Промышленный переворот в Англии и Французская революция 1789—1794 гг. окончательно сформировали новую эпоху в европейской художественной культуре. По мере ее развития одной из главных тем в творчестве художников становится раскрытие трагических противоречий между гармоничной личностью и обществом. Человеческая личность изображается в сложной взаимосвязи с миром, а определение места человека в общественно-социальной жизни становится одним из главных вопросов произведений искусства. Связь творчества художников с общественно-политической борьбой, их стремление к созданию соответствующих тем и образов —характерная черта культуры XIX столетия.
Еще одной особенностью искусства этой поры является всесторонний обмен, как в области материальной так и в области духовной. Художественные течения очень быстро распространяются по всему миру. Как правило, каждое новое направление искусства XIX в. рождается во Франции. Но универсализм в художественной сфере приводит к потере стилистической цельности - классицизм остается последним стилем, присущим и архитектуре, и живописи, и пластике. Скоро по всей Европе начинается распад этого единства. В архитектуре с середины века воцаряется эклектика. В живописи и скульптуре наряду с классицизмом, который все более приобретает черты академической схемы, с 20-годов XIX в. рождается сильное романтическое направление (Г. Курбе).
С последней трети XIX в., позиции академизма вновь укрепляются, он становится официальным искусством, выражающим вкусы правительственных кругов. Сложение импрессионизма стало примером оппозиционной реакции на академизм. Импрессионизм сменяется неоимпрессионизмом. Но уже художники, условно объединенные в группу постимпрессионистов,— Ван Гог, Гоген, Сезанн никоим образом не представляют единого течения в искусстве. Ибо во второй половине XIX в. на смену цельным художественным течениям приходят в искусство большие творческие индивидуальности, каждая из которых утверждает свои законы творчества, имеет свою художественную систему.
Французское искусство XIXвека
Классицизм последней четверти XYIII - первой трети XIX века. В это время искусство Франции оказалось захвачено волной классицизма. Увлечение новой культурой совпало с самыми насущными требованиями искусства героического, высокогражданственного, создающего образы, достойные подражания. Неоклассицизм проявил себя, прежде всего вархитектуре, где художники-архитекторы, воплощая мечту о гармоничном мире, пытались решить грандиозные задачи идеального города (Клод Никола Леду «Проект ансамбля города Шо, 1771—1773)»). С приходом к власти Наполеона, вместе с изменением исторической ситуации трансформировалось и ведущее художественное направление — появляется неоклассицизм - более условный, холодный, более внешний. С начала нового столетия н еоклассицизм называют ампиром, стилем империи. Стиль ампир — монументальный, репрезентативный в экстерьере, изысканно-роскошный во внутреннем убранстве, использующий древнеримские архитектурные формы и орнаменты.
В живописи классицистические тенденции проявляются наиболее ярко. В преддверии Великой французской революции в живописи Франции появляется Жак Луи Давид (1748—1825). В его творчестве античные традиции, эстетика классицизма слились с политической борьбой, органически сплелись с политикой революции, это и дало новую фазу классицизма во французской культуре, так сказать, «революционный классицизм».
Накануне революции идеалом французского буржуазного общества, к которому принадлежал и Давид, была античность, но не греческая, а римская, времен Римской республики. Постепенно выкристаллизовывался новый стиль, и Давид в своей картине «Клятва Горациев» (1784—1785) выступил его глашатаем. Сюжет из истории Рима - братья Горации дают отцу клятву в верности долгу и готовности сражаться с врагами,— решен прямолинейно, в строгой, почти аскетической манере, явился боевым знаменем новых эстетических взглядов. Логически ясная композиция, где фигуры, похожие античные статуи или скорее на античный рельеф, четко распределены на три группы, соответствующие трем аркам колоннады.
С началом революционных событий Давид оформляет массовые празднества, занимается национализацией произведений искусства и превращением Лувра в национальный музей. Каждое такое оформление являло собой синтез искусств: изобразительного, театрального, музыкального, поэтического, ораторского. В 1793 г. в Лувре был открыт Национальный музей. Лувр стал не только центром художественной культуры, но и художественной школой, куда приходили и приходят поныне художники нетолько для копирования, но и для постижения самих себя.
В 1790 г. Давид приступает к большой картине по просьбе якобинцев «Клятва в зале для игры в мяч » (1790—1791), создает образ народа в едином революционном порыве, которую однако, успевает выполнить только в рисунке (сохранился картон, показанный в Салоне 1791 г., подготовительный рисунок).
