Французское искусство XVII века




XVII век — время формирования единого французского госу­дарства, французской нации. Во второй половине столетия Фран­ция - самая могущественная абсолютистская держава в Западной Европе. Это и время сложения французской национальной школы в изобразительном искусстве, формирования классицистического направления, родиной которого по праву считается Франция.

Французское искусство XVII в. имеет в своей основе традиции французского Возрождения. Живопись и графика Фуке и Клуэ, скульптуры Гужона и Пилона, замки времени Франциска I, дворец Фонтебло и Лувр, поэзия Ронсара и проза Рабле, философские опыты Монтеня — на всем этом лежит печать классицистического понимания формы, строгой логики, рационализма, развитого чув­ства изящного,— т. е. того, чему суждено в полной мере воплотить­ся в XVII в. в философии Декарта, в драматургии Корнеля и Расина, в живописи Пуссена и Лоррена.

В литературе становление классицистического направления свя­зано с именем Пьера Корнеля, великого поэта и создателя фран­цузского театра. В 1635 г. в Париже организуется Академия лите­ратуры, и классицизм становится официальным направлением, господствующим литературным течением, признанным при дворе.

В сфере изобразительного искусства процесс формирования классицизма был не таким единым.

В зодчестве первом намечаются черты нового стиля, хотя они и не складываются окончательно. В Люксембургском дворце, постро­енном для вдовы Генриха IV, регентши Марии Медичи (1615— 1621), Саломоном де Бросом, многое взято от готики и Ренессанса, однако фасад уже членится ордером, что будет характерно для классицизма. «Мэзон-Лафит» Франсуа Мансара (1642—1650) при всей сложности объемов являет собой единое целое, ясную, тяго­теющую к классицистическим нормам конструкцию.

Франсуа Мансар (13 января 1598 — 23 сентября 1666) — французский архитектор, который считается не только крупнейшим мастером элегантного и сдержанного французского барокко, но и зачинателем традиций классицизма во Франции.

Сын плотника, Мансар не получил систематического образования, а карьеру архитектора начал как помощник Саломона де Броса - создателя Люксембургского дворца в Париже. Первой самостоятельной работой Мансара был фасад церкви фельянов в Париже. Первые крупные заказы Мансар получил от Гастона Орлеанского — возведение шато в Бальруа и перестройку средневекового замка в Блуа. Масштаб и стоимость задуманных Мансаром в Блуа работ был таковы, что от его услуг отказались после завершения северного крыла.

В своих работах Мансар стремился придать объёмно-пространственной композиции здания предельную чёткость и лаконичность, не поступаясь при этом свойственным французской традиции богатым пластическим решением фасадов. Практически во всех проектах он использовал традиционную для Франции покатую крышу, которая стала зваться Мансаровой (отсюда и термин «мансарда»). Будучи прекрасно знаком с новейшими достижениями итальянского барокко, архитектор предпочитал придерживаться регулярной планировки. Неслучайно в его замыслах черпали вдохновение многие мастера французского классицизма.

Для творческой манеры Мансара было характерно беспредельное стремление к совершенству. Зачастую случалось, что он полностью сносил уже возведённое сооружение и начинал заново. По этой причине воплощение его проектов обходилось в баснословные суммы. Даже среди высшей французской аристократии услуги Мансара были доступны лишь немногим избранным. Поскольку начатые Мансаром постройки, как правило, достраивались менее требовательными зодчими, до нашего времени почти не уцелело зданий, которые были бы построены целиком под его руководством. Все его парижские сооружения были впоследствии перестроены.

Единственное исключение из этого правила — дворец Мезон-Лаффит под Парижем. Более других он несёт на себе отпечаток вдохновения Мансара. Более масштабным проектом с точки зрения размаха строительства и вложенных архитектором сил была заложенная по инициативе Анны Австрийской церковь Валь-де-Грас. В 1646 г. от услуг Мансара отказались, и храм достраивал в соответствии с его планами «первый архитектор короля», Жак Лемерсье.

