ИСКУССТВО ДРЕВНЕЙ ГРЕЦИИ
Термин «Античность» появился во Франции в XVIII в., он происходит от латинского слова «antiquus»- «древний». Под выражением «античный мир» понимается культура двух цивилизаций: древнегреческой и древнеримской – самых древних культур Европы.
Именно в период Античности были заложены основы всех естественных наук, началось активное познание законов природы, были основаны первые философские школы: идеалистическая (Платон), материалистическая (Аристотель), киническая (Антисфен, Диоген). Основы науки и философии, конечно, зародились еще раньше, в культурах Египта и Месопотамии, но там они только накапливали эмпирический опыт, а в Греции этот опыт получает теоретическое осмысление. Греция дала миру множество известных имен: это основоположники философских школ Демокрит, Фалес, Аристотель, Платон, Сократ, Эпикур, Геродот – путешественник, описавший впервые Египет, Вавилон, культуру скифов, географ Страбон, Гиппократ - основоположник научной медицины, написавший трактаты о различных болезнях, историк Ксенофонт, первый поэт Гомер, драматурги Софокл, Эсхил, Аристофан, Менандр, Еврипид, поэтесса Сапфо, баснописец Эзоп, известные математики Эвклид и Пифагор, «отец механики» Архимед, зодчие Иктин, Калликрат, Мнесикл, Полидор, Гипподам, художники-живописцы Зевксид, Паррасий, Апеллес, скульпторы Мирон, Поликлет, Пракситель, Агесандр, Лисипп, Леохар, Фидий и десятки других. Вошли в историю также имена римских поэтов Вергилия, Горация и Овидия, историков Плутарха, Транквилла, философа Сенеки, оратора Цицерона, энциклопедиста и историка Плиния Старшего, архитектора Аполлодора Дамасского, инженера и первого теоретика архитектуры Витрувия.
В Древней Греции и Древнем Риме появились новые виды и жанры искусства: театральное искусство, жанровая живопись, зрелые формы литературы и поэзии, круглая и статуарная скульптура, исторический рельеф, мозаика, фреска.
Важнейшей заслугой архитектуры античности является создание ордерного языка, новых конструктивных систем и новых типов общественных и жилых зданий.
Периодизация истории Древней Греции
1) Эгейская культур а (кон. III-II тыс. до н.э.)
2) Гомеровский период (XII-VIII век до н. э.) - время распада родовой общины и зарождения рабовладельческих отношений. Появление эпоса и первых, примитивных памятников изобразительного искусства.
3) Архаика (VII-VI век до н.э.) - период образования рабовладельческих городов-государств, время борьбы античной демократической художественной культуры с остатками и пережитками старых общественных отношений. Сложение и развитие греческой архитектуры, скульптуры, ремесел, расцвет лирической поэзии.
4) Классика (V- последняя треть IV века) - период высокого расцвета философии, естествонаучных открытий, развитие поэзии (особенно драмы), подъема в архитектуре и полной победы реализма в изобразительных искусствах. В конце этого периода наступает первый кризис рабовладельческого общества, развитие полиса приходит к упадку, что во второй половине 4 века вызывает кризис искусства классики.
5) Эллинизм (последняя треть IV – I век до н.э.) - период кратковременного выхода из кризиса путем образования больших империй. Однако, очень скоро наступило неизбежное обострение всех неразрешимых противоречий рабовладения. Искусство теряет дух гражданственности и народности. В дальнейшем эллинистические государства были завоеваны Римом и включены в состав его державы.
ГОМЕРОВСКИЙ ПЕРИОД
Гомеровский период в истории древнегреческого искусства (XI—VIII вв. до н. э.), характеризуется патриархальностью быта, раздробленностью мелких хозяйств и примитивностью начинавшей формироваться культуры. От этого времени почти не осталось памятников зодчества, так как материалом служили в основном дерево и необожженный, но лишь высушенный на солнце кирпич-сырец. Представление об архитектуре у ее истоков могут дать лишь плохо сохранившиеся остатки фундаментов, рисунки на вазах, терракотовые погребальные урны, уподобленные домам и храмам, и некоторые строки гомеровских поэм «Иллиада» и «Одиссея».