После смерти «друга народа» Марата Давид по поручению Конвента пишет одну из самых знаменитых своих картин «Убитый Марат », или «Смерть Марата » (1793). Давид точно изобразил обстановку события: Марат лежит в ванне, в руке еще зажато письмо-прошение, с которым к нему и проникла Шарлотта Корде (виден даже текст: «Достаточно быть несчастной, чтобы иметь право...»); голова, обернутая полотенцем, и рука, которая еще держит перо, бессильно свесились; на тумбе, где лежат письменные принадлежности, крупно, как на античной стеле, написано «Марату — Давид».
В период империи Давид становится первым живописцем императора. По его заказу он пишет огромные картины («Наполеон на Сен-Бернарском перевале», 1801; «Коронация», 1805—1807), холодные, напыщенные, полные ложного пафоса и театральной патетики. В изображении Наполеона на Сен-Бернаре еще много романтического чувства: герой на вздыбленном коне, в движении, с вдохновенным лицом.
Помимо исторических композиций Давид оставил боль количество прекрасных по живописи и характеристике портретах. В таких портретах, как парные портреты супругов Серезиа и знаменитый портрет мадам Рекамье, Давид изяществом своего письма предопределил характерные черты того классицизма начала XIX в.
В первое десятилетие XIX в. позиции классицизма как ведущего стиля в искусстве были еще очень сильны. К этому периоду относится становление одного из ведущих мастеров классицистического направления Жана Огюста Доменика Энгра. Усвоив классицистическую систему с ее культом античности, Энгр намеренно отказался от революционности, отрицая современность, и выражал своим творчеством единственное желание — уйти от жизни в мир идеального. Желая обрести полную независимость от своего времени, он обращается только к прошлому, о чем свидетельствует его полотно «Послы Агамемнона у Ахилла », где композиция строго логична, колористическое решение подчинено рисунку, линеарно-пластической моделировке. В «Автопортрете в возрасте 24-х лет» уже отчетливо прослеживаются основные принципы портретного искусства Энгра: яркая индивидуальность характеристики, лаконизм строго продуманных и отобранных деталей.
Искусным колористом, преклоняющимся перед классическим совершенством модели, выступает Энгр в портрете мадам Девосе (1807). В следующих женских портретах у Энгра появится чрезмерное увлечение антуражем, аксессуарами, разнообразной фактурой: шелком, бархатом, кружевами, штофом обоев («Портрет мадам де Сенонн», 1814; «Портрет мадам Инес Муатессье», 1856).
Развивая традиции французского карандашного портрета, Энгр создает «Портрет Паганини», 1819; групповые портреты семьи французского консула в Чивита-Веккио Стамати, 1818; семьи брата императора Люсьена Бонапарта, 1815, и пр.
Но главным трудом его в это время становится алтарный образ для церкви его родного города Монтобана, получивший название «Обет Людовика XIII, просящего покровительства мадонны для Французского королевства». Энгр нарочито решил образ мадонны близким к Сикстинской мадонне, выражая свое преклонение перед Рафаэлем. Именно это творение принесло художнику успех в Салоне 1824 г. Отныне он становится признанным главой официальной французской школы.
Романтизм 20-30-х годов XIX века. Изобразительное искусство Франции эпохи романтизма (1820-1830-е гг.) выдвинуло крупных таких мастеров, которые определили главенствующее влияние французской школы на все XIX столетие. Романтическая живопись во Франции возникает как оппозиция классицистической школе. Первым художником этого направления был Теодор Жерико – мастер героических монументальных форм, который соединил в своем творчестве и классицистические черты, и черты самого романтизма, и мощное реалистическое начало. Он заявляет о себе большим полотном-портретом «Офицер конных егерей императорской гвардии, идущий в атаку». Это стремительная, динамическая композиция. В этом полотне художник выразил всю романтику наполеоновской эпохи, такой, как ее представляли современники («Раненый кирасир, покидающий поле боя»).
Жерико ищет героические образы в современности. В связи с трагическими событиями он пишет «Плот «Медузы » – картина написана в суровой, даже в мрачной гамме, с редкими вспышками красных и зеленых пятен. Точный рисунок, резкая светотень, скульптурность форм – все это говорит о прочных классицистических традициях. Но сама современная тема, раскрытая на бурном драматическом конфликте, который дает возможность показать смену разных психологических состояний и настроений, доведенных до крайнего напряжения, построение композиции по диагонали – все это черты будущих романтических произведений.
