План лекции:
– барокко начала XVII в.;
– классицизм XVII в. и творчество Давида;
– барокко и рококо на рубеже XVII-XVIII вв.;
– сентиментализм и реалистические тенденции.
XVII-XVIII вв., эпоха расцвета французского абсолютизма, стали временем бурного становления французской живописной школы, которая в XIX в. становится ведущей в Европе. Поражает разнообразие стилевых и жанровых тенденций во французском искусстве этого периода, с трудом укладывающееся в традиционную классификацию по годам правления четырех Людовиков и Наполеона.
К началу XVII в. относится творчество гравера Жака Калло (1592/3-1635), чьи гротески, изображающие бедствия войны и уличные толпы, несомненно, повлияли на офорты Гойи. Долго живя в Италии, Жак Калло использует персонажи-маски комедии дель арте.
Влияние караваджизма очевидно в творчестве Жоржа де Латура (1593-1652). В жанровых сценках «Гадалка» (1610-1630-е гг.), «Шулер» (ок. 1619/20), «Платеж» (1640) богатство колорита и пластическая монументальность образов как будто способствуют обману: в атмосферу сложной игры взглядов и жестов включается и зритель. Эмоциональная напряженность и мистическая загадочность религиозных работ Латура, выраженные светотеневыми контрастами, подчеркиваются лаконизмом и четкостью композиции. Таковы «Мученичество Св.Себастьяна» и «Мария Магдалина» у стола со свечой и черепом (вариант – перед зеркалом).
Франция считается родиной классицизма, хотя его основатели Никола Пуссен (1594-1665) и Клод Лоррен (1600-1682) в основном жили в Италии, где испытали влияние античного искусства и «болонского академизма». Произведениям раннего классицизма свойственны композиционная уравновешенность, плавный линейный ритм, античная статика и гармония пластических построений, созвучие и соразмерность сильных и глубоких тонов. Преобладающий интерес к античным сюжетам тоже характерен для обоих художников.
Отличие французского классицизма от фламандского барокко очевидно при сравнении образа Вакха у Рубенса и Пуссена («Мидас и Бахус»). Гармоничные формы и благородная поза Вакха (Бахуса) у Пуссена указывают на сходство с самим Аполлоном.
Пуссен пишет картины на сюжеты мифологические («Аркадские пастухи», «Марс и Венера», «Селена и Эндимион», «Аполлон и Дафна», «Пан и Сиринга», «Вакханалия», «Спящая Венера», «Нарцисс и Эхо», «Триумф Флоры»), библейские («Поклонение золотому тельцу», «Эсфирь перед Артаксерксом», «Отдых на пути в Египет», «Оплакивание»), исторические («Похищение сабинянок», «Великодушие Сципиона») и литературные («Танкред и Эрминия», «Ринальдо и Армида» из поэмы Торкватто Тассо «Освобожденный Иерусалим»). Одинаковым благородством в последних картинах отмечены как христианские воины Танкред и Ринальдо, так и языческая принцесса Эрминия, и колдунья-соблазнительница Армида.
Поздний Пуссен создает классицистический пейзаж, в котором вечность идеальной природы подчеркивается античными или библейскими образами. Таковы аналогичные по форме и содержанию «Пейзаж с Полифемом» и «Пейзаж с Геркулесом и Какусом». «Потоп» из аллегорической серии «Времена года» (1660/64) интерпретирует в пейзаже библейский сюжет фрески Микеланджело.
Пейзажист Клод Лоррен предпочитал море, на заднем плане «ограниченное» горизонтом и кораблями, на переднем – берегом и фигурками людей, по бокам – деревьями и руинами. Повторяемость композиции компенсируется разнообразием освещения. Запечатленная художником изменяемость световоздушной среды (серия картин, изображающая четыре времени суток) предвосхитила эксперименты импрессионистов. Обращение преимущественно к античным сюжетам («Похищение Европы», «Троянские женщины жгут флот», «Прибытие Улисса ко двору Никомеда», «Пейзаж с Аполлоном и Марсием» и др.) подчеркивает вечность и гармонию природы, которую Лоррен находит в Италии («Морская гавань при восходе солнца», «Морской порт на закате солнца»).
