Развитие иррационалистических тенденций в искусстве авангарда 20 в.

Стилистические основания развития искусства живописи в XX в. Постмодернизм.

Постмодернизм (постмодерн, поставангард) — (от лат. post «после» и модернизм), совокупное название художественных тенденций, особенно четко обозначившихся в 1960-е годы и характеризующихся радикальным пересмотром позиции модернизма и авангарда.

Абстрактный экспрессионизм послевоенный (кон. 40-х — 50-е гг. XX в.) этап развития абстрактного искусства. Сам термин еще в 20-е годы ввел немецкий искусствовед Э.фон Зюдов для обозначения некоторых аспектов искусства экспрессионистов. В 1929 г американец Барр применил его для характеристики ранних работ Кандинского, а в 1947 г. назвал «абстрактно-экспрессионистскими» работы Виллема де Кунинга и Поллока. С тех пор понятие абстрактного экспрессионизма укрепилось за достаточно широким, стилистически и технически пестрым полем абстрактной живописи (а позже и скульптуры), получившей бурное развитие в 50-е гг. в США, в Европе, а затем и во всем мире. Прямыми родоначальниками абстрактного экспрессионизма считаются ранний В. Кандинский, экспрессионисты, орфисты, отчасти дадаисты и сюрреалисты с их принципом психического автоматизма. Философско-эстетическим основанием абстрактного экспрессионизма во многом явилась популярная в послевоенный период философия экзистенциализма.

2. Формирование стилевых течений: сюрреализм, пуризм, орфизм, конструктивизм.

Оба иррациокалистических течения ‑ «метафизическое искусство» и дадаизм стали провозвестниками сюрреализма (от фр. sur - над, сон и realism - реализм), провозгласившего источником искусства сферу подсознания - инстинкты, сновидения, галлюцинации.

2.1 Сюрреализм. Сюрреализм связан с творчеством французского поэта Г. Апполинера, который впервые использовал этот термин. Ведущим эстетическим принципом сюрреализма было автоматическое письмо, основывающееся на теории 3. Фрейда. Автоматическое письмо ‑ творчество без контроля разума, запись свободных ассоциаций, грез, сновидений.

Главным в сюрреализме считается понятие tromp­l'oeil («обман зрения»), предполагавшее изображение знакомых предметов, но либо деформированных, либо в парадоксальных сочетаниях. Стилевые очертания сюрреализма напрямую связаны с персональными наклонностями художника.

Бельгийский живописец Рене Магритт (1898-1967) сталкивал точную предметную изобразительность с внутренним подтекстом; причем уже в самих названиях картин заключалось некое противоречие: нередко поэтичные, они лишены видимой связи с мотивов. изображения. Такова, к примеру, картина «Великая война». Нарядно одетая дама по моде 1910 г в белом платье, белых перчатках, белой шляпе со страусовыми перьями, под белым кружевным зонтиком ‑ на фоне морского простора абсолютно реальна, но вместо лица у нее прелестный букетик фиалок. Фиалки поглотили лицо, но и скрытая плоть воспринимается как растительная, начисто лишенная плотского или эротического содержания. Женщина-цветок объявляет великую войну обыденному и привычному восприятию ее предназначения. Она демонстративно стала букетом, чтобы доказать загадочность мира, приоткрыть завесу над тайной, которая может быть выражена только поэзией.

Рене Магритт. Великая война масло, холст 1964	Рене Магритт. Состояние человека. 100 x 81 см. масло, холст 1935

В картине «Империя света» Магритт, абстрагируясь от привычного взгляда на жизнь и человеческую логику, исходя из реальности, создает сюрреальное: на фоне лучезарного дневного неба, погруженный в сумрак ночи дом с за крытыми ставнями отражается в водоеме, освещенный неверным светом фонаря. Ночь и день, тьма и свет составляют единое целое, и в этом дуализме просматривается реальное и условное.

