Образы народной живописи

Тема защиты Отечества в русском искусстве имеет глубокие корни. В древнерусском искусстве – в первую очередь в иконе - заступников за Русскую землю олицетворяли Святые Георгий и Дмитрий Солунский, русские святые князья братья Борис и Глеб, Александр Невский. Популярными образами легендарных богатырей стали Илья Муромец, Алеша Попович и Добрыня Никитич.

В изобразительное искусство они вошли с творчеством художников конца XIX – начала XX веков – В. М.Васнецова («Богатыри»), Н.К.Рериха, М.А.Врубеля. За свою долгую историю Россия не раз бывала под властью иноземных захватчиков. Но каждый раз поднимался народ и освобождал свою землю. Русские художники, сознавая моральную силу искусства, обладающего особым воздействием на человека, в тяжелые для страны времена создавали произведения, поднимающие дух своего народа, вселяли в него веру в победу. Так, в начальный период Великой отечественной войны (зима 1942 г.) П.Д.Корин задумал написать картину о героическом прошлом Руси XIII в. Значимость сюжета определила и большие размеры триптиха «Александр Невский », названного по главному герою средней части. Левая часть – «Северная баллада », а правая – «Старинный сказ ».

Величие образа полководца передано через особый (преувеличенный) размер фигуры, чему способствует низкая линия горизонта, суровую позу, (стальной, серебристо-серый – цвет оружия, войны). Победное настроение придает картине красный цвет (цвет победы) плаща Александра Невского. Меч в ножнах на первом плане как бы поясняет слова этого русского князя: «Кто с мечом к нам придет, тот от меча и погибнет». Мысль о победе заложена и в изображении лика Христана знамени (хоругви): защита Отечества – святое дело.

В «Северной балладе » П.Д.Корин создает героические образы людей, сильных духом в борьбе за свободу. У мужчины меч уже обнажен: враг близко. Образ Родины передан через фигуру гордой и сильной женщины. Образ собаки соотнесен с понятием верности. В пейзаже заложены два чувства: тревоги (кроваво-красная рябина и несколько суровое по цвету небо) и уверенности (покой и ясность северных земель).

Если «Северная баллада» подобна героической песне, то характер «Старинного сказа» менее напряженный (от битвы остались лишь воспоминания), с большим количеством деталей. Фоном героям служит стена разрушенного захватчиками собора с образом святого Николая Чудотворца. Внутри храма успели разрастись цветы и травы. Все три персонажа одеты празднично: старик с добрым лицом (возможно, участник Ледового побоища), молодой воин с палицей в руке (готовность к защите); в центре – старушка с милым лицом и веселыми глазами. Она-то и расскажет внукам о мужестве далекой битвы. Её образ художник писал со сказительницы Марии Кривополеновой.

1.3 Защитники Отечества («Богатыри»)

Образы наших предков в изобразительном искусстве прославляли лучшие духовные и физические качества народа. Ими обладают и былинные защитники нашего Отечества в самой известной картине В.М.Васнецова «Богатыри». Желание написать картину о богатырях появилось у В.М.Васнецова после любования тремя могучими дубами в парке подмосковной усадьбы Абрамцево. Она создавалась более 20 лет (с карандашного наброска 1871 г.) и была приобретена П.М.Третьяковым в год смерти (1898) художника. Размеры картины:295,3×446 см.

Три персонажа картины не только представляют разные слои населения (боярин, крестьянин и сын священника), но они изображены разными по возрасту. Этим подчеркивается готовность каждого человека встать на защиту родной страны в любое время. Цвет коней как раз символически показывает движение времени: белый - день, черный – ночь, рыжий – заря (утренняя и вечерняя). Образы коней соотнесены с образами всадников: у Ильи Муромца – волнуется, у Добрыни Никитича настороженно смотрит вдаль, у Алеши Поповича хитро пригнул голову.

Добрыня Никитич (слева) в заговоренной броне – боярский сын. О знатном происхождении этого богатыря можно судить по тяжелой золотой цепи на груди и владению белым конем, например. Его образ является аллегорией храбрости. Не полностью вынутый меч говорит о том, что не стоит спешить с его применением, он нужен только для защиты, а не для нападения. Чертами лица Добрыня напоминает самого художника.

