Архитектурно-композиционные формы и их эволюция. Основная форма здания в Китае — прямоугольный в плане павильон, построенный из дерева, с каркасной конструкцией. Здание, расчлененное внутри на два-три нефа, имело наружную обходную галерею со столбами, поддерживавшими крышу. Эта структура применялась и для храмов, и для жилых домов. Главное различие существовало в размерах построек и в отделке, деталях. В архитектуре северных районов Китая с их суровым и холодным климатом активную роль играли массивные каменные и глинобитные стены зданий. Для юга, наоборот, характерны были более облегченные каркасные деревянные конструкции.Характерным элементом китайского здания является крыша — высокая, двускатная или четырехскатная, или сочетание этих двух форм. В храмах обычно делались двухъярусные крыши, а в башнях-пагодах, входивших в состав храмового комплекса, количество крыш соответствовало количеству ярусов в них и достигало десяти-двенадцати. Скаты имели изогнутую, провисшую форму. Концы крыш на углах здания загибались вверх. Соединение крыши с основным каркасом здания достигалось при помощи брусков — расположенных друг над другом ступенчатых кронштейнов. Сочленение последних получило название доу-гун. Доу-гуны укреплялись на столбах галерей или на деревянной обвязке стен. Они имели не только конструктивное, но и декоративное значение, обогащая фасады пластикой резных деревянных деталей. В монументальном сооружении на коньках крыши и ее ребрах иногда укреплялись керамические фигурки фантастических животных.Общественные, культовые здания покрывались керамической черепицей, обычные жилые дома — бамбуковыми стволами, расчлененными и уложенными с прикрытием одного другим, серой черепицей или же просто соломой. Для храмов использовалась черепица синего цвета, в дворцовых строениях — золотисто-желтого. Здания общественного назначения возводились на каменных террасах, которые дополнялись лестницами и балюстрадами. «Зимний дворец» — Гугун представляет собой ансамбль павильонов. Главный павильон — тронный зал — именуется «Павильоном высшей гармонии». Он также построен из дерева. Стоит он на мраморной террасе со ступенчатыми спусками. По сторонам от него другие павильоны, красиво вписанные в окружающий пейзаж. Все основные строения «Запретного города» имеют двойные крыши из цветной черепицы. В пределах «Внешнего города» — комплекс храма Неба, его главное здание — круглый двухъярусный «Храм молитвы за годовую жатву» (XV в.), построенный из дерева и увенчанный конической двухъярусной синей крышей. Стоит сооружение, как и другие, на террасе с мраморными балюстрадами и лестницами. Размещение всех этих сооружений определялось соответствующими светскими и духовными ритуалами.С течением времени в китайском зодчестве возрастает интерес к декоративности. Основная конструкция храмов, пагод и различных архитектурных памятников перегружается большим числом деталей. Каркасность, легкость зданий, наличие в стенах сквозных решеток, галереи, дворики, зелень — все это способствовало активному воздухообмену, в помещениях устанавливалась прохладная атмосфера.
Интерьер и предметы внутреннего убранства. Во внутренних помещениях преобладает тот же колорит, что и снаружи зданий, но он более спокоен, светел и менее резок. Более яркие цвета появляются только в виде дополнений, оттеняющих общую светлую гамму: красные стойки, зеленые или голубые балки с вкраплением белых орнаментированных участков.
Характерно, что интенсивная расцветка встречается относительно чаще в северных районах, на юге же во многих случаях предпочтение отдается черному, белому, серому, коричневому цветам, успокаивающим глаз, утомленный яркостью красок, окружающей природы. В отделке жилых помещений, в частности для облицовки панелей стен, применяются изразцовые плитки, а для обработки некоторых деревянных частей — резьба.
Китайцы достаточно широко пользовались мебелью. Здесь применялись и применяются стулья, скамьи, кровати. Основной предмет мебели в домашних условиях — кушетки со спинками с трех сторон. Помимо сравнительно крупной мебели, распространена легкая мебель небольших размеров. Мебель для сидения (табуреты, кресла) различные столики, полочки, подставки для ваз, а также ширмы имели обычно прямолинейные очертания, определяемые большим распространением негнущегося бамбука.
