Изобразительное искусство.

Русское изобразительное искусство на рубеже веков переживало период бурного рассвета. В эти году сосуществовали противоположнее художественные направления реалистическое и авангардное. Продолжало действовать «Товарищество передвижных выставок». Среди художников-реалистов первое место принадле жит И. Е. Репину (1844—1930). В тот период он находится в зените славы. В 1901-1903 гг. работает над картиной «Торжественное заседание Государственного совета»

В реалистической манере работают братья А. М. и М. М. Васнецовы, И. И. Левитан, А. Е. Архипов, К. Ф. Юон

Однако на рубеже веков передвижничество отходит на второй план.

Искания русской живописи, характерные для этого времени, связаны с творчеством таких художников, как М. А. Врубель, К. А. Коровин, М. В. Нестеров, В. А. Серов. Поиски эти носили раз­личный характер.

Фантастический, сказочный мир, тяготевший к символике, открыл Врубель. В 1900 г. Врубель завершил работу над удивительно поэтичной «Царев-ной-Лебедь» Тема Демона, в течение многих лет волновавшая художника, воплощала неудовлетворенность, тоску и гнев мятущегося человека один из наиболее известных вариантов на тему, которая владела художником неотступно на протяжении почти двадцати лет — «Демон поверженный»..

Импрессионизм получил наибольшее раз­витие в творчестве Коровина ("Зимой", "У балкона").

Религиозно-этические настроения свойственны картинам раннего Нестерова ("Видение отроку Варфоломею").

В. А. Серов — крупнейший художник рубежа столетий Портре­ты Серова — важнейший итог развития портретного жанра, одно из достижений русского реалистического искусства (портреты Ф. И. Шаляпина, И. А. Морозова, О. К. Орловой, Николая II).Лиризмом полны его работы - «Де­вочка с персиками", "Девушка, освещенная солнцем".

Жанр портрета был основным в его творчестве, хотя он писал и пейзажи, и исторические.

 

Для творчества художников этого времени характерен повышенный интерес к культуре Древней Руси (В. М. Васне­цов, Н. К. Рерих, И. Я. Билибин).

В конце 1890-х годов модерн в российском изобразительном искусстве открыто декларировал свои принципы. В 1898 г. было созданное А.Н. Бенуа и С.П. Дягилевым общество художников «Мир искусства», выпускавшее одноименный журнал. деятель, устроил в Петербурге Журнал "Мир искусства" выходил шесть лет под редакцией Дягилева и отличался широтой эстетических взглядов.

К мироискусникам принадлежали художники А. Н. Бенуа, К. А. Сомов, М. В. Добужинский, Л. С. Бакст, Е. Е. Лансере, музы­кальный критик В. Ф. Нувель, публицист, близкий символистам Д. В. Философов, С. П. Дягилев, театральный и художественный деятель. Дягилев активно содействовал устройству художествен­ных выставок, ставших примечательной чертой общественно-куль­турной жизни России. На выставках широко экспонировались про­изведения не только отечественных, но и зарубежных мастеров.

Художники "Мира искусства" провозгласили новые эстетиче­ские принципы, отвергнув как салонность академизма, так и тен­денциозность передвижничества. Намерение искать новые пути в искусстве, стремление преобразить жизнь посредством искусства сблизило с ними и тех художников, которые к этому объединению формально не принадлежали (Серов, Врубель, Нестеров).

Художники "Мира искусства" исходили из представлений о безгра­ничной свободе творческой личности и искусства — отсюда их аполитичность, "чистая художественность".

Для художников этого объединения характерен интерес к истори­ческой тематике, они хотели передать неуловимый аромат и очарование ушедших эпох, в образе прошлого воплотить душевный мир людей своего круга

Художников интересует XVIII век, как евро­пейский, так и русский,

­К. А. Сомов (1869—1939 оставил много картин любимого им «ретроспективно-галантного жан­ра»

В среде мироискусников процветал культ Пет­ра I как основоположника русской европеизированной культуры, культ Петербурга как средоточия этой культуры культ Пушкина как наиболее полного выразителя "петербургского периода" рус­ской истории. Наиболее значительных успехов художники "Мира искусства" достигли в книжной графике, театрально-декорацион­ном искусстве, где синтез искусства мог проявиться в наибольшей степени (иллюстрации А. Н. Бенуа к "Медному всаднику" Пушки­на, Е. Е. Лансере — к повести "Хаджи Мурат" Л. Толстого, оформ­ление спектаклей в Художественном театре, Русских сезонов в Париже и т. д.)