Илья Муромец (в центре) – крестьянский сын, «от земли», поэтому художник использует при создании его образа темный цвет. Будучи самым старшим, Илья является аллегорией мудрости и силы народа. По былине его палица булатная весит 40 пудов(1 пуд = 16 кг). Моделью для написания этого богатыря послужил крестьянин Владимирской губернии Иван Петров.

Алеша Попович (справа) не обладает богатырской силой, побеждает врага смекалкой. Его острый ум подчеркивается стрелой. Образ этого персонажа картины является аллегорией тонкой души наших предков. Вот почему в опущенной руке Алеши – гусли, которые звучали, когда душа пела или плакала.

Теме Куликовской битвы посвящены живописные полотна А.П.Бубнова («Утро на Куликовом поле»), М.И.Авилова («Поединок Пересвета с Челубеем»), а также циклы графических работ В.А.Фаворского, С.М.Харламова, А.Д.Шмаринова.

1.4 Памятники великим людям.

Скульптурный памятник – тоже хранитель истории. В скульптуре чаще изображаются люди и реже - события, т.к. свободу в творчестве скульптора ограничивает твердый материал. Для передачи дополнительной информации мастера используют символические элементы, атрибуты.

Для создания образа преобразователя России императора Петра Великого в XVIII в. из Франциибыл приглашен Этьен-Морис Фальконе, который выехал в Россию со своей 17-летней ученицей Мари-АннКолло. Скульптор решил изобразить своего героя не совсем традиционно: без римских одежд и без жезла (скипетра), т.к. ему была важна личность Петра, а не его царское происхождение. Фальконе не удалось добиться портретного сходства, поэтому по указу заказчицы памятника (императрицы Екатерины Великой) был принят к исполнению эскиз головы царя, выполненный Мари-Анн.

Долгое время никто не хотел браться за отливку статуи. Иностранные мастера требовали слишком большую сумму, а местных умельцев пугал её размер и сложность работы. По расчётам скульптора для сохранения равновесия монумента передние стенки памятника должны были быть выполнены очень тонкими - не более сантиметра. От такой работы отказался даже специально приглашённый литейщик из Франции. Взялся за дело литейщик - пушечных дел мастер Емельян Хайлов. Начали отливать скульптуру в 1774 году. Понадобилось более 10 пудов бронзы и 250 пудов железа. Технология была очень сложна. Толщина передних стенок обязательно должна была быть меньше толщины задних. При этом задняя часть становилась тяжелее, что придавало устойчивость статуе, опирающейся всего на три точки опоры.

Памятник Петру I работы Э-М.Фальконе является уникальным: никому ещё не удавалось создать конное изображение со вздыбленным животным на двух ногах. Высота памятника – более 5 м, а вес – около 8 тонн.

Пьедесталом является «гром-камень», т.е. отколовшаяся во время грозы часть скалы. В память о титаническом труде по доставке её в Санкт-Петербург была выпущена медаль «Дерзновению подобно». Надпись на пьедестале гласит: «Петру Первому – Екатерина Вторая». Преодоление горы на скаку является символом преодоления трудностей на пути к новой России.

Поднятая рука Петра является призывом смотреть в будущее России. Вместо седла у всадника – медвежья шкура как символ невежества страны, какою её считал государь в сравнение с Европой. Лавровый венок на голове Петра справедлив по победе России в 22-летней войне со Швецией. Врага символизирует змея под копытом коня.

На одной из складок плаща Петра I скульптор оставил надпись "Лепил и отливал Этьен Фальконе парижанин 1778 года".

Открытие монумента на Сенатской площади состоялось 7 августа 1782 г. в день столетия воцарения Петра I. По поэме А.С.Пушкин «Медный всадник» за памятником закрепилось и это название.

Скульптор Иван Петрович Мартос прославил руководителей народного ополчения из Нижнего Новгорода в смутное время XVII в. (1612 г.). Памятник Минину и Пожарскому был установлен в центре Красной площади в 1818 г., но в 1931 г. передвинут ближе к собору Василия Блаженного.

При создании образов купца Козьмы Минина (стоящая фигура с призывным жестом поднятой руки) и князя Дмитрия Пожарского скульптору позировали его собственные сыновья.

Оба героя касаются рукой меча. Князь, которого с юности учили воинскому искусству, левой рукой опирается на щит с изображением лика Христа.

Передний рельеф на пьедестале изображает граждан-патриотов, жертвующих свое имущество на благо Родины. Слева – сам И.П. Мартос, отдающий Отечеству двоих сыновей (один из низ погиб). Задний рельеф изображает князя Пожарского, гонящего поляков из Москвы.

