Явление «примитива» в городском народном творчестве было представлено театром актёра и кукольным театром. Театр актёра возник на стыке народных развлечений драматического характера и элементов западноевропейского театра с его драматургией и сценическими приёмами. Появлению народной драмы предшествовали различного рода обрядовые и необрядовые драматические игры и сценки с ряженьем, основанные полностью на фольклорных традициях, и сатирические пьесы, реализуемые уже не в игре, а в драматическом представлении, состоящем из ряда последовательных эпизодов, раскрывающих характер основных образов.
Наиболее заметными фигурами на игрищах были скоморохи, где вполне проявилась их функция как организаторов, зачинателей, вдохновителей праздничного веселья. В процессе развития культуры народной праздничности и эволюции игрищ возникла потребность в скоморошьих ватагах.
В дни праздников, особенно таких, где были широко развиты традиции ряженья и маскирования, скоморошьи ватаги, как бы обобщая, синтезируя и сохраняя опыт праздничных игрищ в целом, в то же время разрывали привычные границы форм ряженья. Традиционные игры ряженых постепенно превращались в сценки, которые вполне можно назвать драматическими, так как в них был уже и сюжет, и диалог, и действие. Сценки эти преимущественно были пародийно-сатирическими.
Народная драма и другие пьесы на разбойничьи, историко-героические темы созданы на основе сочетания фольклорных и литературных традиций. Они принадлежали к числу популярных и бытовали среди фабричных, солдат, мастеровых и других слоёв городского населения по всей Руси. Иногда проникали и в крестьянскую среду благодаря искусству скоморохов. Наиболее популярными были народная драма «Лодка» и «Царь Максимилиан».
Народная драма «Лодка» представляет собой, в общих чертах, инсценировку песни «Вниз по матушке, по Волге», осложнённую мотивами другой популярной песни «Из-за острова на стрежень». Кроме того, она включает в себя мотивы и образы разбойничьего фольклора, а также лубочных романов с любовной коллизией. Есть предположения, что в ней отражены события, связанные с именем Степана Разина. Содержание насыщено пафосом свободолюбия и романтикой «вольной» разбойничьей жизни.
В основе народной драмы «Царь Максимилиан» лежит конфликт царевича с отцом царём, который заканчивается казнью сына. Существует несколько версий их конфликта: расхождение в религиозных взглядах, приверженность к различным общественным идеалам, отказ жениться на невесте, выбранной отцом. Так или иначе, в соответствии с народной традицией содержание драмы включает целый ряд батальных сцен-поединков сообщников отца с заступниками сына. В этой драме также звучат мотивы вольнолюбия; протеста против деспотизма и тирании.
Представления народных драм обычно приурочивались к святкам и масленице, которые были традиционными народными развлечениями и проходили в атмосфере всеобщего веселья, смеха, дурачества и отступления от общепринятых норм в отношениях. В представлениях участвовали холостые парни и женатые мужчины. Женщины допускались редко, поэтому женские роли исполняли парни.
Важнейшее значение придавалось костюмам, которые отличались яркостью и красочностью. Использовались ленты и яркие лоскуты из материалов в виде розеток, бантиков и т.д. Но не пользовались никакими выразительными средствами для выделения сценической площадки, где не было занавеса, подмостков, кулис, особого освещения, декораций и бутафорий. Не было чёткой границы между зрительным залом и сценой, что обусловило особый тип поведения и игры народных актёров, их взаимоотношения с публикой, рассчитанные на сиюминутную реакцию. Из игровых приёмов использовались движения, жестикуляция, мимика, голос и интонация.
Особенность этого типа театра состояла в том, что в нём была особая связь актёров и зрителей, их свободное общение во время представления и коллективный характер творчества. Театр народной драмы принято называть фольклорным театром, хотя это название не соответствует в полной мере его сущности. Он соединял в себе все накопленные народным исполнительским искусством игровые и оформительские приёмы и средства, черты древней обрядовости и элементы средневекового театра. И таким образом представлял собой явление, находящееся на стыке фольклорного и профессионального театра.
Ярким и самобытным явлением русского народного художественного творчества был кукольный театр. Он зародился на рубеже XVII века как искусство средних и низших слоёв городского населения на основе скоморошьих игр. Органично соединяет в себе фольклорные традиции и направленность на освоение профессиональных форм искусства. Существовали две разновидности народного кукольного театра: «Вертепный» и «Петрушечный».
Вертепный – стержневой или театр марионеток. Помещался в деревянном ящике из двух ярусов, которые служили сценой. Куклы приводились в движение с помощью проволоки или шпагата и двигались по прорезям. Название происходит от сюжета основной пьесы, в которой действия разыгрывались в пещере-вертепе. С вертепом обычно ходили по домам на рождество и святки.
Репертуар составляли пьесы религиозной тематики и сатирические сценки-интермедии, которые имели импровизационный характер. В них выступали пары и вели диалог. Персонажами были барин, барыня, поп, цыган, мужик и другие. Самая популярная пьеса «Царь Ирод» сохранилась до наших дней.
Вертепные преставления развивались в XVII - XVIII веках, сохранились до XX в. и стали привычными.
Театр «Петрушка» - пальцевой. Основной герой пьесы – это неунывающий Петрушка, с участием которого разыгрывался ряд сцен с различными персонажами, число которых доходило до 50-ти (солдат, барин, цыган, невеста, доктор и другие). Эти сцены были связаны с жанрами фольклора и театральными зрелищами. Использовались приёмы народной комической речи, живые диалоги с игрой слов и контрастов, с элементами самовосхваления, с применением действия и жестикуляции.