Значительным явлением в искусстве этого периода стало творчество В.Э. Борисова-Мусатова. С "Миром искусства" его роднит тема произведений, чуждая современности, ностальгия по утраченной красоте, поэзия опустевших садов и парков. Но в его произведениях нет конкретны реалий быта, привязки к какой-то эпохе.

Своеобразным было творчество художников (П. В. Кузнецов, К.С. Петров-Водкин) — последователей В. Э. Борисова-Мусатова, после его смерти создавших общество «Голубая Роза», 1907 г. Характерно стремление возвратиться к изначальной простоте ощущений, дать живописи конструктивную основу, наиболее близки к символизму.

В. Кузнецов «Голубой фонтан». Привлекала эстетика Востока «Мираж в степи» «Ночь в степи». Один из участников М.Сарьян.

В 1910 г. общество «Бубновый валет» (П. П. Кончаловский, А. В. Лентулов, Р. Р. Фальк, Машков). Машков «Автопортрет и портрет Петра Кончаловского». Проповедо­вал конструктивную живопись. Используя достижения Сезанна, художники этого направления возвращали предмету массу, стремились к сия тезу цвета и формы. Отсюда — большой интерес к натюрморту.

Для художников " Бубнового валета" характерны устойчивость зрительного образа, полнозвучность цвета, конструктивная логика построения карти­ны. Художники искали вдохновения в лубке, фольклоре, в ремесленном примитиве вывесок с кренделями.

Важной частью изобразительного стиля "Бубнового валета" футуризм. Основной прием футуризма — "монтаж" предмета путем вмещения в одном изображении различных его сторон; предмет вид как бы одновременно с разных точек обзора. Таким образом художник пытался наделить статичную картину движением. Самый яркий пример употребления такого приема — картины Лентулова («Василий Блаженный», «У моря»).

«Ослиный хвост» (М. Ф. Ларионов, Н. С. Гончарова, Д.Д. Бурлюк). Эти художники являются представителями русскою примитивизма. Они буквально восприняли традиции лубка, детского рисунка, отбрасывая ненужные детали, подчеркивали главное; сознательным искажением перспективы, пропорций добивались необходимого эффекта, наиболее точного выражения своей идеи.

Ларионов и Гончарова развивали русский кубизм — «кубофутуризм».

В 1910-е годы берет начало и русский абстракционизм, лидерами и теоретиками которого становятся К.С. Малевич и В.В. Кандинский.

В.В. Кандинский своим абстрактным картинам присваивал номера сюжета в них нет лишь взаимодействие линий и напряженность человеческого духа и фантазии.

Малевич стремился довести систему обобщений до простейших геометрических форм, заключавших в себе все многообразие форм природы.

Черный квадрат ознаменовала прорыв в беспредметность от лат. supremus — наивысший) — одно из направлений абстрактной живописи, созданное в середине 1910-х гг. К. Малевичем. Цель супрематизма — выражение реальности в простых формах (прямая, квадрат, треугольник, круг), которые лежат в основе всех других форм физического мира. В супрематических картинах остутствует представление о «верхе» и «низе», «левом» и «правом» — все направления равноправны, как в космическом пространстве. Пространство картины больше неподвластно земному тяготению (ориентация «верх — низ»), оно перестало быть геоцентричным, то есть «частным случаем» вселенной. Возникает самостоятельный мир, замкнутый в себе, и в то же время соотнесенный как равный с универсальной мировой гармонией.
Теоретическое обоснование метода Малевич изложил в работе «От кубизма и футуризма к супрематизму... Новый живописный реализм...» (1916).
Последователи и ученики Малевича в 1916 г. объединились в группу «Супремус». Супрематический метод они пытались распространить не только на живопись, но и на книжную графику, прикладное искусство, архитектуру.
Выйдя за пределы России, супрематизм оказал заметное влияние на всю мировую художественную культуру.

Одновременно развивался экспрессионизм, последователи которого также совершили «скачок в беспредметность». Термином "экспрессионизм" принято называть искусство М.З. Шагала. Тщательно и любовно художник воспроизводит самые прозаичес­кие подробности провинциального быта и делает это с самой вые* поэзией Теоретик абстрактного искусства, основатель создатель «аналитической живописи» П.Н. Филонов, «бытовой символист» М. 3. Шагал — каждый по-своему утверждали господство творчества над формами, создавая в своих работах новые миры.