Для плавки было подготовлено 1100 пудовмеди. Медь плавилась 10 часов. Отлитие столь колоссального монумента одним разом было выполнено впервые в европейской истории.

1.5 Памятник «Тысячелетие России»

Этот монумент был воздвигнут в Великом Новгороде в 1862 году в честь тысячелетнего юбилея основания государства Российского. Его создателем стал молодой художник Михаил Микешин, ставший лучшим из 52 участников в конкурсе проектов. Его главным помощником в создании глиняной модели (в 1/5 величины) был Иван Шредер.

Памятник, созданный за три года, представляет собой гигантский шар -державу на колоколообразном гранитном пьедестале. Такая форма была призвана «благовестить потомкам о героическом прошлом России». Памятник и составляющие его части имеют следующие параметры:

· Общая высота памятника - 15 м.

· Высота гранитного пьедестала - 6 м.

· Диаметр гранитного пьедестала - 9 м.

· Диаметр шара-державы - 4 м.

· Окружность рельефа – почти 27 м.

· Высота колоссальных фигур - 3,3 м.

· Общий вес памятника - 10000 тонн,

вес бронзового литья — 65,5 тонны.

Памятник по своему содержанию делится на три яруса, символизирующие (сверху вниз ) веру, власть и народ. Всего памятник содержит 128 фигур.

Первый сверху ярус представлен группой из двух фигур — ангела с крестом в руке (олицетворение православной церкви) и коленопреклоненной женщины (олицетворение России). Установлена эта группа вверху на державе (эмблема царской власти). Держава украшена рельефным орнаментом из крестов (символ единения церкви и самодержавия) и опоясана надписью, выполненной славянской вязью: «Свершившемуся тысячелетию царства Российского в благополучное царствование императора Александра II лета 1862».

Во втором ярусе находятся 17 крупных фигур, образующих шесть скульптурных групп, символизирующих различные периоды истории Русского государстваот Рюрика до Петра I. На щите Рюрика – год 862 («лета 6370»). Каждая группа ориентирована на определённую часть света, что имеет символический смысл и показывает роль каждого государя в укреплении определённых рубежей государства. Среди правителей нет изображения царя Ивана Грозного.

В третьей, нижней части монумента расположен рельефная лента, на которой помещены 109 образов исторических деятелей, воплощая идею опоры самодержавной власти на общество в лице его славнейших представителей. Внутри каждого раздела персоны расположены согласно позиции на памятнике слева направо. Государственных деятелей – 26, просветителей – 31фигура, военных людей и героев – 36, писателей и художников – 16 (единственный художник здесь – Карл Павлович Брюллов).

С русским Севером связаны образы, например, святого начала XV в. Кирилла Белозерского и величайшего ученого XVIII в. Михаила Васильевича Ломоносова.

После революции 1917 г. монумент воспринимался, как памятник самодержавию и был зашит фанерой и досками. Во время Великой отечественной войны нацистский генерал фон Герцог приказал разобрать памятник «Тысячелетие России» и вывезти в Германию в качестве подарка другу. Элементы памятника были грубо разрознены (350 частей), некоторые утрачены навсегда. Воспрепятствовало вывозу освобождение города советскими войсками в январе 1944 г. Надругательство над монументом отражено в картине Кукрыниксов «Бегство фашистов из Новгорода». Заново открыт памятник 2 ноября 1944 г. Памятник «Тысячелетие России» изображен на банкноте – денежном знаке России.

2. Художественные промыслы

2.1 Промыслом обычно называют занятие, с целью получения выгоды, каким-либо делом в объёме, который может обеспечить, полностью или частично, доход, необходимый для жизни занимающегося промыслом и его семьи. Промыслом можно заниматься в одиночку или группой.

Х удожественный промысел - одна из форм народного творчества, деятельность по созданию художественных изделий бытового или декоративного назначения. Народные художественные промыслы восходят к древности, к домашним промыслам и деревенскому ремеслу. К изделиям народных художественных промыслов не могут быть отнесены изделия, созданные без ручного труда или без применения способов ручного украшения изделий. Мастерство изготовления изделий в народных художественных промыслах передавалось из поколения в поколение.

