Арам Ильич ХАЧАТУРЯН
(1903 – 1978)
Арам Ильич Хачатурян – художник яркой, своеобразной индивидуальности. Его музыка пронизана интонациями и ритмами народных армянских танцев. Именно народное искусство явилось источником своеобразия творчества этого композитора. В своих произведениях он также опирается на традиции мировой, и в первую очередь русской музыки.
Музыка Хачатуряна разнообразна по содержанию и по жанрам. Композитор пишет балеты, симфонические произведения, сонаты и концерты для различных инструментов, песни, романсы и хоры, музыку для театра и кино.
Биография
Детство и юность. Арам Ильич Хачатурян родился 6 июня 1903 года в Тбилиси, в семье переплетчика. Его мать любила петь народные армянские песни, и эти напевы глубоко запечатлелись в душе ребенка. Незабываемое впечатление оставило искусство народных певцов- ашугов, в исполнении которых звучали песни Азербайджана, Грузии, Армении.
Под впечатлением услышанных народных мелодий мальчик часами выстукивал полюбившиеся ему ритмы.
Материальное положение в семье было настолько стесненным, что о музыкальном образовании Арам не мог и мечтать. Поэтому появление в доме плохонького пианино стало для мальчика большим событием. Сначала одним пальцем, а затем с примитивным аккомпанементом он стал подбирать по слуху мелодии народных танцев.
Когда Араму исполнилось десять лет, он поступил в коммерческое училище. Самостоятельно научившись играть на духовых инструментах, он участвует любительском духовом оркестре.
В пятнадцать лет он впервые попал в оперный театр, где услышал оперу грузинского композитора Захария Палиашвили. Впечатление было столь сильным. Что мечта учиться музыке становится неотступной.
В 1921 году в судьбе юноши наступил перелом. В Тбилиси приехал его старший брат Сурен Хачатуров, режиссер Московского Художественного театра. Заметив влечение Арама к музыке, Сурен Ильич взял его с собой в Москву.
Годы учения. В возрасте 19 лет он поступил в Московский музыкальный техникум имени Гнесиных. У него не было даже элементарной подготовки. Его выручили отличный слух, музыкальность и прекрасная память. Елена Фабиановна и Михаил Фабианович Гнесины, опытные педагоги, сразу же распознали в юноше большое природное дарование.
Вначале Хачатурян учился играть на виолончели и фортепиано. Но вскоре становится ясно, что основное его призвание – композиция. В лице Михаила Фабиановича он нашел чуткого педагога, сумевшего быстро развить его способности. Уже в техникуме он написал «Танец» для скрипки и фортепиано и «Поэму» для фортепиано. Эти произведения были изданы и имели успех.
С 1929 по 1934 год Хачатурян учится в Московской консерватории. По классу сочинения он занимается у М.Ф. Гнесина, а позднее у Н.Я. Мясковского. Уже здесь проявились черты, ставшие типичными для более зрелых произведений: певучие мелодии народного характера, сочные гармонии, праздничная оркестровка.
В качестве дипломной работы он представил первую симфонию, посвященную Советской Армении. В дальнейшем он совершенствует свое мастерство, занимаясь в аспирантуре.
Начало творческого пути. После окончания консерватории Хачатурян много и упорно работает над своими новыми сочинениями. Он обращается к различным жанрам. Среди созданного на протяжении 30-х г.г. наиболее удачными оказались балет «Счастье», фортепианный и скрипичный концерты.
Фортепианный концерт закончен в 1936 году. Его первым был выдающийся пианист Лев Оборин, которому он посвящен. Концерт имел большой успех.
В 1940 году Хачатурян создает одно из своих наиболее значительных произведений – скрипичный концерт. Здесь творческий облик композитора раскрылся во всей своей полноте. Концерт посвящен его первому исполнителю – известному скрипачу Давиду Ойстраху.
Весну и лето 1939 года он проводит в Армении, где работает над балетом «Счастье». Балет был показан в Москве в Большом театре. Спустя два года Хачатурян пишет музыку для спектакля «Маскарад» (по драме Лермонтова). Несколько позже отдельные музыкальные номера были изданы в виде симфонической сюиты.
Годы войны. В годы войны Хачатурян пишет ряд песен, хоров и инструментальных произведений. Из крупных жанров появляются балет «Гаянэ» и вторая симфония.
Премьера «Гаянэ» состоялась в 1942 году в Перми. Герои балета – колхозники и бойцы Советской Армии. В «Гаянэ» композитор использовал лучшие номера лучшие номера из балета «Счастье».