Скульптура.

В развитии скульптуры неоклассический стиль в работах Р.Р. Баха -Памятник М.И.Глинке, «Пушкин-лицеист», С. М. Волнухина - памятник Ивану Федорову у Китай-города сочетался с модернизмом в скульптурах импрессионистов: П.П. Трубецкого (памятник Александру III в Петербурге), А. С. Голубкиной, Н. А. Андреева (памятник Н. В. Гоголю в Москве). В многогранном творчестве художника-универсалиста С. Т. Коненкова античная пластика соединялась с модерном и фольклорными мотивами.

Архитектура.

Модерн в России принципиально не отличается от западного. Однако, четко прослеживалась тенденция к смешению модерна с историческими стилями: Ренесанса, Барокко, Рококо, а также древнерусских архитектурных форм (Ярославский вокзал в Москве).

К началу XX в. русская архитектура переживала пе­риод расцвета, связанного с появлением нового стиля — модерна. В целом для него были характерны асимметрия и икругленность линий, свободная планировка и плас-гичность форм, активное применение новейших методов строительной техники и материалов— железобетона, сi;iли, стекла. В то же время с модерном связано было широкое использование фресок, мозаики, витражей, ке­рамики, скульптуры в украшении фасадов и интерьеров. Модерн стал господствующим стилем наступившего сто-16ТИЯ, преобразившим облик многих городов России. Наиболее последовательное развитие русский архитек­турный модерн получил в Москве. Постройки, выпол-|и иные в этом стиле, разбросаны по всему историческо­му центру города. К наиболее значительным архитектур­ным памятникам модерна в Москве относится построенная в 1899—1903 гг. архитектором Л. Н. Кекушевым по проекту В. Ф. Валькотта гостиница «Метрополь». Ее украшает огромное майоликовое панно, выполненное по великолепной работе М. А. Врубеля «Принцесса Греза». В стиле модерн работал знаменитый русский архитектор О. Шехтель. По его проектам возведены роскошный особняк фабриканта С. П. Рябушинского у Никитских ворот, здание Ярославского вокзала и здание МХАТа.

Петербургский модерн – смотри презентацию.

Неоклассицизм был сугубо русским явлением и имел наибольшее распространение в Петербурге в 1910г. Это направление ставило своей целью возродить традиции русского классицизма Казакова, Воронихина, Захарова, Росси, Стасова, Жилярди второй половины 18 и первой трети 19в. Лидерами неоклассицизма были И.А.Фомин (1872-1936; особняк А.А.Половцева на Каменном острове в Петербурге) В.Шуко (жилые дома), А.Таманян, И.Жолтовский (особняк Г.А.Тарасова в Москве). Они создали много выдающихся сооружений, отличающихся гармоничностью композиций, изысканностью деталей. С неоклассицизмом смыкается творчество Александра Викторовича Щусева (1873-1949). Но он обращался к наследию национального русского зодчества 11- 17 веков (иногда этот стиль называют неорусский стиль). Щусевым были построены Марфа-Мариинская обитель и Казанский вокзал в Москве.

Музыкальное и исполнительское искусство в первые годы нового столетия находилось на подъеме во многом благо­даря творчеству тех музыкантов, которые прославились еще во второй половине XIX в. Лидерство среди них по праву принадлежит Н. А. Римскому-Корсакову (1844— 1908). В этот период он много работает с коллективами Московской частной оперы Саввы Мамонтова и Мариин-ского театра и создает такие оперные шедевры, как «Ска­зка о царе Салтане», «Золотой петушок»Сказка о царе Салтане Сказание о невидимом граде Китеже. В мае 1907 г. Римский-Корсаков дирижировал первыми Русскими ис­торическими концертами, организованными С. П. Дяги­левым в Париже.

Важное место в плеяде композиторов занимает люби­мый ученик П. И. Чайковского С. И. Танеев (1856—1915). В этот период он стоял в центре музыкально-обществен­ной жизни страны. Танеев создал композиторскую шко­лу, воспитал много музыковедов, дирижеров, педагогов.