В 1650-е гг., когда Мансару покровительствовал кардинал Мазарини, архитектор подвергся нападкам политических противников последнего. В печати появлялись памфлеты, обвинявшие его в самовлюблённости, расточительстве и пренебрежении интересами заказчиков. Репутация Мансара была основательно подорвана, и подготовленные ими планы перестройки Лувра и королевской усыпальницы в Сен-Дени остались без движения. Король Людовик XIV приблизил к себе главного соперника Мансара, Луи Лево, поручив ему строительство грандиозного дворца в Версале.

По иронии судьбы, достраивать Версаль выпало внучатому племяннику Мансара — Жюлю Ардуэну, который в честь знаменитого предка принял псевдоним «Мансар». В своих работах он охотно использовал оставшиеся нереализованными наброски и планы деда.

В живописи и графике обстановка была сложнее, ибо здесь переплелись влияния маньеризма, фламандского и итальянского барокко. На французскую живопись первой половины века имели влияние и кавараджизм, и реалистическое искусство Голландии. Во всяком случае, творчество замечательного рисовальщика и гравера Жака Калло (1593 - 1635), завершавшего свое образование в Италии и вернувшегося в родную Лотарингию только в 1621 г., явно испытало заметное влияние марьеризма, особенно в ранний итальянский период.

Калло был уроженцем Нанси, но, подобно многим французским художникам того времени, получил художественное образование в Италии, где он пробыл с 1608 по 1621 год. Здесь он жил вначале в Риме, затем во Флоренции, являясь придворным художником герцога Тосканского, а в 1621 году возвратился во Францию. В историю искусства Калло вошел исключительно как график. Созданное им огромное количество рисунков и гравюр отличается исключительным для того времени тематическим разнообразием. Хотя в искусстве Калло библейские сюжеты играют сравнительно большую роль, однако особенное внимание мастера привлекает современная действительность. Еще во Флоренции Калло выполнил свою первую графическую серию «Каприччи» (ок. 1617 г., 50 листов), в которой запечатлел самые разнообразные сцены и образы флорентийской жизни. К раннему периоду творчества относятся серии: «Нищие», «Горбуны», а также ряд листов, изображающих персонажи итальянской комедии. В работах Калло, одного из своеобразнейших и оригинальных художников прошлого, острая и живая жизненная наблюдательность сочетается с мастерством повествования, тонким юмором и подчеркнутой выразительностью образов. Последняя во многом обусловлена его мастерством в передаче движения. После переезда на родину искусство мастера становится все более серьезным и содержательным. Многочисленные жанровые композиции этого времени часто посвящены народной жизни и свидетельствуют о демократических симпатиях Калло и остроте восприятия темных сторон действительности («Нищие и умирающие» и др.). Центральными работами позднего периода творчества Калло являются две серии — «Большие и Малые бедствия войны» (1630-е годы), выполненные под впечатлением событий тридцатилетней войны, в частности вторжения французских войск на родину художника Лотарингию. Мастер с большим драматизмом и выразительностью рисует сцены мародерства, пыток, кровавых расправ — все бедствия, которые приносит война простому пароду — подлинному герою его листов. Гуманизм и демократизм Калло в трактовке военной тематики не имеют аналогий в искусстве его времени.

В поздний период творчества Калло обращается и к пейзажам, в которых достигает большой убедительности в передаче пространства и воздушной перспективы («Новый мост в Париже»). Реалистические пейзажи Калло являются важным этапом в развитии французского пейзажного искусства.

В его офортах, изображающих быт самых разных слоев от придворных до актеров, бродяг и нищих, есть изощренность в рисунке, изысканность линейного ритма, но пространство излишне усложнено, композиция перегружена фигурами.