Появление крупной промышленности и соответствующие перемены в жизни общества повлекли за собой постепенное исчезновение массового ручного производства традиционных предметов русского быта. В то же время вторая половина 19 века с ее выставками, ярмарками стала временем возрождения интереса к древним полузабытым русским ремеслам (занятиям населения). Изделия народных мастеров из предметов повседневного быта превращаются в произведения искусства. Это относится к таким видам декоративно-прикладного искусства, как вышивка, керамика, художественная обработка металла, камня, дерева, кости и т.д.

Важной задачей в наше время является сохранение, возрождение и развитие традиций народных художественных промыслов.

Разные регионы России славятся своими особенными промыслами. Например, Павловский посад знаменит своими большими платками-шалями, а Сергиев Посад - деревянными игрушками, в том числе матрешками. Авторами первой матрешки стали художник С.Малютин и резчик В.Звездочкин. Вид промысла зависит от особенностей региона, его сырьевых ресурсов; так, для создания вологодского кружева необходимо выращивание льна.

2.2 Материалы в художественных промыслах.

Они могут быть самыми разнообразными. В северном краю лесов распространены в основном такие способы обработки дерева:

- резьба,

- роспись,

- плетение (из корня, бересты, веток).

В музеях Вологодчины можно увидеть и необычные плетеные из бересты вещи, как куртка, рюкзак, сапоги ит.д.

Керамической посудой на вологодской земле славился г. Кириллов (чернолощеной), а Устье Кубенское - поливной (глазурованной).

Железные изделия могли быть:

- просечными, т.е. плоскими, с вырезанным фоном

(дымники, накладки на сундуки),

- коваными, т.е. более объемными предметами(светцы, фонари,

ключи, беседки).

В каждом деревенском доме имелись кросна – станок для ткачества: тканей и ковриков (дорожек-половиков).

Тканные картины, выйдя на пенсию, создавала на кроснах Евдокия Панова из поселка Чебсара, что недалеко от Череповца. Даже в наши дни в сельском доме можно увидеть вязаные крючком (в основном круглой формы) коврики из полосок старой одежды.

2.3 Ювелирное искусство.

Это – искусство создания украшений из драгоценных металлов и камней. Центрами возрождения многих видов художественных промыслов стали такие древние города русского Севера как Великий Устюг и Сольвычегодск.

Ювелиры используют многочисленные способы создания украшений: литьё, чеканка, гравировка, чернение и др.

Чернением по серебру знаменит Великий Устюг. Легкоплавкий состав черного цвета (серебро, свинец, медь и сера) накладывается в углубленный процарапанный рисунок изделия и обжигается при очень большой температуре. Первое упоминание овелико-устюгской черни относится к 1744 г. Инициатором возрождения промысла стал В.Шильниковский, воплотивший более 300 рисунков.

Филигрань (скань) - один из древнейших видов художественной обработки металла. Слово "скань"- древнеславянское и означает «свить, скрутить». Получается скань от скручивания двух проволочек, образующих "веревочку". Дополняется скань зернью, т. е. маленькими шариками, делающими изделие еще более красивым. В технике зерни изготовлялись изделия Киевской Руси еще в X в. Но уже с XII в. зернь уходит на второй план и все чаще употребляется напайная фоновая скань, когда филигранный узор напаивается на листовой материал.

Для ювелирных украшений характерен ажурный, т.е. мелкий и сложный узор.

Ажурная филигрань (без фона) имеет разновидности:

плоская ажурная филигрань - когда изделие имеет вид кружева, состоящего из спаянных между собой проволочных элементов. В технике объемной филиграни часто выполняются посуда, предметы туалета. Это блюда, коробочки, вазы, ларцы. В изделии могут использоваться несколько видов филиграни. Ажур сочетается с драгоценными камнями, эмалью.

Любая сложная, тонкая, кропотливая работа стала называться филигранной. А её трудность выразилась в названии – канительная, а канителью обозначали тончайшую проволоку, когда из 1 г серебра вытягивали нить до 1 км.

Финифть - это древнерусское название эмали. Эмаль - прочное стекловидное покрытие, нанесённое на металлическую основу и закрепленное обжигом при температуре 780-900 градусов. Художественная(горячая) эмаль один из древнейших способов украшения металла.

