Основные музыкальные инструменты(народные, профессиональные). Основные певчие голоса и их приминение на практике.
Профессиональные. Струнно-смычковые: скрипка, альт, виолончель, контрабас. Духовые: флейта, гобой. кларнет, саксофон, фагот, труба, валторна, тромбон, туба. Ударные: литавры, ксилофон, маримба, вибрафон, колокольчики, барабаны, треугольник, тарелки, бубен, кастаньеты, там-там,. Клавишные: фортепиано, рояль, клавесин, орган.
Народные. Волынка, дудка, гусли, жалейка, скрипка, цимбалы, балалайка, баян, варган, гармонь, гитара, рожок, аккордеон, мандолина, домра, бас-балалайка.
Женские голоса(с верхнего до нижнего):
Колоратурное сопрано — голос подвижный, гибкий, со свободными верхами, легко удаются украшения вокальной партии — виртуозные пассажи и мелизмы (трели, форшлаги, морденты, групетто). Примеры: партии Царицы Ночи в "Волшебной флейте" Моцарта, Людмилы в "Руслане и Людмиле" М. И. Глинки, Виолетты в "Травиате" Дж. Верди; исполнители Аделина Дипковская, В. В. Барсова, И. И. Масленникова, Б. А. Руденко.
Лирическое сопрано по силе уступает драматическому, но в звуке больше мягкости, теплоты, задушевности. Примеры: партии Татьяны в "Евгении Онегине" П. И. Чайковского, Маргариты в "Фаусте" Ш. Гуно, Микаэлы в "Кармен" Ж. Бизе; исполнители А. В. Нежданова, Е. А. Степанова, Л. И. Масленникова.
Драматическое сопрано отличается мощным звуком на всем диапазоне, особенно сильные верхние ноты; на низких нотах напоминает меццо-сопрано. Примеры: партии Аиды в "Аиде" Дж. Верди, Ярославны в "Князе Игоре" А. П. Бородина, Лизы в "Пиковой даме" П. И. Чайковского; исполнители Э. К. Павловская, Г. К. Держинская, Е. К. Катульская, Т. А. Милашкина.
Меццо-сопрано занимает промежуточное положение между контральто и сопрано, характеризуется мягкими, глубокими, низкими нотами. Примеры: партии Кармен в "Кармен" Ж. Бизе, Амнерис в "Аиде" Дж. Верди, Любаши в "Царской невесте" Н. А. Римского-Корсакова; исполнители: Полина Виардо, М. П. Максакова, И. К. Архипова, Е. В. Образцова, И. П. Богачева.
Контральто — самый низкий из женских голосов, его диапазон f ("фа" малой октавы) — f2 ("фа" второй октавы), тембр густой, плотный, на низких нотах напоминает мужской голос. Примеры: партии Вани в "Жизни за царя" М. И. Глинки, Кончаковны в "Князе Игоре" А. П. Бородина, Зибеля в "Фаусте" Ш. Гуно; исполнители: Мария Малибран, Н. А. Обухова, В. Н. Левко.
Мужские голоса(с нижнего до верхнего):
Центральный бас отличает густое, мощное звучание низких нот (очень низкие, так называемые басы-октависты особенно красиво звучат в хорах). Пример: партия "Кончака" в опере А. П. Бородина "Князь Игорь" в исполнении М. Д. Михайлова.
Высокий бас более подвижен, у него звучные верхние ноты, яркий центральный участок диапазона. Примеры: партии Ивана Сусанина в опере "Жизнь за царя" М. И. Глинки, Гремина в опере П. И. Чайковского "Евгений Онегин", Бориса Годунова в одноименной опере М. П. Мусоргского; исполнители Ф. И. Шаляпин, М. О. Рейзен, А. П. Огнивцев, Е. Е. Нестеренко.
У драматического баритона наиболее звучны низкие тоны. Примеры: партии князя Игоря в одноименной опере А. П. Бороднна, Томского в опере П. И. Чайковского "Пиковая дама" с его известной песенкой "Если б милые девицы..." на стихи Г. Р. Державина "Шуточное желание", в которых нет нн одной буквы "р"; исполнители Титта Руффо, П. 3. Андреев, А. И. Батурин, А. П. Иванов.
Лирический баритон обладает более мягким тембром, верхние ноты у него звучнее низких. Примеры: партии Жермона в "Травиате" Дж. Верди, Евгения Онегина в одноименной опере П. И. Чайковского, Роберта в "Иоланте" П. И. Чайковского; исполнители: С. И. Мигай, П. М. Норцов, П. Г. Лисициан, А. Я. Пономаренко.
