Пабло Пикассо
25.10.1881-08.04.1973
Художником, во многом определившим характер западноевропейского и американского искусства ХХ века, стал Пабло Пикассо – испанец, основную часть жизни проживший во Франции. Его отец был художником, преподавал в Школе изящных искусств и ремёсел. Стремясь подражать своему отцу, юный Пикассо создаёт рисунки, отличающиеся удивительной точностью линий и исключительно острой наблюдательностью.
Мастер близко к сердцу принимал судьбы простых людей. Герои его картин голубого и розового периодов – простые женщины и дети, акробаты, странствующие актёры цирка, бедные, бездомные, одинокие, часто смирившиеся с судьбой люди («Старый нищий с мальчиком», «Странствующие гимнасты», «Девочка на шаре», «Любительница абсента», «Мать и дитя»).
В работах, созданных Пикассо около 1907 г. проявляются черты нового стиля, которые, приведённые в систему, дадут имя для новой школы живописи – кубизму. Кубисты использовали для построения формы элементарные геометрические тела (кубы, пирамиды, цилиндры). Пересоздавая естественную структуру предметного мира, кубисты желали творить иной мир, мир огрублённых вещей, словно отчуждённых от человека. В картинах кубистического периода Пикассо создаёт трагический образ грандиозного рушащегося, изломанного мира. К этому периоду относится произведение «Авиньонские девушки». Одно из важнейших произведений Пикассо «Герника»(1937 г.), в котором художник в сложной метафорической форме изобразил результаты варварской бомбардировки фашистской авиацией маленького города басков. Это произведение создавалось как гневный протест против фашизма и бесчеловечности современного общества.
Временами Пикассо испытывает влияние сюрреализма ( т.е. сверхреализма) и Сальвадора Дали.
Он создаёт так же портреты и композиции с реалистической направленностью, где занимается поиском красоты действительности, поиском гармонии. Увлекаясь античным искусством, пишет картины « Юпитер и Семела», «Три женщины у источника», «Фавны».
Кроме живописи Пикассо увлекается графикой, скульптурой, керамикой. В 1949г. для Всемирного конгресса сторонников мира в Париже художник выполнил знаменитую литографию «Голубь мира». Он по- прежнему выступает против человеконенавистнического варварства, создавая такие произведения как «Кровавая бойня в Корее», «Мир», «Война».
Пикассо оказал большое влияние на искусство ХХ века.
Казимир Северинович Малевич
23.02.1878 – 15.05.1935
Малевич родился в Киеве в польской семье, был одним из 14 детей управляющего сахарными заводами. После переезда в Москву Малевич пытается получить профессиональное художественное образование в Московском Училище живописи, ваяния и зодчества, параллельно самостоятельно занимаясь импрессионистической живописью. В течение 10 лет Малевич проходит “школу” от импрессионизма до кубизма и экспрессионизма и становится одним из ведущих молодых художников – авангардистов. В раннем “Автопортрете”(1908г.) Малевич предстаёт перед нами уже не юным человеком, напряжённо вглядывающимся в нас. Яркие краски, выражающие эмоциональное состояние художника, изображают не его реальный физический облик, а “цветовую симфонию” его переживаний.
В 1910 – 1913 гг. Малевич общается с В.Маяковским, В.Хлебниковым, работает в содружестве с группой московских художников «Бубновый валет», возглавляемой М.Ларионовым. В споре о новом искусстве каждый из молодых художников стремился сформулировать своё творческое кредо. На нашумевших выставках «Бубновый валет», «Ослиный хвост» выставлялись полотна нарочито отрицающие академическое общепринятое искусство. За образец бралась народная картинка, лубок, икона и живопись примитивистов.
В эту пору Малевич вырабатывает концепцию нового искусства – супрематизма («супремус» – высший, духовный), но сам автор подразумевал под ним революционное движение абстрактных форм (“Cупрематизм” 1915г.). Мир, убеждал художник, можно изобразить, если всё поделить на исходные элементы:прямоугольник, круг и крест. Каждая из этих фигур несёт эмоциональную нагрузку. Треугольник - это нечто острое, пронзающее, расчленяющее. Круг – спокойствие, раздумье. Квадрат - законченность, непрерывность и в то же время неизбежность резких перемен. То же и в отношении цветов – красный, например, означал революцию и одновременно это символ вообще многоцветья жизни. А белый квадрат на белом поле выражал чистое бытие и самосознание человека.
Так в картине “Авиатор” (1914г.) образ вырезанного из жести авиатора – это рассудочность, машинальность, разум, под натиском которого дробится, разрушается многоцветье мира, природы, обозначенное красным пятном на дальнем плане. В декабре 1915 г. Малевич выставляет картину “Чёрный квадрат”, ставший эмблемой всего супрематизма – олицетворение самого простого и самого сложного.
Картины не находили своих покупателей, но активно обсуждались в печати. Только предметы ДПИ, эскизы одежды, аксессуаров, разработка дизайна предметов интерьера находили спрос. Малевич считает, что художник должен стать творцом, мастером, способным преобразовать окружающий мир. Вместе с сотрудником своей школы в Витебске Э.Лисицким он проектирует объекты – “планиты”, которые могут быть использованы в качестве архитектурных объёмов для новых городов землян на других планетах. Плакировка среды для проживания человека, подготовка в Народной школе художников широкого профиля, умеющих мыслить абстрактными формами, напоминало систему обучения и задачи знаменитой школы современного искусства в Германии – Баухауз.