Офо́рт (фр. eau-forte — азотная кислота, буквально — «крепкая вода»), также аквафорте (итал. acquaforte) — разновидность гравюры на металле, техника станковой графики глубокой печати, позволяющая получать оттиски с печатных форм («досок»), в процессе работы по созданию изображения на которых производится травление поверхности кислотами. Известен с начала XVI века.

 

Исследователи даже подсчитали, что в одной из сцен ярмарки он изобразил 1138 персонажей. Поразительный и безжалостный наблюдатель, Калло умел схватить одну, но самую характерную деталь и довести ее до гротеска. По возвращении на родину (Калло жил не в Париже, а в Нанси) мастер создал свои самые знаменитые произведения - две серии офортов «Бедствия войны» (речь идет о 30-летней войне) — беспощадные картины смерти, насилия, мародерства (офорт «Де­рево с повешенными»), —все исполнено рукой очень большого мастера. Но верно замечено, что принцип панорамности, взгляд как бы сверху или издалека на этих маленьких, ничтожных людей сообщает его композициям черты холодности и хроникерской безжалостности (Е. Прус).

На творчестве живописцев братьев Ленен особенно Луи Ленена отчетливо прослеживается влияние голландского искусства.

В развитии реалистического искусства первой половины 17 века исключительно важную роль сыграли братья Ленен — Антуан (1588—1648), Луи (1598—1648) и Матье (1607—1677). Все три брата родились в городе Лапе, в семье мелкого чиновника. В конце 1620-х годов они переехали в Париж, где работали в одной мастерской, нередко выполняя сообща многочисленные заказы. Обстоятельства формирования творчества братьев Леней неизвестны, но характер их искусства заставляет предполагать наличие связи с реалистическим искусством Фландрии и Голландии. Братья Ленен писали картины на разнообразные сюжеты, однако жанровая тематика получила в их искусстве ведущее значение. По своим художественным достоинствам творчество их далеко не равноценно. Старший брат — Антуан Ленен - писал главным образом небольшие по размеру групповые портреты или жанровые сцены из жизни крестьян и мелкой буржуазии. Он значительно уступает своим младшим братьям в профессиональном мастерстве, однако его искусство подкупает своей простотой и непосредственностью.

Младший брат - Матье Ленен - надолго пережил своих братьев, и его творчество претерпело заметную эволюцию. Начав с жанровых картин из крестьянской жизни, близких к работам Луи Ленена, но уступающих им по мастерству выполнения, он в дальнейшем становится мелочным бытописателем светского общества и одним из популярных портретистов середины века. Развитие Матье Ленена от строгого реализма его старших братьев к идеализирующему, поверхностному, лишенному большого своеобразия стилю показательно для эволюции художественных вкусов французского общества в середине и второй половине 17 столетия.