Особенно же широкое распространение получило украшение сосудов, к которым древнейшие греки относились не только как к необходимым в быту предметам. В разнообразных, порой причудливых керамических формах, в простых, но выразительных рисунках на них выступало стремление к красоте, к художественному осмыслению мира.
Стиль росписей этого времени называют геометрическим по характеру узоров. В формах и рисунках ваз, возникших до IX века до н. э., выступала несложность выражения чувств создавших их людей. Сосуды обычно покрывались орнаментами в виде простейших фигур: кругов, треугольников, квадратов, ромбов. С течением времени узоры на сосудах усложнялись, разнообразными становились их формы. Примером может служить Дипилонская амфора.
ГРЕЧЕСКАЯ АРХАИКА
VII—VI вв. до н. э.— время сложения и укрепления античных рабовладельческих городов-государств, греческих полисов — называются архаическими (от греческого «архайос» —древний). Усиленно строятся и укрепляются города, прокладываются дороги, мосты, водопроводы. Складывается общегреческий рынок, чеканится монета.
Период архаики — время возникновения греческой письменности (на основе финикийской), медицины, астрономии, истории, географии, математики, натурфилософии, лирической поэзии, театра и, конечно, изобразительных искусств. Греки, умело используя достижения прежних культур Вавилона, Египта, создали свое собственное искусство, оказавшее огромное влияние на все последующие этапы европейской культуры.
Зодчие этого периода уже пользовались не деревом и кирпичом на каменной основе, как раньше, а камнем. На главной площади города - агоре, где происходили собрания и религиозные празднества, возвышался храм, посвященный обычно божеству — покровителю города.
Особой заслугой древнегреческой архитектуры является создание ордерной системы (ордер - от лат. «ордо» — строй, порядок), под которой следует понимать сочетание и взаимодействие несущих (поддерживающих) и несомых (перекрывающих) элементов. Эту роль в строительстве храмов осуществляют опоры-колонны и лежащее на них балочное перекрытие, т.е. антаблемент. Основными элементами ордера являются: цокольная часть здания (трехступенчатый стилобат), колонны (состоят из базы, ствола и капители) и антаблемен т (состоит из архитрава, фриза и карниза).
В древнегреческой архитектуре сложились три классических ордера, которые продолжают применяться и поныне: дорический, ионический и коринфский.
Наибольшее распространение получили дорический и ионический (конец VII в. до н.э.) ордеры и, в меньшей степени, позднее (конец V- начало IV вв. до н.э.) - коринфский ордер.
Для дорического ордера характерны строгость форм и пропорций. Как лаконичный и простой, он воплощал идею мужественности. Дорическая колонна завершается сверху широкой капителью (абаком) на подушке (эхине), принимая на себя большую часть тяжести. Ее ствол покрывают вертикальные желобки, так называемые каннелюры, число которых обычно составляло не менее двадцати.
Ионический ордер гораздо сложнее дорического и насчитывает большее количество деталей. Капитель (т.е верхняя часть колонны) изящно декорирована и имеет по обеим сторонам волюты (т.е. спиралевидные завитки с глазком в центре). В оформлении антаблемента активно использовалась скульптура на мифологические темы. Таким образом, изящный ионический ордер, воплощавший идею женственности, создавал впечатление праздничности и изысканной нарядности.
Коринфский ордер еще легче и изящнее ионического, его колонны выше и стройнее. Капитель представляет форму перевернутого основанием кверху колокола, по углам которого расположены четыре волюты - стилизованные побеги растения аканфа.
Разнообразна была и композиция древнегреческих храмов, среди которых наиболее распространенным видом стал периптер, т.е. «оперенный», окруженный со всех сторон колоннами (от греч. «птерос» - «крыло»). Святилищем храма был наос, или целла, где находилась статуя божества, в честь которого возводился храм, и хранились реликвии. Вход в эти священные помещения осуществлялся только с заднего фасада, а не с главного входа, который всегда располагался в восточной части храма.
Более сложным видом стал диптер - храм с двойной колоннадой.