Необычайно многогранно проявились в эти годы да­рования С. В. Рахманинова (1873—1943). Виртуозный пианист, оперный и симфонический дирижер, компози­тор, он обретает мировую известность и славу. Настро­ениями радостного ожидания грядущих перемен прони­заны многие из наиболее значительных и ярких произве­дений композитора этих лет: кантата «Весна» на словаН. А. Некрасова («Идет-гудет зеленый шум...»), оперы «Скупой рыцарь» и «Франческа да Римини», великолеп­ная Вторая симфония.

С. В. Рахманинов много выступает с концертами в го­родах России и за рубежом. Зимой 1909/10 г. совершает большое концертное турне по США и Канаде и завоевы­вает мировое признание как величайший пианист совре­менности.

В полной мере проявляется в эти годы удивительная са­мобытность другого великого ученика Танеева — компо­зитора и пианиста А. Н. Скрябина (1871 —1915). В 1905 г. в Париже состоялось исполнение его Третьей симфо­нии — «Божественной поэмы», ставшей для многих под­линным открытием Скрябина, наиболее полным и по­следовательным выражением его философской програм­мы. В «Божественной поэме» нашел воплощение непо­вторимый индивидуальный стиль Скрябина.

На 1904—1910 гг. приходится новый этап в творческой жизни композитора, когда окончательно выкристаллизо­вывается его оригинальная романтико-идеалистическая концепция. Все свою деятельность Скрябин подчиняет созданию воображаемой «Мистерии», цели которой да­леко выходят за рамки музыкального искусства. Новые художественные задачи приводят композитора к ради­кальной реформе стиля. Главным произведением этого периода творчества и подлинным событием в мире музы­ки стала «Поэма экстаза».

В 1909—1910 гг. А. Н. Скрябин создает «Поэму огня» («Прометей»). Имя античного героя символизирует здесь, по мысли автора, «активную энергию вселенной», «это -творческий принцип, огонь, свет, жизнь, борьба, усилие, мысль». Скрябин-пианист был неповторимо-вдохновен ным интерпретатором собственных произведений.

1909 г. стал поворотным в творчестве тогда еще начи нающего композитора И. Ф. Стравинского (1882—19711 После петербургской премьеры его «Фантастическом скерцо» присутствовавший на концерте С. П. Дягилев предложил ему написать балет «Жар-птица» для Русских сезонов в Париже. Первое исполнение балета, поставленного М. М. Фокиным, с огромным успехом прошло в 1910 г. В том же году Стравинский начинает вместе с К. Рерихом писать либретто «Весны священной», а осенью приступает к работе над балетом «Петрушка».

Театр в первые десятилетия ХХ века.

Театральное искусство в России на рубеже веков и эпох также переживало стадию напряженных творческих поисков.

На Олимпе драматической сцены в России по-прежне­му находились императорские (государственные) мос­ковский Малый и петербургский Александрийский теат­ры, чьи афиши в это время украшали имена М. Н. Ермо­ловой и В. Ф. Комиссаржевской. Однако в начале XX в., находясь под бдительным контролем придворного ведом­ства и официальной цензуры, оба театра переживали серьезный творческий и репертуарный кризис

Осенью 1898 г. постановкой ранее запрещенного спек­такля «Царь Федор Иоаннович» состоялось открытие первого демократического Московского Художественно­го общедоступного театра (МХТ) под руководством вы­дающихся новаторов сценического искусства К. С. Ста­ниславского и В. И. Немировича-Данченко. с замечательной труппой молодых актеров, в которую входили О.Книппер-Чехова, М.Лимина, Вс.Мейерхольд, В.Качалов, И.М.Москвин, А.Вишневский и др.

Всплеск театрального искусства был связан с сотрудничеством театра с А.П.Чеховым после триумфальной премьеры “Чайки” в декабре 1898 г. В 1900г. событием в театральной жизни стала постановка пьесы Р.Ибсена “Доктор Штокман”. Она приобрела на сцене острейшее социальное звучание. Штокман в исполнении Станиславского стал “героем безгеройного времени”.