Последней большой картиной Жерико стало полотно «Скачки в Эпсоме », где впечатление стремительности усиливается еще и определенным приемом: кони и жокеи написаны очень тщательно, а фон – широко и обобщенно. Последними работами Жерико стали портреты сумасшедших – романтикам вообще был свойственен интерес к людям, стремление изобразить трагедию сломленной души. Его портреты превращаются в документальные изображения и являются олицетворением человеческих судеб.
Самым ярким представителем французского романтизма стал Эжен Делакруа. Первые его работы «Ладья Данте» и «Хиосская резня » были написаны под стилевым влиянием Жерико. Последнее стала символом его главенства в романтизме, которому он останется верен всю жизнь. Произведение Делакруа полно истинного потрясающего драматизма. Фигуры умирающих и еще полных сил людей разных возрастов, на заднем плане турок, топчущий и рубящий людей, все это разворачивается на фоне сумрачного, безучастного пейзажа. Человек ничтожен перед этой природой. Колорит картины очень звучный, полный.
Следующий этап творчества Делакруа связан с революционными событиями – полотно «Свобода на баррикадах ». Взятые из жизни образы выступают в картине как символы основных сил революции. Совершенно справедливо, что исследователи усматривают в строгом рисунке и пластической ясности полотна близость к давидовскому «Марату».
Реализм середины XIX века. Революция 1848 г. развеяла все романтические иллюзии французской интеллигенции, и в этом смысле явилась очень важным этапом в развитии не только Франции, но и всей Европы. Прежде всего, искусство стало шире использоваться как средство агитации и пропаганды. Отсюда развитие самого мобильного вида искусства – станковой и иллюстративно-журнальной графики, как основного элемента сатирической печати.
Жизнь выдвигает нового героя, которому в скором времени предстоит стать и главным героем искусства, - трудового человека. В искусстве начинаются поиски обобщенного, монументального образа. Новый герой и новые темы породят и критическое отношение к существующим порядкам, в искусстве будет положено начало критическому реализму – с ним в искусстве находят свое отражение национально-освободительные идеи.
Во французской живописи реализм заявил о себе ранее всего в пейзаже. Реализм в пейзаже начинается с т.н. барбизонской школы, куда вошли Теодор Руссо, Жюль Дюпре, Констан Тройо н и др. – их объединяло желание внимательно изучать природу и правдиво ее изображать, что не мешало каждому из них проявить свою индивидуальность (чрезмерная детализация, светотеневые контрасты, изображения животных).
Некоторое время в Барбизоне работал и Жан Франсуа Милле. Основой для произведений Милле становиться крестьянский мир, особенно в период творческой зрелости (начинал он с портретов и библейского и античного сюжетов). Главным героем его произведений становиться крестьянин. В маленьких по размеру картинах Милле создал обобщенный монументальный образ труженика земли («Сеятель» 1850). Он показал сельский труд как естественное состояние человека, как форму его бытия. В труде проявляется связь человека с природой, которая облагораживает его («Собирательницы колосьев», 1857). Для почерка Милле характерен предельный лаконизм, акцент на главное, что позволило передать общечеловеческий смысл в самых простых, обыденных картинах повседневной жизни. Цветовая гамма приглушенная, очень мягкая. Большинство его произведений пронизано чувством высокой человечности, покоя и умиротворения. В «Человеке с мотыгой» он сумел показать дремлющие силы в усталом, изможденном тяжелым физическим трудом человеке.
Одним из самых тонких мастеров французского пейзажа был Камиль Коро. Свои пейзажи он часто населял нимфами и другими мифологическими существами. Его работы всегда предельно искренни. Человек в пейзажах Коро органически входит в мир природы – это делающие свою простую, как жизнь, работу люди: женщины, собирающие хворост, возвращающиеся с поля крестьяне («Семья жнеца», 1857). Его полотна всегда пронизаны личным отношением художника, его настроением. Его гамма как будто очень скромна, изменчивость оттенков передает непостоянство, изменчивость самого пейзажа («Пруд в Вилль д”Авре», «Замок Пьерфон»). Он пишет свободно, размашисто. Фактурная характеристика полотен Коро дополняет красочную и светотеневую.