Эволюция от классицизма XVII в. к классицизму конца XVIII в. и ампиру начала XIX в. очевидна, если сравнить картины далекого от французского двора Пуссена и революционные полотна Жака Луи Давида (1748-1825), сделавшего карьеру от первого художника республики до придворного живописца империи Наполеона. «Клятва Горациев» (1784-1785) – эпизод из трагедии Пьера Корнеля «Гораций». Характерная для французского классицизма гражданская тема выражена через сюжет римской истории. Замкнутое помещение подчеркивает четкое композиционное деление сцены на три части, соответствующие трем аркам колоннады фона, а резкий рисунок и жесткая локальность основных цветов усиливают экспрессивную монументальность образов.
Давид оформляет массовые революционные праздники, занимается национализацией произведений искусства. В 1793 г. в Лувре был открыт Национальный музей. В этом же году по поручению Конвента Давид пишет полотно «Смерть Марата». Этот непосредственный отклик на происходящее можно назвать картиной на сюжет современной истории. Давид изображает мертвого «друга народа» в ванне с письмом-прошением убийцы Шарлотты Кордэ. Все изображение занимает лишь нижнюю треть серой глухой стены. Лаконизм композиции, жесткая плотность рисунка, мертвенная бледность и монументальное величие фигуры напоминают мраморный рельеф.
Уже «Похищение сабинянок» (1795-1799) Давида свидетельствует о переходе от суровости и лаконизма «революционного классицизма» к пышности и претенциозности ампира. В центре яркой статичной многофигурной композиции «Коронация Наполеона» (1805-1807) изображены император в лавровом венке с короной в руках и коленопреклоненная Жозефина. В картине «Наполеон на перевале Сен-Бернар» (1801) динамический разворот фигуры на вздыбленном коне сдерживается статичным жестом императора, величие которого подчеркивают высеченные на скале под ногами коня имена прославленных полководцев прошлого. Ученики Давида (Франсуа Жерар, Антуана Гро, Жан Огюст Доменик Энгр) тоже изображали Наполеона.
Но вернемся к началу XVIII в. Стиль рококо во французской живописи связывают с именами Жана Антуана Ватто (1684-1721), Франсуа Буше (1703-1770) и Жана Оноре Фрагонара (1732-1806). Основные сюжеты и жанры рококо (возможно, от рокайль – раковина): галантные праздненства, любовные и пастушеские сценки, а также портрет и пейзаж. Связанный с барокко, стиль рококо в живописи выразился в изяществе мелких деталей, тонкости и богатстве колорита.
Антуан Ватто пишет портреты актеров итальянской и французской комедии, изображая их на границе театра и жизни. Ватто первым увидел усталое лицо простого человека под актерской маской, а на жизнь светского общества смотрел как на настоящий спектакль. «Капризница», «Затруднительное предложение», «Общество в парке», «Праздник любви», «Сатира на докторов» – разве действие этих картин не разыгрывается на театральной сцене? Нюансы любовного чувства переданы сложной палитрой смешанных цветов, тонкой гаммой колеблющихся оттенков.
Великолепны по глубине лирического звучания портреты «Жиль» и «Савояр с сурком». На первом – актер с печальным лицом скованно стоит у края рампы, на втором – мальчик со светлой улыбкой на лице отправился на заработки с сурком и флейтой в руке. Примечательно, что символический «музыкальный» свет исходит от флейты и согревает мальчика. Вспоминается знаменитая песня Бетховена. Музыкальным можно назвать и пейзаж на картинах Ватто, подчеркивающий иллюзорность границы между театром и жизнью. Музыкальный концерт и танцы в парке – излюбленные темы близкого к Ватто художника Никола Ланкре (1690-1743).
На картине-вывеске Ватто «Лавка Жерсена» (1720) изображена антикварная лавка, где в ящик укладывают портрет Людовика XIV: могущество «Короля-Солнца» закончилось раньше его смерти в 1715 г. Торжественность классицизма сменяется ощущением мимолетности и быстротечности жизни, жаждой любовных наслаждений и легкомысленных развлечений. Это век рококо – век Людовика XV.