Средний брат - Луи Ленен (1593—1648) - может быть назван в числе крупнейших французских художников 17 века. Своей известностью в наше время братья Ленен обязаны именно ему. В творчестве Луи Ленена ведущую роль играют жанровые сюжеты из жизни крестьян. Он справедливо считается создателем крестьянского жанра во французском искусстве. Для Луи Ленена характерны картины небольшого формата. Его композиции, как правило, малофигурны и отличаются четкой настроенностыо и монументальностью. Они обычно очень спокойны, художник почти не вносит в них элемент действия. Сюжеты его картин обыденны и просты; он изображает крестьян отдыхающих («Крестьяне перед домом», Бостон, музей), собравшихся за скромной трапезой («Трапеза крестьян», Лувр) или занятых мирной беседой («Фламандский интерьер», Лондон, частное собрание). В картинах Луи Ленена отсутствует всякое стремление к занимательности или анекдотичности. Его искусство серьезно, просто и вместе с тем торжественно и значительно. Никто из современников Луи Ленена не изображал крестьян так правдиво и точно. Художнику одинаково чужды и стремление к идеализации и сентиментальность. В основе искусства Луи Ленена лежит глубокое знание крестьянской жизни, которую он передает не только с большим сочувствием, но и с уважением. Не приукрашивая облик и быт крестьян, художник умеет подчеркнуть их достоинство и значительность. Утверждение моральной и художественной ценности простого человека является важнейшим вкладом Луи Ленена в художественную культуру Франции. Работы Луи Ленена отличаются большими художественными достоинствами. Мастерство композиции сочетается в них с точностью рисунка и высокими качествами живописи. Его живописная манера характеризуется мягкостью и обобщенностью, а сдержанный колорит — тонкостью красочных сочетаний и богатством оттенков. В тех случаях, когда Луи Ленен изображает сцены в интерьере, он придерживается коричневатого колорита («Посещение бабушки», Эрмитаж), в сценах на открытом воздухе преобладает серебристая тональность. Следует отметить мастерство Луи Ленена в передаче света: трактовка светотени в его работах отличается разнообразием и мягкостью («В кузнице», Лувр). В поздних работах мастера возрастает интерес к пейзажу, что показательно, в частности, для одной из лучших его картин — эрмитажного «Семейства молочницы» (1640-е гг.). Небольшая по размеру, она отличается монументальностью композиции и удивительной цельностью построения. Компактная группа фигур — крестьян и ослика рисуется на фоне равнины. Уходящее вдаль пространство пронизано серебристым утренним светом. Природа и люди дышат мирным спокойствием. Проникновенно раскрывает художник несложный, но по-своему привлекательный и ценный внутренний мир своих героев. С присущей Луи Ленену материальностью написаны и фигуры и натюрморт, а утонченное богатство сдержанного колорита предвосхищает колористические достижения французских живописцев 18 века.
Народно-демократическое в своей основе творчество Луи Ленена является высшим достижением французского реализма первой половины 17 века. Но во второй половине столетия его искусство оказалось глубоко чуждым господствующим художественным вкусам французского общества, и Луи Ленен был забыт вскоре после своей смерти. Непосредственных продолжателей и учеников он почти не имел, и лишь в 18 веке в творчестве крупнейшего мастера реализма Шардена получают развитие лучшие черты его искусства. Луи Ленен изображает крестьян без пасторальности, без сельской экзотики, не впадая в слащавость и умиление. В живописи Ленена нет, конечно, следов социальной критики, но его герои полны внутреннего достоинства и благородства, как персонажи жанровых картин молодого Веласкеса.

В последнее время все чаще в искусствоведческой литературе название направления, к которому принадлежит Луи Ленен, опре­деляется термином «живопись реального мира». К этому же направ­лению относится творчество художника Жоржа де Латура (1593— 1652). В своих первых работах на жанровые темы Латур выступает как художник, близкий к Караваджо («Шулер», «Гадалка»). Уже в ранних работах проявляется одно из важнейших качеств Латура: неисчерпаемое разнообразие его образов, великолепие колорита, умение в жанровой живописи создать образы монументально-зна­чительные.

Вторая половина 30-х —40-е годы - время творческой зрело­сти Латура. Он меньше обращается в этот период к жанровым сюжетам, пишет в основном картины религиозные. Темы Священ­ного Писания дают художнику возможность раскрыть языком жи­вописи самые значительные проблемы: жизнь, рождение, смирение, сострадание, смерть. Огромное символическое значение в произве­дениях Латура имеет свет (обычно это свет свечи или факела), придающий его композициям оттенок таинственного, неземного («Магдалина со свечой и зеркалом», «Св. Ирина», «Явление ангела св. Иосифу»). Художественный язык Латура - предвестие класси­цистического стиля: строгость, конструктивная ясность, четкость композиции, пластическое равновесие обобщенных форм, безуко­ризненная цельность силуэта, статика. Все это сообщает образам Латура черты извечного, надмирного. Примером может служить одна из его поздних работ «Св. Себастьян и святые жены» с идеально прекрасной, напоминающей античную скульптуру фигурой Себа­стьяна на переднем плане, в теле которого - как символ мучени­чества - художник изображает лишь одну вонзенную стрелу. Не так ли понимали эту условность и в эпоху Ренессанса, который, как и античность, был идеалом французов времени формирования классицизма?