Часто мебель покрывалась лаком, в основном с черным, реже с красным, и коричневым фоном и с отделкой позолотой; применялась в мебели для богатых домов резьба по лаку, инкрустация слоновой костью, черепахой, рогом, перламутром, металлом.
9. Традиционные японские искусства. Японская живопись — один из наиболее древних и изысканных из японских видов искусств, характеризуется широким разнообразием жанров и стилей.
Для японской живописи, как и для литературы, характерно отведение ведущего места природе и изображение её в качестве носительницы божественного начала. Начиная с X века в японской живописи выделяют направление ямато-э, картины представляют собой горизонтальные свитки, которыми иллюстрировали литературные произведения. В XIV веке развивается стиль суми-э (монохромная акварель), а в первой половине XVII века художники начинают печатать укиё-э — гравюры на дереве, изображавшие гейш, популярных актёров театра кабуки и пейзажи. Кацусика Хокусай и Андо Хиросигэ – величайшие мастера эпохи Токугава. Оба были пейзажистами, фиксировавшими в своих гравюрах события современной жизни. Знаменитые произведения Хокусая: «36 видов горы Фудзи», «1000 видов моря», «Самураи кланов Минамото и Тайра». Знаменитые произведения Хиросигэ: «Восемь известных видов Оми», «Знаменитые места восточной столицы», «Сто видов Эдо». Каллиграфия. В Японии каллиграфия считается одним из видов искусств и носит название сёдо. Наравне с рисованием каллиграфия преподаётся в школах. Искусство каллиграфии было завезено в Японию вместе с китайской письменностью. В старину в Японии признаком культурного человека считалось владение искусством каллиграфии. Существует несколько различных стилей написания иероглифов. Совершенствованием стилей написания иероглифов занимались буддийские монахи. Скульптура. Самым древним из видов искусств Японии является скульптура. Начиная с эпохи Дзёмон изготавливались разнообразные керамические изделия, также известны глиняные фигурки-идолы догу. В эпоху Кофун на могилах устанавливались ханива — скульптуры из обожжёной глины, поначалу простых цилиндрических форм, а затем более сложные — в виде людей, животных или птиц. История скульптуры в Японии связана с появлением в стране буддизма. Традиционная японская скульптура — это чаще всего статуи буддистских религиозных понятий. Одна из самых древних скульптур в Японии — деревянная статуя будды Амитабхи в храме Дзенко-дзи. В период Нара буддистские статуи создавались государственными специалистами-скульпторами. В качестве основного материала для скульптур (как и в японской архитектуре) использовалось дерево. Статуи часто покрывали лаком, позолачивали или ярко окрашивали. Также в качестве материала для статуй использовалась бронза или другие металлы. Декоративно-прикладное искусство, ремёсла: традиционные японские куклы, нэцкэ( миниатюрная скульптура, представляющая собой небольшой резной брелок ), оригами( древнее искусство складывания фигурок из бумаги ), икэбана( создание композиций из срезанных цветов, побегов в специальных сосудах и размещение их в интерьере ), бонсай( искусство выращивания точной копии настоящего дерева в миниатюре ), керамика для чайной церемонии, ручная роспись тканей, тэмари( техника вышивания на шарах).