Критический реализм как новое мощное художественное течение активно утверждается и в живописи жанровой. Его становление в этой области связано с именем Гюстава Курбе. Он создает портреты жителей своего родного Орнана – простые жанровые сцены он трактует как возвышенно-исторические, и незатейливая провинциальная жизнь получила под его кистью героическую окраску. Художник обращается к темам труда и нищеты. В его картине «Дробильщики камней» нет социальной остроты, нет протеста, есть лишь смирение перед судьбой, но здесь есть, несомненно, сочувствие к доле изображенных, человеческая симпатия.
В Орнане он создает несколько прекрасных полотен, с изображением сцен быта – «После обеда в Орнане», «Похороны в Орнане». На последней изображен контраст торжественной церемонии и ничтожества людских страстей даже перед лицом смерти. Пластическая форма для Курбе выражается в объеме. Его фигуры как бы выступают из картины. Большое внимание он уделяет цвету. Его гамма строга, почти монохромна, построена на богатстве полутонов.
В 1850-е гг. Курбе создает несколько произведений, посвященных проблеме места художника в обществе. В картине «Ателье» (1855) он представил себя в мастерской за написанием пейзажа, в центре композиции изображена обнаженная модель, изобразил своих друзей и почитателей. В картине «Встреча»(1854), которая известна еще под названием «Здравствуйте, господин Курбе!», также изображен сам художник с этюдником за плечами, повстречавший на проселочной дороге коллекционера Брюйа и его слугу. Примечательно, что не Курбе, принимавший помощь от богатого мецената, а сам меценат снимает шляпу перед художником. Идея картины – художник идет своей дорогой, сам выбирает свой путь.
Все исторические события, происходившие во Франции нашли самое яркое отражение в графике одного из крупнейших французских художников Оноре Домье. Славу Домье принесла литография «Гаргантюа» (1831) – карикатура на Луи Филиппа, изображенного заглатывающим золото и «отдающим» взамен ордена и чины. Уже в этом графическом листе художник тяготеет к монументальной, объемно-пластической форме, прибегает к деформации в поисках наибольшей выразительности изображаемого листа или предмета.
Он осмысливает каждодневные события политической борьбы сатирически, пользуясь языком метафор и иносказаний. Так возникает карикатура «Законодательное чрево»: сборище немощных стариков, равнодушных ко всему, кроме своего честолюбия, самодовольных и чванливых. Но нередко Домье становиться поистине трагичен, и тогда он не прибегает к гротеску и сатире, как в знаменитой литографии «УлицаТранснонен» – в разгромленной комнате представлены фигура убитого мужчины, мертвый старик и распростертое тело женщины – так предельно лаконично передана сцена расправы правительственных солдат с жителями дома в одном из рабочих кварталов.
Позднее Домье работает над карикатурами быта и нравов. Это целая серия работ, где художник борется против мещанства, тупости, вульгарности буржуазии, против всего буржуазного миропорядка. («Последний совет экс-министров», «Напугавшие и напуганные »). Также предметом изображения становиться мир простых людей: прачек, водоносов, кузнецов, бедных горожан («Восстание», «Семья на баррикаде», «Прачка »).
Иллюстративная графика этого времени представлена творчеством Гюстава Доре, создателя мрачных фантазий в композиционных циклах Библии, «Потерянному раю» Мильтона и др.
Импрессионизм. История импрессионизма охватывает всего 12 лет – всего 8 выставок было организовано представителями данного направления. Импрессионисты стремились передать в своих произведениях непосредственное впечатление от окружающей среды – прежде всего от современного города с его импульсивной, разнообразной жизнью. Это впечатление они стремились воплотить на полотне, создав живописными средствами иллюзию света и воздуха, богатой световоздушной среды. Они старались писать чистым цветом, воспринимая цвета по принципу контраста. Импрессионизм окончательно вывел живопись на пленэр, представили цвет во всей его чистоте, им свойственная высокая культура этюда, в котором поражает меткость наблюдений, смелость и неожиданность композиционных решений.
