Именно Флоренции выпала роль сыграть "первую скрипку" в Кватроченто. Город, основанный на землях древнейшей культуры Виллановы, затем этрусков, в IV в. принявший христианство (488-м годом датируется его знаменитый баптистерий), с XII в. богатый город-коммуна, оставивший свой след в искусстве Треченто скульптурами семейства Пизано и гением Данте и Джотто, Флоренция становится главным центром ренессансной культуры в эпоху Кватроченто. С 1434 г. власть во Флоренции переходит к Козимо Медичи (Козимо Старший, 1389-1464), основателю банкирской династии герцогов-меценатов происхождением из лекарей (недаром в их гербе сохранилось изображение трех пилюль). С ними начался "век медицейской культуры".
В архитектуре Италии только в XV в. начинают проявляться черты нового стиля. Филиппо Брунеллески (1377- 1446) завершил в 1434 г. гигантским куполом Флорентийский собор, в общем готическое здание, заложенное еще в 1295 г. Арнольфо ди Камбио (в 1334 г. Джотто возводит рядом кампаниле - колокольню в 32 м высотой). Фонарь восьмигранного купола (его диаметр 43 м - не меньше римского Пантеона), господствующего и по сей день в панораме города, имеет пилястры античного характера с полуциркульными арками, на которые опирается перекрытие фонаря.
Капелла Пацци при церкви Санта Кроче, построенная Брунеллески между 1430 и 1443 г., прямоугольная в плане, с шестью коринфскими колоннами на фасаде, карнизом на парных пилястрах, портиком, венчаемым сферическим куполом, песет на себе черты конструктивной ясности, античной простоты, гармонии и соразмерности, что становится характерным для всего искусства Возрождения. Эти черты еще более ярко проявили себя в светской архитектуре, например в здании Воспитательного дома во Флоренции ("Оспидале дельи Инноченти"), построенного также Брунеллески, в котором галерея первого этажа, переходящая на втором этаже в гладкую стену с карнизом и окнами, послужила образцом для всей архитектуры Ренессанса.
|
|
Кватроченто создало и свой образ светского городского дворца (палаццо): как правило, трехэтажного, носящего по облику крепостной характер благодаря кладке из грубо отесанных камней, особо подчеркивающих первый этаж, но вместе с тем ясного и четкого в своей конструкции. Таковы палаццо Питты, строительство которого было начато в 1469 г. по проекту Леона Баттисты Альберта; построенное еще раньше Микеллоцо да Бартоломео палаццо Медичи (Риккарди); созданное по проекту Альберги палаццо Ручеллаи. Четкость этажного членения, рустика, большая роль пилястр, сдвоенные (парные) окна, подчеркнутый карниз - вот характерные черты этих дворцов. Далее этот тин, модифицируясь, нашел развитие на римской и венецианской почве. Обратившись к использованию античного наследия, к ордерной системе, ренессансное зодчество явило собой новый этап в архитектуре. В светской архитектуре палаццо характерно соединение внешней крепостной неприступности и мощи с внутренней атмосферой уюта раннеиталийских вилл.
В церковном зодчестве нужно отметить еще одну особенность: появляется облицовка фасадов церквей и кампанил разноцветным мрамором, отчего фасад становится "полосатым" - характерная черта именно итальянского Кватроченто, и сложилась она прежде всего во Флоренции.
|
|
Годом рождения новой скульптуры Кватроченто можно считать 1401-й, когда цеховой организацией купцов был объявлен конкурс на скульптурное оформление дверей баптистерия Флорентийского собора. Из трех дверей баптистерия одна уже была украшена в 1430-е гг. скульптурными рельефами Андреа Пизано (ок. 1290-1348 или 1349). Предстояло оформить еще две. В конкурсе приняли участие такие мастера, как архитектор Брунеллески, Якопо делла Кверча (ок. 1374-1438), Лоренцо Гиберти (1381 - 1455) и др. Конкурс не выявил победителя. Было лишь признано, что образцы Брунеллески и Гиберти намного превосходят образцы остальных конкурсантов, и им предложили работать в дальнейшем над дверями на равных. Брунеллески от такого предложения отказался, и заказ полностью перешел к Гиберти. Лоренцо Гиберти, прославленный в искусстве и как теоретик, автор трех книг "Комментариев", создал сложные многофигурные композиции на библейские сюжеты, которые разворачиваются на пейзажном и архитектурном фоне. В манере исполнения немало готических влияний. Искусство Гиберти по духу аристократично-утонченно, полно внешних эффектов, что более пришлось по вкусу заказчику, чем демократическое, мужественное искусство делла Кверча.