Ростовская финифть считается лучшей в России. Роспись по эмали близка по технике к росписи фарфора. На тонкую выпуклую пластинку, до 1,5 мм наносят огнеупорные эмалевые краски. Пластинку обжигают несколько раз, при этом цвет красок меняется. При создании несложной композиции с использованием ограниченной красочной палитры изделие обжигается 2-3 раза. Для написания сложной миниатюры, богатой цветовыми оттенками, требуется от 4 до 7 прописок и столько же обжигов. Законченный вид финифти, как ювелирному изделию, придает оправа, чаще изготовленная в технике скани. Роспись по эмали практически никогда не повторяется.

Существуют несколько видов эмали; среди них самыми распространенными являются:

- выемчатая (заполняющая углубления в металле),

- перегородчатая (заполняющая промежутки между металлическими ленточками, напаянными ребром на поверхность металла),

- расписная (живопись цветной эмалью, а также огнеупорными красками по эмалевой поверхности).

Роспись по эмали практически вечно сохраняет чистоту, блеск и прозрачность цвета. Каждое изделие с финифтью индивидуально. Поэтому эмали всегда были и остаются элитарным видом искусства (не существуют в больших количествах из-за трудности создания). Финифти применяют для исполнения миниатюрных портретов, украшения ювелирных изделий, икон, гербов и других предметов роскоши. Художественная эмаль во все времена ценилась на уровне драгоценных камней.

2.4 Вологодское кружево

Слово «кружево» происходит от «окружать», украшать нарядной отделкой края одежды и других предметов из тканей. Кружево, зародившееся в западной Европе, делится на шитое иглой и коклюшечное (плетеное). Изначально в Европе шитое кружево было принадлежностью аристократии, а кружево, плетеное на коклюшках, было распространено в народе. Существует предание, что в 1725 г. Петр I выписал из французских монастырей 250 кружевниц, для обучения плетению кружев детей-сирот.

Вологодское кружевоплетение восходит к 16—17 вв. как домашнее ремесло, и кружевоплетением сначала занимались знатные женщины, вероятно, в силу использования драгоценных нитей (льняных, обвитых тончайшей золотой и серебряной проволокой, и шелковых). В этот период в кружеве ценили не столько искусную работу, сколько сам материал. Кружево даже продавали на вес. В народной одежде использовалось кружево из льняной пряжи, а с конца XIX века - из хлопчатобумажных нитей.

Как промысел наше кружево существует с первой четверти XIX века. Начало промысла относится к 1820 году, когда близ Вологды в имениях помещиков крепостные стали выплетать отделки к платьям и белью, подражая западноевропейским. Со временем из помещичьих мастерских плетение кружев переместилось в народную среду и стало одним из видов народного искусства, отражавшего запросы и вкусы широких кругов местного населения.

В 1893 году в Вологодской губернии кружевным промыслом занимались 4 000 мастериц, в 1912 году - 40 000. Особенно кружевоплетение было развито на территории Вологодского, Кадниковского и Грязовецкого уездов. В 1928 году в Вологде была создана профессионально-техническая школа кружевниц. До 40-х годов прошлого века преобладало мерное (в виде ленты) кружево для отделки белья, позднее основными стали штучные изделия в технике сцепного (с соединением отельных элементов) кружева - салфетки, воротнички, пелерины, шарфы, галстуки, перчатки, а также уникальные выставочные образцы, получившие международное признание. Вологодское кружево прославляли в свое время такие мастера, как: А.Брянцева (XIX в.), В.Веселова, Э.Хумала, А.Ракчеева, Г.Мамровская и многие др.

В 1960 году организовано Вологодское кружевная фирма «Снежинка». 3 ноября 2010 года в Вологде на Кремлёвской площади открылся Музей кружева. В июне 2011 г. в нашем городе прошел первый Международный фестиваль кружева, в котором участвовали около 500 кружевниц. Самой юной вологодской участнице было 3 года, а самой старшей – 74. Среди мастеров были и мужчины, младшему из которых исполнилось всего10 лет.

Инструментами для кружевоплетения являются:

- коклюшки (минимум – 1 пара деревянных палочек с намотанной между ними нитью; в среднем применяли от 6 до 12 пар, в огромных выставочных изделиях – до 800, когда в работе участвовало несколько кружевниц),

- сколок (точечный рисунок-образец, выполненный на картоне, а раньше даже на бересте),

- булавки, вокруг которых обвивались перекрещивающиеся нити,

- валик, подушка овальной формы, к которой прикреплялся сколок,

- пяльцы (раскладная опора для валика).