Сложным путем шло развитие архаической скульптуры. Можно сказать, что греческая скульптура родилась на стадионах, в гимнасиях, на олимпиадах. Победители олимпийских игр всенародно прославлялись, в их честь воздвигались статуи. Поскольку на состязаниях юноши выступали обнаженными, то скульптура с первых шагов стала решать проблемы пластики обнаженного юношеского тела. Так появились в период греческой архаики скульптурные изображения юношей — куросы, которые долго называли архаическими аполлонами. Иногда такие статуи достигали нескольких метров высоты. Фигура монументальна, моделирована обобщенно, в ее нерасчлененности отчетливо подчеркивается связь с блоком. Руки прижаты к туловищу, одна нога выставлена вперед. Подчеркнуто атлетическое сложение: широкие плечи, узкие бедра. Углы губ чуть приподняты, что позволило исследователям ввести термин «архаическая улыбка», глаза широко открыты. Четкая фронтальность, подчеркнутые плоскости фаса и профиля, статика позы, разработка волос напоминают древнеегипетские статуи. Но улыбка, устремленный вдаль взгляд создают впечатление жизнерадостности, открытости человека перед миром, счастья познания его, что составляет глубокую гуманистическую идею греческого искусства.
Куросы посвящались богам, ставились в храмах и святилищах, изображения атлетов воздвигались на площадях городов. Рельефные изображения исполнялись на надгробных плитах — стелах. Материалом служили камень, дерево, мрамор, терракота, со второй половины VI в. до н. э.— бронза. Камень и глину раскрашивали. Раскраска была условной: борода могла быть синей или зеленой, глаза —красными, но это лишь усиливало общую декоративность.
Если в скульптурном изображении мужской фигуры решалась проблема обнаженного тела, то в женской — проблема задрапированного. Такие фигуры назывались «корами» (по-гречески кора — дева). Чаще всего их находят около Афин, так как коры обычно изображали жриц богини Афины. Уже в ранних архаических корах видно, как скульптор стремился под их одеждой — хитонами и пеплосом — как можно точнее промоделировать тело. Глаза удлиненные, широко раскрытые, «архаическая улыбка» еле намечена. Как правило, коры раскрашивались: при розовато-красных волосах брови и ресницы могли быть черными, одежда яркая, очень нарядная.
Лица куросов и кор не индивидуализировались, а обобщались. В мужских фигурах подчеркнуты статикой позы сдержанность, мужество, сила. Сдержанность, благородство при подчеркнутой женственности, нежности мы наблюдаем в образах кор. Все это выражало нравственный идеал греков в период архаики, а в искусстве той эпохи эстетический и этический идеалы сливались.
О монументальной живописи архаического периода ничего не известно. Зато мы может судить о вазописи, как VII, так и VI в. до н. э.
В VII в. до н. э. живопись заполняла всю поверхность сосуда, как ковром. Стиль этот называется обычно ковровым, поскольку многое, особенно в орнаменте, греки восприняли от искусства Востока: пальметты, цветы лотоса, как и многие мотивы животного мира. Все это переработано живой фантазией греков и обогащено их собственной мифологией. Узор, подчеркнутый контуром, наносился темно-коричневым лаком по светлой глине, детали процарапывались, выделялись белой и пурпурной красками.
В конце VII в. до н. э. ковровый стиль в вазописи уступает место чернофигурному. Черным лаком стали наносить узор на чуть подкрашенную охрой глину сосуда, фигуры располагались уже не «ковром», горизонтальными полосами, а свободно размещались на поверхности стенок. Помимо мотивов растительного и животного мира в керамике Афин, особенно в VI в. до н. э., появляется много сцен сражений, пиров, охоты, эпизодов из гомеровских поэм. Мастера-гончары с этого времени стали подписывать свои сосуды.
С последней трети VI в. до н. э. чернофигурную вазопись сменила краснофигурная (фигуры естественного цвета глины выступали на фоне, сплошь покрытом лаком). Более живописные, живые, динамичные жанровые сцены все чаще сменяют традиционно мифологические (мастера Евфимид, Бриг, Евфроний).
Создав тип храма-периптера, решив проблемы пластики обнаженной мужской и задрапированной женской фигуры, разработав многофигурные композиции в вазописи, все более тяготеющие к изображению реального мира, искусство архаики заложило основы всей художественной системы следующего периода — греческой классики.