Скульптором, которому выпало в искусстве на целые столетия вперед решить многие проблемы европейской пластики - круглой скульптуры, монумента, конного монумента, - был Донато ди Никколо ди Бетто Барди, известный в истории искусства как Донателло (1386?-1466). Творческий путь Донателло был очень непрост. В его искусстве наблюдаются и готические реминисценции, как, например, в фигуре мраморного "Давида" (ранняя работа скульптора).
|
|
В фигуре "Апостола Марка", созданного для флорентийской церкви Op-сан-Микеле (1410-е гг.), Донателло решает проблему постановки человеческой фигуры в рост по законам пластики, разработанным еще в античные времена Поликлетом, но преданным забвению в Средневековье. Апостол стоит опираясь на правую ногу, левая нога отодвинута назад и согнута в колене, лишь слегка поддерживая равновесие фигуры. Это движение подчеркнуто складками плаща, спадающими вдоль правой ноги, и сложным узором гибких линий этих складок, рассыпающихся по левой ноге. Для другой ниши того же здания но заказу цеха оружейников Донателло исполнил статую "Святого Георгия" (1415-1417), воплощающую уже ясно выраженный идеал раннего Возрождения: чувство самосознания и уверенности в этом ярко индивидуальном образе подчеркнуто свободной, спокойной позой фигуры, напоминающей колонну, что сближает "Святого Георгия" с лучшими образцами греческой скульптуры периода высокой классики. Это "не очеловеченный бог античности, а обожествленный человек новой эпохи" (Η. Н. Пунин).
Реалистическое начало искусства Донателло полностью выразилось в образах пророков для колокольни Джотто (1416-1430), которые он исполнил с конкретных лиц, что сделало эти образы, по сути, портретами современников. Занимался Донателло и специально портретом. Одним из первых портретных бюстов, типичных для Возрождения, справедливо считают "Портрет Никколо Удзано", политического деятеля Флоренции тех лет, исполненный Донателло в терракоте.
Поездка Донателло в 1432 г. с Брунеллески в Рим, изучение там античных памятников вдохновили его на целый ряд произведений, языческих по духу, близких по форме античной пластике, как, например, мраморные ангелы на певческой трибуне Флорентийского собора. Сложное сочетание античных влияний (в трактовке форм, складок одежды) и высокоторжественного, глубоко религиозного настроения являет собой рельеф "Благовещение" из церкви Санта Кроче во Флоренции.
В бронзовом "Давиде" (1430-е гг.) Донателло вновь возвращается к античным традициям, но уже поздней греческой классики. Простой пастух, победитель гиганта Голиафа, спасший жителей Иудеи от ига филистимлян и ставший потом царем, Давид был одним из излюбленных образов искусства Возрождения. Донателло изобразил его совсем юным, идеально прекрасным, как праксителевский Гермес.
Но Донателло не побоялся ввести такую бытовую деталь, как пастушеская шляпа - знак его простого происхождения.
Донателло принадлежит и честь создания первого копного монумента в эпоху Возрождения. В 1443-1453 гг. в Падуе он отливает конную статую кондотьера Эразмо ди Парни, прозванного Гаттамелатой ("пестрая кошка"). Широкая, свободная моделировка формы создает монументальный образ военачальника, главы наемных войск, кондотьера с маршальским жезлом в руке, облаченного в доспехи, но с обнаженной (исполненной, кстати, с маски и потому выразительно-портретной) головой, на грузном, величественном коне. Левая передняя нога лошади опирается на ядро. Как и всадник на коне, прост, ясен и строг постамент. Образ Гаттамелаты, несомненно, исполнен под влиянием античных пространственных решений, прежде всего образа Марка Аврелия.
Памятник Гаттамелаты стоит на площади перед падуанским собором Святого Антония, рельефы алтаря которого также исполнял Донателло (1445-1450). Использовав лучшие традиции искусства Средневековья, изучив античную пластику, Донателло пришел к своим собственным решениям, к образам глубокой человечности и подлинного реализма, что объясняет его огромное влияние на всю последующую европейскую скульптуру. Недаром его назвали одним из трех "отцов Возрождения" наряду с Брунеллески и Мазаччо.