Основными элементами вологодское кружева являются:

- полотнянка или "вилюшка" (непрерывная и

неперекрещивающаяся самая широкая плавная линия,

образующая основной узор),

- плетешок (самый тонкий шнурок из 2 переплетенных нитей),

- сетка, служащая фоном узора,

- насновка или «овсинка» (плотный овал с заостренными концами).

Сегодня вологодское кружево отличает разнообразие орнамента, монументальность форм и преобладание цветочных мотивов.

3. Художественная обработка дерева

3.1 Украшенные предметы быта

Материалом для творчества народного художника служило все, что его окружало: камень, глина, металл, кость, ткани. Наш далекий предок жил среди дремучих лесов и поэтому дерево считал самым ценным материалом. Оно всегда было под рукой, на все годилось, легко поддавалось обработке. Именно из дерева создавал русский человек все, что окружало его в повседневной жизни: от колыбели до могильного креста.

Уважение к лесу не позволяло крестьянину рубить могучие деревья просто на дрова. Из них строились корабли, мосты и крепости, возводились дома, создавались иконные доски. И з отходов или менее крупных деревьев делались предметы домашнего обихода, орудия труда, посуда, детская игрушка. Не удивительно, что на Руси достигли такого высокого искусства в обработке дерева.

При первом же знакомстве с миром деревянных вещей, будь то простое коромысло или голова коня, венчающая кровлю избы, поражает удивительная продуманность, отработанность и выразительность формы. Наш предок-древоделец прекрасно разбирался в свойствах каждой породы дерева (а их только в древнем Новгороде использовали до 27), каждый раз выбирая именно ту, которая более всего подходила к данному изделию. Для сундуков брали прочный дуб, а для ложки и миски — мягкую липу; прялку с донцем вырезали из сосны с горизонтальным корневым ответвлением; из осины делали чешуйку (лемех) для покрытия округлых главок церквей: от солнца и дождей осина приобретала серебристый оттенок.

В народе говорили, что хорошо в лесу:

- еловом - трудиться (серьезно и прохладно),

- сосновом – молиться (вечно и красиво),

- березовом – веселиться (светло и радостно).

Умело использовалась не только древесина ствола, но и все части дерева: из луба (часть дерева сразу под корой) гнули короба и решета, из березовой коры сшивали туески и сумки, а из лыка (коры липы) и корней плели лапти, кузовки, солонки и многое, многое другое. Однако украшались не все предметы быта, а только значимые предметы, те, декор которых не мог пострадать при использовании. Например, не было декора на деревянных ведрах, лопатах.

Наиболее украшенными резьбой и росписью предметами в крестьянском доме были:

а) мебель:

- лавка (неотделима от стены после строительства дома),

- скамья (переносная),

- сундук (место для хранения, сидения и сна),

Существовал и сундуки-подголовники (небольшого размера, с

диагонально расположенной крышкой), а также ларцы

(переносные сундучки с меньшей по объему верхней частью).

- шкафы -поставцы или «горки» (верхняя часть была более узкой,

чтоб на верх нижней можно было что-нибудь ставить),

- люльки -зыбки (колыбели), которые часто прикреплялись к

шесту под потолком для удобства качания;

б) посуда:

- братина (большая округлая чаша с ручками или без них),

- ендова (шарообразный сосуд с носиком-сливом),

- скобкарь (большой ковш в виде утицы, у которого ручками

являются голова и хвост),

- ковш-наливка,

- рукомойник (порой даже с двумя носиками-сливами),

- туесок (цилиндрический сосуд из бересты),

- жбан (кружка с крышкой),

- солонка в виде утицы или трона.

в) орудия труда:

- прялк а (для создания перекрученной нити из льняного волокна

(кудели) или шерсти),

- рубель (толстая, узкая, короткая доска с ручкой и зубчиками

по нижнему краю для глажки белья),

- трепало (инструмент для дробления стеблей льна),

- коромысл о (деревянная дуга для ношения на плечах ведер с

водой),

- дуг а (часть конской упряжи),

- сани и санки (праздничные),

- ульи (иногда в виде скульптур).

3.2 Вологодская прялка

Прялка считается самым красивым и древним орудием женского труда. Красивая дорогая прялка была украшением дома, а также привлекала внимание юношей к девушке на зимних посиделках - собраниях молодежи, где не только развлекались песнями, играми и танцами, но и работали. Ленивую девушку за прялкой в невесты не выбирали. В качестве подарка девушке-невесте она имела особое значение: отец напутствовал дочь на новую, счастливую жизнь в доме мужа.