Обычно с Петрушкой ходили два человека: кукловод и музыкант. Имущество состояло из лёгкой складной ширмы, ящика с куклами и шарманки. Из бутафорских принадлежностей основной и почти единственной была палка, которая служила в качестве оружия, метлы и других целей. Для создания шумовых эффектов использовали специальную трещотку. Декораций театр «Петрушка» не знал. Но внешнему облику героев пьесы старались придать типические черты. У Петрушки – огромный нос, выступающий подбородок, дурацкий колпак на голове, одет в красную сорочку, брюки заправлены в сапоги. Голос отличался особым тембром и высотой – высокий и дребезжащий.
Комедия о Петрушке в России была самой популярной у простого народа. Она не знала себе равных по злободневности и убийственной силе смеха. Петрушка осознавался едва ли не единственным героем кукольного театра, который успешно конкурировал с иностранными, гастролировавшими в Москве и в Петербурге. Немногочисленные записи свидетельствуют, что он полностью сложился в XVII веке, сохранился вплоть до XX в., почти совсем не изменившись.
В XIX – начале XX века сформировались новые формы народного театрального творчества. Это балаганный театр и раёк, которые были неизменными спутниками народных гуляний и ярмарок. Они неоднократно запечатлены в воспоминаниях современников, на картинах русских художников, в литературе, в народных лубочных картинах. Народные гуляния вошли в быт города, появились крупные антрепренеры, режиссёры, которые готовили и проводили представления, предназначенные преимущественно для бедных людей.
Яркими и красочными были в них балаганные представления. Они проходили во временно сколоченных дощатых зданиях с брезентовой крышей и флагом над ней. В отличие от театра, где ставились спектакли, здесь были представлены разные жанры искусства. В программе были цирковые номера (фокусники, канатоходцы и т.д.), показ всевозможных чудес (карликов, великанов, силачей, уродцев), пантомимы на лубочные сюжеты, песни и пляски, драматические сценки, народный конферанс.
Главным драматическим элементом были приговоры балаганных «дедов-зазывал» перед началом представления. Они были предназначены для привлечения зрителей. Один или двое вели диалог или разыгрывали сценки, как ряженые, создавая вокруг атмосферу народного веселья, шутки, смеха, порой с элементами фамильярности. «Деды» пользовались театральным костюмом и гримом. Они обычно выступали в кафтане, лаптях, с бородой и усами, с большим носом. Умело пользовались жестикуляцией и телодвижениями. Излюбленным было описание грабежа, воровства, мошенничества и различных ремёсел.
Поблизости от балагана обычно устанавливался раёк – ещё одна из форм городского народного театра «примитива». Это был ящик с увеличительными стёклами. Внутри на валике были накручены склеенные в одну ленточку картинки, которые перематывались на другой валик. Зрители через увеличительное стекло могли видеть картины.
Ящик назывался райком, т.к. первоначально самой популярной была серия картинок «Райское действо» о грехопадении Адама и Евы в Раю. Позже появились картины на исторические темы, виды городов, портреты известных лиц. Показ картин сопровождался рассказом шуточного или даже сатирического характера, часто в разговор затягивались зрители, и около райка всегда было многолюдно. Словесные пояснения не подвергались предварительной цензуре. Это давало возможность делать многообразные отступления от содержания картинок, поднимать злободневные темы социального характера.
Определённый интерес вызывает как явление художественного творчества городского народа настенный лубочный театр, находящийся на стыке с изобразительным искусством. Образцы русского лубочного театра относятся к XVII - XIX векам, в то время как в Западной Европе – к XVI веку. Можно предположить, что изображения в лубке могут быть историей русского театра живых актёров, или своеобразным отражением западных гравюр, либо сценической программой создания спектакля на сцене.
Лубочный театр отличался от театра действия тем, что это театр на бумаге, на стене. Он был связан с архитектурой избы, имел декоративное назначение и буднично бытовал в доме среди людей. В нём соединились изображение, слово и пластика, создавая единое целое – театр как особый вид народного творчества.
Он подхватывал, развивал, шутовски перемешивал тему масленичных ряжений и представлений. Это было повествование, как бы кукольная пантомима с текстовыми комментариями. Действующие лица молчали. Однако в деревянном и медном лубке отражался и театр живых актёров с разговорным действием на сцене, но по своим законам. Здесь нет театрального пространства, движения, слова, но есть изображение сцены, смена картин, показывающих движение, и слова персонажей, написанные над ним.
По своему сценическому воплощению деревянный лубок тяготел к театру живых картин и театру кукол, использовал изображение театральных декораций. Медный лубок – это скорее театр марионеток, близкий к школьному театру, музыкальному народному обряду. Использование в лубке изображений кукол, смешение их с изображением живых актёров – одна из особенностей народного театра.
Отсутствие общения со зрителем, рассказ в картинках, разыгрывание действий не живыми людьми, а нарисованными, самостоятельность изображение и слова – всё это привело к появлению из лубочного театра искусства кино – мультипликационного, сюжетного, кинохроники. Лубочный театр стал основой литературного лубка, дал раскладной картонный театр и книжку – раскладушку.
Народный театр «примитива» утверждал площадное веселье, смех, шутку, поднимал социальные проблемы в форме сатиры и юмора. Он опирался на традиции фольклора, на народные сказки, мифы, легенды, многое взял от скоморошества и ориентировался на демократические формы театра того времени.