Сальвадор Дали. Галатея в момент творения 1954, 100.6×101 см	Сальвадор Дали. Явление лица Афродиты Книдской на фоне пейзажа.1981, 140×96 см

Испанский художник Сальвадор Дали ( 1904-1989), опираясь на сюрреалистический метод «автоматического письма», противопоставлявший творческой воле художника иррациональные безумные видения, создавал галлюцинаторные фантазмы.

Дали умел придать своим картинам эффект оптической иллюзии, объединяя натуралистическое изображение с абсурдными иррациональными темами. Самые противоречивые соединения и фантасмагорические существа на картинах Дали должны были восприниматься как символы бессознательного, а сама живопись как галлюцинация. И все же, несмотря на некоторые стилистические различия, художников-сюрреалистов объединяла передача невозможного и алогичного путем сочетания натурализма с параноидальным неправдоподобием.

2.2 Пуризм. Значительным направлением в новом авангардном искусстве XX в. стал пуризм (от лат. purus ‑ чистый), настаивавший на «очищении» действительности от внешних несущественных деталей.

Отвергая декоративные тенденции кубизма и других авангардистских течений 1910-х гг., принятую ими деформацию натуры, пуристы стремились к рационалистически упорядоченной передаче устойчивых и лаконичных предметных форм, как бы «очищенных» от деталей, к изображению «первичных» элементов. Для работ пуристов характерны плоскостность, плавная ритмика лёгких силуэтов и контуров однотипных предметов (кувшинов, стаканов и т. п.).

Согласно этой идее, объект изображения за менялся «пластическим символом», графически выражающим суть конструкции. Идеологи пуризма Амеде Озанфан (1886-1966) и Ле Корбюзье (1887-1965) в своих графических натюрмортах уподобляли живопись пластическому сочетанию линий и изысканных геометрических силуэтов, написанных в приглушенной гамме.

Не получив развития в станковых формах, существенно переосмысленные художественные принципы пуризма нашли частичное отражение в современной архитектуре, главным образом в постройках Ле Корбюзье.

Ле Корбюзье. Натюрморт, 1924	Ле Корбюзье. Натюрморт. 1920.

2.3 Неопластицизм — одна из ранних разновидностей абстрактного искусства. Создан к 1917 году нидерландским живописцем П. Мондрианом (1872-1944) и др. художниками входившими в объединение «Стиль». Для неопластицизма характерно, по словам его создателей, стремление к «универсальной гармонии»,выразившееся в строго уравновешенных комбинациях крупных прямоугольных фигур, четко разделенных перпендикулярными линиями черного цвета и окрашенных в локальные цвета основного спектра (с добавлением белого и серого тонов). Neo-plasticisme (Nouvelle plasti- que) Этот термин появился в Голландии в XX веке. Пит Мондриан определил им свои пластические концепции возведенные в систему и защищаемые группой и журналом «Стиль» («De Sti- ji») основанными в Лейдене в 1917. Главной чертой неопластицизма было строгое использование выразительных средств. Для построения формы неопластицизм допускает лишь горизонтальные и вертикальные линии. Пересечение линий под прямым углом — первый принцип. Около 1920 к нему добавился второй который убирая мазок и подчеркивая плоскость ограничивает цвета красным синим и желтым т.е. тремя чистыми основными цветами к которым можно добавить только белый и черный. С помощью этой строгости неопластицизм предполагал выйти за рамки индивидуальности чтобы достигнуть универсализма и создать таким образом новую картину мира.