Известно более 50 видов прялок: в каждом регионе – своя форма и декор. Типично вологодской считается прялка с широкой и высокой верхней частью – лопаской, к которой с изнаночной стороны привязывалась кудель. Верх лопаски нарезался зубчиками- городками. Под городками часто делали ожерелье - горизонтальный ряд отверстий, где крепились бусины, стеклышки, а порой и монетки, которые блестели и звенели при работе пряхи. Нижние концы лопаски – свесы – также напоминали женские украшения, поэтому назывались сережками. Прялка ещё сравнивалась и с деревом по своей форме. Округлое утолщение в верхней части ножки получило название яблока. Прялка могла быть составной, когда донце, на котором сидит пряха, отделялось от ножки при необходимости удобного хранения. Цельная прялка, созданная из ствола и корня, это – коренуха.

3.3 Резьба по дереву

Виды резьбы зависели от формы, размера, назначения предмета, породы дерева как и от традиций декора определенного региона:

- круглая (полного объема; например, посуда, игрушки, ульи),

- рельефная (выпуклое изображение на горизонтальной плоскости). Крупнейшим центром рельефной обработки дерева было Поволжье. Именно здесь развивалась известная "корабельная" резьба, которая поначалу исполнялась на волжских судах, а затем вошла в архитектуру жилища, украсив фасады жилых домов, ворот, столбов, предметы быта. Точно вышивки, распространялись по фасаду затейливые узоры с изображением вьющихся растений, фантастических птиц, русалок, львов, человеческих фигур.

- контррельефная (углубленный узор при нетронутом фоне). Её вариантами являются следующие виды резьбы:

а) контурная (самая древняя и простая),

б) скобчатая (узор из прерывистых ногтеобразных дужек),

в) трехгранно-выемчатая (элементы узора имеют треугольную

форму) – самая популярная на Вологодчине.

- сквозная подразделяется:

на крупную домовую резьбу из широкой доски и

на ажурную: тонкую, с более сложным узором;

например, по бересте.

Примером последней является шемогодская резьба (название по реке Шемоксе недалеко от Великого Устюга).

Достаточно часто встречается сочетание разных видов резьбы на одном предмете.

До наших дней северная резьба по дереву представлена также и игрушками, такими, например, как:

- шаркун - погремушка,

- птица с расправленными крыльями из щепы 2-х брусков,

- кони-каталки (широко известны были кирилловские).

3.4 Росписи по дереву

Декоративная живопись на предмете чаще называется росписью в отличие от станковой живописи на холсте. Изначально росписи появились вслед за резным узором, который стал раскрашиваться. Позднее росписи становятся самостоятельным декором и развиваются от простейших геометрических фигур к растительному орнаменту, а затем появляются сюжетные композиции с изображением людей и животных. Широко распространены были сюжеты, отразившие мечты о счастливой и благополучной жизни: чаепития, свадьбы, выезды, гулянья и т.п. С цены охоты имеют определенный символический смысл: фигура охотника - это жених, птица на дереве - это невеста.

Русский Север – это огромная территория, поэтому здесь выявлено больше разнообразие видов народной живописи. Наиболее известными являются, например:

а) мезенская (название по реке Мезень в Архангельской области)

с такими признаками:

- светлый фон.

- основные цвета: красный и черный,

- тонкий и мелкий рисунок,

- орнаменты в горизонтальных рядах разной высоты,

- главные узоры: кони с паутинообразными ногами и всадники,

- обилие тонкой черной штриховки в дополнительных

геометрических узорах.

б ) пермогорская:

(по селу Пермогорье в 70 км от Великого Устюга):

- белый фон (со временем защитный лак желтел),

- основные цвета: красный, желтый, зеленый,

- растительный узор и птицы на его фоне,

- сценки из жизни (например, в нижней части прялки),

- обрамление всей композиции или её деталей (например, райской

птицы) разноцветными треугольниками.

в ) глубоковская (свободно-кистевая, менее графичная роспись):

- три главные цветка расположены по вертикали,

- частичные контрастные обводки- оживки,

- роспись без предварительного контура и последующей

локальной раскраски внутри узора как в предыдущих двух видах.