Начало импрессионизма было положено в творчестве Эдуарда Мане. Изображенные им парижские улицы и бары, парижская толпа, ландшафт, портреты его друзей – вся современная ему жизнь передана им во всем богатстве остро и точно схваченного движения и разнообразия («Партия в крокет», «В лодке» и т.д.). Одной из самых ярких его вещей стала картина «Бар «Фоли-Бержер ». За спиной прекрасной барменши отражается в зеркале зал, наполненный людьми. Ощущение зыбкости и мерцания, однако, не лишает предметы их вещественности и материальности. Последнее особенно прослеживается в его натюрмортах - «Розы в хрустальном бокале».
Громкими скандалами сопровождается появление его картины «Завтрак на траве», в которой он в непривычной живописной манере изображает одетых молодых людей и обнаженных женщин. Еще больше негодования вызвала «Олимпия », представляющий не идеальный образ женской красоты, а современный портрет.
Истинным главой импрессионистской школы стал Клод Моне. Именно в его творчестве воплотилась основная проблема импрессионизма – проблема света и воздуха. Он первый отказался от черного цвета, считая что его нет в природе и даже тени в действительности цветные. На его полотнах изображено мгновение, выхваченное из потока жизни, схваченное как бы случайно, вследствие чего потом будет утрачена цельная картина мира, его материальность («Стога», «Руанский собор», «Бульвар Капуцинов в Париже», «Туман в Лондоне»).
В жанре пейзажа работает Камиль Писсарро. Его полотна – это виды Парижа и его окрестностей в разное время суток и года («Бульвар Монмартр»).
Одним из самых крупных художников-импрессионистов стал Огюст Ренуар. Его произведения производят впечатление сделанных необычайно легко, быстро, шутя, но на самом деле, его композиции всегда тщательно продуманы, в них нет практически случайных элементов, который очень характерен для импрессионизма («Зонтики»). В основном он писал женскую модель: портреты и обнаженную натуру. Женщины Ренуара всегда полны очарования, фигуры окутаны воздухом, что создает впечатление трепетности, свежести, жизненности всего образа («Портрет актрисы Жанны Самари», «Обнаженная перед зеркалом»).
Другим крупным импрессионистом был Эдгар Дега. Он следует канонам классического рисунка в трактовке человеческой фигуры, занимается отчасти исторической живописью. Тематика его картин довольно типична для импрессионистов: изображение будней театра, в основном балета, женщин за туалетом, иногда сцены труда. Он никогда не обращается к пейзажу, в его картинах нет той трепетной воздушной дымки, которая приветствуется во всех произведениях импрессионистов.
В свои полотна Дега вносит остроту иронического, его картины овеяны грустным настроением. Люди отчуждены друг от друга, бесконечно одиноки («Урок танцев», «Проездка скаковых лошадей», «Голубые танцовщицы», «Прачки», «Абсент»). Но сцены Дега полны острого ощущения современности.
В пластике второй половины XIX века не наблюдается такого яркого развития импрессионистического направления, как в живописи. Наиболее близок к импрессионистам в некоторых работах был Огюст Роден – в своем стремлении передать мгновенное в выражении человеческого лица или в позе человека («Бронзовый век», «Мыслитель», «Адам и Ева», «Блудный сын», «Граждане Кале»). Роден много и успешно занимался и жанром портрета. Они разнообразны по пластике, в них всегда подчеркнута главная черта модели.
В течении всей своей жизни Роден, восхищаясь молодостью и красотой влюбленных много раз повторял темы вечной весны, любви, поцелуя. Движения для Родена было основной формой выражения жизни в скульптуре. Нельзя не признать его умения выразить напряженные внутренние движения, подчинить пластическую форму определенному психологическому переживанию.
Постимпрессионисты Художники, которых в истории искусства именуют постимпрессионистами – Сезанн, Ван Гог и Гоген – не были объединены ни общей программой, ни общим методом. Они начали работать параллельно с импрессионистами и испытали их влияние. В действительности же каждый из них представляет собой яркую творческую индивидуальность.
Поль Сезанн начал свой творческий путь вместе с импрессионистами. Он не был импрессионистом, но сохраняет эту специфическую технику, чтобы исследовать пространство, дать пластическую материальность живописи и устойчивую композицию. Картины Сезанна совсем не сложного содержания: это портреты близких людей, друзей и множество автопортретов, пейзажи, натюрморты, портреты-типы, редко сюжетные изображения («Берега Марны», «Натюрморт с корзинкой фруктов», «Курильщик», «Игроки в карты»).