Пит Мондриан. Натюрморт с имбирным горшком 2. 1911. Музей Соломона Гуггенхайма, Нью-Йорк	Пит Мондриан. Около1920

2.4 Орфизм. Живописцы, создававшие «новую реальность» не из линий, а из простейших цветовых сочетаний, оптически смешивающихся «в глазу зрителя», относили себя к течению орфизма. Основные черты орфической живописи, названной так по ассоциации с именем древнегреческого певца и родоначальника мистерий Орфея, состояли в особой музыкальности линий, отвлеченной беспредметной пластичности силуэтов, мистической иррациональности тончайших цветовых сочетаний. Лидер этого течения Робер Делоне (1885-1941) составлял цветовые абстрактные конструкции из простых геометрических фигур, как правило, кругов и спиралей, окрашенных в семь основных цветов, которые, «смешиваясь в глазу» по системе М.Э. Шеврёля, создавали эффект движения и казались разрастающимися. В од ном из вариантов пуризма подобные идеи привели к культу техники, когда все случайное, не соответствующее утилитарной функции, отбрасывалось.

Робер Делоне. В честь Блерио 1914	Робер Делоне. Круглые формы

2.5 Конструктивизм. Течение, представленное творчеством французского художника Фернана Леже (1881-1955), породило конструктивизм (от лат. constructio - построение), в основе которого лежала простая компоновка объемных и плоскостных фигур. Леже создал оригинальный «индустриальный» стиль, отразивший новую эстетику в век всемогущества машин. В его картинах «Город», «Красный стол», «Ныряльщики на желтом фоне» и других человеческие фигуры, интерьеры, городские пейзажи составлены из цилиндров, винтов, дисков, шаров, напоминающих детали машин и узлы механизмов. Объемные криволинейные формы, подчеркнутые черным контуром, в сочетании с энергичной красочной палитрой стали своеобразным символом машинной цивилизации.

Фернан Леже. Две женщины, держащие цветы	В. Кандинский. В синем. 1925

Развитие иррационалистических тенденций в искусстве авангарда 20 в.

Значительное место в авангардном искусстве заняла иррационалистическая тенденция, наиболее рельефно выразившаяся в дадаизме (от фр. dada - конек, деревянная лошадка, детский лепет), отрицавшем искусство как ненужное и бессмысленное занятие. Лидер течения Марсель Дюшан (1887-1968) выдвинул программу «антиискусства», в соответствии с которой создание собственно художественных произведений заменяли экспонированием нелепых реальных предметов (перевернутый писсуар, велосипедное колесо), подражанием детскому рисунку или искусству дикарей. Характерным примером творчества дадаистов служит «Мона Лиза с усами», где прославленный шедевр Леонардо да Винчи красуется с пририсованными усами и бородкой. Творческое наследие относительно невелико, однако благодаря оригинальности своих идей М.Дюшан считается одной из самых влиятельных фигур в искусстве XX века. Его творчество оказало влияние на формирование таких направлений в искусстве второй половины XX века, как поп-арт, минимализм, концептуальное искусство, и др. В 2000 году во Франции учреждена Премия Марселя Дюшана молодым художникам.

3.1 Метафизическая живопись. В русле иррационализма в Италии возникла метафизическая живопись (от греч, meta ‑ после и phisika ‑ природа), отражавшая духовные явления, недоступные опытному знанию и раскрывавшиеся через загадочные сочетания реальных предметов, архитектурных фрагментов и ирреальных объектов. Создателем ее стал Джорджо де Кирико (1888-1978), В его «метафизических» композициях «Меланхолия политика», «Метафизическая муза» геометрические пейзажи с застылыми фигурами-манекенами без лиц, погруженными в тягостное безмолвие, вызывали ощущение остановившегося времени, символизируя тем самым вечность, и подчеркивали иррациональные связи между внешне не связанными предметами.