10.Сложение стиля «Ренессанс» в архитектуре. Возрождение делят на 4 этапа: Проторенессанс (дученто) (2-я половина XIII века — XIV век) Раннее Возрождение (кватроченто) (начало XV — конец XV века) Высокое Возрождение (конец XV — первые 20 лет XVI века) Позднее Возрождение (середина XVI — 90-е годы XVI века). Раннее Возрождение. В период кватроченто были заново открыты и сформулированы нормы классической архитектуры. Изучение античных образцов вело к усвоению классических элементов архитектуры и орнамента. Пространство, как архитектурный компонент, организовано в отличном от средневековых представлений образе. В его основу встала логика пропорций, форма и последовательность частей подчинены геометрии. Первым образцом периода можно назвать базилику Сан-Лоренцо во Флоренции, построенную Филиппо Брунеллески (1377—1446). В течение этих лет в искусстве появляется стремление к органичному сочетанию средневековых традиций с классическими элементами. В храмовом строительстве основным типом остаётся базилика с плоским потолком или с крестовыми сводами, но в элементах зодчие ориентируются на греко-римские памятники в стремлении образования обширных, свободных пространств внутри зданий. Впоследствии, постепенно, и в общей концепции, и в деталях основой произведений становятся образцы античного искусства. Чаще всего в оформлении зданий присутствует коринфский ордер с разнообразными видоизменениями капители. Постройки имеют гармонично просторные внутренние дворы, обнесённые в нижнем и в верхнем этажах крытыми галереями на арках, которые поддерживаются колоннами или пилястрами античной формы. Итальянские архитектурные памятники раннего Возрождения находятся в основном во Флоренции; среди них — элегантный и вместе с тем простой в техническом решении купол собора Санта-Мария-дель-Фьоре и палаццо Питти, созданные Филиппо Брунеллески. В Риме можно отметить малый и большой венецианские дворцы Бернардо ди Лоренцо. Высокое Возрождение. В продолжение Высокого Возрождения представления, взятые из античной архитектуры, развивались и воплощались на практике с большей уверенностью. Центр итальянского искусства перемещается в Рим. Изучение античного наследия становится более основательным, оно воспроизводится более последовательно и строго; реликты средневековья исчезают, искусство полностью базируется на классических принципах. Основные памятники итальянской архитектуры этого времени — светские здания, которые отличаются гармоничностью и величием своих пропорций, изяществом деталей, отделкой и орнаментацией карнизов, окон, дверей; дворцы с лёгкими, в основном двухъярусными галереями на колоннах и столбах. В храмовом строительстве наблюдается стремление к колоссальности и величественности; осуществился переход от средневекового крестового свода к римскому коробовому своду, купола опираются на четыре массивных столба. Представителем этого периода был Донато Браманте (1444—1514), строго следовавший в возведении зданий классическим принципам. На храм Темпьетто во дворе церкви Сан-Пьетро в Монторио Браманте вдохновили ротонды римских храмов. Также Браманте составил план Собора Святого Петра в Риме и начал возводить здание. С наступлением второй половины XVI века в итальянском зодчестве происходят перемены, выраженные желанием художников всё более точно воспроизводить классические образцы, чему стали посвящаться целые трактаты, однако возводимые сооружения продолжают отличаться изяществом и благородством. Главными представителями архитектуры этого времени были Виньола, построивший Иль-Джезу в Риме и виллу Фарнезе в Витербо,Андреа Палладио, создавший несколько дворцов, базилик и олимпийский театр в Виченце и др.
Позднее Возрождение. В архитектуре проводился эксперимент с формами, разработкой и комбинированием античных образов, появляется усложнение деталей, изгиб, преломление и прерыв архитектурных линий, затейливая орнаментация, большая плотность колонн, полуколонн и пилястр в пространстве. Подчеркивается более свободное соотношение пространства и материи. Впоследствии из этой тенденции развился стиль барокко, а затем, стиль рококо. Основоположником направления маньеризма (утрата ренессанской гармонии между телесным и духовным, природой и человеком) в архитектуре можно назвать Микеланджело (1475—1564), в чьём творчестве проявляется тенденция свободной интерпретации принципов и форм античного искусства. Микеланджело создал усыпальницуМедичи при церкви Сан-Лоренцо во Флоренции, купол Собора Святого Петра, проект застройки Капитолийского холма в Риме.Лоренцо Бернини создал полукруглые колоннады собора Святого Петра, дворцы Барберини и Браччьяно.
