… что есть красота
И почему её обожествляют люди?
Сосуд она, в котором пустота,
Или огонь, мерцающий в сосуде?
Н. Заболоцкий
Пещерный человек учился рисовать.
Не находя в изяществе резона,
Тяжелым камнем начал выбивать
Фигуру угловатого бизона.
Случайный шаг! Опасная стезя!..
Он кончил, и впервые с сотворенья
Из глаз звериных длинная слеза
Устало потекла--от умиленья…
А. Винокуров
В различных словарях можно найти разные толкования слова «искусство». Общим неизменно остаётся одно: главное в искусстве —художественный образ. Что же такое художественный образ? Чем он отличается от образа нехудожественного и насколько художественный образ важен для искусства?
Образ — это субъективная модель предмета или явления, возникающая в воображении человека в результате восприятия реального мира. Художественный образ создаётся художником в процессе творческой деятельности, он концентрирует в себе духовную энергию автора и соответствующей эпохи.
Художественный образ сначала как смутный замысел, интеллектуально-интуитивное стремление к его реализации, а потом выражение идеи. Отправная точка, и результат
творческого процесса.
Целостность художественного образа обеспечивается единством формы и содержания произведения.
В старину говорили: «Гомер каждому, и юноше, и мужу, и старцу, столько даёт, сколько кто может взять». Художник может давать определённую информацию для ума и сердца, а зритель или слушатель её брать благодаря определённым личностным качествам: интеллекту, жизненному опыту, способности к сопереживанию, ассоциативному мышлению, знанию языка искусства. Когда все эти качества счастливым образом соединяются, зритель не только вырастает до уровня автора, он способен стать соавтором мастера: ему понятны мысли художника и, что не менее важно в общении с искусством, он
способен наполнить произведение новыми смыслами, выявить интуитивное провидение художника.
Нам, как людям своей эпохи, интересно в произведении не только то, что волновало современников художника, но и то, что актуально сегодня, а истинно гениальное произведение может быть современным и привлекательным спустя столетия.
В. В. Кандинский раскрывает это, описывая задачи художника:
1) каждый художник, как творец, должен выразить то, что ему свойственно (индивидуальный элемент);
2) каждый художник, как дитя своей эпохи, должен выразить то, что присуще этой эпохе (элемент стиля, состоящий из языка эпохи и языка своей национальности);
3) каждый художник, как служитель искусства, должен демонстрировать то, что присуще искусству вообще (элемент вечно художественного, свойственный людям всех национальностей, во все времена; как главный элемент искусства, он не знает ни пространства, ни времени).
Каждое из рассматриваемых произведений типично для своего времени и соответствует его стилю.
Стиль — это информационный код эпохи, создающий её узнаваемый образ. Знание подобных кодов поможет раскрыть любые «двери» в мире искусства. Каждый стиль имеет свои отличительные признаки. Для того чтобы в недрах старого стиля созрел новый стиль, необходима совокупность условий: исторических, экономических, художественных и общекультурных.
Основой любого стиля является определённая идея, которая порождает особенности конструкции, формы, декора, колорита и т. д. Например, античное искусство пронизано духом гражданственности и героики.
Идеей одухотворения материи Божественной энергией обусловлена вытянутость готических форм, которые обретают лёгкость, динамизм, устремлённость ввысь.
Барокко с его сложными, асимметричными формами воплощает представления о многообразии и вечной изменчивости мира, его драматизме и сложности, о противоречиях разума и чувств, рационального и иррационального.
Как бы ни отличался каждый последующий стиль от предыдущего, всегда надо помнить об исторической преемственности. Несмотря на то что всё новое рождается в борьбе со старым, оно впитывает традиции прошлого и развивает то актуальное и бесспорное, что в них заложено. Новый стиль рождается из чего-то уже существующего и, подчиняя себе разные художественные явления своей эпохи, постепенно уступает место другому большому стилю.