Марсель Дюшан.Обнажённая, спускающаяся по лестнице. 1912.Холст, Масло. 147 × 89.2 см Художественный музей Филадельфии	Джорджо де Кирико. Беспокойные Музы 1916 - 1918. Холст, Масло. Частное собрание

3.2 Реди-мейд (англ. ready-made — готовый) Термин впервые введенный в искусствоведческий лексикон художником Марселем Дюшаном для обозначения своих произведений, представляющих собой предметы утилитарного обихода, изъятые из среды их обычного функционирования и без каких-либо изменений выставленные на художественной выставке в качестве произведений искусства. Реди-Мейд утверждали новый взгляд на вещь и вещность. Предмет, переставший выполнять свои утилитарные функции и включенный в контекст пространства искусства, то есть ставший объектом неутилитарного созерцания, начинал выявлять какие-то новые смыслы и ассоциативные ходы, неизвестные ни традиционному искусству, ни обиходно-утилитарной сфере бытия. Остро всплыла проблема релятивности эстетического и утилитарного. Первые Реди-Мейд Дюшан выставил в Нью-Йорке в 1913 г. Наиболее скандально известными иэ его Реди-Мейд. стали «Колесо от велосипеда» (1913), «Сушилка для бутылок» (1914), «Фонтан» (1917) — так был обозначен обычный керамический писсуар.

3.3 Поп арт. После второй мировой войны в Америке сформировался большой социальный слой людей, зарабатывавших достаточно денег, чтобы приобрести товары, которые им не были особенно важны. Например употребление товаров: Coca cola или Levi’s джинсы становятся важным атрибутом этого общества. Человек используя тот или другой товар, показывает свою принадлежность определенному социальному слою. Ток формировалась массовая культура. Вещи становились символами, стереотипами. Поп-искусство обязательно использует стереотипы и символы. Поп искусство (поп-арт) воплотило в себе творческие искания новых американцев, которые опирались на творческие принципы Дюшана. Это: Джаспер Джонс (1930.США), К. Олденбург(1928.США), Энди Уорхол (1928-1975.США), и другие.

Поп искусство получает значение массовой культуры, поэтому неудивительно, что оно сформировалось и стало течением искусства в Америке. Д. Джонс – самый настоящий классик и самый дорогостоящий из живых художников. Несколько лет назад вот эта его работа была куплена за 80 млн долларов.

Джаспер Джонс. Фальстарт	Джаспер Джонс. Три флага

«Я думаю, что само понятие объекта сомнительно. Холст есть объект, краска есть объект и объект есть объект. Поскольку предполагается, что холст обладает каким-то пространственным значением, то и объект, написанный на холсте, можно наделить тем же значением». Джаспер Джонс

«С моей точки зрения, в пятерку самых принципиальных и важных для развития авангардизма произведений, помимо «Флага», входят «Авиньонские девицы» Пикассо, «Фонтан» Дюшана, «Черный квадрат» Малевича и «Стул и три стула» Джозефа Кошута ». Джаспер Джонс

Поп искусству свойственно произведение — иллюзия игры, объясняющая суть объекта. Пример: пирог К. Олденбурга ( Родился в Швеции ), изображенный в различных вариантах. Художник может не изобразить пирог, а рассеять иллюзии, показать, что человек видит по-настоящему. Переехав из Чикаго в Нью-Йорк, Клас Олденбург начал активно заниматься художественной деятельностью – стал членом группы художников, которые занимались театральными инсталляциями. Эти работы сильно вдохновили молодого художника, и вскоре, он уже сделал свою первую персональную выставку, посвященную уличной скульптуре в повседневной жизни.

Клас Олденбург. Штепсельная вилка	Клас Олденбург.Совок

Такой памятник отчасти выступает как знак. Ничего такого не может быть с сооружениями Ольденбурга – ничего не может подразумевать, ни на что не может намекать, означающим никакого означаемого не может быть штепсельная вилка. Она может быть только собой. С другой же стороны, вся эта мощная конгломерация, разбросанная по всему цивилизованному миру (у нас – не присутствует), составляет обширный мемориал обществу потребления ‑ т.е., все-таки, подразумевает, отсылает, намекает и означает. Впрочем, настоящее искусство часто соединяет в себе противоречия, надо к этому уже привыкнуть.