Классицизм возник на гребне общественного подъема француз­ской нации и французского государства. Основой теории класси­цизма был рационализм, опирающийся на философскую систему Декарта, предметом искусства классицизма провозглашалось толь­ко прекрасное и возвышенное, этическим и эстетическим идеалом служила античность. Создателем классицистического направления в живописи Франции XVII в. стал Никола Пуссен (1594—1665). В ученические годы (1612—1623) уже проявился определенный инте­рес Пуссена к античному искусству и искусству Возрождения. В 1623 г. он едет в Италию, сначала в Венецию, где получает коло­ристические уроки, а с 1624 г. живет в Риме. Римская античность, Рафаэль, живопись болонцев - вот наиболее сильные впечатления Пуссена. Непроизвольно он испытывает и влияние Караваджо, которого как будто бы не принимал, однако следы караваджизма есть и в «Оплакивании Христа» (1625—1627), и в «Парнасе» (1627— 1629). Темы пуссеновских полотен разнообразны: мифология, ис­тория, Новый и Ветхий завет. Герои Пуссена — люди сильных характеров и величественных поступков, высокого чувства долга перед обществом и государством. Общественное назначение искус­ства было очень важно для Пуссена. Все эти черты входят в складывающуюся программу классицизма. Искусство значительной мысли и ясного духа вырабатывает и определенный язык. Мера и порядок, композиционная уравновешенность становятся основой живописного произведения классицизма. Плавный и четкий линей­ный ритм, статуарная пластика, то, что на языке искусствоведов называется «линеарно-пластическим началом», прекрасно переда­ют строгость и величавость идей и характеров. Колорит построен на созвучии сильных, глубоких тонов. Это гармонический мир в себе, не выходящий за пределы живописного пространства, как в барокко. Таковы «Смерть Германика», «Танкред и Эрминия». На­писанная на сюжет поэмы итальянского поэта XVI в. Торкватто Тассо «Освобожденный Иерусалим», посвященной одному из кре­стовых походов, картина «Танкред и Эрминия» лишена прямой иллюстративности. Ее можно рассматривать как самостоятельное программное произведение классицизма. Пуссен избирает этот сюжет, потому что он дает ему возможность показать доблесть рыцаря Танкреда, найденного Эрминией на поле брани, чтобы перевязать раны героя и спасти его. Композиция строго уравнове­шенна. Форма создается прежде всего линией, контуром, светоте­невой моделировкой. Большие локальные пятна: желтое в одежде слуги и на крупе лошади, красная одежда Танкреда и синий плащ Эрминии — создают определенное красочное созвучие с общим коричневато-желтым фоном земли и неба. Все поэтично-возвышен­но, во всем царит мера и порядок.

Лучшие вещи Пуссена лишены холодной рассудочности. В первый период творчества он много пишет на античный сюжет. Единство человека и природы, счастливое гармоническое мироощу­щение характерны для его картин «Царство Флоры» (1632), «Спящая Венера», «Венера и сатиры». В его вакханалиях нет тициановской чувственной радости бытия, чувственная стихия здесь овеяна цело­мудрием, на смену стихийному началу пришли упорядоченность, элементы логики, сознание непобедимой силы разума, все обрело черты героической, возвышенной красоты.

С начала 40-х годов в творчестве Пуссена намечается перелом. В 1640 г. он едет на родину, в Париж, по приглашению короля Людовика XIII. Но придворная жизнь в тисках абсолютистского режима тяготит скромного и глубокого художника. «При дворе легко сделаться художником-скорописцем», - говорил Пуссен, и в 1642 г. он уже снова в своем любимом Риме.