Драматический тенор отличается горячим, ярким тембром, сильным звуком, особенно на верхних нотах, низкие звуки достаточно густые. Примеры: партии Отелло в одноименной опере Дж. Верди. Хозе в опере Ж. Бизе "Кармен", Германа в опере "Пиковая дама" П. И. Чайковского, Садко в одноименной опере Н. А. Римского-Корсакова; исполнители Энрико Карузо, И. В. Ершов. Н. К. Печковский, Марио дель Монако, В. А. Атлантов. Ю. М. Марусин.
Лирический тенор обладает мягким задушевным тембром, легкой подвижностью, на верхах красиво использует фальцет. Примеры: партии Альмавивы в опере "Севильский цирюльник" Дж. Россини, Ленского в опере П. И. Чайковского "Евгеннй Онегин", Дубровского в одноименной опере Э. Ф. Направника; исполнители Л. В. Собинов, Беньямино Джильи, С. Я. Лемешев, И. С. Козловский, Н. М. Гедда.
Основные стилевые эпохи европейской музыкальной культуры и их исторические периоды. Характерные черты музыкальной культуры Античности, Средневековья и Возрождения.
Античность. Пение и игра на музыкальных инструментах составляли значительную часть состязаний различных полисов. Музыка у греков была тесно связана с поэзией и пляской(синкретизм). Великие греческие трагики – Эсхил, Софокл, Еврипид – были не только гениальными драматургами, но и композиторами. Основные музыкальные инструменты древних греков: лира, кифара, арфа. Исполнение песен сопровождалось игрой на инструменте, знатные люди содержали оркестры рабов. Определены основные типы гамм, сформировались лады (носители определенного характера). Музыканты не имели профессионального образования, искусство основывалось на импровизации. Создание первой музыкальной школы, основателем которой стал поэт Архилох, относится примерно к 650 г. до н.э. Рост полисов, в которых проходили большие культовые и гражданские праздники, привёл к развитию xopового пения под аккомпанемент духового инструмента. Вместе с авлосом вошла в употребление металлическая труба. Постоянные войны стимулировали развитие военной музыки. Вместе с тем развивалась и лирическая поэзия, которая распевалась под аккомпанемент музыкальных инструментов. Среди известных авторов песен - Алкей, Архилох иСапфо. Мелодия записывалась с помощью греческих и финикийских букв, причем различные графемы (буквы и их графические модификации) использовались для вокальной и инструментальной музыки
Средневековье. Обогащаются содержание, жанры, формы музыки, средства муз выразительности. складывается строго регламентированная системаодноголосной (монодической) церковной музыки на основе диатонических ладов (григорианское пение, крупнейшими представителями которого являются Ноткер и Туотило), объединяющая речитацию(псалмодия) и пение (гимны). На рубеже 1-го и 2-го тысячелетий зарождается многоголосие. Формируются новые вокальные (хоровые) и вокально-инструментальные (хор и орган) жанры: органум,мотет, кондукт, затем месса. Во Франции в XII веке образуется первая композиторская (творческая)школа при Соборе Парижской богоматери (Леонин, Перотин). На рубеже Возрождения (стиль ars novaво Франции и Италии XIV века) в профессиональной музыке одноголосие вытесняется многоголосием, музыка начинает понемногу освобождаться от сугубо практической функций (обслуживание церковныхобрядов), в ней усиливается значение светских жанров, в том числе песенных (Гильом де Машо). Средневековой музыке Европы посвятили свои труды многие музыковеды (в том числе Пьер Обри).