ГРЕЧЕСКАЯ КЛАССИКА
Расцвет Афин справедливо связывается со временем, когда город возглавлял первый стратег Перикл (444—429 гг. до н. э.). Около него группировалась интеллектуальная элита: люди искусства и науки (поэт Софокл, архитектор Гипподам, «отец истории» Геродот), знаменитые философы того времени. На склоне афинского акрополя в знаменитом театре Диониса представляли трагедии Эсхилла, Софокла, Еврипида, комедии Аристофана, которые воспитывали чувства достоинства, ответственности греков перед согражданами, благородство и независимость духа. Искусство греков показывало, каким должен быть человек: физически и нравственно прекрасным, гармонически развитым,—и в этом смысле искусство V—IV в. до н. э. справедливо стали называть классикой, оно явилось образцом для подражания.
В архитектуре V в. до н. э. развивался все тот же тип храма-периптера преимущественно дорического ордера. Пропорции его стали стройнее, гармоничнее, приобрели большую логику, ясность и простоту. Так, число колонн стало определенным: по длинной стороне вдвое больше, чем по короткой, плюс одна (например, 13:6 или 17:8).
Архитектура V в. до н. э. предстает перед нами в гармонии со средой, в соразмерности с человеческой фигурой, в синтезе со скульптурой.
Высшие достижения древнегреческой архитектуры связаны с ансамблем Акрополя - общественного и культурного центра Афинского государства, созданного в V веке. Многократно разрушенный, ограбленный и превращенный в руины, этот памятник «золотого века» античной культуры и сегодня сохраняет величавость и органическую стройность.
Храмы Афинского акрополя
Акропроль (греч. akropolis, от akros – верхний и polis – город), возвышенная и укрепленная часть древнегреческого города, так называемый верхний город; крепость (убежище на случай войны).
Акрополь в Афинах представлял собой естественную скалу, возвышающуюся над уровнем моря и находящуюся примерно в пяти километрах от него, был создан в V - IV вв. до н.э. Разрушенный во времена персидских нашествий, Акрополь был отстроен заново с невиданным до того размахом. В течении третьей четверти V в. до н. э. были возведены сверкающие, беломраморные здания: Парфенон, Пропилеи, храм Ники Аптерос («Бескрылой Победы»). Завершающее ансамбль здание Эрехтейона строилось позже.
Греческие архитекторы умели прекрасно выбирать места для своих построек. Храм возводился там, где ему было словно приготовлено место самой природой, и вместе с тем его спокойные строгие формы, гармонические пропорции, светлый мрамор колонн, яркая раскраска противопоставляли храм природе, утверждали превосходство разумно созданного человеком сооружения над окружающим миром.
Смысл планирования Акрополя можно понять, лишь представляя движение торжественных процессий в дни общественных празднеств. Первоначально раз в год, а позднее —раз в четыре года по священной дороге от Афин к Акрополю тянулось шествие с дарами богине Афине и с одеждой для нее — пеплосом, который ткали лучшие афинские девушки, начинались так называемые Панафинейские празднества в честь богини — покровительницы города. Процессия проходила через парадный вход на холм — Пропилеи (архитектор Мнесикл, 437—432 гг. до н. э.), состоящий из ионической колоннады между двумя дорическими портиками,— на площадь Акрополя.
Справа от Пропилей на выступе скалы Акрополя, на высоком постаменте стоял храм Нике Аптерос (архитектор Калликрат; 449—421 гг. до н э.), ионического ордера, с деревянной скульптурой богини Нике Аптерос (бескрылой) внутри. Это редкое изображение бескрылой победы. В поэтическом воображении греков богиня победы рисовалась изменчивой, легко перелетающей от одного к другому, и поэтому чаще они изображали ее крылатой.
Процессия направлялась от входа к центральному храму Акрополя — Парфенону (архитекторы Иктин и Калликрат, 447—438 гг. до н. э.). Парфенон —периптер (70х31 м), окруженный 46 колоннами высотой 10 м, по 8 на портиках и по 17 на длинных сторонах. В Парфеноне соединены черты дорического (колонны) и ионического ордеров. Пентелийский мрамор его колонн, красный и синий цвета фронтонов и метоп, деликатно введенная позолота сообщали храму праздничность. Чувство пропорций, соразмерность всех частей, точность в расчетах делают Парфенон безупречным произведением искусства. Это творение, близкое и понятное человеку, соразмерное ему, вызывающее не только восхищение памятником, но и чувство уверенности в человеческих силах, возможностях и таланте.