Первый период творчества Пуссена кончается, когда в его буколически (греч. bukolika — пастушеское, деревенский, сельский) трактованные темы врывается тема смерти, бренности и тщеты земного. Это новое настроение прекрасно выражено в его «Аркадских пастухах» — «Et in Arcadia ego» («И я был в Аркадии», 1650). Философская тема трактована Пуссеном как будто очень просто: действие разворачивается только на переднем плане, как в рельефе, юноши и девушка, случайно натолкнувшиеся на надгроб­ную плиту с надписью «И я был в Аркадии» (т. е. «И я был молод, красив, счастлив и беззаботен - помни о смерти!»), похожи скорее на античные статуи. Тщательно отобранные детали, чеканный рисунок, уравновешенность фигур в пространстве, ровное рассеян­ное освещение — все это создает определенный возвышенный строй, чуждый всего суетного и преходящего. Примирение с роком, вернее, мудрое принятие смерти роднит классицистическое миро­ощущение с античным.

С конца 40-х - в 50-е годы колористическая гамма Пуссена, построенная на нескольких локальных цветах, становится все ску­пее. Главный упор делается на рисунок, скульптурность форм, пластическую завершенность. Из картин уходит лирическая непос­редственность, появляется некоторая холодность и отвлеченность. Лучшими у позднего Пуссена остаются его пейзажи. Художник именно в природе ищет гармонию. Человек трактуется прежде всего как часть природы. Пуссен явился создателем классического иде­ального пейзажа в его героическом виде. Героический пейзаж Пуссена (как и всякий классицистический пейзаж) — это не ре­альная природа, а природа «улучшенная», сочиненная художником, ибо только в таком виде она достойна быть предметом изображения в искусстве. Это пантеистический пейзаж, но пантеизм Пуссена не языческий пантеизм — в нем выражено чувство причастности к вечности. Около 1648 г. Пуссен пишет «Пейзаж с Полифемом», где чувство гармонии мира, близкое античному мифу, может быть, проявилось наиболее ярко и непосредственно. Игру на свирели усевшегося на скале и слившегося с ней циклопа Полифема слушает не только нимфа Галатея, но вся природа: деревья, горы, пастухи, сатиры, дриады.

В последние годы жизни Пуссен создал замечательный цикл картин «Времена года» (1660—1665), имеющий несомненно симво­лическое значение и олицетворяющий периоды земного человече­ского существования.

Лирическая линия классицистического идеализированного пей­зажа была развита в творчестве Клода Лоррена (1600—1682). Как и Пуссен, он жил в Италии. Пейзаж Лоррена обычно включает в себя мотивы моря, античных руин, больших куп деревьев, среди которых размещаются маленькие фигурки людей. Хотя чаще всего это персонажи из античных и библейских сказаний и название пейзажа определяется ими, у Лоррена люди играют скорее роль стаффажа, они введены им для подчеркивания огромности и величественности самой природы (например, «Отплытие святой Урсулы», 1641). За­мечательны у Лоррена четыре полотна эрмитажного собрания, изображающие четыре времени суток. Тематика Лоррена как будто очень ограничена, это всегда одни и те же мотивы, один и тот же взгляд на природу как на место пребывания богов и героев. Раци­ональное начало, организующее строгую выверенность, четкое со­отношение частей, приводит к однообразным как будто компози­циям: свободное пространство по центру, купы деревьев или руины — кулисы. Но каждый раз в полотнах Лоррена выражено окрашенное большой эмоциональностью разное ощущение приро­ды. Это достигается прежде всего освещением. Воздух и свет — сильнейшие стороны дарования Лоррена. Свет льется в компози­циях Лоррена обычно из глубины, резкая светотень отсутствует, все построено на мягких переходах от света к тени. Лоррен оставил также много рисунков с натуры (тушь с применением отмывки).