Возрождение (франц. Ренессанс) – эпоха в культурно-исторической жизни Западной Европы XV-XVI вв. (в Италии – XIV-XVI вв.). Интерес к античному искусству. Композиторы и музыкальные теоретики – Й. Тинкторис, Дж. Царлино и др. – изучали древнегреческие музыкальные трактаты; появившаяся в конце 16 – начале 17 в. опера ориентирована на закономерности античной драмы. Основная черта – гуманизм. Бурное развитие светской музыки (широкое распространение светских жанров: мадригалов, фроттол, вилланелл, французских «шансон», английских и немецких многоголосных песен), её натиск на старую церковную музыкальную культуру, существовавшую параллельно светской; реалистические тенденции в музыке: новые сюжеты, образы, соответствующие гуманистическим воззрениям и, как следствие – новые средства музыкальной выразительности; народная мелодика в качестве ведущего начала музыкального произведения. Народные песни применяются в качестве cantus firmus (главная, неизменная мелодия в теноре в многоголосных произведениях) и в музыке полифонического склада (в т.ч. церковной). Мелодика становится более плавной, гибкой, напевной, т.к. является непосредственной выразительницей человеческих переживаний; мощное развитие полифонической музыки, в т.ч. и «строгого стиля» (иначе – «классическая вокальная полифония», т.к. ориентирована на вокально-хоровое исполнительство). Строгий стиль предполагает обязательное следование установленным правилам (нормы строгого стиля были сформулированы итальянцем Дж. Царлино). Мастера строгого стиля владели техникой контрапункта, имитации и канона. Строгое письмо опиралось на систему диатонических церковных ладов. В гармонии господствуют консонансы, употребление диссонансов строго ограничивалось специальными правилами. Складываются мажорный и минорный лады и тактовая система. Тематической основой был григорианский хорал, однако использовались и светские мелодии. формирование нового типа музыканта – профессионала, получавшего всестороннее специальное музыкальное образование. Впервые появляется понятие «композитор»; формирование национальных музыкальных школ (английская, нидерландская, итальянская, немецкая и др.); появление первых исполнителей на лютне, виоле, скрипке, клавесине, органе; расцвет любительского музицирования; появление нотопечатания. Светские жанры: мадригал, многоголосная песня, шансон (песня), немецкая песня, фротолла, виланелла. Церковные жанры: месса, мотет.
Барокко. 1600-1750гг. сильно изменилась музыкальная нотация, развились способы игры на инструментах. Расширились рамки жанров, выросла сложность исполнения музыкальных произведений, появился такой вид сочинений, как опера. Большое число музыкальных терминов и концепций эры барокко используются до сих пор. Определение тональности и равномерно-темперированного строя. Барочная музыка стремилась к более высокому уровню эмоциональной наполненности. Сочинения барокко часто описывали какую-то одну, конкретную эмоцию. Барочная музыка часто писалась для виртуозных певцов и музыкантов. Почти обязательным стало использование музыкальных украшений, часто исполнявшихся музыкантом в виде импровизации. Преобладала инструментальная музыка. Многочисленные вокальные арии и мадригалы исполнялись как инструментальные произведения. Создавалась камерная музыка (светская). Особенности: непрерывный бас, монодия (сольная партия с аккомпанементом), гомофония (многоголосие, где есть главный и сопровождающий голоса), появление оперы, муз драмы, оратории, кантаты, муз приемы как тремоло и пиццикато, ария, точная нотная запись музыки, усложнение музыки(виртуозное исполнение), мажор и минор. Жанры: опера(Алессандро Скарлатти (1660—1725), Генделя, Клаудио Монтеверди), оратория(И. С. Баха и Генделя), кантата, токката и фуга (Бах). Инструментальные сюиты и сонаты для отдельных инструментов и для камерных оркестров, кончерто гроссо, концерт, танцы: аллеманда, сарабанда, куранта, жига, гавот, менуэт.