Совершенно необходимо добавить, что данные сооружения, поначалу задуманные как легкие, ироничные провокации, уже давно вписались в свое окружение, лишились всякого намека на провокационность и воспринимаются как затейливая, нестандартная эстетическая и понятийная игра.

«Я прибегаю к наивной имитации. И это не потому, что у меня недостает воображения, и не потому, что я бы хотел высказаться о мире повседневных вещей. Я имитирую 1) объекты и 2) сотворенные объекты, например, знаки, различные нехудожественные вещи, которые наивно намекают на современную функциональную магию. Я не пытаюсь делать из них «искусство», это необходимо понять. Я имитирую их, чтобы люди приучились узнавать могущество объектов, т.е. моя цель – дидактическая». Клас Ольденбург

Р. Раушенберг также своеобразен в искусстве: он приклеивал к полотну разные фотографии, их обрисовывал и к работе приделывал какое-нибудь чучело. Одна из известных его работ чучело ежа. Также хорошо известна его живопись, где он использовал фотографии Кенеди.

Особо известна его работа, которая называется «Стёртый рисунок Де Кунинга». Этот случай считается практически показательным для поп-арта и является чуть ли не культовым проявлением этого течения. В 1953 году Роберт Раушенберг приобрёл рисунок известного художника-абстракциониста Виллема Де Кунинга (1904-1997). Этот рисунок он не стал вешать в своей гостиной или хранить в специальном помещении, а просто стёр его и сказал, что теперь это его картина и называется она ‑ Стёртый рисунок Де Кунинга. Рисунок, точнее его отсутствие, стал очень популярным и поднялся в цене, так как являлся плодом творчества сразу двух известных художников и представлялся не только скандальным, но и показательным для авангарда середины прошлого века.

Р. Раушенберг	Р. Раушенберг.1954	Р. Раушенберг.Стёртый рисунок Де Кунинга

Энди Уорхол американский художник, продюсер, дизайнер, писатель, коллекционер, издатель журналов и кинорежиссёр, заметная персона в истории поп-арт-движения и современного искусства в целом. Основатель идеологии «homo universale», создатель произведений, которые являются синонимом понятия «коммерческий поп-арт».

Уорхол одним из первых применил трафаретную печатькак метод для создания картин. В своих ранних шелкографиях он использовал собственные, нарисованные от руки изображения. Позже, с помощью проектора, он транслировал на холст уже фотографии и вручную обводил изображение. Применение шелкографического метода было одним из этапов в стремлении Уорхола к массовому репродуцированию и тиражированию художественных произведений, вопреки всей критике Вальтера Беньямина, который писал о потере ауры и ценности произведения в век его технической воспроизводимости.

Способ Уорхола заключался в следующем: на рамку натягивалась нейлоновая сетка. Само изображение на сетке создавалось путём контактного засвечивания. На сетку, пропитанную фотоэмульсией, накладывался диапозитив. Всё засвечивалось, как при фотопечати. На освещённых местах сетки фотоэмульсия полимеризовалась и становилась нерастворимой пленкой. Лишнее смывалось водой. Так создавалась матрица, то есть печатная форма. Её накладывали на бумагу или ткань, и наносили краску. Краска проникала через прозрачные участки сетки и создавала изображение. Таким образом, нанося специальным резиновым валиком на деревянной ручке чёрную краску, Уорхол исполнил основной контур своих самых известных произведений: многократно повторяющихся Мэрилин Монро, Элизабет Тэйлор и других. Для многоцветной печати требовалось количество матриц, равное количеству цветов. Одного комплекта матриц хватало на большое количество изображений. Внедрение инновационных технологий в процесс создания образов ставило искусство на коммерческую основу.

