Japanese poster of 1960 years and western influences.

ХХ век, как никакое другое столетие, породил разнообразие художественных стилей, связанное с развитием науки и техники, и, позднее, с компьютерными технологиями. Как один из многочисленных феноменов ХХ века, появилось абстрактное искусство, говорящее со зрителем на новом символическом языке. Теперь искусство не отображало окружающую жизнь, а творило новую реальность. Такие живописные течения начала века, как футуризм, сюрреализм, кубизм, фовизм и т.д. внесли изменения в художественный язык ХХ века. Индивидуальность художника, способного создать свой особенный мир, свой пластический язык и свою систему знаков и смыслов, в ХХ веке приобрела особое значение. Такие лидеры в искусстве, как П.Пикассо, В.Кандинский, К.Малевич, перевернули представление об искусстве как отображении окружающей реальности, создав новые пластические способы познания мира.

«Изменения в искусстве, принесенные ХХ веком, не покажутся вдумчивому зрителю слишком удивительными, если он будет иметь ввиду ту очевидную, но часто забываемую истину, что искусство эволюционирует вместе с порождающей его жизнью и что стремительное изменение пластического языка – не столько дерзкий эксперимент, сколько исторически обусловленная, естественная реакция на новые и совершенно непривычные реалии ХХ столетия». [3]

Графический дизайн, воспринявший пластические, семантические и графические изменения в искусстве ХХ века, приобретает новые выразительные средства, изобретает новые образы.

«Дизайн в ХХ веке стал глобальным феноменом, охватывающим самые разные сферы: от архитектуры и мебельного производства до графики. Язык дизайна стал универсальным коммуникативным и экспрессивным средством».[ 1]

Японские дизайнеры феноменально быстро восприняли новый графический язык ХХ века, чтобы стать на одном уровне с развитыми западноевропейскими странами, оказавшись в единой знаковой системе. На развитие японского плаката в западном направлении также повлияла оккупация американцами и их глубокое участие во всех аспектах жизни Японии с 1945 по 1952 года.

«В 1950-1960 годы японские дизайнеры отказались от своей индивидуальности и горячо устремились к западным формам, но к концу этого периода, начали появляться новые дизайнеры, чьи талант, опыт и видение, были настолько сильны, чтобы родить новый японский стиль» - писал японский дизайнер Юсаку Камекура о событиях в Японии в те годы. Знаковая система и графический язык таких стилей в дизайне1950-1960 годов, как швейцарская школа дизайна, оп-арт, поп-арт нашли отражение в работах известных японских дизайнеров вследствие близости этих направлений японской эстетике. Именно в 1960-е страна заявила о себе во всем мире именами своих дизайнеров: Юсаку Камекура, Икко Танака, Таданори Йоко, Шигео Фукуда, Киоши Авацу и т.д.

Огромное влияние на японскую школу плаката оказала швейцарская школа дизайна (или международный типографский стиль), которая возникла в Швейцарии в 1950-х гг. и создала новый стиль графического дизайна, ставший на длительное время системой для всего мира. Корнями это движение уходит в de Stijl и Баухауз, а также в традиции книгопечатания 1920-1930-х годов. Связь с конструктивизмом также отличает швейцарскую школу. Для этого стиля были характерны визуальное единство в дизайне, которое достигалось асимметричной организацией отдельных элементов (геометрических фигур, шрифтовых элементов) внутри модульной сетки, выстроенной с математической точностью, использование реалистической фотографии и представление визуальной и вербальной информации в предельно простой форме. Самая главная причина признания и распространения графического языка швейцарской школы дизайна в том, что швейцарский стиль соответствовал времени, которое нуждалось в простой и четкой организации информации. Швейцарская школа дизайна настолько четко сформулировала художественные принципы в дизайне, что до сих пор является востребованной системой. Появился новый символический язык геометрических форм, с помощью которого теперь можно было поведать обо всем, начиная с рекламы компании до экологического плаката.

Использование абстрактных геометрических форм, предложенных швейцарской школой дизайна, было органично воспринято японцами, т.к. символизм и минимализм графического языка близки японскому мировоззрению.

Японский дизайнер- первопроходец Юсаку Камекура в своих плакатах 1950-х – 1960-х годов одним из первых использовал геометрические фигуры для создания своих образов. Его работы, посвященные дизайну света, выставочные плакаты просты по композиции, в которой уравновешены элементы и пространство, отличаются предельной лаконичностью. В его произведениях два основных художественных приема - организация пространства с помощью одного единственного элемента или наличие ритмически организованных форм, создающих движение. Камекура часто использует симметрию в композиции своих произведений. Своими плакатами, точными и современными, находящимися на одном художественном уровне с лучшими работами западных дизайнеров, Камекура одним из первых подтвердил статус Японии как современной державы.

В 1956 году Камекура создал плакат для Первой Международной конференции использования атома в мирных целях. Начиная с 1955 года, японцы, пережившие Хиросиму, начали воспринимать атомную энергию не только как энергию разрушения, но как инструмент мира. Камекура в своем произведении показывает образ ядерной энергии скорее положительной, чем разрушительной. Плакат исполнен в традициях швейцарской школы дизайна – строго геометричная лаконичная композиция, два цвета на темном фоне. Образ космического сияния, изображенный с помощью двух сферических фигур с расходящимися лучами, обладает большой поэтической силой.