Новой страницей в истории МХАТа и во всем театральном искусстве стала драматургия М.Горького, влюбившегося в труппу театра и писавшего Чехову, что не писать для такого театра преступно. Первая пьеса “Мещане” была написана Горьким в 1902 г., ее допустили к постановке с обильными цензурными купюрами (вычеркнуто было все, что говорилось о тяжелой доле рабочих, об их правах, о неизбежной ломке существующих порядков). Но на просмотре пьесы в Петербурге, куда театр приехал на гастроли, в здании театра и вокруг него находился усиленный полицейский наряд. А Немирович-Данченко ходил на галерку и просил студенческую молодежь не устраивать никаких демонстраций, чтобы на Горького не обрушились репрессии. Через год Горький отдал театру “На дне”. В первом же сезоне за 2 месяца пьеса на афишах МХАТА появилась 50 раз, а на гастролях в Петербурге – 12 раз. И неизменно - при переполненном зрительном зале. Фурор после спектаклей выходил за все привычные рамки. По окончании представления не было конца вызовам автора, режиссеров, исполнителей (Станиславского – Сатина, Москвина – Луки, Качалова – Барона, Книппер – Насти, Леонидова – Васьки Пепла Пьеса “На дне” тоже пошла по большинству театральных сцен России, правда, с разным прочтением. Иногда в провинциальных театрах смаковался жаргон ночлежки, сюжет представлялся комедией. Но большинство к пьесе относились серьезно и вдумчиво.

К.С.Станиславский признал, что “главным начинателем и создателем общественно-политической жизни театра был Горький".

Дальнейший вклад в сценическую интерпретацию горьковской драматургии связан с театром Веры Федоровны Комиссаржевской, которая покинула императорскую сцену Александровского театра в 1902 г., а после гастролей по провинции она создала на паевых началах по типу МХАТа свой театр.

В ноябре 1904 г. здесь состоялась премьера 3-й пьесы Горького “Дачники” о русской интеллигенции, которая вышла из демократических слоев, но достигнув известного социального положения, потеряла связь с народом, забыв о его интересах, о необходимости улучшать его жизнь.

Осенью 1905 г. театр ставит “Дети Солнца”. После спектакля требовали автора, хотя все знали, что Горький в ссылке.

Она пригласила главным режиссером Мейерхольда, который осуществил ряд постановок в 1906-1908г. Удачными были “Балаганчик” Блока, “Сестра Беатрисса” М.Метерлинка и др. В 1906г. В.Э.Мейерхольд становиться главным режиссером театра В.Ф. Комиссаржевской и получает возможность полностью осуществить свою художественную программу.

В.Э.Мейерхольд старался уничтожить трехмерное сценическое пространство и превратить в двухмерное. Декорации заменялись живописным панно, сценическая площадка уменьшалась и была его придатком (часто выносилось на просцениум). Актера режиссер трактовал как красочное пятно, ибо его интересовало на сцене не только выражение реальных характеров, сколько раскрытие сущности символической пьесы через режиссерскую идею. Иллюзию правдоподобия он стремился заменить условностью. Это делалось в противовес МХАТу, в котором всегда выявлялся замысел драматурга и неустанно подчеркивалось центральное значение творчества актера в спектакле.

В 1906-1907г. В.Э.Мейерхольд ставит в театре Комиссаржевской ряд спектаклей в каждом из которых ищет новых приемов оформления. Удачными были “Балаганчик” Блока, “Сестра Беатрисса” М.Метерлинка и др. Режиссер стремился достичь почти полной статуарности в игре актеров, мотивируя ее то “мистириальностью” постановки (например, “Сестры Беатрисы”), то идеей возрождения античного театра. Это вело к подмене живого человека марионеткой. И поэтому против В.Э.Мейерхольда очень скоро взбунтовалась часть труппы во главе с самой Комиссаржевской. И она рассталась с В.Э.Мейерхольдом, как ранее расстался с ним Станиславский. В 1909 году разочарование Комиссаржевской собственным театром заставило принять её непростое решение: уйти из театра. У Веры Фёдоровны появилась новая мечта — создать театральную школу. Перед этим она отправилась на гастроли, которые оказались последними в её жизни.Умерла Комиссаржевская в Ташкенте от оспы во время своих гастролей 10 февраля (23 февраля по новому стилю) 1910 года.

На кончину великой актрисы откликнулся Александр Блок:

Что в ней рыдало? Что боролось?

Чего она ждала от нас?

Не знаем. Умер вешний голос,

Погасли звезды синих глаз...