Внутри Парфенона (в восточной его части, ибо он был разделен на две половины) стояла изваянная Фидием 13-метровая статуя Афины-Парфенос, Афины-Девы (447—438 гг. до н. э.). Афина представлена в одеянии с изображенными на нем сфинксом и крылатыми конями. Правой рукой она опиралась на колонну, держа двухметровую крылатую богиню Нике, в левой руке у богини Афины был щит. Рядом со щитом Фидий поместил изображение громадного священного змея. Лицо Афины, руки, маска медузы Горгоны на груди были выполнены из слоновой кости, глаза —из драгоценных камней, одежда и оружие —из золота. Такой ее описал в древнем путеводителе Павсаний.
Фронтоны и 92 метопы Парфенона были украшены Фидием и его учениками, а также художниками старшего поколения. Скульптуры Парфенона в ясных и логичных образах, с глубокой поэтичностью и эмоциональностью прославляли богиню Афину. Скульптуру Парфенона можно с полным правом считать гениальным творением Фидия. История Парфенона и его скульптурного убранства полна трагичности. В средние века Парфенон был превращен в христианскую церковь, затем использовался турками как пороховой склад. В XVII в. при осаде Акрополя венецианцами в Парфенон попало ядро и он был разрушен. Многие скульптуры погибли. Большинство из сохранившихся рельефов в настоящее время хранится в Британском музее в Лондоне.
В настоящее время в Афинах запрещено строительство высоких домов, которые могли бы заслонить Акрополь. Эллинский Кремль царит над современным городом как свидетельством величия древнегреческой культуры, как памятник становления европейской цивилизации.
В наши дни здесь музей, произведения которого, пройдя через тысячелетия, не утратили своего значения и имеют огромную историческую ценность. Однако еще более значительны они с точки зрения художественной. Мраморные храмы и скульптурные памятники древних Афин все ценители прекрасно признают недосягаемыми образцами искусства.
Главное святилище Акрополя - храм Эрехтейон - создан позднее Парфенона, в последней четверти V в. до н.э. Он был воздвигнут в честь Афины и Посейдона на том месте, где, по преданию, проходил их спор за обладание Аттикой. Особенностью Эрехтейона является его совершенно необычная для греческого храма сложная ассиметричная планировка. Храм украшают скульптуры кариатид - девушек, торжественно поддерживающих карниз. Таким образом, кариатиды выполняли конструктивную роль, заменяя колонны.
В скульптуре самая распространенная тема - образ атлета. Совершенную человеческую красоту —вот что стремились воплотить греки в образах атлетов. Известны не только анонимные произведения V в. до н. э. В это время в Афинах работали скульптуры Фидий, Мирон и Поликлет. Многие статуи их дошли до нас лишь в римских мраморных копиях I—II в. н. э.
МИРОН - мастер ярких и острых характеристик. Работал в бронзе, однако ни одно из его произведений не сохранилось; они известны главным образом по копиям. Самое известное произведение - «Дискобол». Мирон выбрал смелый художественный мотив - кратчайшую обстановку между двумя сильными движениями, момент, когда сделан последний взмах руки перед броском диска. Вся тяжесть тела падает на правую ногу. Левая рука, касаясь колена, как бы удерживает фигуру в равновесии. При таком сильном напряжении тела лицо юноши удивляет зрителя своим совершенным спокойствием. Передача мимики лица, соответствующей напряжению тела, могла бы исказить красоту атлета, образ которого воплощает свободного, прекрасного и доблестного гражданина. Мирону первому удалось передать в статичном искусстве живость движения, внутреннее напряжение фигуры.
В другом произведении — «Афина и Марсий», исполненном для афинского акрополя, лесное существо Марсий выбирает музыкальный инструмент среди разбросанных у его ног, рядом стоит взирающая на него с гневом Афина. Обе фигуры объединены действием. Интересно отметить, что, хотя Марсий выступает здесь как существо, выражаясь современным языком, отрицательное, лишь в его неправильном лице подчеркивается отсутствие совершенства, тело же его идеально прекрасно.