Классицизм (образцовый). XVII—XVIII вв. Высшие достижения классицизма в музыке связаны с деятельностью венской классической школы — с творчеством Й. Гайдна, В. А. Моцарта и Л. ван Бетховена[1]. Эстетика классицизма основывалась на убеждении в разумности и гармоничности мироустройства, что проявилось во внимании к сбалансированности частей произведения, тщательной отделке деталей, разработке основных канонов музыкальной формы. Сонатная форма преобладает во многих сочинениях этого периода, среди которых сонаты, трио, квартеты, квинтеты, симфонии, поначалу не имевшие строгих границ с камерной музыкой, и трехчастные концерты, большей частью фортепианные и скрипичные. Развиваются новые жанры – дивертисмент, серенада и кассация. Именно в этот период окончательно сформировалась сонатная форма, основанная на разработке и противопоставлении двух контрастных тем, определился классический состав частей сонаты и симфонии. Появляется и струнный квартет, состоящий из двух скрипок, альта и виолончели. Было создано фортепиано. Гайдн создал фантастическую хоровую, оперную, оркестровую и инструментальную музыку, но самое большое его достижение именно симфонии, которых он написал более ста. Моцарт написал 41 симфонию, оперы «Дон Жуан». «Свадьба Фигаро» и «Волшебная флейта». Людвиг Ван Бетховен, композитор, который начал сочинять музыку в классическом стиле, унаследованном от Моцарта и Гайдна, но в конечном счете перерос это и буквально расколол классический стиль, отмечая зарю новой эпохи, известной как Романтический период в музыке. композиторы вводили ощущение элегантности в музыку. Эта ясная и чистая музыка, несущая покой и расслабление, на самом деле намного глубже и в ней можно обнаружить драматическое ядро и трогательные чувства. Содержание музыкальных сочинений связано с миром чувств человека. Настоящей революцией стала оперная реформа Кристофа Глюка. Его творческой программой были три великих принципа – простота, правда, естественность. В музыкальной драме он искал смысла. Классическая симфония имеет четырехзначный цикл (Гайдн). Первая часть идет в быстром темпе и звучит чаще всего энергично, взволнованно. Вторая часть – медленная. Ее музыка передает лирическое настроение человека. Третья часть – менуэт – один из любимых танцев эпохи Гайдна. Четвертая часть – финал. Это итог всего цикла, вывод из всего, что было показано, продумано, прочувствовано в предыдущих частях. Музыка финала обычно устремлена вверх, она жизнеутверждающая, торжественная, победная. В классической симфонии найдена идеальная форма, способная вместить очень глубокое содержание.
Романтизм. 1800- 1910гг. Музыка этого периода развилась из форм, жанров и музыкальных идей, установившихся в ранние периоды, такие как классический период. Хотя романтизм не всегда подразумевает романтические отношения, тем не менее, этот сюжет был основным во многих работах по литературе, живописи и музыке, созданных в эпоху романтизма. Произведения, относящиеся к Романтизму, воспринимаются слушателями (как в 19 в., так и сегодня) как более пылкие и эмоционально выразительные. Композиторы-романтики старались с помощью музыкальных средств выразить глубину и богатство внутреннего мира человека. Музыка становится более рельефной, индивидуальной. Получают развитие песенные жанры, в том числе баллада. Для романтического мировоззрения характерен резкий конфликт между реальной действительностью и мечтой. Мечта – это нечто прекрасное, совершенное, но недостижимое и непостижимое разумом. Романтики верили в то, что чувства составляют более глубокий пласт души, чем разум. В качестве основной проблемы романтической музыки выдвигается проблема личности, причем в новом освещении – в ее конфликте с окружающим миром. Романтический герой всегда одинок. Тема одиночества – едва ли не самая популярная во всем романтическом искусстве. Преобладает лирика. Образы любви. Темы природа, фантастики, народного творчества. В оркестровке принцип ансамблевых групп уступил место солированию почти всех оркестровых голосов. Важнейшим моментом эстетики музыкального романтизма была идея синтеза искусств, которая нашла наиболее яркое выражение в оперном творчестве Вагнера и в программной музыке Берлиоза(Фантастическая симфония), Шумана(цикл любовь поэта), Листа(фортепианные произведения). Представители: Шуберт, Шопен, Вагнер(Тристан и Изольда), Григ, Сметана, Вебер(волшебный стрелок), Лист(фортепианная музыка).Важнейшие достижения романтизма в музыке: интерес к миру индивидуальной личности и расцвет вокальной и фортепианной миниатюр (песня, романс, музыкальный момент, экспромт, ноктюрн, поэма и др.). Тяготение к сквозному драматургическому развитию и образование свободных смешанных форм (фантазия, рапсодия, симфоническая поэма). Идеализация природы и развитие лирико-эпического симфонизма.