11. Живопись итальянского Возрождения. Проторенессанс. Джотто - Художник и архитектор эпохи Проторенессанса. Одна из ключевых фигур в истории западного искусства.Ему удалось постичь тайны светотеневой моделировки, изучить понимание пространства, а также познать величавый язык римской живописи, ввёл пейзажный фон. Джотто создал собственный благородный стиль, ставший началом нового этапа в европейском искусстве и живописи. В его работах впервые в полной мере утверждалась ценность земной человеческой жизни. Произведения: «Исав перед Исааком», «Поцелуй Иуды», «Испытание огнём перед султаном». Раннее Возрождение. Мазаччо - знаменитый итальянский живописец, крупнейший мастер флорентийской школы, реформатор живописи эпохи кватроченто. Он смело порывает со средневековыми традициями. Во фреске «Троица», созданной для церкви Санта – Мария Новелла во Флоренции, впервые в настенной живописи Мазаччо применяет полную перспективу. В росписях капеллы Бранкаччи церкви Санта – Мария дель Кармине во Флоренции – он придаёт изображениям невиданную ранее жизненную убедительность, подчёркивает телесность и монументальность своих персонажей, мастерски передаёт эмоциональное состояние, психологическую глубину образов. Во фреске «Изгнание из рая» художник решает сложнейшую для своего времени задачу изображения обнажённой человеческой фигуры. Сандро Боттичелли – его изысканное искусство с элементами стилизации пользовалось большим успехом в кругу образованных флорентийцев. В основе его искусства лежало личное переживание. Произведения: «Рождение Венеры», «Весна». Высокое Возрождение. Леонардо да Винчи – великий художник, скульптор, архитектор, учёный, инженер и мн.др. В своём знаменитом «Трактате о живописи» уделил большое внимание изучению человеческого тела, сведениям по анатомии, пропорциям, зависимости между движениями, мимикой и эмоциональным состояниям человека. Его занимали также проблемы светотени, объёмной моделировки, линейной и воздушной перспективы. Он создал ряд великолепных образов и портретов: «Мона Лиза (Джоконда)», «Мадонна в гроте», «Тайная вечеря», «Дама с горностаем». Рафаэль Санти – великий итальянский живописец, график и архитектор. Был главным носителем гармонии. Его работы необыкновенно привлекательны в своём естественном изяществе. («Сикстинская мадонна») В его искусстве родился новый образ человека эпохи Возрождения – прекрасного, гармоничного, совершенного физически и духовно. («Портрет Кастильоне») Микеланджело Буонарроти - великий итальянский скульптор, живописец, архитектор, поэт, мыслитель. Особенно знамениты его росписи в Ватикане, Сикстинской капелле, в которых он проявил себя как гениальный живописец. Пожалуй, никто в мировом искусстве не создавал таких сильных телом и духом персонажей. («Сотворение Адама») В старости он создал «Страшный суд» - символ крушения идеалов своей великой эпохи. Тем не менее, Микеланджело всегда боготворил красоту человека, какие бы роковые и трагичные страницы жизни ни определяли содержание творений этого гения. Позднее Возрождение. Паоло Веронезе – имел особый дар декоратора, умел сочетать цвета таким образом, что создавалось особенно интенсивное их звучание, подобно драгоценным камням. Веронезе первым из венецианских художников стал создавать целые декоративные ансамбли, расписывая сверху донизу стены церквей, монастырей, вилл и дворцов, вписывая свою живопись в архитектуру. Он использовал технику фрески. В своих росписях художник применял сильные ракурсы, смелые пространственные сокращения, рассчитанные для рассмотрения картины снизу вверх. Произведения: «Брак в Кане», «Снятие с креста», «Оплакивание».
12. Открытия Леонардо да Винчи в области теории и практики живописи. Единственной книгой Леонардо да Винчи был «Трактат о живописи», составленный, впрочем, после кончины художника его учеником на основе личных записных книжек. Записные книжки написаны в технике зеркального письма — прочитать записные книжки Леонардо можно только через зеркало. В записных книжках содержится огромное количество сведений, открытий, изобретений во всех областях искусства и науки. К живописи, которую мастер ставил впереди всех искусств, он подходил с научной точки зрения. Для того, чтобы овладеть в совершенстве живописной техникой, да Винчи посещал анатомические театры (и попутно впервые точно описал строение скелета и нервной системы человека); зарисовывал уличные сценки, приглашал к себе людей с улицы, развлекая их смешными историями и одновременно рисуя смеющиеся лица; стремясь зафиксировать на бумаге мгновения отчаяния и горя, посещал места публичных казней. Своими анатомическими этюдами да Винчи заложил основы научной иллюстрации.