Японский дизайнер Икко Танака также создавал свои плакаты под влиянием швейцарской школы дизайна. Его работы сочетают в себе черты швейцарской школы: простую композицию на основе модульной сетки, яркие цвета, использование геометрических фигур, и свойственные традиционным искусствам Японии (каллиграфии, гравюре) изысканность цветовых сочетаний, подробную проработку деталей композиции. Это иллюстрирует плакат с изображением традиционной маски театра Но на фоне абстрактных цветных прямоугольников. Контрастность образа и фона подчеркивает контраст традиционных и современных элементов в японском дизайне, соединение японской эмоциональности и чувствительности с западной четкой графической структурой швейцарской школы дизайна. Еще один плакат Танаки «Выставка плакатов 10 мировых дизайнеров», который был создан в 1982 году для выставки «Природа и люди», проводимой к 50-летнему юбилею Торгового дома Такашимайя в Токио также пример сочетания традиции и современности. Образ выставки передан с помощью шрифтовых элементов-иероглифов, которые составлены из геометрических фигур насыщенных цветов. Но при внешней простоте и условности форм шрифтовых элементов, завораживают тонкость и изящество деталей иероглифов и гармония цветовых оттенков.

Следующий стиль в дизайне оказал влияние на развитие японского плаката вследствие органичной близости его японским идеалам красоты.

Это оп-арт (оптическое искусство) – стиль в абстрактном искусстве и графике, возникший в Европе, и позднее, в США в 1960-х гг. Оп-арт отличает использование геометрических фигур, линий с целью имитации движения, многочисленные визуальные эффекты, создающие иллюзию движения и вибрации. Яркие цвета, ритм повторяющихся элементов и декоративность характерны для работ создателей этого направления – В. Вазарели, М. Эшера, Р. Анушкевича и др. Стиль оказал большое влияние на графический дизайн.

Эффект оптических иллюзий был использован многими мировыми дизайнерами, в том числе японскими – Ю. Камекура, Ш. Фукуда, М. Катсуи. Игра света и тени, на которой основаны эффекты оп-арта, является близкой темой японской эстетики. Ритмический повтор элементов, декоративность стиля также близки японскому искусству, где орнамент всегда играл важную роль. Двойственность изображения форм в искусстве оп-арта, которые могут рассматриваться одновременно как разные образы, созвучна теме многозначности произведений искусства в Японии. Иллюзия движения, появляющаяся в ритмическом повторе элементов, также отличительная черта японского искусства, композиции японских гравюр.

Плакат Митсуо Катсуи «Pleats, please» («Складки, пожалуйста») (1997 г.) для рекламы модельера Иссей Мияке изображает светящиеся переплетающиеся лучи света во весь формат плаката, имитирующие складки ткани. Образ складок ткани прочитывается как фантастическая световая иллюзия. Творчеству Катсуи в большей мере свойственны игра со светом и совершенно фантастические эффекты, превращающие его работы в космические фантазии. Продолжением традиции оп-арта стала серия плакатов для коллекции «Фантастический пейзаж» («Visionary Scape»), в которых дизайнером создано особое пространство, заполненное квадратами разного цвета и масштаба. Четкие квадраты комбинируются с расплывающимися, растягивающимися в пространстве, что создает уникальные световые и цветовые эффекты.

Знаменитый японский дизайнер Шигео Фукуда превратил оптические иллюзии в стиль жизни, написал три книги об этом явлении. На его творчество повлиял художник-иллюзионист М.К. Эшер. Его всемирно известные юмористические плакаты и арт-объекты розыгрыши стали символами ХХ века. На протяжении всей своей творческой жизни Фукуда интересовался проблемой иллюзорности окружающего мира. Многие из его наиболее известных проектов являются визуальными каламбурами, которые несут в себе двойное прочтение. Например, его известная работа с эффектом двух рядов ног – с одной стороны видим белые женские ноги в туфлях, которые одновременно изображают мужские черные ноги в ботинках. И здесь двойное значение одной той же формы - отражает черту японской эстетики - многозначность одного и того же образа.

В 1970-е годы он использовал в фотолаборатории специальные технологии для создания работы 50 «улыбок», основанную на портрете «Моны Лизы». Для выставки плакатов в 1984 году он создал еще один портрет «Мона Лиза», составленную из национальных флагов различных стран.

Также дизайнер активно интересовался швейцарской школой дизайна. Основная особенность его творчества – способность передавать довольно сложные сообщения с помощью минимальных графических средств. Стиль Шигео Фукуда носит глобальный характер, наименее традиционный в сравнении с другими японскими дизайнерами. Шигео можно назвать самым «европейским» из японских дизайнеров.