Импрессионизм. Посл четверть ХIX – нач ХХ в. Творчество Сати, Дебюсси, Равеля. Музыкальный импрессионизм в качестве предшественника имеет прежде всего импрессионизм во французской живописи. Импрессионисты создавали произведения искусства утончённые и одновременно ясные по выразительным средствам, эмоционально сдержанные, бесконфликтные и строгие (чистые) по стилю. В области симфонической и фортепианной музыки создавались главным образом программные миниатюры, сюитные циклы (возвращение к рококо), в которых преобладало красочно-жанровое или пейзажное начало. передача настроений, приобретающих значение символов, тонких психологических нюансов, тяготение к поэтической пейзажной программности. Ему свойственны также рафинированная фантастика, поэтизация старины, экзотика, интерес к тембровой и гармонической красочности. С основной линией Импрессионизм в живописи его роднит восторженное отношение к жизни; моменты острых конфликтов, социальных противоречий в нём обходятся. Классическое выражение музыкальный Импрессионизм нашёл в творчестве К. Дебюсси; черты его проявились и в музыке М. Равеля, П. Дюка, Ф. Шмитта, Ж. Ж. Роже-Дюкаса и др. французских композиторов. Красочность ладогармонических и тембровых средств выдвигается на первый план: усиливается выразительное значение каждого звука, аккорда, раскрываются неизвестные ранее возможности расширения ладовой сферы. Особую свежесть музыке импрессионистов придавало их частое обращение к песенно-танцевальным жанрам, к элементам музыкального языка народов Востока, Испании, ранних форм негритянского джаза. Музыкальный Импрессионизм сложился на рубеже 80-90-х гг. во Франции вслед за импрессионизмом в живописи и символизмом в поэзии, затем распространился и в других странах. Импрессионисты расширили колористические средства музыкальной выразительности (в области гармонии, инструментовки). Для музыкального импрессионизма кон. 19 — нач. 20 вв. (во Франции — К. Дебюсси, отчасти М. Равель, П. Дюка и др.), сложившегося под влиянием импрессионизма в живописи, характерны передача тонких настроений, психологических нюансов, тяготение к пейзажной программности, интерес к тембровой и гармонической красочности.
5. Опера как жанр искусства. Оперный театр Италии эпохи барокко.
Опера - жанр музыкально-драматического искусства, в котором содержание воплощается средствами музыкальной драматургии, главным образом посредством вокальной музыки[1]. Литературная основа оперы — либретто. В этом музыкальном жанре слиты в единое целое поэзия и драматическое искусство, вокальная и инструментальная музыка, мимика, танцы, живопись, декорации и костюмы. Композитор часто пишет оперу на сюжет, заимствованный из литературы, например «Руслан и Людмила», «Евгений Онегин». Практически каждая опера начинается увертюрой — симфоническим вступлением, которое в общих чертах знакомит слушателя с содержанием всего действия. Появилась в Италии в мистериях (духовных представлениях) во Флоренции. В последней трети XVI в. стали открываться оперные залы. Оперное искусство по-прежнему оставалось привилегией аристократии, места в зале принадлежали только знати, в театр ходили влиятельные, могущественные люди, а также ученые и члены академий. В 1637 г. в Венеции открылся первый оперный театр - Сан Кассьяно. Премьерной постановкой стала опера "Андромеда" конмпозитора Франческо Манелли. Первой большой оперой можно считать «Эвридику» Якопо Пери, исполненную в 1597.Римская опера отличалась необыкновенным сценическим блеском и сложными декорациями, которые завораживали зрителей, жаждавших новшеств. Сценической действие стремилось к максимальной натурализации. Опера эпохи барокко была прежде всего зрелищем, вокальным и сценическим спектаклем. Огромное значение отводилось декорациям. В поисках неожиданного, удивительного и зрелищного эффекта мастера разрабатывали механизмы необыкновенного уровня сложности. Венеция. Рим и Неаполь – оперыне центры. Истоками оперы можно считать и античную трагедию. Как самостоятельный жанр опера возникла в Италии на рубеже 16-17 веков в кружке музыкантов, философов, поэтов в городе Флоренция. Назывался кружок любителей искусства «камерата». Участники «камераты» мечтали возродить древнегреческую трагедию, объединить в одном спектакле драму, музыку и танец. Первый подобный спектакль был дан во Флоренции в 1600 году и рассказывал об Орфее и Эвридике. Для первых флорентийских опер характерно: господство речитатива, отсутствие арий и ансамблей, статичность действия. Благодаря Монтеверди опера превратилась в произведение прежде всего музыкальное: теперь музыка стала занимать не подчиненное, как это было раньше, а главное место. Монтеверди создал остро напряженный, драматический речитатив – с внезапными сменами темпа и ритма, выразительными паузами. При этом Монтеверди не ограничился речитативом: в кульминациях своих опер он включал арии, где мелодия носила уже не декламационный, а певучий характер. Большое значение приобрел хор и оркестр, который подчеркивал значительность того или иного момента драмы. Все это позволило Монтеверди ярко раскрывать внутренний мир своих героев. В конце 17-начале 18 века складываются основные разновидности оперы: опера — Seria (большая серьёзная опера) и опера — Buffa (комическая опера). Серия: историко-легендарный или мифологический сюжет со счастливым концом, героями были короли, боги, полководцы, драма на втором плане, ария – опора спектакля, для демонстрации виртуозности вокала, ансамблей почти нет, очень пышное оформление. Буфа: повседневный сюжет, простые люди, драмат действие на 1 плане, ария близка к простонародной песне, выразительный речитатив, ансамбли – ведущее место, скромное сценическое оформление. Замечательным оперным композитором, работавшим на рубеже двух веков, был Алессандро Скарлатти(1660-1725), представитель неаполитанской школы. Большая часть его творческой деятельности протекала в Риме. Его господство как в области комической оперы - "Tutto il mal non vien per nuocere"(1681), так и в жанре оперы seria - "Olimpia vendacata"(1685), было абсолютным. Скарлатти представил новый тип арии, установив трехчастную форму, где третья часть была полным повторением первой("da copo"). Он же разработал инструментальную увертюру - тогда ее называли симфонией, придал большую слаженность и согласованность квартетам. Необычайно популярным было пение "castrati"(кастратов). Для сохранение чистоты голоса в период полового созревания певцы подвергались кастрации. Широкий диапазон голоса позволял им исполнять партии сопрано, контральто и тенора, а некоторых случиях - половину регистра баритона.