13. Основные художественные школы в западноевропейском искусстве XVII века. Основные пути развития искусства XVII в. определяют ведущие национальные школы: итальянская, испанская, фламандская, голландская и французская,— хотя, несомненно, ими не исчерпывается все многообразие художественной жизни Западной Европы этого столетия.Разделение Нидерландов по окончании Нидерландской революции привело к образованию двух самостоятельных национальных художественных школ — фламандской и голландской. Фламандская живопись XVII века
Преобладающая роль церкви в культуре рассматриваемой эпохи обусловила развитие религиозной тематики в ИЗО. Церковь являлась наиболее крупным заказчиком и требовала во множестве картины для восстанавливаемых и вновь сооружаемых храмов. Все предпосылки барочной живописи оказывались здесь налицо. Большие алтарные картины своей эмоциональной насыщенностью и драматизмом должны были захватывать массового зрителя и служить вместе с тем проводниками идей восторжествовавшего католицизма. Они должны были одновременно способствовать пышности убранства храмов и вызывать впечатление торжественности. Требования дворянско-придворных кругов и крупной буржуазии во многом были аналогичны. И те, и другие не жалели затрат на украшение стен родовых замков или своих богатых городских жилищ. Здесь были уместны мифологические сюжеты и другие темы светского характера, из которых особое развитие получили изображения охот и мертвой природы. Указанное назначение обусловило крупные размеры картин, монументальность трактовки форм и широкий декоративизм. Последнее качество достигалось главным образом колористическими эффектами. Яркое, полнокровное восприятие жизни, стихийное чувство природы, грубоватое, но здоровое ощущение красоты окружающего мира, общее настроение радости и наслаждения жизнью становятся наиболее характерными качествами фламандского искусства. Выдающиеся художники фламандской школы живописи. Все свойства и особенности фламандской школы наиболее полно и ярко проявились в творчестве Питера Пауля Рубенса, являющегося не только крупнейшим живописцем Фландрии, но и вообще одним из величайших художников прошлого. Рубенс создал своеобразный тип исторической картины, объединяющей изображение реального события с аллегорическим прославлением героя. Рубенс является также одним из создателей характерного для эпохи абсолютизма парадного портрета; в его портретных работах торжественная представительность не заслоняет, жизненной свежести образов («Портрет Марии Медичи», «Конный портрет Фердинанда Австрийского»). Не менее оригинальным мастером проявил себя Рубенс и в других жанрах. Необычайным драматизмом отличаются его «Охоты» — большие полотна, изображающее напряжённые схватки охотников с разъярёнными зверями («Охота на львов» и «Охота на крокодила и гиппопотама»). Наконец, значительный вклад внёс Рубенс в искусство пейзажа. Пейзажи Рубенса отличаются широтой охвата и динамической передачей природы; высокий горизонт увеличивает их пространственный размах; как бы в движении перед зрителем открываются горные хребты, бурные потоки, дороги, уходящие вдаль, тучные стада, пасущиеся на цветущих лугах. Общий замысел и каждая подробность в пейзажах рождают ощущение неиссякаемого плодородия, вечной животворной силы земли («Пейзаж с Филемоном и Бавкидой», «Возчики камней» и др.). Крупнейший из учеников Рубенса, также достигший общеевропейской известности, Антонис Ван-Дейк (1599—1641) прославился прежде всего как портретист. Ему в меньшей степени, чем Рубенсу, присуще стихийно-полнокровное восприятие натуры; он тяготеет к утончённым образам, к более острой психологической обрисовке модели, примером чего могут служить «Семейный портрет» и особенно знаменитый «Автопортрет». Ван Дейк является основателем большой школы, которая в следующем, 18 столетии достигает исключительного блеска. Как создатель парадного аристократического портрета Ван Дейк является в течение трех столетий руководящим художником в этой области портретной живописи