некую композицию, подчиненную некой идее. Говоря о принципах дизайна, мы имеем в виду целесообразность, единство, равновесие, доминанты, соподчинение, динамизм, гармонию.
Целесообразность.
Что такое принцип целесообразности? О нем я уже упоминала в первых статьях курса: любой авторский замысел и весь строй произведения должны быть подчинены какой-то цели, идее, художественной задаче.
Если речь идет о художественном произведении, то его тема должна задевать, быть близкой определенной группе людей. Тему, идеологию – в этом случае диктуют чувства автора, его взгляды на жизнь, политику, его страну, мир в целом.
Если же речь идет о работе дизайнера, то цели и задачи ставятся перед дизайнером заказчиком, состоянием рынка, и многими другими факторами. В отличие от художника – дизайнер не хозяин сам себе, его работы не имеют художественной ценности, он подчинен коммерции и рекламе.
Единство.
Все элементы в композиции должны быть взаимосвязаны, они должны так взаимодействовать друг с другом, чтобы композиция смотрелась единым гармоничным целым. Самая большая ошибка начинающих дизайнеров (в том числе и веб), что их творение буквально разваливается на куски, разнородные и невзаимосвязанные, этого ни в коем случае нельзя допускать.
Какие же приемы вы можете использовать для достижения единства в вашей композиции: наложение объектов друг на друга, тем самым, показывая их близость, ваши элементы могут быть выполнены в одной манере, стиле. Какие-то элементы композиции могут повторяться и перекликаться друг с другом в цвете, текстуре, по форме и т.д.
Все части композиции должны быть соподчинены друг другу. Если вы не можете изъять из вашей готовой композиции ни одну ее часть, ни один ее элемент без ущерба для целого, если части композиции нельзя поменять местами, добавить какой-то новый элемент, то это говорит о том, что вы справились со своей задачей, что вы имеете на руках вполне завершенную и хорошую работу.
Комментариев: 0
30.03.2012 в 10:49 Блог
Элементы дизайна. Текстура и фактура.
Многие предметы и вещества, окружающие нас имеют текстуру и фактуру: если вы прикоснетесь к отколотому от скалы камню, то ощутите на его шершавую в трещинках поверхность. Позже, если вы увидите поверхность камня, отображенную в двухмерном рисунке, она вызовет у вас определенные ассоциации и ощущения.
Итак, фактура – это свойства материала, предмета, которые мы ощущаем при прикосновении к нему. Фактурами в своей работе пользуются художники-декораторы, дизайнеры по интерьеру. Грубо говоря, фактура – это то, к чему мы можем прикоснуться, и ощутить, что оно действительно шершавое или гладкое, или колючее.
Художник или дизайнер использует в своей работе текстуры – двухмерные картинки, на которых при помощи цвета, света и тени, он создает иллюзию, что эта поверхность каменная, шершавая, холодная, мокрая и т.д.
Как правило, создать текстуру с нуля в графическом редакторе очень сложно, если там не предусмотрены специальные фильтры и функции для этого. Как правило, у дизайнера в запасе есть коллекция с текстурами, которые он достает в нужное время, как фокусник карту из рукава.
Иногда дизайнеру приходится самому создавать текстуры, это не сложно, нужно лишь иметь некоторые представления о свойствах материалов и поверхностей. Так, если вы захотите создать текстуру камня, вы можете найти характерную стену, где наиболее очевидна фактура, приложить к ней тонкий лист бумаги, и выявить текстуру на поверхности бумаги при помощи мягкого карандаша или кусочка угля (он продается в художественных магазинах и салонах, не надо сжигать соседей и конкурентов ради того, чтобы создать текстуру самому 
Текстуру можно использовать не только для того, чтобы сделать стену в вашем рисунке стеной (со всеми необходимыми трещинками и шершавинками), вот посмотрите, например, как на наша текстура на рисунке практически перешла в рекламный плакат.
Не смотря на то, что мы не применяем эту текстуру к какому-то определенному объекту на нашем рисунке, а используем ее саму по себе, она все же сохраняет свои свойства, и вызывает определенные ощущения и ассоциации: она агрессивна, современна, хаотична и т.д. Так, например, эта наша текстура могла бы перейти в рекламу какой-нибудь молодежной обуви 21-го века, или какого-нибудь молодежного клуба, группы.
Для интересующихся: текстура создана при помощи туши, и двух листов бумаги, на один мы наносили текстуру, другой мы смяли, обильно испачкали тушью и использовали, как штамп (печать), в итоге получили достаточно интересный результат.
Комментариев: 0
30.03.2012 в 10:48 Блог
Элементы дизайна. Цвет
Цвет.