Самый известный ученик Донателло - Андреа Вероккио (1436-1488), бывший также и живописцем (как живописец он больше известен тем, что был учителем Леонардо). Вероккио вдохновлялся теми же сюжетами, что и Донателло. Но бронзовый "Давид" Вероккио, исполненный в конце флорентийского Кватроченто, более утончен, изящен, моделировка его формы предельно детализирована. Все это делает скульптуру менее монументальной, чем образ Донателло. Для венецианской площади у церкви Сан Джованни Паоло Вероккио исполнил конный монумент кондотьера Коллеони. В позе всадника, в гарцующей поступи коня есть некоторая театральность. Сложен профиль высокого постамента, рассчитанного так, чтобы силуэт всадника четко читался на фоне неба, посреди маленькой площади, окруженной высокими домами. Черты изысканности у Вероккио вполне соответствуют той аристократизации вкусов, которая характерна для Флоренции конца XV в., хотя, несомненно, благодаря таланту Вероккио в его памятнике есть и величавость, и цельность монументального образа. Коллеоне Вероккио - это не столько образ определенного человека, сколько обобщенный тип военачальника, главы наемных войск, кондотьера, характерный для той эпохи.
Ведущая роль в живописи флорентийского Кватроченто выпала на долю художника Томмазо ди Джованни ди Симоне Кассаи Гвиди, известного под именем Мазаччо (1401-1428). Можно сказать, что Мазаччо решил те насущнейшие проблемы живописного искусства, которые поставил за столетие до этого Джотто. Уже в двух главных сценах росписи в капелле Бранкаччи флорентийской церкви Санта Мария дель Кармине - "Подать" ("Il tributo") и "Изгнание Адама и Евы из рая" Мазаччо показал себя художником, для которого было ясно, как помещать фигуры в пространстве, как связывать их между собой и с пейзажем, каковы законы анатомии человеческого тела. Сцены Мазаччо полны драматизма, жизненной правды. В "Изгнании из рая" Адам от стыда закрыл лицо руками. Ева рыдает, запрокинув в отчаянии голову. В сцене "Подать" объединены сразу три сюжета: Христос с учениками у ворот города, остановленный сборщиком податей, - это центральная композиция; Петр, по велению Христа вылавливающий рыбу, чтобы достать из нее необходимую для уплаты монету (дидрахму, или статир, отсюда и другое название фрески - "Чудо со статиром"), - композиция слева; сцена выплаты подати сборщику - сцена справа. Сам принцип соединения на одной плоскости трех сцен еще архаичен, но то, как эти сцены написаны - с учетом линейной и воздушной перспективы, - явилось подлинным откровением и для современников Мазаччо, и для всех последующих мастеров.
Мазаччо первым решил главные вопросы Кватроченто - проблемы линейной и воздушной перспективы. Вдаль уходят холмы и деревья, образующие естественную среду, в которой пребывают герои и с которой органично связаны фигуры. Естественно располагается в пейзаже центральная группа - Иисус и его ученики. Между фигурами создается как бы воздушная среда. Мазаччо не побоялся сообщить портретные черты группе учеников Христа в центре: в правой крайней фигуре современники видели самого Мазаччо, в лице слева от Христа усматривали сходство с Донателло. Естественным было и освещение: оно соответствовало реальному свету, падающему с правой стороны капеллы.
Фрески Мазаччо с момента их появления способствовали тому, что церковь Санта Мария дель Кармине превратилась в своеобразную академию, где учились поколения художников, вплоть до Микеланджело, испытавшего несомненное влияние Мазаччо. Умение Мазаччо связывать в единое действие фигуры и пейзаж, драматически и вместе с тем вполне естественно передавать жизнь природы и людей - в этом огромная заслуга живописца, определившая его место в искусстве. И это тем более удивительно, что Мазаччо прожил на свете немногим более четверти века.
Целое поколение художников вслед за Мазаччо разрабатывало проблемы перспективы, движения и анатомии человеческого тела, поэтому они получили в науке название перспективистов и аналитиков. Это такие живописцы, как Паоло Уччелло (1397-1475), Андреа дель Кастаньо (ок. 1421-1457), умбрийский живописец Доменико Венециано (до 1410-1461).
Существовало среди флорентийских художников и более архаическое направление, выражающее консервативные вкусы. Некоторые из этих художников были монахами, поэтому в истории искусства они получили название монастырских. Одним из самых известных среди них был фра (т.е. брат - обращение монаха к монаху) Джованни Беато Анжелико да Фьезоле (Фра Анжелико, 1387-1455). И хотя он был монахом мрачного доминиканского ордена, в его искусстве нет ничего сурового, аскетического. Образы его Мадонн, написанных по средневековым традициям, часто на золотом фоне, полны лиризма, покоя и созерцательности, а пейзажные фоны пронизаны просветленным чувством жизнерадостности, характерным для Возрождения. Это чувство еще более усилено в творчестве ученика Беато Анжелико Бсноццо Гоццоли (1420-1498), например в его знаменитой фреске палаццо Медичи (Риккарди) "Шествие волхвов", в композицию которой он ввел изображение семьи правителя Флоренции Козимо Медичи.