Барокко в музыкальной культуре. Творчество И.С. Баха
Вокальная музыка, которая преобладала в эпоху Ренессанса, постепенно вытеснялась инструментальной музыкой. Понимание, чтомузыкальные инструменты должны объединяться неким стандартным образом, привело к возникновению первых оркестров.
Один из самых важных типов инструментальной музыки, который появился в эпоху Барокко был концерт. Изначально концерт появился в церковной музыке в конце эпохи Возрождения и, вероятно, это слово имело значение "контрастировать" или "бороться", но в эпоху Барокко он утвердил свои позиции и стал самым важным типом инструментальной музыки.
Двумя из самых великих композиторов концертов того времени были Корелли и Вивальди, их творчесво пришлось на конец эпохи Барокко и они установили и упрочили концерт как способ продемонстрировать всё мастерство солиста.
В начале эпохи Барокко, приблизительно в 1600 году, в Италии композиторами Кавальери и Монтеверди были написаны первые оперы, сразу получившие признание и вошедшие в моду. Основой для первых опер были сюжеты древнегреческой и римской мифологии.
Будучи драматической художественной формой, опера поощряла композиторов воплощать новые способы иллюстрировать эмоции и чувства в музыке, фактически, воздействие на эмоции слушателя стало главной целью в произведениях этого периода.
Опера распространилась во Франции и Англии благодаря великим работам композиторов Рамо, Генделя и Перселла.
В Англии была также развита оратория, которая отличается от оперы отсутствием сценического действия, оратории часто основаны на религиозных текстах и историях. "Мессия" Генделя - показательный пример оратории.
В Германии опера не завоевала такой популярности, как в других странах, немецкие композиторы продолжали писать музыку для церкви.
Иоганн Себастьян Бах, величайший гений в истории музыки, жил и творил в эпоху Барокко. Его подход к музыке открыл безграничные возможности создания произведений.
Основным инструментом той эпохи был клавесин - предшественник фортепиано.
Многие важные формы классической музыки берут свои истоки в эпохе Барокко - концерт, соната, опера.
Барокко была эпохой, когда идеи о том, какой должна быть музыка, обрели свою форму, эти музыкальные формы не потеряли актуальности и на сегодняшний день. Великие работы эпохи Бароко: Гендель "Музыка на воде" Бах "Бранденбургские концерты и Кантаты Вивальди "Четыре Сезона" Пёрселл "Дидона и Эней" Монтеверди "Орфей".