Наиболее сильная сторона художника –это колорит. Сезанн принес материальную крепость, чувство массы, пластическую ясность форм, устойчивость, выразительность. В натюрмортах Сезанна порой трудно определить, какие фрукты изображены, в портретах есть некоторая бездушность, т.к. художника интересует не духовный мир и характер модели, а предметы материального мира, переданные цветовыми сочетаниями. Элементы абстрагирования привели в итоге, последователей Сезанна к живописной отвлеченности.
Постимпрессионистом называют Винсента Ван Гога –художника, воплотившего душевное смятение современного человека. Под влиянием импрессионистов его техника становится более свободной, смелой, палитра высветляется («Пейзаж в Овере после дождя», «Красные виноградники в Арле»). Жизнь, полная противоречий и несправедливости вызывала у художника обостренное чувство пессимизма, отсюда тревожный, болезненно-нервозный характер его творчества. Он все воспринимает повышенно эмоционально: восторг перед миром и пронзительное чувство одиночества в этом мире, чувство щемящей тоски и постоянного беспокойства. Изображение простых предметов и сюжет всегда остро драматично («Хижины», «Спальня»). Он как будто очеловечивает мир вещей, наделяя его собственной горькой безнадежностью. Мазки иногда наложены параллельно, а иногда и зигзагообразно, пронзительно звонкие краски. Динамизм мазков, предельная насыщенность красочных тонов помогают художнику передать всю сложность его мировосприятия («Прогулка заключенных», «Автопортрет с отрезанным ухом»).
Не менее самобытно творчество другого постимпресиониста – Поля Гогена. Первые его произведения несут на себе определенную печать импрессионизма. Но вскоре он начинает вырабатывать свою манеру письма. Гоген не удовлетворен ни темами, которые предоставляет ему европейский цивилизованный мир, ни самой буржуазной цивилизацией. Он бежит от этого в экзотические страны, плененный примитивной жизнью племен, их первозданной красотой («Женщина, держащая плод», «А, ты ревнуешь?», «Чудесный источник» и др.). Гоген понимает цвет символически, он стилизует форму предметов, подчеркивает линейный ритм. Для его полотен характерны плоскостность, орнаментальность, яркость красочных пятен.
Сезанн, Ван Гог, Гоген имели огромное влияние на все последующие развитие художественной культуры новейшего времени.
Испанское искусство конца XYIII – первой половины XIXвека.
В Испании XYIII столетия, утратившей свое былое величие, ко двору привлекались в основном иностранные художники. Общеевропейскую известность испанское искусство вновь обрело лишь с появлением Франсиско Гойи. Он открыл для испанского искусства целую эпоху, положив начало развитию реалистической живописи нового времени. Огромное значение имело творчество Гойи и для формирования европейского романтизма.
В 1771 г. Гойя начинает профессиональный творческий путь мастера. Тогда же он начинает заниматься графикой, копируя Веласкеса, в 1770-80е гг. много занимается живописным портретом. Подражая мастерам Возрождения он пишет «Маху одетую » и «Маху обнаженную ». В них он наносит удар академической школе в нарушении пропорций и изображении чувственного начала.
Восстание 2 мая 1808 г. послужило поводом к созданию картин «Восстание 2 мая» и «Расстрел со 2 на 3 мая 1808 г. ». Предельная выразительность композиции и колорита, строгий отбор деталей, высшая степень драматизма характерны для этих произведений.
С 1808 по 1820 гг. он работает над своей графической серией «Ужасы войны », состоящей из 85 листов офортов и листов смешанной техники. Эта серия вершина реалистической графики Гойи. В ней нет аллегоричности, все предельно понятно, в высшей степени выразительно. Художник широко использует контрасты света и тени.
После 1814 г. художник живет замкнуто, в это время он исполняет серию, посвященную бою быков «Тауромахия » (около 40 листов). Он расписывает стены своего дома фресками смысл которых был понятен только ему одному. Около 1820 г. он создает свою последнюю графическую серию, возможно самое зрелое свое произведение – серию притч под названием «Необычности », 21 лист индивидуальных и странных гравюр. Это карикатура, скорбь над утраченными иллюзиями. После 1824 г. жизнь Гойи в Испании становится невыносимой. Он уезжает во Францию, где находит новых друзей, здесь пишет свои произведения, простые в своей правдивости, предвещающей расцвет европейского реалистического искусства: «Бордосская молочница», «Девушка с кувшином ».
