"Голубой" период
"Голубой период", пожалуй, первый этап в творчестве Пикассо, применительно к которому можно говорить об индивидуальности мастера, несмотря на все еще звучащие ноты влияний. Первый творческий взлет был спровоцирован долгой депрессией: в феврале 1901 г. в Мадриде Пикассо узнал о смерти своего близкого друга Карлоса Касагемаса. 5 мая 1901 г. художник второй раз в своей жизни приехал в Париж, где все напоминало о Касагемасе, с которым он совсем недавно открывал для себя французскую столицу. Пабло поселился в комнате, где провел свои последние дни Карлос, завел роман с Жермен, из-за которой друг покончил с собой, общался с тем же кругом людей. Можно представить, в какой сложный узел сплелись для него горечь потери, чувство вины, ощущение близости смерти... Все это во многом послужило тем "сором", из которого вырос "голубой период". Позже Пикассо говорил: "Я погрузился в синий цвет, когда понял, что Касагемас мертв".
Однако в июне 1901 г. на первой парижской выставке Пикассо, открытой Волларом, еще нет никакой "голубой" специфики: 64 представленные работы яркие, чувственные, в них ощутимо влияние импрессионистов. В свои права "голубой период" вступал постепенно: в работах появились достаточно жесткие контуры фигур, мастер перестал стремиться к "трехмерности" изображений, стал уходить от классической перспективы. Постепенно его палитра становится все менее разнообразной, все сильнее звучат акценты синего. Началом собственно "голубого периода" считается созданный в том же 1901 году "Портрет Хайме Сабартеса". Сам Сабартес сказал об этой работе: "Разглядывая себя самого на полотне, я понял, что именно вдохновило моего друга, - это был весь спектр моего одиночества, увиденный извне".
Ключевыми словами для этого периода творчества Пикассо действительно являются "одиночество", "боль", "страх", "вина", примером тому может служить "Автопортрет" мастера, созданный за несколько дней до отъезда в Барселону. В январе 1902 г. он вернется в Испанию, но не сможет остаться - слишком уж тесен для него испанский круг, слишком манит его Париж, снова отправится во Францию и проведет там несколько отчаянных месяцев. Работы не продавались, жилось очень тяжело.
Ему пришлось вновь вернуться в Барселону и последний раз задержаться больше чем на год. Столица Каталонии встретила Пикассо высоким напряжением, со всех сторон окружала нищета и несправедливость. Социальное брожение, охватившее на рубеже веков Европу, захватило и Испанию. Вероятно, это также сказалось на мыслях и настроениях художника, который работал на родине чрезвычайно много и плодотворно. Здесь созданы такие шедевры "голубого периода", как "Свидание (Две сестры)", "Трагедия", "Старый еврей с мальчиком". Образ Касагемаса еще раз возникает в картине "Жизнь": она была написана поверх работы "Последние мгновения", экспонировавшейся на Всемирной выставке 1900 года в Париже и ставшей поводом для первой поездки Пикассо и Касагемаса в столицу Франции. В периоды безденежья художник не раз писал поверх картин, но в данном, случае, возможно это "варварство" имело и некое символическое значение - как знак прощания со старым искусством и с Карлосом, тоже навсегда оставшимся в прошлом.
Весной 1904 года появилась возможность снова уехать в Париж и Пикассо не медлил. Именно в Париже ждали его новые ощущения, новые люди, интересы и новый период - "розовый", который начинается с осени 1904 года.
"Розовый" период
«Розовый период» в творчестве Пикассо был относительно недолгим (с осени 1904 года до конца 1906-го) и не вполне однородным. Однако большое количество картин отмечено светлым колоритом, появлением жемчужно-серых, охристых и розово-красных тонов; появляются и становятся доминирующими новые темы – актеры, акробаты, атлеты. Цирк Медрано, располагавшийся у подножия Монмартрского холма, безусловно, давал массу материала для художника. Театральность во многих ее проявлениях (костюмы, акцентированные жесты), разнообразие типов людей, прекрасных и безобразных, юных и взрослых, будто вернули художника в мир несколько преображенных, но реальных форм, объемов, пространств; образы вновь наполнились жизнью в противоположность персонажам «голубого периода».
Уже на выставке в галерее Серюрье (25 февраля - 6 марта 1905 года) были показаны картины, знаменующие начало нового этапа творчества мастера: "Актер" и "Сидящая обнаженная". Также к началу "розового периода" относятся замечательные "Женщина в рубашке", "Акробаты. Мать и сын". Одним из признанных шедевров этого периода является полотно "Семейство комедиантов", которое отличает также и значительный размер (более двух метров по высоте и ширине) и соответствующая ему амбициозность замысла.
Интерес к классической форме проявился в "Обнаженных" 1906 года. Образы молодых людей, женщин (например, в "Мальчике, ведущем лошадь" или в "Туалете") демонстрируют красоту и редкую в творчестве Пикассо безмятежность, что вполне укладывается в традиционную эстетику прекрасного.
Однако в том же 1906 г. путешествие в Испанию, в Госоль - небольшую деревню в каталонских Пиренеях - дало толчок новым поискам художника. Лицо, которое стремится стать маской уже дает знать об этих импульсах.