В 1944 году Хачатурян пишет Государственный гимн Армянской ССР.
После военный период. В послевоенные годы деятельность композитора значительно расширяется. С 1950 года, он – профессор по классу композиции в Московской консерватории и институте им. Гнесиных. Он является автором ряда статей по вопросам музыкального искусства.
В 1950 году начинается дирижерская деятельность Хачатуряна. Он посещает с концертами многие города в Светском Союзе и за рубежом.
Много музыки он пишет для кинофильмов.
Капитальное произведение послевоенного периода – балет «Спартак», законченные в 1954 году. Премьера состоялась в 1956 году на сцене Ленинградского театра им. Кирова. В 1960 году композитор создал из отдельных номеров балета четыре сюиты, куда вошли наиболее значительные фрагменты. В 1959 году за балет «Спартак» ему была присуждена Ленинская премия.
В послевоенные годы получает особый размах общественно- музыкальная деятельность Хачатуряна. Совместно с другими музыкантами он побывал во многих странах мира. Свои выступления он сочетает с беседами и докладами о музыкальной культуре.
Умер А.И. Хачатурян 1 мая 1978 года.
Концерт для скрипки с оркестром
Скрипичный концерт был написан Хачатуряном в 1940 году. Это одно из самых совершенных его произведений. Здесь проявился дар композитора создавать музыку, широко опираясь на народное творчество.
В концерте три части, своего рода картины из жизни народа, поэтические зарисовки природы Армении.
I часть начинается энергичным коротким вступлением оркестра. Его основной мотив построен на интонациях, характерных для армянской народной музыки (пример 1).
Главная партия сонатного аллегро появляется у солирующей скрипки. Тема имеет песенно-танцевальный характер. Ее отличают четкий, упругий ритм, быстрый темп (пример 2).
Нисходящие виртуозные пассажи в оркестре приводят к побочной партии. Движение успокаивается, темп замедляется. Музыка вызывает в представлении плавно- скользящий грациозный танец. Тема украшена хроматизмами. Синкопированный ритм монотонного баса напоминает звучание бубна (пример 3).
В разработке композитор «сближает» основные темы. Плавную мелодию побочной партии он наделяет энергичным ритмом первой темы, а танцевальная тема главной партии звучит более лирично, чем вначале (пример 4). В середине разработки обе контрастные темы звучат одновременно. Завершается разработка блестящей виртуозной каденцией солирующей скрипки (пример 5).
В репризе основные темы первой части проходят в варьированном виде.
Первая часть завершается кодой, где еще раз в стремительно- быстром темпе звучит тема главной партии и музыка вступления.
II часть – лирическая, вдохновенная «песня».
Вступление напоминает наигрыш- импровизацию ашуга перед песней (пример 6). На фоне легкого вальсового сопровождения оркестра у солирующей скрипки появляется нежная и мечтательная мелодия (пример 7). Интонации томления придают ей характерный восточный оттенок. Вначале напев звучит сдержанно. Далее звук нарастает, делается воодушевленней. В средней части появляется знакомый наигрыш из музыки вступления.
Заканчивается вторая часть тихой, истаивающей звучностью.
III часть – музыкальная картина веселого и многолюдного праздника. Это как бы общий танец, на фоне которого время от времени выделяются танцоры- солисты. Звучат не только новые темы, но и мелодии из предыдущих частей. Темп и ритм танца объединяют их в общем настроении.
Подобно первой части, финал начинается с энергичного вступления.
Тема главной партии радостная, задорная (пример 8).
Совсем иного склада тема побочной партии. Легка и грустная она растворяется в легких пассажах (пример 9).
В начале разработки у солирующей скрипки звучит лирическая тема из первой части. Она проходит в увеличенных длительностях, что придает ей широкую распевность.
В репризе после проведения основных тем, главная тема финала звучит еще раз с темой первой части концерта.
Завершает финал оживленная кода, вновь акцентируется характерный ритмический рисунок. Так в стихию танцевального движения вовлекаются темы и ритмы из первой части концерта, объединяя произведение в единое целое.
Нотные примеры.
1. 1-я часть. Вступление.
2. 1-я часть. Гл. П.
3. 1-я часть. П. П.
4. 1-я часть. Разработка.
5. 1-я часть. Кульминация разработки.
6. 2-я часть. Вступление.
7. 2-я часть. Гл. П.
8. 4-я часть. Финал. Гл. П.
9. 4-я часть. Финал. П. П.