И наконец, еще один стиль 1960-х, поп-арт – (popular art) стиль, возникший в США и Великобритании в 1950-1960-е годы под влиянием популярной культуры в знак протеста слишком сложному и элитарному искусству. Поп-арт и его идеологи Энди Уорхол, Дэвид Хокни и Рой Лихтенштейн отдавали предпочтение объектам из повседневной жизни, ярким цветам и формам, изделиям из пластика. Стиль быстро захватил все сферы жизни, т.к. подходил растущей популярности так называемого «низкого искусства» рекламы, упаковки, комиксов, телевидения, и отличался разнообразием, недолговечностью, весельем, свободой, новизной. Элемент игры явился причиной большой популярности этого стиля, т.к. впервые обычные предметы и формы становились объектами искусства.

Игра как одна из важных особенностей дизайна в большей степени присуща японскому искусству. «Игра – высококачественный инструмент познавания мира и передачи этого познания с помощью моделирования и означивания реальности. Это воссоздание реальности через абстрагирование с помощью масок, моделей, схематизации. Игра – форма, позволяющая понимать явления жизни». [2]

Японский дизайнер Таданори Йокоо стал отражением стиля поп-арт, но в японской интерпретации. Таданори соединяет в своих произведениях фотографию, живопись и шрифт, элементы комиксов манга и старую гравюру. Его плакаты исполнены в технике коллажа – технике, родившейся в ХХ веке, когда произведение может быть составлено из фрагментов, разных по тематике и фактуре. Таданори в своем творчестве использовал темы и мотивы, которые были отклонены западноориентированными японскими дизайнерами того времени – японские флаги, восходящее солнце, фрагменты гравюр, ручные печати и т.д. Он сочетал эти мотивы с западными символами того времени. Поэтому его плакаты совершенно уникальны, т.к. наполнены разнообразными смыслами и требуют особого знания для их понимания.

Один из плакатов Таданори Йокоо отражает атмосферу 1960-х годов, когда в Японии появилось так много ярких явлений в культуре. Плакат посвящен выставке фотографий Эйко Хосое, на которых изображен известный танцор Татсуми Хидзиката. В нижнем правом углу плаката – в виде японских печатей три имени важнейших творцов этого времени – графического дизайнера Таданори Йокоо, танцора Татсуми Хидзиката, который изображен на плакате сидящим на изгороди, и фотографа Эйко Хосое. Каждый из них был первооткрывателем в своей профессии. Использование приемов гравюры «укие-э» и соответствующего колорита, символов Японии в виде флагов с изображением солнца и самого солнца с расходящимися лучами создает впечатление от плаката более японское, чем европейское. Образ восходящего солнца, часто появляющийся в его произведениях, ставший его авторской подписью, считается символом японского поп-арта.

И наоборот, плакат для выставки «Слово и образ» в музее современного искусства в Нью-Йорке в 1968 году, представляющий собой четыре повторяющихся изображений открытого рта и один большой глаз с расходящимися лучами, по своей стилистике перекликается с яркими плакатами Энди Уорхола. Плакат явственно «кричит» и «смотрит»! Данный плакат содержит в себе больше европейского влияния. Агрессивность некоторых образов в его плакатах также соотносится с эстетикой поп-арта. Недаром Таданори называли «японским Энди Уорхолом».

Таким образом 1960-е годы были точкой отсчета для японского дизайна. Именно в это время японцы максимально многое переняли у западной цивилизации, сумев далее переплавить эти импульсы в самостоятельный графический язык. Три течения 1960-х – швейцарская школа дизайна с ее минимализмом графического языка, оп-арт с его декоративностью, эффектами цвета и света, иллюзиями движения и двойственностью изображаемых элементов, и поп-арт с «кричащей» яркостью образов, игрой как способом познания мира оказали влияние на графический дизайн Японии вследствие близости этих стилей японской эстетике.

В это же время появились самые яркие индивидуальности японского графического дизайна.

«В этом однако отнюдь не исчерпывает себя японское восприятие западных импульсов. Оно завоевало себе в последние десятилетия большую свободу обращения с заимствованиями, равно как и в обращении со своей собственной традицией. Япония сегодня идет в ногу с интернациональными течениями, как и ее искусство, и в этом знает себе цену, так как в области плаката Япония сегодня предлагает миру больше, чем он может предложить ей». [5]

Список литературы:

1. Бхаскаран Л. Дизайн и время. Стили и направления в современном искусстве и архитектуре. – М., Арт-родник, 2007.

2. Ермолаев А.П., Шулика Т.О., Соколова М.А. Основы пластической культуры архитектора-дизайнера. – М., Издательство «Архитектура-С»,2005.

3. Герман М.Ю. Модернизм. Искусство первой половины ХХ века. – СПб, Издательство «Азбука-классика»,2005.

4. The graphic design of Yusaku Kamekura. (An album) New York, Weather hill; Tokyo, Bijutsu Shuppan –sha, 1973.

5. Wichmann, Hans. Japanische Plakate: Sechriger Jahre bis heute: Anlabich der Ausst. 7 der Reihe Beispiele, - Munchen: die Neue Sammlung, Staatl. Museum fur angew, Kunst, 1988.