Лишь после смерти его искусство найдет признание, но не на родине, Испания забудет своего великого соотечественника, а во Франции, в первую очередь художниками реалистического направления.
Английское искусство конца XYIII- XIXвека
Английское искусство в это время вливается в мировое искусство со своими собственным отчетливо выраженным национальным лицом, со своим восприятием действительности, своим мировоззрением и своей формальной системой. Самые интересные достижения английского изобразительного искусства лежат в жанре пейзажа, прежде всего акварельного. Именно в пейзаже живопись Англии опередила континентальную Европу. Самое существенное влияние на живопись XIX столетия оказал Джон Констебл. Он никогда не был за границей, и изучал только ту живопись, которую мог видеть у себя на родине. Готические соборы, виды городка Солсбери, холмы, долины, мельницы, фермы - все это передано Констеблом достоверно-конкретно, правдиво, искусно. Он одним из первых стал писать этюды на плэнере, опередив, таким образом, в поисках необычайной свежести колорита и непосредственности впечатления художников французской школы («Собор в Солсбери», «Телега для сена», «Прыгающая лошадь »). Красно-коричневатые и серебристые тона приближают его к венецианцам. Но признания на родине он так и не получил, первыми его творчество оценили французские романтики.
Типичным романтиком можно назвать другого пейзажиста – Джозефа Уильяма Тернера, с его гигантскими красочными полотнами, полными световых эффектов. Его наследие огромно – более 21 000 произведений на исторические, мифологические, жанровые сюжеты, но главное – пейзажи. Он тщательно изучал природу, которая в его пейзажах сталкивалась с фантазией художника. Стихией Тернера было море – насыщенный влагой воздух, движение туч, взлет парусов, бушующие природные силы («Кораблекрушение »). Главной его задачей стала передача света и воздуха, фантастических световых эффектов («Морозное утро »). Не случайно он стал мастером акварели – предметы в системе художника постепенно превращаются в красочное пятно.
Романтическое направление в английской графике нашло выражение в творчестве Уильяма Блейка. Он выполняет иллюстрации к Данте, Мильтону, к Библии, собственным поэтическим произведениям – мрачные фантазии со сложными аллегориями, религиозно-мистическими символами, отражающие философию творчества художника, его трагическое мироощущение.
Немецкое искусство XIXвека.
Германия –одна из первых стран, в изобразительном искусстве которой сложился романтизм. Стремление возродить религиозно-нравственные устои в немецком искусстве связано с так называемой назарейской школой. Художники назарейской школы – Ф. Овербек, Ю. Шнорр фон Карльсфельд, П. Корнелиус – жили и работали в Риме по образцу монастырской общины, писали картины на религиозные сюжеты, считая для себя образцом картины Рафаэля и немецкого Возрождения. Так «Торжество религии в искусстве » Овербека подражает «Афинской школе» Рафаэля, «Всадники Апокалипсиса» Корнелиуса - знаменитой гравюре Дюрера. Художники этого направления тяготеют к крупным монументальным формам. Лучшие традиции назарейской школы еще долго сохранялись в академической исторической живописи.
В первой половине XIX в. развивается также дюссельдорфская школа: К. Зон, Т. Хильдебрандт. Ранние дюссельдорфцы также тяготели к сюжетам средневековой немецкой истории. Самым талантливым среди них был Альфред Ретель, но его суровое искусство, графические циклы «Новая пляска смерти» и «Еще одна пляска смерти » шли вразрез с сентиментальным по духу и занимательным сюжетом других представителей школы.
Адольф Менцел – живописец и график, мастер жанровых и исторических композиций, работая много в пейзаже приближает немецкую живопись к проблеме пленэра. Он часто обращается к современным темам: городская и деревенская жизнь, парижские улицы, гуляющая толпа, придворные праздники и труд обыкновенных людей. Среди картин последней темы особое место занимает «Железопрокатный завод » – одно из первых изображений труда пролетариев в искусстве. Интерес к деталям – главная черта его живописи.
В русле реалистического искусства работает Вильгельм Лейбль, испытавший сначала влияние реализма Курбе («Неравная пара», «Деревенские политики »), а затем французских импрессионистов с их проблемой световоздушной среды («Прядильщица»).
Дальнейшее развитие немецкого искусства XIX столетия лежит в напрвлении к символизму, формально связанному со стилем модерн, именуемый в Германии югендстилем.