Европы. Голландская живопись XVII века. В отличие от других национальных художественных школ Голландия не знала придворного искусства; редки были в Голландии и церковные заказы. Если в других странах художник зависел от придворных и церковных заказов или пользовался покровительством знатных меценатов, то голландский живописец работал на рынок, являясь по существу таким же продавцом своего товара, как купец или ремесленник. Небольшие, «кабинетного» размера картины голландской школы отличаются тщательным исполнением, высоким качеством живописи. Изображая комнаты или дворики бюргерских домов, где обычно происходит действие, голландские мастера с необыкновенной осязательностью передают не только окружающий человека мир вещей, но и само настроение уюта, размеренного течения жизни. Композиционное решение голландской картины отличается внешней статичностью и внутренней динамикой. Это не означает того, что в произведениях отсутствует всякое внешнее движение. Напротив, голландцы умели наблюдать малейшие жесты и мимику. Но движение, пронизывающее всю композицию и объединяющее ее в единое целое, отсутствовало в голландской живописи. Таким объединяющим фактором в картине явилась светотень, в том варианте, который нашел наиболее глубокое и полное решение в творчестве Рембрандта. Рембрандт стал крупнейшим художником своего времени - в его творчестве голландская живопись XVII века достигла величайшей вершины. Он одинаково велик и как живописец и как мастер гравюры и рисунка. В принёсшем ему крупный успех «Уроке анатомии доктора Тульпа» Рембрандт по-новому решает задачу группового портрета, объединяя его единством действия. К лучшим созданиям 30-х годов XVII века относится «Даная», где традиционный мифологический образ обретает черты поразительной жизненной правды. Складывается живописная система художника, в которой ведущую роль играют контрасты светотени, усиливающие эмоциональное звучание образов. В своих портретах Рембрандт не ограничивается каким-либо одним психологическим аспектом, но даёт как бы картину всей духовной жизни человека, непрерывного внутреннего движения мысли и чувства. Его знаменитое полотно «Возвращение блудного сына» потрясает излучением глубокого человеческого чувства.
Наряду с традиционными жанрами: библейской и античной картинами, портретом возникают совершенно новые жанры. ХVII в. - великий век натюрморта в Голландии - поражает богатством этой жанровой тематики, а пейзаж в Голландии получает необыкновенное распространение и начинает делиться на морской пейзаж – Марина, городской пейзаж – Ведута, на изображение животных – Анималистическая живопись. Бытовой жанр сложился в двух разновидностях — крестьянский и бюргерский (городской) жанр. В жанровых картинах на первый план выходит изображение быта частного человека: пирушки гуляк, хозяйственная деятельность, музицирование. Необходимой частью уюта становились предметы: столик красного дерева, шкаф, кресло, обитое кожей, графин темного стекла и бокал, фрукты. Совершенно оригинальным стал в Голландии Жанр «завтраков» - вид натюрморта, в котором через изображение посуды, разнообразных съестных блюд передавался характер их владельцев.
14.Становление и развитие стиля барокко в архитектуре. Итальянское слово «барокко» означает буквально «странный», «причудливый». Стиль барокко тяготел к парадной торжественности и пышности. Вместе с тем он выразил прогрессивные представления о единстве, безграничности и многообразии мира, о его сложности, изменчивости, постоянном движении; в барокко отразился интерес к природным стихиям, среде, окружению человека, который стал восприниматься как часть мира. Человек в искусстве барокко предстает как сложная, многоплановая личность со своим миром переживаний, вовлеченная в драматические конфликты. Искусству барокко свойственны патетическая приподнятость образов, их напряженность, динамичность, страстность, смелые контрасты масштабов, цветов, света и тени, совмещение реальности и фантазии, стремление к слиянию различных искусств в