И.С. Бах (1685-1750). В своей музыке композитор опирался на все то, что было достигнуто и открыто в музыкальном искусстве до него. Бах превосходно знал немецкую органную музыку, хоровую полифонию эпохи Возрождения, особенности немецкого и итальянского скрипичного стиля. Он не только знакомился, но и переписывал сочинения современных ему французских клавесинистов (в первую очередь Куперена), итальянских скрипачей (Корелли, Вивальди), крупнейших представителей итальянской оперы. Творческое наследие включает более 1000 произведений самых разных жанров, причем среди них есть такие, масштабы которых исключительны для своего времени (MP). Произведения Баха можно разделить на три основные жанровые группы: вокально-инструментальная музыка; органная музыка, музыка для других инструментов (клавира, скрипки, флейты и т.д.) и инструментальных ансамблей (в т.ч. оркестровая). Основные жанры, в которых работал Бах, традиционны: это мессы и пассионы, кантаты и оратории, хоральные обработки, прелюдии и фуги, танцевальные сюиты и концерты. Бах не писал опер, но писал светские кантаты (зарисовки из повседневной жизни). Баховское искусство вмещает и глубокую скорбь, и простодушный юмор, острейший драматизм и философское размышление. Отразил религиозно-философские проблемы, размышление о назначении человека, о его нравственном долге, о жизни и смерти. Эти размышления чаще всего связаны с религиозной тематикой, ведь Бах почти всю свою жизнь служил при церкви, огромную часть музыки написал для церкви. Иисус Христос у Баха – главный герой и идеал. В этом образе композитор видел олицетворение лучших человеческих качеств: силы духа, верности избранному пути, чистоты помыслов. Самое сокровенное в истории Христа для Баха – это Голгофа и крест, жертвенный подвиг Иисуса ради спасения человечества. Эта тема, будучи важнейшей в баховском творчестве, получает этическое, нравственное истолкование. С протестантским хоралом Бах был связан на протяжении всей своей жизни – и по вероисповеданию, и по роду деятельности в качестве церковного музыканта. Он постоянно работал с хоралом в самых разных жанрах – органных хоральных прелюдиях, кантатах, пассионах. Вполне закономерно, что П.Х. стал неотъемлемой составной частью музыкального языка Баха. Гениальное творчество Баха не было по-настоящему оценено его современниками. Пользуясь славой как органист, он при жизни не привлек должного внимания как композитор. Подлинный интерес к Баху возник лишь в XIX веке. Начало ему положил Ф. Мендельсон, случайно нашедший в библиотеке ноты «Страстей по Матфею». Под его управлением это произведение было исполнено в Лейпциге. Большинство слушателей, буквально потрясенных музыкой, никогда не слышало имя автора. Это было вторым рождением Баха. Несколько сыновей Баха стали видными музыкантами: Филипп Эммануэль, Вильгельм Фридеман (Дрезден), Иоганн Кристоф (Бюккенбург), Иоганн Кристиан (самый младший, «Лондонский» Бах).
7. Опера как жанр музыкального искусства. Оперный театр эпохи классицизма(на примере опер Моцарта)
Опера - жанр музыкально-драматического искусства, в котором содержание воплощается средствами музыкальной драматургии, главным образом посредством вокальной музыки [1] . Литературная основа оперы — либретто. В этом музыкальном жанре слиты в единое целое поэзия и драматическое искусство, вокальная и инструментальная музыка, мимика, танцы, живопись, декорации и костюмы. Композитор часто пишет оперу на сюжет, заимствованный из литературы, например «Руслан и Людмила», «Евгений Онегин». Практически каждая опера начинается увертюрой — симфоническим вступлением, которое в общих чертах знакомит слушателя с содержанием всего действия. Ведущее место занимала серьезная итальянская опера (итал. opera seria), где классические герои и боги жили и умирали в атмосфере высокой трагедии. Менее формальной была комическая опера (opera buffa), основанная на сюжете Арлекина и Коломбины из итальянской комедии (commedia dell'arte), окруженных бесстыдными лакеями, их дряхлыми хозяевами и всякими плутами и жуликами. Наравне с этими итальянскими формами развивалась немецкая комическая опера (singspiel), чей успех заключался, пожалуй, в использовании доступного широкой публике родного немецкого языка. Моцарт объединил эти три направления. Одна из двух его больших опер - «Идоменей, царь Крита» (1781), полная страсти и огня, - исполняется и сегодня, а «Милосердие Тита» (1791) можно услышать очень редко. Три оперы buffa - «Женитьба Фигаро», «Дон Жуан», «Так поступают все женщины». Любовь в той или иной форме является ведущей темой. «Фигаро» рассказывает, как слуга (Фигаро) чинит всевозможные препятствия своему хозяину, желающему соблазнить девушку, на которой