 

В 1908г. В.А.Теляковский (директор конторы императорских театров(1901-1917г.), стремился обновить работу, привлечь лучшие силы, обогатить театры опытом современного искусства) привлек В.Э.Мейерхольда в императорские театры после его ухода от Комиссаржевской. В это время В.Э.Мейерхольд активно сотрудничает с художником А.Я.Головиным. В своих режиссерских замыслах В.Э.Мейерхольд большое место отводил оформлению театра. Примером удачной совместной работы режиссера В.Э.Мейерхольда и художника Головина может быть спектакль “Дон-Жуан” Мольера в Александрийском театре (1910г). Поставленный ими в 1917г. “Маскарад” Лермонтова продержался на сцене Александрийского театра вплоть до 1939г. Найденные принципы оформления В.Э.Мейерхольд и Головин попытались не безуспешно перенести и в музыкальный театр (опера “Орфей” Глюка, 1911, балет “Арагонская охота” Глинки, 1916, опера “Каменный гость” Даргомыжского, 1917 в Мариинском театре и др.). Принципы “Условного” (“Традиционного театра”) он пытался сделать универсальными.

Одновременно с драматическим театром в России бурный подъем переживал и музыкальный театр, искус­ство оперы и балета.

В конце XIX в. особой известностью пользовалась Московская частная русская опера, созданная крупней­шим меценатом С. И. Мамонтовым, а с 1904 г. ее свое­образным продолжением стала частная опера С. И. Зи­мина.

На сцене императорских театров — Мариинского в Петербурге и Большого в Москве в заглавных партиях Опер М. Мусоргского, М. Глинки, А. Даргомыжского и III. Гуно блистал в начале века великий русский бас Ф. И. Шаляпин.

В расцвете творческих сил находились выдающийся балетмейстер-новатор М. Фокин, стремившийся в своем творчестве преодолеть академизм и создавший для вели­кой русской балерины Анны Павловой этюд «Умираю­щий лебедь» на музыку Сен-Санса, а также А. А. Горский, который на протяжении первой четверти XX в. бессменно руководил балетной труппой Большого театра.

Русский музыкальный театр получил широкое между­народное признание благодаря деятельности выдающегося деятеля отечественной культуры С. П. Дягилева, организовавшего знаменитые Русские сезоны сначала в Париже, а затем в других столицах Европы. Гастроли с участием лучших русских мастеров оперы Ф И. Шаляпин, Д. А. Смирнов, И. А. Алчевский) и балета (А. П. Павлова, В. Ф. Нижинский, Т. П. Карсавина) имели огромный успех в самых разных уголках мира.

 

Кинематограф

Уже в апреле 1896 года, через 4 месяца после первых парижских кинематографических сеансов, в России появляются первые кинематографические аппараты. Первый же киносеанс состоялся в Петербурге в саду «Аквариум» в мае 1896 г.

В мае осуществлены первые в России документальные кинематографические съёмки торжеств в честь коронации Николая II.

Кинопоказы быстро стали модным развлечением, постоянные кинотеатры начали появляться во многих крупных городах России. Первый постоянный кинотеатр открылся в Санкт-Петербурге в мае 1896 года по адресу Невский проспект, дом 46.

Зарубежные производители в течение долгого времени удерживали монополию на производство киноаппаратуры и фильмов, ограничивали их экспорт в Россию и принимали для проката только работы собственных операторов. Вплоть до 1908 года вклад российских предпринимателей в кинематограф ограничивался прокатом импортных фильмов и эпизодическими съёмками документальных короткометражных лент (обычно для местного показа). Исключением были документальные съёмки эпизодов из жизни царской семьи, которые начиная с 1897 года регулярно делались оператором Болеславом Матушевским, а с 1900 года — А. К. Ягельским, который получил Высочайшую монополию на создание и распространение таких кинолент.

Приоритет в этой области, однако, достался короткометражному фильму производства петербургского киноателье Александра Дранкова «Понизовая вольница» («Стенька Разин»), который вышел на экраны 15 (28) октября 1908 года. Почти одновременно с Дранковым к съёмкам отечественных художественных фильмов приступает в Москве кинопромышленник Александр Ханжонков.

В 1907 году начинает выходить журнал «Кино» — первое российское периодическое издание, посвящённое кинематографу.

Первые российские художественные ленты представляли собой экранизации фрагментов классических произведений русской литературы («Песнь про купца Калашникова», «Идиот», «Бахчисарайский фонтан»), народных песен («Ухарь-купец») или иллюстрировали эпизоды из отечественной истории («Смерть Иоанна Грозного», «Пётр Великий»).