едином ансамбле, поражающем воображение. Городской ансамбль, улица, площадь, парк, усадьба стали пониматься как единое целое, раскрывающееся перед зрителем при его движении. Архитектура барокко отличается мощным пространственным размахом, сложностью беспокойных, сливающихся друг с другом, как бы текучих форм, криволинейностью планов и очертаний, связью с окружающим пространством. В изобразительном искусстве преобладали декоративные композиции религиозного, мифологического или аллегорического характера, парадные портреты; большое значение приобрели композиционные и оптические эффекты, ритмическое и цветовое единство, живописность целого, свободная, темпераментная творческая манера. (Площадь собора Св. Петра. Бернини, Церковь Сант Андреа ин Квиринале. Бернини, Церковь Сан-Карло алле Куатро Фонтане. Борромини ( Италия) Версаль, фасады Лувра (Франция)
15.Творческий метод П.П.Рубенса. Питер Пуль Рубенс(1577-1640) – талантливый художник Фландрии, глава национальной школы и один из крупнейших европейских мастеров ХVII в. Рубенс питал страсть к героической теме, которая проявлялась и в батальных сценах, и в сценах охоты, и в трагических алтарных композициях. И, несмотря на то, что Рубенс в своих полотнах сражается, страдает, скорбит со всей силой страсти, они остаются мажорными в своём звучании – пессимизм был чужд искусству великого фламандца. Искусство портрета не заняло большого места в его творчестве, а античная мифология привлекала его с ранних лет. Он ищет в ней полноты и неистовой радости бытия. Приземляя мифологический сюжет, подчёркивая земную, чувственную сторону человеческой натуры, Рубенс придаёт ей столь совершенные формы, что полотна его превращаются в торжественный гимн земному бытию. Необычайно его живописное мастерство. Он может передать неповторимую фактуру каждой вещи, мягкость ткани, холод металла, мерцание водяных струй и глубокую зелень листвы. Его произведения: «4 философа», «Успение Пресвятой Девы Марии», «Похищение дочерей Левкиппа».
16.Психологический реализм Рембрандта. Творчество Рембрандта проникнуто стремлением к глубокому, философскому постижению действительности и внутреннему миру человека во всём богатстве его душевных переживаний. Реалистическое и гуманистическое по своему существу, оно ознаменовало собой вершину развития голландского искусства XVII столетия, воплотив в яркой индивидуальной и совершенной художественной форме высокие нравственные идеалы, веру в красоту и достоинство простых людей. Художественное наследие Рембрандта отличается исключительным многообразием: портреты, групповые портреты, натюрморты, жанровые сцены, картины на библейские, мифологические и исторические сюжеты. Отличительной особенностью в европейской живописи XVII века стало выдвижение на первый план камерного портрета, в противоположность портрету парадному, направленному на возвеличивание и прославление изображаемых. Так и Рембрандт, в ранний период своего творчества упорно работает над портретом, изучая мимику человеческого лица, различные проявления характеров, индивидуальные черты человека. В многочисленных портретах, костюмированных автопортретах Рембрандт фиксировал, анализировал душевные состояния, типы характеров и роли. В заказных портретах состоятельного бюргерства он тщательно передаёт черты лица, одежду, драгоценности, но нередко модели получают и чёткую социальную характеристику. В автопортретах и портретах близких людей художник смело экспериментирует в поисках психологической выразительности. После женитьбы он часто изображает Саскию (свою жену) и самого себя, молодого, счастливого, полного сил. Работам порой бывают свойственны нарочитые внешние эффекты: нарядные, причудливые одеяния, освещение, резкие ракурсы, контрасты света и тени. Один из ярких примеров творческих исканий художника – это «Портрет Саскии». При наличии здесь новой техники написания портрета, Рембрандт в портрете жены показал своё стремление к точности и правдивости, в чём и проявился несомненный и искренний дар художника.