В 1960 году Уорхол создал дизайн для банок Кока-кола, который принёс ему известность художника с неординарным видением искусства. В 1960—1962 появился цикл произведений с изображением консервных банок супа Кэмпбелл (англ. Campbell’s Soup Can). Первоначально плакаты с банками супа исполнялись в технике живописи: «Банка с супом Кэмпбелл (рисово-томатный)» (Campbell’s Soup Can (Tomato Rice), 1961, а с 1962 года — в технике шелкографии («Тридцать две банки супа Кэмпбелл», «Сто банок супа Кэмпбелл», «Двести банок супа Кэмпбелл» — все 1962). Также, в 1962 году, поворотном для себя, Уорхол создал серии «Зелёные бутылки кока-колы». Рисунки банок в ярких тонах стали «визитной карточкой» Уорхола. После этого Уорхола причислили к представителям поп-арта и концептуального искусства, таким как Роберт Раушенберг, Джаспер Джонс и Рой Лихтенштейн.

Банка супа «Кэмпбелл». 1962	Мерлин Монро. 1967

3.4 Примитивизм (Наивное искусство). Это понятие используется в нескольких смыслах и фактически тождественно понятию «примитивное искусство». В различных языках и разными учеными эти понятия используются чаще всего для обозначения одного и того же круга явлений в художественной культуре. В русском языке (как и в некоторых других) термин «примитивный» имеет несколько негативный смысл. Поэтому уместнее остановиться на понятии

Наивное искусство ‑ в самом широком смысле так обозначается изобразительное искусство, отличающееся простотой (или упрощенностью), ясностью и формальной непосредственностью изобразительно-выразительного языка, с помощью которого выражается особое, не обремененное цивилизационными условностями видение мира. Понятие появилось в новоевропейской культуре последних столетий, поэтому отражает профессиональные позиции и представления этой культуры, считавшей себя высшей ступенью развития. С этих позиций под Наивное искусство понимается и архаичное искусство древних народов (до египетской или до древнегреческой цивилизаций), например, первобытное искусство; искусство народов, задержавшихся в своем культурно-цивилизационном развитии (коренного населения Африки, Океании, индейцев Америки); любительское и непрофессиональное искусство в самых широких масштабах (например, знаменитые средневековые фрески Каталонии или непрофессиональное искусство первых американских переселенцев из Европы); многие произведения так называемой «интернациональной готики»; фольклорное искусство; наконец, искусство талантливых художников-примитивистов XX в., не получивших профессионального художественного образования, но ощутивших в себе дар художественного творчества и посвятивших себя самостоятельной его реализации в искусстве. Некоторые из них (французы А. Руссо, К. Бомбуа, грузин Нико Пиросманишвили, Иван Генералич (1914-1992 классик хорватского и мирового наивного искусства, выдающийся художник XX в. ), американка А.М. Робертсон и др.) создали истинные художественные шедевры, вошедшие в сокровищницу мирового искусства.

Наивное искусство по видению мира и способам его художественной презентации в чем-то приближается к искусству детей, с одной стороны, и к творчеству душевнобольных ‑ с другой. Однако в сущности своей отличается и от того, и от другого. Ближе всего по мировосприятию к детскому искусству стоит Наивное искусство архаических народов и аборигенов Океании и Африки. Принципиальное отличие его от детского искусства заключается в глубокой сакральности, традиционализме и каноничности.

Иван Генералич.Зима. масло/стекло. 300х400 мм. 1942 г.	Иван Генералич.Сельский двор. Осень. темпера/стекло. 395х545 мм. 1938 г.

3.5 Оп-арт (англ. Op-art ‑ сокращенный вариант optical art ‑ оптическое искусство) ‑ художественное течение второй половины 20 века, использующее различные зрительные иллюзии, основанные на особенностях восприятия плоских и пространственных фигур. Течение продолжает рационалистическую линию техницизма (модернизм). Восходит к так называемому «геометрическому» абстракционизму представителем которого был В. Вазарели (1096-1997) (с 1930 по 1997 г. работал во Франции) ‑ французский художник, график и скульптор венгерского происхождения, ведущий представитель и основатель направления «оп-арт». С 1930-х годов Вазарели экспериментировал с перспективой, светом и тенью, текстурами. Попробовав себя в кубизме, футуризме, экспрессионизме и сюрреализме, в конце 1940-х годов художник наконец нашел и начал развивать свой собственный стиль. Он увлекся изображением оптических эффектов, «перетекания» абстрактных форм и узоров в фигуративные и обратно.