Приведём фрагмент книги о Бахе А. Швейцера, раскрывающий особенности и общие свойства разных видов искусства: «Мы делим искусства по материалу, которым они пользуются при художественном отображении мира. Музыкантом называют того, кто высказывается в звуках, живописцем — того, кто пользуется красками, поэт говорит
словами. Но это чисто внешнее отличие. В действительности материал, которым пользуется художник, — нечто второстепенное. Он не только живописец, или только поэт, или только музыкант, но все они вместе взятые. В его душе живёт и живописец, и поэт, и музыкант. Его творчество основано на их взаимодействии. В каждой его мысли участвуют сообща все они. Различие только в том, что у одного преобладает один, у другого — другой из этих художников и что каждый раз они выбирают себе тот язык, который для них наиболее привычен.
…В поэзии просвечивает живопись, в живописи — поэзия. Эта более или менее яркая дополнительная окраска определяет своеобразие данного искусства. Рассматриваемые по материалу, которым они пользуются, оба искусства строго разделены, но в своей сущности через незаметные оттенки они переходят друг в друга.
Шиллера мы относим к поэтам. Он сам, если бы его спросили о его творчестве, признал бы себя музыкантом… «Когда я сажусь за стихотворение, музыкальная сторона его открывается моей душе значительно чаще, чем ясное понятие о содержании, о котором я часто не имею даже определённого представления». Действительно, за его словами скрываются… звук и ритм.
До того момента, как художественная мысль реализовала себя в определённом языке, она остаётся комплексной. Искусство в себе — не живопись, не поэзия, не музыка, но творчество, в котором они все объединены.
…Искусство восприятия комплексно в не меньшей мере. Во всяком подлинном художественном восприятии принимают участие все чувства и представления, на которые человек способен. Этот процесс многосторонен, хотя только в очень редких случаях воспринимающий догадывается, как разнообразны элементы, составляющие его фанта-
зию.
Искусство есть передача эстетической ассоциации идей. Чем более многообразно и интенсивно передаёт художник в своём произведении сознательные и бессознательные представления и идеи, тем сильнее его воздействие. Тогда он увлекает за собою людей в живом, полном фантазии восприятии, которое мы называем искусством, в отличие от
обычного слышания, видения и переживания.
То, что в художественном произведении воспринимается органами чувств, в действительности является лишь средством общения между двумя деятельными фантазиями. Всякое искусство говорит с помощью знаков и символов. Никто не объяснит, каким образом художник оживляет для нас действительность в том виде, как он её вос-
принимает и переживает. Художественный язык сам по себе никогда не бывает адекватным выражением того, что он передаёт; главное в искусстве — заключённое в нём невысказанное содержание.
В поэзии и живописи это не так очевидно, потому что язык этих искусств одновременно является обычным житейским языком. В музыке язык… полностью стал символом. Передача даже самых общих чувств и представлений становится загадочной… Чем выразительнее музыкальный язык, тем более он проникается символикой.
Музыка… обращается к воображению слушателя, но возбуждает скорее фантазию чувства, нежели конкретное представление…
Кто знаком с языком композитора и знает, какие образы он выражает определёнными сочетаниями звуков, тот услышит в пьесе мысли, которые непосвящённый не обнаружит, несмотря на то что эти образы заключены в ней. Они настойчиво взывают к фантазии слушателя и требуют обратного перевода драмы чувств в конкретное действие, дабы слушатель снова, хотя бы до некоторой степени, прошёл тот путь, по которому шла творческая фантазия композитора…
Почему А. С. Пушкин называл искусство «магическим кристаллом»?
Высказывание А. де Сент-Экзюпери: «Самого главного глазами не увидишь, зорко одно
лишь сердце».
Выразительность пейзажа заключается прежде всего в тех чувствах, которые художник воплотил в той или иной композиции, используя соответствующие настроению цвет, тон, насыщенность краски, и в тех чувствах, которые возникают у зрителя, в одушевлении природы сквозь призму отношения к ней художника. «Протокольная правда, — говорил И. И. Левитан, —никому не нужна. Важна ВАША песня, в которой вы поёте лесную или садовую тропинку».