В 1911 году на экраны выходит первый в России полнометражный фильм «Оборона Севастополя», совместно поставленный Ханжонковым и Василием Гончаровым. С начала 1910-х годов компания Ханжонкова становится бесспорным лидером российского кинопроизводства, у него начинают кинокарьеру первые звёзды русского кино Александра Гончарова, Андрей Громов, Иван Мозжухин, режиссёры Василий Гончаров, Пётр Чардынин и Владислав Старевич.

В 1913 году на волне общего подъёма российской экономики начинается бурный рост кинематографической промышленности, образуются новые фирмы — в том числе крупнейшая кинокомпания И. Н. Ермольева, среди снятых которой более чем 120 фильмов были такие значительные картины, как «Пиковая дама» (1916) и «Отец Сергий» (вышел в 1918 году) Якова Протазанова.

Долго находившаяся в тени успехов Ханжонкова фирма «П. Тиман и Ф. Рейнгардт» запустила в 1913 году чрезвычайно успешную «Русскую золотую серию» художественных фильмов, ключевыми постановщиками которой были Яков Протазанов и Владимир Гардин. В серии вышли такие знаменитые фильмы как «Анна Каренина» (1914), «Дворянское гнездо», «Война и мир» (оба — 1915) и другие. В этой же серии состоялся кинодебют Всеволода Мейерхольда, который поставил в 1915 году фильм «Портрет Дориана Грея».

По неполным данным, в 1913 году в России работали 1412 кинотеатров, из них 134 — в Петербурге и 67 — в Москве.

Именно на военное время приходится этап расцвета художественного российского кинематографа. В этот период снимает свои главные фильмы выдающийся киностилист Евгений Бауэр, активно работают Владимир Гардин и Вячеслав Висковский, выходят на новый уровень мастерства ветераны-постановщики Пётр Чардынин и Яков Протазанов; появляются новые звёздные актёрские имена — Вера Холодная, Витольд Полонский, Иван Перестиани; начинают работать новые киностудии — Михаила Трофимова (Торговый дом «Русь») и Дмитрия Харитонова (Торговый дом Харитонова). Бурно развивается и кинопериодика — в 1916 году в России выходили 11 профессиональных киножурналов.

Вера Холодная

Снялась не менее чем в тридцати пяти фильмах.

Вера Холодная родилась в 1893 г. в Полтаве в семье учителя-словесника городской гимназии Левченко. В 1895 году семья переехала в Москву.

В 1910 году вышла замуж за юриста Владимира Холодного.

Артистическую карьеру начала в любительской театральной студии, бросив балетную школу Большого театра.

С 1914 снималась в кино, первая (эпизодическая) роль — в экранизации романа Льва Толстого «Анна Каренина» режиссёра Владимира Гардина. Холодная появлялась в массовой сцене на балу в роли итальянки-кормилицы, приносящей Анне нелюбимую дочь..

В 1915 году снялась у Евгения Бауэра в картинах «Песнь торжествующей любви» и «Пламя неба». Эти роли принесли актрисе широкую известность, её называли «королевой экрана». За четыре года кинематографической жизни снялась в более 50-ти фильмах Е.Бауэра, В.Гардина, П.Чардынина, В.Висковского, Ч.Сабинского («Миражи», «Жизнь за жизнь», «Тернистый путь славы», «Позабудь про камин, в нём погасли огни», «Молчи, грусть, молчи», «Последнее танго» и др.).

Холодная создавала образы красивой печальной женщины, обманутой и непонятой. Каждая новая роль «королевы экрана» сопровождалась бурной овацией поклонников и почитателей невиданной ранее красоты.

В апреле 1918 года в составе киноэкспедиции отправилась из Москвы в Одессу. Снималась на фирме "Мирограф", выступала с эстрадными номерами, иногда с Л. О. Утёсовым. Их зрителями бывали Г. Котовский и М. Винницкий (Мишка Япончик).

Скоропостижно скончалась 16 февраля 1919 года в возрасте 26 лет в Одессе. Отпевание проходило в Спасо-Преображенском кафедральном соборе при большом стечении народа. Похоронена в Одессе на Первом христианском кладбище, ныне несуществующем.

Кинематограф Российской империи бурно развивался в период с 1907 по 1920 год и создал серьёзную инфраструктуру, которая была унаследована советским кино. Из более чем 2700 художественных фильмов, снятых в России до 1920 года, сохранились до наших дней (как правило, лишь частично) в отечественных и зарубежных киноархивах около 300 картин.