Возможности Оп-арта нашли некоторое применение в промышленной графике, плакате, оформительском искусстве. Направление оп-арта (оптического искусства) зародилось в 50-е годы внутри абстракционизма, хотя на сей раз иной его разновидности — геометрической абстракции. Его распространение как течения относится к 60-м гг. XX в.

В. Вазарели	В. Вазарели

3.6 Гиперреализм (hyperrealism — англ.), или фотореализм (photorealism — англ.) — худож. течение в живописи и скульптуре, основанное на фотографии, воспроизведении действительности. И в своей практике, и в эстетических ориентациях на натурализм и прагматизм гиперреализм близок к поп-арту. их прежде всего объединяет возврат к фигуративности. Выступает антитезой концептуализму, не только порвавшему с репрезентацией, но и поставившему под сомнение сам принцип материальной реализации худож. концепта.

3.7 Минимализм (minimal art — англ.: минимальное искусство) — худож. течение, исходящее из минимальной трансформации используемых в процессе творчества материалов, простоты и единообразия форм, монохромности, творческого самоограничения художника. Для минимализма характерен отказ от субъективности, репрезентации, иллюзионизма. Отвергая классические приемы творчества и традиционные худож. материалы, минималисты используют промышленные и природные материалы простых геометрич. форм и нейтральных цветов (черный, серый), малых объемов, применяют серийные, конвейерные методы индустриального производства. Артефакт в минималистской концепции творчества — определенный заранее рез-т процесса его производства. Получив наиболее полное развитие в живописи и скульптуре, минимализма, интерпретируемый в широком смысле как экономия художественных средств, нашел применение и в др. видах искусства, прежде всего театре, кинематографе.

Минимализм возник в США в пер. пол. 60-х гг. Его истоки — в конструктивизме, супрематизме, дадаизме, абстракционизме, формалистической амер. живописи к. 50-хгг., поп-арте. Непосредственно предшественником минимализма является художник Френк Стелла(1936), представивший в 1959-60 серию «Черных картин», где превалировали упорядоченные прямые линии. Термин «минимализм» принадлежит Р. Уолхейму, вводящему его применительно к анализу творчества М. Дюшана и поп-артистов, сводящих к минимуму вмешательство художника в окружающую среду. Его синонимы — «прохладное искусство», «первичные структуры», «искусство как процесс». Произведения минималистов развивались по направлению к трехмерности и назывались "структурами": стремясь превзойти живопись, а не приблизиться к скульптуре, они сводили на нет различия между двумя видами искусства. В происхождении минимализма важен еще один источник ‑ конструктивизм, знакомство с которым стало возможным благодаря вышедшей в 1962 году книге Камиллы Грей о советском авангарде. Среди наиболее репрезентативных минималистов — Карл Андре, М. Бочнер, У. Де Мариа, Д. Флэвин. С. Ле Витт, Р. Мэнголд, Б. Мэрден, Р. Моррис, Р. Раймэн. Их объединяет стремление вписать артефакт в окружающую среду, обыграть естественную фактуру материалов. Минимализм стремится передать упрощённую суть и форму предметов, отсекая вторичные образы и оболочки. Преобладает символика цвета, пятна и линий. Д. Джадд определяет его как «специфический объект», отличный от классических произведений пластических искусств. Как писал Джадд: «Специфический объект становился функцией пространства, света и зоны видимости зрителя». Процесс восприятия приобретал решающую роль. Взаимодействие структуры и пространства, которое ее окружает и создает смысл всей инсталляции, становится одной из отличительных

черт минимализма.