Боттичелли Сандро [Алессандро ди Мариано Филипепи, Alessandro di Mariano Filipepi] (1445, Флоренция – 17 мая 1510, Флоренция), великий итальянский живописец эпохи Раннего Возрождения, представитель флорентийской школы. Сандро Боттичелли– один из самых ярких художников итальянского ренессанса. Он создал пленительные по своей возвышенности образы-аллегории и подарил миру идеал женской красоты. Родился в семье дубильщика кожи Мариано ди Ванни Филипепи; прозвище «Боттичелло» – «бочоночек» – унаследовал от старшего брата Джованни.
Среди первых сведений о художнике – запись в кадастре 1458 года, сделанная отцом о нездоровье своего младшего сына. По окончании учебы Боттичелли стал подмастерьем в ювелирной мастерской своего брата Антонио, но долго в ней не задержался и около 1464 перешел в ученики к монаху фра Филиппо Липпи из обители Кармине, одному из самых знаменитых художников того времени.
Стиль Филиппо Липпи оказал на молодого художника огромное влияние, проявившееся главным образом в определенных типах лиц (в повороте в три четверти), декоративности и орнаментальности рисунка драпировок, рук, в склонности к детализации и мягком высветленном колорите, в его «восковом» свечении. Нет точных сведений о периоде обучения Боттичелли у Филиппо Липпи и об их личных отношениях, но можно предположить, что они вполне ладили между собой, поскольку через несколько лет сын Липпи стал учеником Боттичелли. Их сотрудничество продолжалось до 1467 года, когда Филиппо переехал в Сполето, а Сандро открыл свою мастерскую во Флоренции.
В произведениях конца 1460-х годов хрупкая, плоскостная линеарность и грация, перенятые молодым живописцем от Филиппо Липпи, сменяются более объемной трактовкой фигур. Приблизительно в это же время Боттичелли начал применять охристые тени для передачи телесного цвета – прием, который стал приметной чертой его стиля. Ранним работам Сандро Боттичелли свойственны ясное построение пространства, четкая светотеневая лепка, интерес к бытовым деталям (“Поклонение волхвов”, около 1474–1475, Уффици).
С конца 1470-х годов, после сближения художника с двором правителей Флоренции Медичи и кругом флорентийских гуманистов, в его творчестве усиливаются черты аристократизма и утонченности, появляются картины на античные и аллегорические темы, в которых чувственные языческие образы проникнуты возвышенной и вместе с тем поэтической, лирической одухотворенностью (“Весна”, около 1477–1478, “Рождение Венеры”, около 1482–1483, – обе в Уффици). Одушевленность ландшафта, хрупкая красота фигур, музыкальность легких, трепетных линий, прозрачность изысканных, словно сотканных из рефлексов красок создают в них атмосферу мечтательности и легкой грусти.
Станковым портретам художника (портрет мужчины с медалью, 1474, галерея Уффици, Флоренция; портрет Джулиано Медичи, 1470-е, Бергамо; и другим) свойственно сочетание тонких нюансов внутреннего состояния человеческой души и четкая детализация характеров портретируемых. Благодаря Медичи Боттичелли близко познакомился с идеями гуманистов (значительное их число входило в кружок Медичи, своего рода элитный интеллектуальный центр ренессансной Флоренции), многие из которых отразились в его творчестве. Например, мифологические картины (“Афина Паллада и Кентавр”, 1482; “Венера и Марс”, 1483 и другие) были, естественно, написаны художником по заказу культурной элиты и предназначались для украшения палаццо или вилл знатных флорентийских заказчиков. До времени творчества Сандро Боттичелли мифологическая тематика в живописи встречалась в декоративных украшениях свадебных кассоне и предметах прикладного искусства, только изредка становясь объектом живописи.
В 1481 году Сандро Боттичелли получил от папы Сикста IV почетный заказ. Понтифик только что закончил строительство Сикстинской капеллы Ватиканского дворца и пожелал, чтобы лучшие художники украсили ее своими фресками. Наряду с известнейшими мастерами монументальной живописи того времени – Перуджино, Козимо Росселлини, Доменико Гирландайо, Пинтуриччино и Синьорелли – по указанию папы был приглашен и Боттичелли. В выполненных живописцем в 1481–1482 годах фресках в Сикстинской капелле в Ватикане (“Сцены из жизни Моисея”, “Наказание Корея, Дафана и Абирона”, “Исцеление прокаженного и искушение Христа”) величественная гармония пейзажа и античной архитектуры сочетается с внутренней сюжетной напряженностью, остротой портретных характеристик. Во всех трех фресках художником мастерски решена проблема изложения сложной богословской программы в ясных, легких и живых драматических сценах; при этом в полной мере используются композиционные эффекты.