В конце 1920-х г. Малевич работает в разных направлениях, пишет живописные полотна, теоретические тексты. Много времени проводит в доме своей жены в деревне Немчиновка. Наблюдение реального окружающего ландшафта и его “очищение” от конкретики, “перевод” на язык супрематической живописи стали новым этапом в творчестве художника. Малевич обращается к социально значимым темам того времени: «Красная конница», «Крестьяне»(1928г.), решая их в собственной манере. Его интерпретация «крестьянской темы» не находит поддержки у официальных представителей культуры и подвергается критике за формализм, “недоступный массам трудящихся”.
В последние годы жизни художник пишет произведения в своей ранней импрессионистической манере и создаёт ряд монументальных образов в «Автопортрете», «Портрете жены»(1932г.), «Девушке с шестом». Плоскостная живопись, цветовой лаконизм и обобщённая манера изображения портретируемых отражают сложный процесс осмысления художником своего творчества и обращения к искусству итальянского Ренессанса – классического, высокого искусства, принадлежащего вечности.
Василий Васильевич Кандинский
22.11.1866 – 5.12.1944
В.В Кандинский – создатель теории “абсолютной живописи”, экспрессионист, принадлежит к числу открывателей нового художественного языка ХХ века и не только потому, что именно он “изобрёл” абстрактное искусство, но и смог придать ему масштаб, цель, объяснение и высокое качество
Кандинский родился в Москве, происходил из дворянского рода. Закончил художественную школу А.Ашбе в Мюнхене и Мюнхенскую Академию художеств. Участвовал в создании художественных объединений «Фаланг», «Синий всадник». Для его раннего творчества были характерны разные манеры. Первая импрессионистическая воплотилась в натурных этюдах усадеб, пригородов, пляжей, гор и озёр («Одесский порт», «Красная церковь»). Вторая манера мирискусническая, близкая И.Билибину и Н.Рериху, изображает сцены русских базаров, прогулки на древних парусных судах, гусляров и грустящих красавиц в лесу. Это декоративные темперные полотна,а также гравюры на дереве («Дамы в кринолинах», «Игра на гуслях»).
Увидев в Париже произведения А.Матисса, П.Пикассо, Кандинский стал осознавать, что форма и цвет не нуждаются в предметности. В 1911г. он опубликовал на немецком языке книгу «О духовном вискусстве», посвящённую проблемам творчества, влияния произведения и живописи вообще на зрителя. Кандинский пишет об абстрактном искусстве как выражении духовного (незримого) в видимых образах. Душа в философии рассматривается как некое цветовое существо, изменяющееся и изменяемое. В Германии общается с философами, эзотериками, стремясь связать современные научные представления о душе и средневековые, древние образы.
Краски виделись Кандинскому одушевлёнными и странными существами. В борьбе с белым холстом они рождаются как миры и люди. Краски эти должны вызывать определённые ассоциации и эмоции: так, жёлтое – земное, напоминает звуки флейты; синее – небесное, спокойное и печальное, напоминает виолончель;зелёное – неподвижное, антиэмоциональное. Для художника важны также разные качества красок – бархатистость, гладкость, блеск, они дают ощущение осязания, благоухания, звука.
Кандинский полагал: “Смысл, содержание искусства – романтика”. В 1911г. он написал картину «Романтический пейзаж». В своём творчестве живописец поддерживает идею синтетичности (взаимосвязи) искусств; его знаменитые «Звуки» 1913г. – синтез поэзии, музыки и живописи. Он был универсален в своей художественной деятельности, занимался не только живописью и графикой, но и музыкой, поэзией, теорией искусства. Художник оформлял интерьеры, делал эскизы росписей по фарфору, проектировал одежду, мебель, занимался фотографией, кинематографом. Все мысли Кандинского были направлены к будущему, он активно занимался организаторской, педагогической, общественной деятельностью.
Свои работы Кандинский называл “импрессиями” (то, что видимо), “импровизациями” (внутренние впечатления), “композициями” (их синтез). Вот некоторые работы – «Лирическое», «Концерт», «Пейзаж с красным пятном». Хотя картины абстрактны, в них угадываются символические знаки: всадники, казаки, ню, пальмы, лодки, острова в море, горы, радуги, колокола, кладбища, дома, храмы, облака, деревья, пушки, сцены Апокалипсиса, христология, жития святых. В живописи Кандинского пятна, цветные облака мягкие, биологизированные, оконтуренные. Среди них словно молнии мелькают линии, чтобы завлечь зрителя в глубину картины.
С I Мировой войной Кандинский вернулся в Москву. После революции 1917г. был “комиссаром по культуре”, участвовал в формировании Музея изобразительной культуры, Института художественной культуры, преподавал во Вхутемасе и Московском университете.
В 1921г. Кандинский навсегда покидает Россию. С 1921г. преподаёт в школе архитектуры и изобразительного искусства Баухауз в Ваймаре и в Дассау. В 1931г эмигрирует из Германии после закрытия Баухауза нацистами и объявления художника Кандинского в списках художников – дегенератов немецкого искусства, чьи произведения подлежали уничтожению в немецких музеях, поселяется во Франции. Работы позднего периода становятся всё более строгими и организованными, геометрическими, они отличаются упорядоченностью и чёткостью композиции («Наступление коричневого»).
Идеи Кандинского о духовном в искусстве, о синтезе искусства и науки являются значительными в наше время и увлекают современных художников и исследователей искусства.