ПОЛИКЛЕТ из Аргоса работал уже в период высокой классики, в середине и второй половине V в. до н. э. Он создал тот обобщенный художественный образ атлета, который стал нормой и образцом. Им был написан теоретический трактат «Канон» (мера, правило), где скульптор точно рассчитал размеры частей тела исходя из роста человека как единицы измерения (например, голова — 1/7 к росту, лицо и кисть руки — 1/10, ступня — 1/6 и т. д.). Свой идеал он выразил в сдержанно-мощных, спокойно-величественных образах «Дорифора» (Копьеносца; 450—440 гг. до н. э.), «Диадумена» (атлета, увенчивающего свою голову победной повязкой, около 420 г. до н. э.). Поликлет воплотил в своих статуях прежде всего образ идеального свободнорожденного гражданина полиса, города-государства Афин.
Третьим величайшим скульптором V в. до н. э. был афинянин ФИДИЙ. В 480—479 гг. персы захватили и разграбили Афины и основные святилища на Акрополе. Среди развалин священного храма Фидий создал семиметровую бронзовую статую Афины-воительницы, Афины-Промахос, с копьем и щитом в руках, как символ возрождения города, его мощи и непримиримости к врагам. Как и все последующие работы Фидия, статуя погибла (она была уничтожена крестоносцами в Константинополе в XIII в.).
Около 448 г. до н э. Фидий выполнил 13-метровую статую Зевса для храма Зевса в Олимпии. Лицо, руки и тело бога были выложены пластинками слоновой кости на деревянной основе, глаза из драгоценных камней, плащ, сандалии, оливковые ветви на голове, волосы, борода — из золота (так называемая хрисоэлефантинная техника). Зевс восседал на троне, держа в руках скипетр и фигуру богини победы. Скульптура пользовалась огромной славой, но и она погибла в V в. н. э.
Конец V—IV в. до н. э.— период бурной духовной жизни Греции, формирования идеалистических идей Сократа и Платона в философии, развивавшихся в борьбе с материалистической философией Демокрита, время сложения и новых форм греческого изобразительного искусства.
В архитектуре поздней классики (410— 350 гг. до н. э.) в отличие от ранней и высокой классики нет «чувства меры» (месотес), характерного для предыдущего периода, и более всего проявляется стремление к грандиозному, внешне великолепному. В Эфесе в середине IV в. до н. э. построен заново некогда сгоревший храм Артемиды, считавшийся одним из чудес света. К такому же чуду можно отнести гигантскую гробницу царя Мавсола в Галикарнасе (архитекторы Пифей и Сатир; 353 г. до н. э.), от которой и произошло позднее название «мавзолей». Она завершалась колесницей с конями и была украшена 150 м фризом с изображением битвы греков с амазонками. Мавзолей соединил торжественную, восточную пышность декора с изяществом греческого ионического ордера.
Большое место в архитектуре IV в. до н. э. занимают общественные сооружения для зрелищ. Это знаменитый театр в Эпидавре (архитектор Поликлет Младший; 360—330 гг. до н. э.), на каменных скамьях которого помещалось 10 000 зрителей. Актеры играли на круглой площадке —орхестре (диаметр ее 12 м), за орхестрой находилась каменная стена — скене. Блестящая акустика позволяла все отлично слышать с последнего ряда, который был отдален от орхестры на 60 м и находился на 23 м выше ее. В греческой архитектуре IV в. до н. э. появляется упоминавшийся выше коринфский ордер с колоннами, завершаемыми богато декорированной капителью в виде листьев аканфа (примером может служить камерный памятник Лисикрата в Афинах; 335—334 гг. до н. э.).
В скульптуре на смену мужественности и суровости образов строгой классики приходит интерес к душевному миру человека, и в пластике находит отражение более сложная и менее прямолинейная его характеристика. Так, в единственной дошедшей до нас в подлиннике скульптора ПРАКСИТЕЛЯ мраморной статуе Гермеса с младенцем Дионисом (покровителя торговли и путешественников, а также вестника, «курьера» богов; статуя исполнена около 330 г. до н. э. и была найдена в ХIX в. в Олимпии) мастер изобразил прекрасного юношу, небрежно облокотившегося на пень, в состоянии покоя и безмятежности. Задумчиво и нежно он глядит на младенца Диониса, которого держит на руках. На смену мужественной красоте атлета V в. до н. э. приходит красота несколько женственная, изящная, но и более одухотворенная. На статуе Гермеса сохранились следы древней раскраски: красно-коричневые волосы, серебряного цвета повязка.