Сложение национальной французской художественной школы произошло в первой половине XVII в. благодаря прежде всего творчеству Пуссена и Лоррена. Но оба художника жили в Италии, вдали от главного заказчика искусства - двора. В Париже процве­тало иное искусство - официальное, парадное, создаваемое таки­ми художниками, как Симон Вуэ (1590—1649), «первый живописец короля». Декоративное, праздничное, торжественное искусство Вуэ эклектично, ибо соединило в себе патетику барочного искусства с рассудочностью классицизма. Но оно имело большой успех при дворе и способствовало формированию целой школы.

Его творчество сформировалось под влиянием искусства Италии, где Вуэ провел свою молодость. Некоторые ранние работы Вуэ близки к Караваджо, однако в дальнейшем определяющим в его искусстве становится влияние мастеров болонской школы. Уже в Италии Вуэ приобрел большую популярность, а возвратившись в 1627 году во Францию, он сразу получил звание придворного живописца и занял ведущее место в официальной художественной жизни своей родины. Для Вуэ показательны как картины на библейские или мифологические сюжеты («Мучение св. Евстафия», Лувр; «Геракл среди богов Олимпа», Эрмитаж), так и отдельные изображения аллегорических фигур (аллегорическая женская фигура, Эрмитаж). Творчество Вуэ характеризуется прежде всего исканиями нарядности и эффектности. Именно он сыграл большую роль в развитии и распространении барочного стиля во французской живописи. Отличительные особенности искусства Вуэ — перегруженность композиции, пристрастие к пышным формам, богатым аксессуарам, идеализированный характер типажа, яркий, порой пестрый колорит. Помимо станковых работ он создал и целый ряд декоративных ансамблей, умело сочетая в них живописные и пластические элементы. (В настоящее время почти все декоративные росписи Вуэ погибли.) Нарядное, но очень внешнее и во многом эклектичное искусство Вуэ пользовалось большим успехом в придворных кругах и оказало значительное влияние на многих французских художников того же направления. Учениками Вуэ были такие видные мастера французского искусства, как Лесюер, Лебрен и Миньяр.

Вторая половина XVII столетия — время длительного правле­ния Людовика XIV, «короля-солнца», вершина французского абсо­лютизма. Недаром это время получило название в западной лите­ратуре «Ie grand siecle» — «великий век». Великий — прежде всего по пышности церемониала и всех видов искусств, в разных жанрах и разными способами прославлявших особу короля. С начала самостоятельного правления Людовика XIV, т. е. с 60-х годов XVII в., в искусстве происходит очень важный для дальнейшего его развития процесс регламентации, полного подчинения и контроля со сторо­ны королевской власти. Созданная еще в 1648 г. Академия живописи и скульптуры находится теперь в официальном ведении первого министра короля. В 1671 г. основывается Академия архитектуры. Устанавливается контроль над всеми видами художественной жиз­ни. Ведущим стилем всего искусства официально становится классицизм. Знаменательно, что для строительства восточного фасада с барочной патетикой, велеречием и выспренностью.

Шарль Лебрен (24 февраля 1619 - 22 февраля 1690 Париж) — французский художник и теоретик искусства, глава французской художественной школы эпохи Людовика XIV.

Родился в Париже, в одиннадцать лет по протекции будущего канцлера Франции Пьера Сегюра поступил в ученики к Симону Вуэ. В возрасте пятнадцати лет выполнял заказы кардинала Ришельё, был замечен признанным мастером Никола Пуссеном, в 1642 отправился вместе с Пуссеном в Рим. Благодаря стипендии от Сегюра Лебрен проработал в Риме, под началом Пуссена, четыре года.

Вернувшись в Париж, Лебрен приобрёл новых влиятельных покровителей, в том числе суперинтенданта финансов Никола Фуке, по заказу которого был написан портрет Анны Австрийской, а затем перешёл на службу к кардиналу Мазарини. Работая в замке Во-ле-Виконт, Лебрен попал в центр интриг Мазарини, манипулировавшего соперничеством Фуке и Кольбера. Проявив себя в этом «деле» с лучшей стороны, он приобрёл уважение победителя — Кольбера.