он хочет жениться. В «Дон Жуане» мы становимся свидетелями приключений дамского угодника, который, в конце концов, был затянут в ад статуей убитого им мужа любовницы. Сюжет не очень подходит для жанра комической оперы, но Моцарт заканчивает ее хором, который говорит зрителю, что все это не должно восприниматься слишком всерьез. Либретто к операм писал Лоренцо да Понте. Для «Женитьбы Фигаро» использовали пьесу Бомарше. Опера «Женитьба Фигаро», написанная в 1786 году, стала пиком славы Моцарта. Духом озорного веселья наполнены и две немецкоязычные оперы Моцарта: «Похищение из сераля» и «Волшебная флейта». Первая была написана в 1781 году, в ее основе лежит история спасения девушки, оказавшейся в гареме султана. В «Волшебной флейте» герои - двое идеализированных влюбленных - проходят через множество испытаний, и помогает им в этом волшебная флейта. Героями оперы являются также злобная королева, благородный верховный жрец и смешной птицелов, линия которого снимает напряжение. Моцарт освоил практически все современные ему оперные жанры. Для его зрелых опер характерны органичное единство драматургии и музыкально-симфонических закономерностей, индивидуальность драматургии. Учитывая опыт Глюка, Моцарт создал свой тип героической драмы в «Идоменее», в «Свадьбе Фигаро». На базе оперы-буффа пришел к реалистической музыкальной комедии характеров. Зингшпиль Моцарт превратил в философскую сказку-притчу, проникнутую просветительскими идеями («Волшебная флейта»). Многоплановостью контрастов, необычным синтезом оперно-жанровых форм отличается драматургия оперы «Дон Жуан».Стиль Моцарта отличается интонационной выразительностью, пластической гибкостью, кантиленностью, богатством, изобретательностью мелодии, взаимопроникновением вокальных и инструментальных начал. Одно из главных нововведений в моцартовских операх - перенесение действия из диалогов в музыку (в ансамбли, дуэты, даже в арии). 2 арии: 1 арии психологически углублённые, необходимые для характеристики индивидуальностей и их глубочайших переживаний, арии действия, например ария Дон-Жуана с крестьянами.
Классицизм в музыкальной культуре. Венская классическая школа. Классический симфонический оркестр. Жанры сонаты и симфонии(на примере сонатно-симфонического творчества Л.Бетховена).
Классицизм (образцовый). XVII—XVIII вв. Высшие достижения классицизма в музыке связаны с деятельностью венской классической школы — с творчеством Й. Гайдна, В. А. Моцарта и Л. ван Бетховена[1]. Эстетика классицизма основывалась на убеждении в разумности и гармоничности мироустройства, что проявилось во внимании к сбалансированности частей произведения, тщательной отделке деталей, разработке основных канонов музыкальной формы. Сонатная форма преобладает во многих сочинениях этого периода, среди которых сонаты, трио, квартеты, квинтеты, симфонии, поначалу не имевшие строгих границ с камерной музыкой, и трехчастные концерты, большей частью фортепианные и скрипичные. Развиваются новые жанры – дивертисмент, серенада и кассация. Именно в этот период окончательно сформировалась сонатная форма, основанная на разработке и противопоставлении двух контрастных тем, определился классический состав частей сонаты и симфонии. Было создано фортепиано. Эта ясная и чистая музыка, несущая покой и расслабление, на самом деле намного глубже и в ней можно обнаружить драматическое ядро и трогательные чувства. Содержание музыкальных сочинений связано с миром чувств человека. Ве́нская класси́ческая шко́ла (венская классика, венский классицизм, венские классики) — направление европейской музыки второй половины XVIII — первой четверти XIX вв. К нему принадлежат композиторы Йозеф Гайдн, Вольфганг Амадей Моцарт и Людвиг ван Бетховен. Трёх великих композиторов венской школы объединяет виртуозное владение разнообразнейшими стилями музыки и приёмами композиции: от народных песен до полифонииэпохи барокко. Венские классики создали тот высокий тип инструментальной музыки, в котором все богатство образного содержания воплощено в совершенную художественную форму. Основной особенностью является применение трёх приёмов: обязательного аккомпанемента, наличия сквозных тем и работы над темой и формой. Характерны универсальность художественного мышления, логичность, ясность художественной формы. В их сочинениях органично сочетаются чувства и интеллект, трагическое и комическое, точный расчёт и естественность, непринуждённость высказывания. Расцвет венской классической школы совпал со становлением оркестра (стабильный состав. Определенность групп). Выделяется фортепианная музыка. Гайдну и Бетховену наиболее близкой оказалась сфера инструментальной музыки, Моцарт в равной мере проявил себя и в оперном, и в ин