Френк Стелла	Фрэнк Стелла Турецкое мамбо, 1967	Ив Кляйн. IKB 191. 1962

Дональд Джадд «Без названия», 1967.	Дональд Джадд «Без названия», 1988.	Р. Моррис 1973

Люсси Липпард в 1968 году сделала классификацию, выделив несколько типов:

- структуры, занимающие пространство (Джадд, Моррис)

- структуры, игнорирующие или уничтожающие пространство (Андре, Флэвин)

- структуры, поглощающие пространство (Ле Витт)

Каждому типу соответствовала точно найденная стратегия. Джадд занимал пространство, располагая в нем одну вещь за другой, Моррис делал реплики одной формы, но устанавливал их по-разному, Андре распластывал свои объекты по полу, добиваясь полного слияния со средой, Флэвен с помощью света скрывал архитектурные параметры зала, Ле Витт связывал воедино пространство вертикальными модульными структурами. К концу 60-х годов произведения принципиально стали изготавливаться промышленным способом. Этот выбор недвусмысленно упразднял идею оригинала и «руки мастера» и в то же время утверждал превосходство проекта над его реализацией. Эта тема впоследствии станет центральной в концептуальном искусстве.

В современной живописи доминирует из-«образительная» линия с ясностью прочтения сюжета, философском обобщении его содержания, дополняя минимализм лирикой символизма.

Хосе Бассо родился в Чили в 1949 году, закончил Университет Чили со степенью в области изобразительных искусств. Сам художник относит свои картины к концептуальному символизму. В картинах гипертрофированный минимализм, где отсутствие многих деталей компенсируется четко выраженным композиционным центром и эмоционально-символическим использованием цвета.

Хосе Бассо	Хосе Бассо

3.8 Граффити (graffiti ‑ в археологии любые процарапанные на какой-либо поверхности рисунки или буквы, от итал. graffiare ‑ царапать) Так обозначаются произведения субкультуры представляющие собой в основном крупноформатные изображения на стенах общественных зданий, сооружений, транспорта, выполненные с помощью разного рода пульверизаторов, аэрозольных баллончиков с краской. Отсюда другое название «пульверизаторное искусство» ‑ Spray-art. Его происхождение связывают с массовым появлением граффити. в 70-е гг. на вагонах нью-йоркского метро, а затем и на стенах общественных зданий, магазинных жалюзи. Первыми авторами граффити были в основном молодые безработные художники этнических меньшинств, прежде всего пуэрториканцы, поэтому в первых Граффити проявились некоторые стилистические черты латиноамериканского народного искусства, а самим фактом появления на поверхностях, не предназначенных для этого, их авторы выражали протест против своего бесправного положения. К началу 80-х гг. сформировалось целое направление почти профессиональных мастеров. Стали известны их настоящие имена, до этого скрытые под псевдонимами (CRASH, NOC 167, FUTURA 2000, LEE, SEEN, DAZE). Некоторые из них перенесли свою технику на холст и стали выставляться в галереях Нью-Йорка, а вскоре граффити появились и в Европе.

3.9 Лэнд-арт (от англ. land art ‑ земляное искусство), направление в изоискусстве последней трети XX в., основанное на использовании реального пейзажа в качестве главного художественного материала и объекта. Художники прорывают траншеи, создают причудливые нагромождения камней, раскрашивают скалы, избирая для своих акций обычно безлюдные места ‑ первозданные и дикие ландшафты, тем самым как бы стремясь вернуть искусство в природу. Благодаря своему «первобытному» облику многие акции и объекты такого рода сближаются с археологией, а также с фото-артом, поскольку большинство публики может созерцать их лишь в сериях фотографий. Похоже, нам придётся смириться с ещё одним варваризмом в русском языке. Не знаю, совпадение ли, что термин «лэнд-арт» появился в конце 60-х, во время, когда в развитых обществах мятежный дух студенчества устремил свои силы на свержение устоявшихся ценностей.