Художник рассказывает о человеке, его портрет рассказывает нам об отношении художника к изображаемому. Оба эти ракурса показывают нам «портрет» эпохи.
На основе анализа черт лица, выражения глаз и губ, характерных жестов, особенностей одежды, специфики применения художественных средств мы можем описать личность модели. По прошествии времени зритель не может судить о степени сходства портрета с моделью, но составить своё мнение об изображённом человеке может благодаря той информации, которую ему представляет художник. В данном случае важны взгляд, движение губ, осанка и др., которые выражают эмоции, отношение к жизни, к людям. Точную дату возникновения жанра портрета назвать невозможно.
Можно с уверенностью сказать, что скульптурный портрет более древний, чем живописный, так как подражательность и осязаемость скульптуры наполняют её магическими представлениями.
Таков был скульптурный портрет Древнего Египта, рождённый заупокойным культом и связанный с идеей двойника. В египетском портрете сходство представлялось необходимым, дающим возможность душе усопшего узнать место своего дальнейшего пребывания. Предполагают, что египетские портреты изготавливали с натуры, с лиц живых людей, но они лишены возрастных особенностей.
Искусство античной Греции не знает индивидуализированного портрета, так как вся греческая философия основывается на обобщённом образе совершенного, идеализированного человека, являющегося ценностью лишь как часть сообщества.
Портреты Древнего Рима можно назвать условно-реалистическими, они связаны с культом предков. Оказывая почести бюсту усопшего родителя, римляне верили в покровительство умерших предков, а так же изготавливали скульптурные портреты живых людей.
Иногда отсчёт существования живописного портрета ведут от возникшего на пересечении греко-египетской и римской культур фаюмского портрета (I—IV вв. н. э.) эпохи эллинизма. Эти портреты представляют людей, чьи мумии были найдены в Фаюмском оазисе в Египте. В них нашли своё отражение мировоззренческие и эстетические традиции сформировавших их культур.
В средневековом искусстве портрет практически не получил развития, если не считать изображений императоров на византийских мозаиках, вряд ли обладающих особым сходством с оригиналом, и профильных портретов королей на монетах и медалях.
В эпоху Возрождения человек вновь стал «мерой всех вещей» и занял центральное положение в картине. Портрет передаёт достоинство, суверенность, доблесть человека. 
Идеал эпохи Возрождения олицетворяют Мадонны с картин «универсального гения» Леонардо да Винчи, они несут на себе печать совершенной личности их создателя.
Особой разновидностью портрета является автопортрет. В нём взгляд всегда направлен на зрителя, поскольку художник во время работы, как правило, смотрит на себя в зеркало.
В ХVI в. происходит деление портрета на парадный и камерный. Это связано с возрастанием его социальной роли. На парадном портрете человек предстаёт в лучшие минуты своей жизни, он тщательно одет и причёсан. Важнейшую роль играют внешние атрибуты, подчёркивающие социальное положение модели, её заслуги перед обществом. Фоном часто являются такие элементы, как колонна, драпировка, пейзаж с клубящимися облаками и др., ставшие знаковыми для последующего развития парадного портрета.
Камерные (кабинетные) портреты отличаются небольшими размерами. Художник и модель словно вступают в своеобразный задушевный диалог. На нём и строится художественно-образное содержание портрета, который может быть интимным, психологическим или характерным. Трактовка образа зависит не только от личности художника и портретируемого, но и от эстетических и этических ценностей
данного времени и страны.
Создателем галантного жанра в живописи является французский художник Антуан Ватто. Его картины несут в себе оттенок романтизма, ощущение грусти и меланхолии. На его многочисленных реалистичных рисунках запечатлены представители различных социальных слоёв современной художнику Франции: крестьяне и ремесленники, солдаты и странствующие музыканты, нищие и актёры, утончённые, изнеженные аристократы и их чернокожие слуги. Многие характеристики глубоко психологичны. В его маленьких картинах с изображением одной или нескольких фигур в пейзаже раскрываются тончайшие нюансы человеческих переживаний — иронии, печали, тревоги, меланхолии. Герои галантных сцен обижены и застенчивы, неловки и насмешливы, лукавы и кокетливы, часто печальны. Персонажи Ватто далеки от реальности. Словно разыгрывая пантомиму, они изображают безмятежную жизнь в условном мире, существующем на грани театра и реальности.