Боттичелли возвратился во Флоренцию летом 1482 года, возможно, по причине смерти своего отца, но, скорее всего, по делам собственной мастерской, загруженной работой. В период между 1480 и 1490 годами его слава достигла апогея, и он стал получать до того огромное число заказов, что справляться с ними самому было почти невозможно, поэтому большую часть картин “Мадонн с младенцем” заканчивали его ученики, старательно, но не всегда блестяще, копировавшие манеру своего мастера. В эти годы Боттичелли написал для Медичи несколько фресок на вилле Спедалетто в Вольтерре (1483–84), картину для ниши алтаря в капелле Барди при церкви Санто Спирито (1485) и несколько фресок аллегорического содержания на вилле Лемми. Волшебная грация, красота, богатство воображения и блестящее исполнение, присущие картинам на мифологические темы, присутствуют также в нескольких знаменитых алтарях Боттичелли, написанных в течение 1480-х годах. К числу лучших принадлежат алтарь Барди с изображением Мадонны с младенцем и святыми Иоанном Крестителем и Иоанном Евангелистом (1485) и “Благовещение Честелло” (1489–1490, Уффици).
В 1490-е годы, в эпоху потрясших Флоренцию социальных брожений и мистико-аскетических проповедей монаха Савонаролы, в искусстве Боттичелли появляются ноты драматизма, морализаторства и религиозной экзальтации (“Оплакивание Христа”, после 1490, музей Польди-Пеццоли, Милан; “Клевета”, после 1495, Уффици). Резкие контрасты ярких цветовых пятен, внутренняя напряженность рисунка, динамика и экспрессия образов свидетельствуют о необыкновенной перемене в мировосприятии художника – в сторону большей религиозности и даже своеобразного мистицизма. Однако его рисунки к “Божественной комедии” Данте (1492–1497, Гравюрный кабинет, Берлин, и Ватиканская библиотека) при остроте эмоциональной выразительности сохраняют легкость линии и ренессансную ясность образов.
В последние годы жизни художника его слава клонилась к закату: наступала эра нового искусства и, соответственно, новая мода и новые вкусы. В 1505 он вошел в состав городского комитета, который должен был определить место установки статуи работы Микеланджело – его «Давида», но за исключением этого факта других сведений о последних годах жизни Боттичелли неизвестно. Примечательно, что когда в 1502 году Изабелла д'Эсте искала для себя флорентийского художника и Боттичелли дал свое согласие на работу, она отвергла его услуги. Вазари в своих «Жизнеописаниях» нарисовал удручающую картину последних лет жизни художника, описав его как человека бедного, «старого и бесполезного», неспособного держаться на ногах без помощи костылей. Скорее всего, образ совершенно забытого и бедного художника – создание Вазари, который был склонен к крайностям в жизнеописаниях художников.
Умер Сандро Боттичелли в 1510 году; так закончилось Кватроченто – эта счастливейшая эпоха во флорентийском искусстве. Великий живописец скончался в возрасте 65 лет и был похоронен на кладбище флорентийской церкви Оньиссанти. Вплоть до 19 века, когда его творчество вновь было открыто художником-прерафаэлитом Данте Габриэлем Россетти и художественными критиками Уолтером Патером и Джоном Рескиным, его имя фактически было забыто для истории искусства. В творчестве Боттичелли прерафаэлиты увидели родственное предпочтениям своей эпохи – душевную грацию и меланхолию, «симпатию к человечеству в его неустойчивых состояниях», черты болезненности и декаданса. Следующее поколение исследователей живописи Боттичелли, например Герберт Хорн, писавший в первых десятилетиях XX века, различило в ней иное – умение передать пластику и пропорции фигуры – то есть приметы энергичного языка, характерного для искусства раннего Ренессанса. Перед нами довольно разные оценки. Что же определяет искусство великого флорентийца периода Кватроченто? XX век много сделал для того, чтобы приблизиться к его пониманию. Картины мастера органично включили в контекст его времени, связав с художественной жизнью, литературой и гуманистическими представлениями Флоренции. Живопись Боттичелли, притягательная и загадочная, созвучна мировоззрению не только эпохи раннего ренессанса, но и нашего времени.