Особой славой пользовалась другая скульптура Праксителя — статуя Афродиты Книдской. Это было первое в греческом искусстве изображение обнаженной женской фигуры. Статуя стояла на берегу полуострова Книд, и современники писали о настоящих паломничествах сюда, чтобы полюбоваться красотой богини, готовящейся войти в воду и сбросившей одежды на стоящую рядом вазу. Оригинал статуи Афродиты Книдской, к сожалению, не сохранился. Героям Праксителя не чуждо лирическое чувство, отчетливо выраженное, например, в его «Отдыхающем сатире».
Для искусства поздней классики было характерно введение новых жанров, которые нашли дальнейшее развитие на следующем этапе — в эллинизме.
В блестящую эпоху классики греки знали и монументальную живопись, расписывая стены зданий многофигурными композициями в технике фрески на те же героические и мифологические сюжеты, что и в скульптуре. Время не сохранило этих работ. Известны только имена мастеров: Полигнота, Аполлодора, Апеллеса и его ученика Зевксиса.
СКОПАС, уроженец острова Парос, был современником Праксителя. Он участвовал в создании рельефного фриза для Галикарнасского мавзолея совместно с Тимофеем, Леохаром и Бриаксисом. В отличие от Праксителя Скопас продолжил традиции высокой классики, создавая образы монументально-героические. Но от образов V в. их отличает драматическое напряжение всех духовных сил.
Отказавшись в своем творчестве от свойственного искусству V века гармонического спокойствия образа, Скопас своими скульптурами передавал сильные душевные переживания, борьбу страстей. Для воплощения этих идей он использовал в творчестве новые методы трактовки деталей и динамическую композицию, особенно черт лица: складки на лбу, глубоко посаженные глаза и приоткрытый рот.
Голова раненого воина – впервые в греческой скульптуре нашли воплощение боль и страдание, смятение чувств.
Самой прославленной среди несохранившихся скульптур Скопаса была «Менада» – статуэтка девушки, спутницы бога Диониса, несущейся в неистовом танце. Тело танцовщицы словно закручено в спираль, её голова запрокинута, одежды развеваются, открывая прекрасное тело. В искусстве Скопаса впервые нашли выражение взволнованность чувств, драматический пафос, бурное движение, – всё то, чего раньше не знала греческая скульптура. Работы Скопаса оказали значительное воздействие на скульпторов эпохи эллинизма.
ЛИСИПП — третий великий скульптор IV в. до н. э. (370—300 гг. до н. э.). Работал он в бронзе и, если верить древним писателям, оставил после себя 1500 бронзовых статуй, которые до нас в подлиннике не дошли. Лисипп использовал уже известные сюжеты и образы, но стремился их сделать более жизненными, не идеально совершенными, а характерно-выразительными. Так, атлетов он показывал не в момент наивысшего напряжения сил, а, как правило, в момент их спада, после состязания. Именно так представлен его Апоксиомен, счищающий с себя песок после спортивного боя. У него усталое лицо, слипшиеся от пота волосы.
Пленительный Гермес, всегда быстрый и живой, тоже представлен Лисиппом как бы в состоянии крайнего утомления, ненадолго присевшим на камень и готовым в следующую секунду бежать дальше в своих крылатых сандалиях.
Лисипп создал свой канон пропорций человеческого тела, по которому его фигуры выше и стройнее, чем у Поликлета (размер головы составляет 1/9 фигуры).
Лисипп был многогранным художником. Придворный скульптор Александра Македонского, он делал гигантские многофигурные композиции, например баталию из 25 фигур всадников, статуи богов (например, Посейдона, установленную на Коринфском перешейке у самого моря), портреты (не один раз он изображал Александра Македонского, лучший из портретов знаменитого полководца несет в себе черты почти трагической смятенности).
Для искусства поздней классики было характерно введение новых жанров, которые нашли дальнейшее развитие на следующем этапе — в эллинизме.