Наука о цвете — колористика — возникла не так давно. Наука вполне серьезная, и основывается на вполне серьезных научных открытиях. По теории цвета написано много книг, и я была бы слишком самонадеянной, если бы решила вам рассказать вкратце все о цвете в одной статье. Поэтому я очень надеюсь, что вы последуете моему совету и скачаете книгу Иоханеса Иттена «Основы цвета», не смотря на то, что весит она чуть больше мегабайта, более того, я надеюсь, что вы ее даже прочитаете, и я также надеюсь, что вы еще пройдетесь и по ссылкам в правой колонке.
Цвет самый сильный по воздействию из наших элементов и самый сложный, именно поэтому к его изучению надо подходить серьезно. Как правило, в художественно-дизайнерских Вузах с цветом начинают работать лишь на втором году обучения.
Каждый цвет, или сочетание цветов мы воспринимаем по-разному:
— Оптически и физически (например, предметы, окрашенные в красный цвет, кажутся нам ближе, именно поэтому его часто можно встретить на дорожных знаках, глаз заметит и воспримет такие знаки быстрее, чем, допустим зеленые, красный цвет для нас сигнал опасности, тревоги).
— Эмоционально, психологически (определенные цвета и гаммы вызывают у нас определенные эмоции и чувства, так природные синий и зеленый вызывают в нас ощущение спокойствия и умиротворенности, ведь синий – это цвет ясного неба, или спокойного моря, а зеленый напоминает о лесе, о луге, о теплом времени года, когда трава и деревья были зелеными).
Конечно, я не могу отрицать того, что каждый художник и дизайнер, работая с цветом руководствуется и своими субъективными чувствами, однако, я хочу заметить, что даже великие мира сего подходили к работе с цветом серьезно, так, например, такие мастера, как Роден, Матисс и многие другие логически продумывали и рассчитывали цветовую композицию, которую процессе работы либо осуществляли, либо отбрасывали, как ненужную, но тем не менее, если художник подходит к цвету в своей работе не только субъективно, но и логически, то дизайнеру уж сам бог велел относиться к цвету с умом.
Если вы будете работать в области рекламного дизайна, то столкнетесь с тем, что за определенными направлениями и родами деятельности закрепились уже какие-то определенные цвета и цветовые гаммы. Вы можете следовать им, чтобы обеспечить узнаваемость, а можете нарушать их, так, например, в рекламе женских гигиенических средств был поставлен крест на ярких цветах, в частности на красном цвете, видимо, из боязни вызвать неприятные ассоциации. Однако, создатели бренда Kotex перешагнули через такое предубеждение, они нагло использовали красный цвет и в оформлении упаковки своей продукции, и в рекламе, только красный (с черным и белым), и в итоге они только выиграли от этого, они выделили себя из массы. Прошу прощения за пример, надеюсь, тонкие и чувствительные натуры, на дух не переносящие слов «женские гигиенические средства» меня простят.
Т.е. я хочу сказать, что правила знать необходимо, чтобы не изобретать колесо, когда оно уже есть, и чтобы не совершить разных глупых ошибок. Однако, любое правило может быть нарушено, но с умом, ведь может так случится, что нарушив правило, как герой одной из наших первых статей Петрович, вы только напортачите, и не добьетесь никакого положительного результата.
Элементы дизайна. Объём и пространство.
Объем.
Объем мы создаем за счет света и тени. Сравните рисунки: в первом случае мы имеем дело с плоским кругом, во втором – у нас уже получился шар, добавив свет и тень, мы создали иллюзию того, что наш шар объемен.
Пространство.
Размер.
Одна из особенностей нашего восприятия: удаленные объекты мы воспринимаем, как меньшие по размеру, чем те объекты, которые находятся ближе к нам. Т.е. рисуя одни объекты больше по размеру, чем иные, мы можем создать иллюзию того, что они ближе или дальше к нам. Об этом я упоминала, когда мы говорили о линии.
Наложение.
Накладывая один объект на другой, мы можем также создать впечатление, что они находятся дальше-ближе по отношению друг к другу. Посмотрите на рисунок: мы выставили все объекты в ряд, однако, возникает впечатление, что, например, ведра находятся к нам ближе чем розовые сапоги, и дальше от нас, чем коричневые.
Свет и тень.
Организовать пространство мы можем также при помощи светотени. Давайте вернемся к нашему шару:
Мы расположили наш объемный объект в пространстве при помощи света и тени. Кроме объемности шара и падающей тени эту иллюзию поддерживает и то, что мы ввели две плоскости: ту, на которой лежит шар, и которая ближе к нам, мы оставили светлой, а ту, что дальше от нас, и перед которой лежит шар, мы сделали темнее, чтобы создать иллюзию, что она дальше.