https://rascras.wordpress.com/rbd/
17.Стиль классицизм в европейской архитектуре XVII – XVIII веков.Классицизм (от лат. образцовый) — художественный стиль и эстетическое направление в европейском искусстве конца XVII — начала XIX вв. Главной чертой архитектуры классицизма было обращение к формам античного зодчества как к эталону гармонии, простоты, строгости, логической ясности и монументальности. Архитектуре классицизма в целом присуща регулярность планировки и четкость объемной формы. Основой архитектурного языка классицизма стал ордер, в пропорциях и формах близкий к античности. Для классицизма свойственны симметрично-осевые композиции, сдержанность декоративного убранства, регулярная система планировки городов. Архитектурный язык классицизма был сформулирован на исходе эпохи Возрождения великим венецианским мастером Палладио и его последователем Скамоцци. Уже при Людовике XV в Париже строятся градостроительные ансамбли в «древнеримском» вкусе, такие как площадь Согласия и церковь Сен-Сюльпис, а при Людовике XVI подобный «благородный лаконизм» становится уже основным архитектурным направлением. Француз Жак-Жермен Суффло при строительстве в Париже церкви Сен-Женевьев продемонстрировал способность классицизма организовывать обширные городские пространства. Архитекторы наполеоновской Франции черпали вдохновение в величественных образах воинской славы, оставленных имперским Римом, — таких, как триумфальная арка Септимия Севера и колонна Траяна. Применительно к памятникам воинского величия эпохи наполеоновских войн используется термин «имперский стиль» — ампир (театральность, обязательны колонны, пилястры и др. классические элементы, грифоны, сфинксы). Эстетика классицизма благоприятствовала масштабным градостроительным проектам и приводила к упорядочиванию городской застройки в масштабах целых городов. В России практически все губернские и многие уездные города были перепланированы в соответствии с принципами классицистического рационализма. В подлинные музеи классицизма под открытым небом превратились такие города, как Санкт-Петербург, Хельсинки, Варшава, Дублин, Эдинбург и ряд других.
18.Искусство европейского романтизма. Романтизм — явление европейской культуры в XVIII—XIX веках, представляющее собой реакцию на Просвещение и стимулированный им научно-технический прогресс; идейное и художественное направление в европейской и американской культуре конца XVIII века — первой половины XIX века. Характеризуется утверждением самоценности духовно-творческой жизни личности, изображением сильных (зачастую бунтарских) страстей и характеров, одухотворённой и целительной природы. Распространилось на различные сферы деятельности человека. В XVIII веке романтическим называли всё странное, фантастическое, живописное и существующее в книгах, а не в действительности. Зародился в Германии. Впервые термин “романтизм” применительно к живописи прозвучал в некрологе рано умершего художника Теодора Жерико (1791 – 1824 гг.). Художник был автором не многочисленных, но ярких картин – “Офицер конных стрелков перед атакой”, ”Раненный кирасир, уходящий с линии огня”, “Плот Медузы". “Плот Медузы”, изображающая гибель пассажирского корабля привлекла широкое внимание общественности, так как её сюжет символизировал катастрофу политического режима Реставрации. Эжен Делакруа (1798 – 1863 гг.) по - новому ставит вопрос о границах искусства и отстаивает принцип “многообразия прекрасного”. Картина “Резня на Хиосе” посвящена одному из эпизодов освободительной борьбы Греции от турецкого ига. Хорошо известен автопортрет художника 1824 г. Картина “Свобода, ведущая народ” показывает повстанцев на развалинах баррикад. Здесь сочетаются достоверность факта и символичность образов, реализм доведён до натурализма и провозглашён новый идеал красоты. Она долгое время служила символом Франции. Пейзаж был самым популярным жанром живописи романтиков, которых привлекал контраст между смятенной душой одинокого человека и грандиозностью природы. Носителями стихии естественной свободы выступали у романтиков животные. На картинах Жерико и Делакруа часто изображались лошади.
19.Эстетика и художественная теория импрессионизма. Импрессионизм (от фр. впечатление) — направление в искусстве последней трети XIX — начала XX веков, зародившееся во Франции и затем распространившееся по всему миру, представители которого стремились разрабатывать методы и приемы, которые позволяли наиболее естественно и живо запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления. Импрессионисты выдвинули собственные принципы восприятия и отображения окружающего мира. Они стерли грань между главными предметами, достойными высокого искусства, и предметами второстепенными. Важным принципом импрессионизма был уход от типичности. В искусство вошла сиюминутность, случайный взгляд, создается впечатление, что полотна импрессионистов написаны простым прохожим, гуляющим по бульварам и наслаждающимся жизнью. Это была революция в видении. Стараясь максимально точно выразить свои непосредственные впечатления от вещей, импрессионисты создали новый метод живописи. Его суть состояла в передаче внешнего впечатления света, тени, рефлексов на поверхности предметов раздельными мазками чистых красок, что зрительно растворяло форму в окружающей световоздушной среде. Правдоподобность приносилась в жертву личностному восприятию - импрессионисты могли в зависимости от своего видения небо