Первый художник короля, глава Академии живописи и скульптуры Франсуа Буше много работал в разных областях декоративно-прикладного искусства: делал эскизы для гобеленов, театральных костюмов, фарфора и т.д. Отсюда и такие особенности его живописной манеры, как внимание к декоративным деталям и изображение благоухающих тел с гладкой матовой кожей. Варьируя античные сюжеты, художник соединяет в одной картине разные атрибуты Венеры: зеркало из «Туалета» и пояс из «Триумфа» Венеры. При этом везде множество амурчиков, голубей и цветов. Как бы играя со зрителем, Буше во второстепенных образах картин «Купание Дианы» и «Юпитер и Каллисто» повторяет одни и те же мотивы соблазнения и убийства.
Задание: Внимательно рассмотрите упомянутые картины Буше по НМ. Чтобы понять их двойной смысл, вспомните миф о нимфе Каллисто, которую Юпитер соблазнил в образе Дианы, а сама Диана превратила в медведицу.
Заметим, что даже Дени Дидро, отстаивающий принципы реалистического искусства, восхищался мастерством Буше. Нельзя не признать, что его портрет мадам де Помпадур (1756) гораздо естественнее, живее и прекраснее, чем портреты кисти Карла Ванлоо, где знаменитая фаворитка Людовика XV изображена в виде прекрасной садовницы или султанши.
Тетральностью рококо отмечены и зеленовато-голубые пейзажи Буше («Пейзаж в окрестностях Бове», «Пейзаж с мельницей»). Любопытно сравнить последний с эрмитажной картиной на тот же сюжет Гюстава Робера (1733-1808), творчество которого отмечено чертами «антикизирующего» предромантизма, особенно заметными в известной работе «Руины».
В картине Буше «Геркулес и Омфала» очевидно влияние Рубенса. Творчество фламандского художника барокко повлияло и на ученика Буше – Оноре Фрагонара. Мастер золотисто-розового колорита, он как живописец ставится даже выше своего учителя. Вместо амурчиков у Фрагонара во множестве появляются образы детей: «Девочка, играющая с собачкой», «Выигранный поцелуй», «Дети фермера», «Бедное семейство». В последней работе очевидна социальная проблематика, а в портрете «Дама с собачкой» – откровенная ирония. Эрмитажная работа «Поцелуй украдкой» тоже свидетельствует о стиле рококо.
Самое раннее изображение во французской живописи крестьянского бытасвязывают в начале XVII в. с творчеством братьев Ленен. В основном это статичные групповые портреты («Семейство молочницы» Луи Ленена, «Повозка булочника» Жана Мишлена) или драматические сцены («Драка крестьян при расчете» Матье Ленена). Следующим важным шагом в живописном осмыслении повседневного быта простого человека стало в начале XVIII в. искусство Жана-Батиста Симеона Шардена (1699-1779).
Под влияние фламандской и особенно голландской школ складываются в творчестве Шардена жанры реалистического натюрморта и бытовой сцены. В нашей стране особенно известны натюрморты с атрибутами искусства. Шарден отходит от классицизма и барокко: гипсовое изображения античного бога «живет» на полотне своей «тихой» жизнью рядом с обычными предметами повседневного труда художника. Характер натюрмортов Шардена выражает дух эпохи Просвещения. Сдержанный, но очень выразительный колорит подчеркивает простоту предметов «кухонных» натюрмортов: медного котла, связки лука. Эти и другие вещи живут своей тихой жизнью на картинах бытового жанра: «Прачка», «Молитва перед обедом», «С рынка».
Очень домашний, но в то же время проницательный, художник смотрит на нас из-под очков с «Автопортрета с зеленым козырьком». Сразу вспоминается ироническая подпись «Суетные развлечения молодого человека…» к картине «Мыльные пузыри».
Высоко оценивая творчество Шардена, Дени Дидро «своим художником» называл Жана-Батиста Греза (1725-1805). Нравоучительный характер картин последнего выражен в подзаголовках «Плоды хорошего воспитания» («Паралитик») и «Плоды плохого воспитания» («Балованное дитя»).
Бытовые сценки Греза отмечены сентиментальностью (сравните «Выбор бобового короля» с «Бобовым королем» Йорданса), а его знаменитые «головки» при всем их разнообразии свидетельствуют о связи художника с рококо и «головками» Буше.