Годы с 1901 по 1904 в творческой биографии Пикассо получили название «голубого периода» из-за преобладания в его картинах того времени голубой тональности. В 1904 году он познакомился с Фернандой Оливье, ставшей его возлюбленной и вдохновительницей его искусства. В 1905 году «голубой период» сменяется «розовым». До этого момента жизнь художника была скорее борьбой за существование, но его положение заметно улучшилось, когда в течение нескольких лет русский коллекционер Сергей Щукин приобрел около пятидесяти его работ. Это полотна, которые сейчас находятся в Эрмитаже и в Пушкинском музее. В числе самых первых по-настоящему оценили творчество Пикассо русские философы, критики и коллекционеры. Еще в 1914 году блестящий анализ его работ сделал Николай Бердяев. Сергей Дягилев, умевший привлечь к работе над своими балетами для Русских сезонов самые громкие имена, впервые пригласил Пикассо оформить балет «Парад» на музыку Эрика Сати в постановке Леонида Мясина. Работа с русскими балетами чрезвычайно способствовала известности художника и, по мнению искусствоведов, обогатила его талант. Пикассо прожил долгую и плодотворную жизнь. Когда в 1973 году художник умер в возрасте 91 года, после него осталось около 200000 картин, гравюр, скульптур, рисунков, конструкций, коллажей.
С 1907-го по 1909 год наступает «африканский» период творчества Пикассо. Африканская культура вдохновила его на создание многих известных работ. Особенно его интересовали африканские скульптуры и маски с их первобытной простотой форм – он считал их наделенными магической силой.
В 1907 году Пикассо написал знаменитых «Авиньонских девиц». Над ними он работал больше года – дольше и тщательнее, чем над другими своими произведениями. Картина вызвала неадекватную реакцию в обществе, шокировав и возмутив публику. Многие исследователи считают эту работу отправной точкой современного искусства. Она стала первым шагом художника на пути к кубизму.
Вместе с Жоржем Браком и Хуаном Грисом Пикассо создает новый стиль живописи – кубизм. Период кубизма в его творчестве охватывает промежуток с 1909-го по 1917 год. К нему относятся такие работы, как «Женщина с веером » (1909), «Портрет Фернанды Оливье» (1909), «Портрет Амбруаза Воллара» (1910), «Натюрморт с плетеным стулом» (1911–1912), «Скрипка и гитара» (1913) и др. Чтобы не допустить превращения кубизма в чисто абстрактную эстетику, понятную лишь узкому кругу, Пикассо и Брак использовали в своих работах реальные предметы: веревки, обои, песок и др.
Кубизм был воспринят в обществе довольно негативно. Но, несмотря на это, картины Пикассо очень хорошо продавались. Наконец-то он смог выбраться из нищеты и переехать в просторную светлую мастерскую. Свои любимые вещи: сосуды необычной формы, гитары, старый ковер, коллекцию африканских масок – он, конечно же, захватил с собой. Художник всегда говорил, что испытывает ужас перед гармонией и хорошим вкусом. Он покупал вещи, которые ему нравились, и его совершенно не волновало, хорошо ли они смотрятся вместе.
В 1911 году Пикассо разорвал отношения с Фернандой. Его новой любовью стала Ева (Марсель Умбер), с которой он жил на Монпарнасе и в Авиньоне. Она вдохновляла его на создание новых кубических работ. Одной из них стала картина «Обнаженная. Я люблю Еву» (1912). Затем для художника наступили тяжелые времена: война, мобилизация и расставание со многими друзьями, неожиданная болезнь и кончина любимой Евы…
Весной 1917 года Пикассо отправляется в Рим, чтобы сделать эскизы костюмов и декорации к будущему балету Сергея Дягилева. Там он знакомится с Ольгой Хохловой, одной из танцовщиц дягилевской труппы. В 1918 году Пабло и Ольга сочетаются браком, а в 1921-м на свет появляется их сын Поль.
Период с 1918-го по 1925 год считается неоклассическим. В это время картины Пикассо очень далеки от кубизма: для них характерны четкие и понятные формы, светлые тона, правильные пропорции. Самые известные работы этого периода – «Купальщицы» (1918), «Женщины, бегущие по пляжу» (1922), «Детский портрет Поля Пикассо» (1923). Смена стиля художника снова сопровождалась бурной критикой, как и в случае с кубизмом.
В 30-е годы в творчестве художника также появился ключевой для него образ быка, Минотавра, символизирующий разрушительные силы, войну и смерть. Пикассо создает много работ с этим персонажем («Минотавромахия», 1935).
Война в Испании стала ключевой темой нового творческого периода Пикассо. Главная работа этого времени – знаменитое полотно «Герника» (1937). Художник трудился над ним два месяца. Картина была выставлена в испанском павильоне на Всемирной выставке во Франции. На ней изображен раненый конь, павший воин и подбегающая к нему женщина. На заднем плане – безутешная мать с убитым ребенком, бык и женская фигура в огне с поднятыми вверх руками. В темноте видна длинная рука со светильником – символ веры. Когда гестапо однажды устроило обыск в доме Пикассо, нацистский офицер, увидев на столе фото «Герники», спросил: «Это вы сделали?» На что художник ответил: «Нет. Это сделали вы».