В XVIII в. появляется новое направление в искусстве — рококо. Верхушку европейского общества на какое-то время перестаёт интересовать подлинный, естественный человек с его драматической судьбой. В моду входит пышная бутафория, лица становятся масками и, как следствие, модными становятся ролевой и мифологический портреты, «портрет-кукла», «портрет-поза».
В конце XVIII в. в искусстве появилось такое направление, как романтизм. Подлинным романтическим пафосом проникнут портрет Фредерика Шопена кисти французского художника-романтика Эжена Делакруа.
XVIII в. - в России называют «веком портрета», портретный жанр расцветает, чтобы никогда уже не угаснуть. Ни одна из национальных художественных школ мира в этот период не ставит перед собой такого количества портретных задач, как российская школа живописи.
Портреты писали лучшие русские художники: Ф. С. Рокотов, Д. Г. Левицкий, О. А. Кипренский, К. П. Брюллов, И. Е. Репин, М. А. Врубель, В. А. Серов и др.
Владимир Лукич Боровиковский. Его творчество связано с концепцией сентиментализма. Ему свойственны одухотворённость, мечтательность, лиризм женских образов, включение в портрет природной среды, в качестве которой выступает парк или сад. Идеализация образов была призвана воспитывать в зрителе утончённую чувствительность.
Садовые или полевые цветы, свободно ниспадающие складки одежд дополняют образы его героинь. «Их взгляд наделён слегка выжидательной вопросительностью, где грусть смешана с оттенком затаённой насмешки…»
В XIX в. художникам становятся доступны «глубины человеческой души». Они обращают особое внимание на индивидуальность портретируемого, стараются понять и передать в художественном образе сложный внутренний мир незаурядной личности.
Мастером психологического портрета считается Илья Ефимович Репин. Он оставил, пожалуй,
самую большую портретную галерею своих современников, причём никто не умел так глубоко, как он, дать психологическую характеристику модели. Выдающиеся деятели отечественной культуры Л. Н. Толстой и М. П. Мусоргский, П. А. Стрепетова и А. П. Бородин, П. М. Третьяков и А. Г. Рубинштейн представлены на портретах Репина прежде
всего как умные, энергичные люди, наделённые ярким, самобытным характером, способные к тонким душевным переживаниям.
Замечательному русскому художнику В. В. Кандинскому принадлежат слова: «Понимание выращивает зрителя до точки зрения художника… Человек, который мог бы сказать что-то, ничего человеку не сказал, и тот, кто мог бы слышать, ничего не услышал». В этих
словах сквозит боль и обречённость. Сколько непонятых и никем не услышанных людей прошло по нашей Земле! Что же мешало людям понять друг друга? Нежелание услышать и принять участие или неумение, неспособность к общению, диалогу? Мудрецы пытались ответить на этот вопрос ещё в древности, но ответ не найден и по сей день.
В учении великого китайского философа Конфуция сформулирована получившая признание потомков истина: тайна человека сокрыта не в природных потребностях тела, не в справедливости небесного пути, а в его общении с другими людьми». Несомненно одно — всё, что способствует взаимопониманию между людьми, имеет большую нрав-
ственную ценность. Такой ценностью является и искусство, так как оно даёт нам возможность общаться с представителями разных эпохи народов, прочитывая их послания. Именно искусство способствует прямому общению с художественным гением.
Искусство отражает окружающий мир, но не точно таким, каков он есть объективно, а через призму чувств, мыслей, субъективных взглядов художника. Таким образом, в зеркале искусства мы видим людей, природу, явления общественной жизни иногда гротескно преувеличенными, иногда, напротив, сглаженными, завуалированными — такими, какими их видит и хочет до нас донести художник согласно своему замыслу. На наш опыт восприятия мира накладывается опыт художника, и мы становимся богаче.