Придя к власти, Кольбер среди прочего возглавил многочисленные художественные учреждения и фабрики Франции, на которые опиралось культурное влияние Короля-Солнца. Лебрен, его протеже, в 1648 году организовал вновь созданную Королевскую академию живописи и скульптуры, в 1660 — Мануфактуру Гобеленов, в 1666 — действующую по сей день Французскую академию в Риме. Лично руководя и Академией, и промышленными цехами, Лебрен непосредственно повлиял на вкусы и мировоззрение целого поколения художников, став важнейшей фигурой «стиля Людовика XIV». Сам король разделял и поощрял искусство Лебрена, в особенности после триумфальных торжеств 1660 года и завершения интерьеров Во-Ле-Виконт в 1661. В том же году он заказал Лебрену серию полотен из истории Александра Македонского; первое же из них принесло художнику дворянство и титул «Первого королевского живописца» (Premier Peintre du Roi), а также пожизненную пенсию. С 1662 Лебрен контролировал все художественные заказы двора. Он лично расписывал залы Аполлоновой галереи в Лувре, интерьеры замка Сен-Жермен и Версаля (Военный Зал и Зал Мира).

С падением Кольбера маркиз де Лувуа, вопреки воле короля, пытался отстранить Лебрена от работы при дворе. Академия, верная Лебрену, переизбрала его на новый срок, однако придворные интриги подорвали здоровье стареющего художника и он умер, не успев завершить росписи Версаля, которую доделывал по его эскизам Ноэль Куапель.

У Лебрена был, несомненно большой декоративный дар. Он исполнял и картоны для шпалер, и рисунки для мебели, и алтарные образа. В большой степени именно Лебрену французское искусство обязано созданием единого декоративного стиля, от монументальной живописи и картин до ковров и мебели.

В классицизме второй половины XVII в. нет искренности и глубины лорреновских полотен, высокого нравственного идеала Пуссена. Это официальное направление, приспособленное к тре­бованиям двора и прежде всего самого короля, искусство регламен­тированное, унифицированное, расписанное по своду правил, что и как изображать, чему и посвящен специальный трактат Лебрена. В этих рамках развивается и тот жанр живописи, который как будто бы по самой своей специфике наиболее далек от унифицированно­сти - жанр портрета. Это, конечно, парадный портрет. В первой половине века портрет монументален, величествен, но и прост в аксессуарах, как в живописи Филиппа де Шампеня (1602—1674), где за торжественностью позы не скрывается яркая индивидуальная характеристика (портрет кардинала Ришелье, 1635—1640). Во вто­рой половине века, выражая общие тенденции развития искусства, портрет становится все более пышным. Это сложные аллегориче­ские портреты. У Пьера Миньяра (1612—1695) - преимущественно женские. Гиацинт Риго (1659—1743) особенно прославился порт­ретами короля. Наиболее интересными по колористическому ре­шению были портреты Никола Ларжильера (1656—1746), который учился в Антверпене и не мог не испытать влияния великого колориста Рубенса, а в Англии близко познакомился с творчеством ван Дейка.

Со второй половины XVII столетия Франция прочно и надолго занимает ведущее место в художественной жизни Европы. Но в конце правления Людовика XIV в искусстве «большого стиля» появляются новые тенденции, новые черты, и искусству XVIII в. предстоит развиваться уже в другом направлении.

 



Поделиться:




Поиск по сайту

©2015-2024 poisk-ru.ru
Все права принадлежать их авторам. Данный сайт не претендует на авторства, а предоставляет бесплатное использование.
Дата создания страницы: 2016-04-26 Нарушение авторских прав и Нарушение персональных данных


Поиск по сайту: