Введение
Ансамбль – слово, знакомое всем и каждому. В переводе с французского языка, «ансамбль» означает: слаженность и согласованность. Именно это, и есть его самая важная составляющая. Делать что-то вместе и делать это синхронно. В синхронности и кроется главная тайна и неизменный успех ансамбля. Ансамбли бывают разные, и в зависимости от количества музыкантов имеют свои названия. Такие слова, как дуэт, трио, квартет известны даже далеким от музыки людям. Для музыканта нет большего счастья, чем совместное музицирование. он может быть прекрасным солистом, слушать которого – одно удовольствие, но окончательно оценить его, как музыканта, можно лишь, послушав, как он играет в коллективе.
Обучение игре в ансамбле является составной частью профессиональной подготовки музыкантов - исполнителей. Оно предусматривает развитие навыков ансамблевого музицирования в объеме, необходимом для дальнейшей практической деятельности в качестве артиста оркестра или ансамбля. В музыкальных учебных заведениях в классе ансамбля приобретаются многообразные навыки совместного исполнительства, расширяется музыкальный кругозор; формируется художественный вкус, понимание стиля, формы и содержания исполняемого произведения, воспитывается слуховой самоконтроль и исполнительская ответственность учащихся. При этом создается творческая атмосфера, необходимая в совместной работе, умение слышать и трактовать свою партию как часть совместно исполняемого произведения. Вместе с тем, развиваются и закрепляются навыки чтения нот с листа. Наряду с развитием практических навыков в задачи предмета входит воспитание у учащихся творческой воли, стремления к самосовершенствованию: знакомство с лучшими образцами русской, зарубежной музыки, произведениями современных композиторов. Искусство ансамблевого исполнения основывается на умении исполнителя соразмерять свою художественную индивидуальность, свой исполнительский стиль, технические приемы с индивидуальностью, стилем, приемами исполнения партнеров, что обеспечивает слаженность и стройность исполнения в целом.
Цель данной работы – помочь преподавателю приобщить детей и подростков к ансамблевому музицированию для развития их духовно-нравственных основ, творческих способностей, эмоционального мироощущения. Для реализации цели руководителю ансамбля необходимо решить следующие задачи:
1. Развивать и совершенствовать природные способности каждого обучающегося.
2. Закреплять и совершенствовать профессиональные знания и практические умения на инструменте.
3. Научить слушать музыку, исполняемую ансамблем в целом и отдельные голоса (партии) произведения.
4. Совершенствовать навыки чтения нот с листа.
5. Использовать возможность дополнительной самореализации учащихся, особенно тех, кто по ряду причин мало проявляет себя в сольных выступлениях.
Для выполнения вышеназванных задач необходимо:
- наличие технической базы (инструменты, пульты, литература)
- творческая фантазия педагога, его умение удачно подобрать репертуар, сделать грамотное переложение или аранжировку произведения для того или иного состава;
- примерная ровность исполнительских навыков учащихся;
- удобство расписания занятий.
Положительное решение вышеназванных проблем способствует эффективности занятий в ансамбле, формированию устойчивости интереса к музицированию.
Задачи руководителя детского духового ансамбля
Одной из основных задач преподавателя является воспитание сознательного, творческого коллектива, дисциплины, без которой невозможно достичь успеха в работе и высокого уровня художественного исполнения.
К формированию навыков ансамблевой игры можно и нужно приступать на раннем этапе обучения. С первых шагов необходимо рассматривать ансамблевую игру как форму творческого музицирования. Сотворчество учителя и ученика является идеальным средством для установления взаимного творческого контакта между педагогом и учеником. Главная задача в этот ответственный период ‑ развить интерес к музыкальным занятиям.
Лучшим средством для этого является игра в ансамбле учитель–ученик. Мелодия учителя обогащает простейшие пьесы ученика, помогает ему организовать ритм, приучает его ухо к красивому звуку. Детям интересно, они слышат знакомую или приятную мелодию, хотят быстрее научиться её играть, быстрее осваивают нотную графику. Даже играя одну ноту, ребёнок знакомится с аппликатурой, осваивает первоначальные игровые движения, познает понятия строй, различает первую и вторую партии, учится одновременно дышать, начинать и заканчивать фразы и вместе исполнять динамические оттенки.
Материалом для ансамбля могут стать уже знакомые для слуха детей отрывки из музыки к кинофильмам и телепередачам. Смена сольного исполнительства и игры в ансамбле на уроке не позволяет скучать. Разнообразие репертуара дает благодатную почву для запаса художественных впечатлений юного музыканта, обогащает его творческое мышление и музыкальный вкус.
Ансамблевое музицирование с педагогом позволяет ребенку уже на раннем этапе обучения почувствовать себя артистом. Включаясь в активную музыкальную среду, он получает возможность на начальном этапе обучения выступать с небольшими ансамблевыми пьесами перед сверстниками. Такие выступления стимулируют дальнейшие занятия на инструменте.
О РАБОТЕ НАД КОМПЛЕКСОМ ВЫРАЗИТЕЛЬНЫХ СРЕДСТВ МУЗЫКИ
Метроритм – «дирижер» ансамбля. Он помогает участникам ансамбля играть вместе, чтобы создавалось впечатление, будто играет один человек. Ощущение сильных и слабых долей такта каждым из участников ансамбля ‑ вот тот фундамент, при нарушении которого рушится ансамбль. Метроритм вторгается во многие сферы исполнительского процесса. Начать следует с воспитания чувства абсолютного точного «метрономного» ритма. Когда в составе ансамбля есть ритмически устойчивые исполнители, для начинающих участников ансамбль может стать школой воспитания точного ощущения.
Важно подобрать материал, где партия обучающегося предельно проста (как мелодически, так и ритмически) и располагается в удобной позиции, а партия педагога представляет собой ровную пульсацию, заменяя ученику счет.
Крепко усвоенный обучающимся навык воспроизведения мерной пульсации выстраивает основу для развития чувства темпа.
Определение темпа произведения – важный момент в исполнительском искусстве. Хотя и существуют авторские указания темпа, даже определение скорости движения по метроному, темп «заложен» в самой музыке, в содержании её художественных образов. Определяя темп, необходимо учитывать фактуру произведения (уплотненная фактура требует темпа более сдержанного) и технические возможности участников ансамбля. При исполнении в быстром темпе надо соблюдать спокойствие, играть быстро, но без суеты. Контроль за движением в музыке, как за быстрым, так и за медленным, подчинен логике музыкального развития.Быстрый темп созревает во времени, и форсировать этот процесс не стоит. Играя медленно или сдержанно, исполнитель может проконтролировать каждое движение, ощутить каждую ноту, заложить прочный фундамент для уверенного исполнения.
Единая трактовка темпа – важнейшее условие метроритмической синхронности ансамбля, что позволяет участникам ансамбля точно фиксировать атаку и завершение каждого звука, избегать несовпадений в разнообразных комбинациях мелких длительностей. Успешной работе на первоначальной стадии разучивания помогает выбор наименьшей длительности в качестве единицы пульсации.Сускорением темпа, данная единица сменяется более крупной длительностью. При этом лучше возвращаться к относительно медленным темпам к соответствующим единицам пульсации.
Ритм – один из важных элементов музыки. У ритма в музыке несколько функций – времяизмерительная, эмоционально-выразительная, образно-поэтическая и художественно-смысловая.
Специфика ансамблевого исполнительства требует строго согласованного и гибкого ритма. Достижению этих его качеств способствует:
-точное совпадение звуков в моменты вступления голосов и своевременное их окончание;
-строгое согласование их движения при развитии музыкальной ткани произведения;
-ориентировку на мелкие, наиболее часто пульсирующие длительности нот;
-согласованные движения голосов по «руководящему» ритму, в каком бы он голосе ни проходил;
-точное выдерживание пауз как в общих, так и в отдельных партиях;
-своевременную, не нарушающую ритмической пульсации, смену исполнительского дыхания.
Самая сложная задача – воспитание чувстваколлективного ритма. Решить ее можно с помощью устранения индивидуальных недостатков в исполнении ритма у участников ансамбля. При коллективной игре ритмические недочеты сразу проявляются и разрушают ритмический ансамбль. Самые распространенные недостатки в исполнении:
-отсутствие четкости ритма, его неустойчивость;
-неточное выдерживание звуков, особенно продолжительных;
-невнимательное отношение к исполнению пауз как общих, так и в партиях голосов, что часто приводит к несогласованию развития голосов ансамбля во времени и разрушает исполнительский процесс;
-несогласование метра и ритма, проявляющееся при переходе с триолей на дуоли, с квартолей на триоли и т. п. и наоборот;
-неправильное исполнение ритмического рисунка;
-нарушения ритма, связанные с передерживанием более продолжительных звуков и ускорением «мелких» длительностей;
-неточное исполнение синкоп;
-несоблюдение быстрой равномерной пульсации длительностей, когда дыхание берется не в темпе исполняемого произведения, а медленнее.
Иногда нарушения ритма связаны со сменой штриха, когда после штриха стаккато этот же пассаж играется штрихом легато.
Согласованное исполнение ритма — одна из сложных и важных задач коллективного исполнительства, обязательное условие раскрытия содержания музыкального произведения.
Совместное музицирование предполагает наличие единой ансамблевой технологии звукоизвлечения. Штрихявляется результатом взаимодействия различных приемов атаки, ведения, снятия и соединения звуков.
Штрихи, применяемые в ансамблевом исполнительстве те же, что и в сольном исполнительстве:деташе, легато, стаккато, маркато,нон легато. Одно из важных требований ансамблевого исполнительства — строгая дисциплина штриха. Достичь её можно при условии одновременного и единообразного выполнения атаки звука, а также согласования его ведения, окончания или соединения.
Для достижения единства штриха полезно играть гаммы, а также специально написанные для этой цели упражнения. В процессе работы над единообразностью акцента можно послушать, как его выполняет каждый исполнитель, согласовать характер акцента в каждой партии, а потом сыграть его вместе.
Для общности штриха у мелодических или аккомпанирующих голосов с ними можно поработать отдельно, а потом объединить. Тщательного согласования штриха требует исполнение произведений полифонического склада, а также произведений гомофонного склада при передаче мелодии от одного голоса к другому.
В процессе репетиционной работы ансамбля все штрихи должны быть согласованы и внесены каждым исполнителем в свою партию уже в начале работы над музыкальным произведением. Штриховые обозначения, указанные композитором, иногда уточняются и дополняются исполнителями в соответствии с художественным содержанием пьесы (музыкальной фразы).
Динамика придает звучанию гибкость и утонченность. Следует распоряжаться ею разумно, должна присутствовать мера в расходованиидинамических средств. Различные элементы музыкальной фактуры должны звучать на разных динамических уровнях. Каждую партию нужно играть по-иному, с разной силой звука, фразировкой, плотностью. Например, партии сольных произведений для флейты отличается мягкостью звучания, плавностью звуковедения, а игра в духовом ансамбле чаще представляет собой чёткость атаки, достаточная напряжённость звучания для первой партии. Возникает необходимость в корректировке привычных представлений.
Работая над исполнительской фразировкой, обучающийся должен глубоко проникать в структуру музыкальной речи. Известно, что музыкальное произведение состоит из взаимосвязанных между собой частей (мотивы, фразы, предложения, периоды). Участники ансамбля должны четко представлять структуру музыкального произведения. Это является важным условием правильной и выразительной исполнительской фразировки.
Цезура — момент раздела между любыми частями музыкального произведения. Она является основным признаком начала и окончания фразы. Признаки цезуры:
-пауза;
-остановка на относительно продолжительном звуке;
-повторность мелодико-ритмических фигур;
-появление нового музыкального материала;
-смена гармонии;
-смена регистров;
-смена тембров;
-резкая смена динамики;
-гармонический каданс.
Разделение музыкального произведения на части наиболее ярко проявляется в мелодическом голосе. В момент цезуры в мелодическом голосе в сопровождающих голосах ее признаки могут отсутствовать.
Для осуществления правильной фразировки в ансамбле важно знать:
-где начало и окончание фразы в произведении;
-способы развития фразы (подъемы, спады, кульминации);
-функции фразы (какая фраза главная, а какая подчиненная).
Исполнительская фразировка осуществляется посредством интонации, динамики, темпа, ритма, агогики, артикуляции, штрихов, дыхания. Обязательное условие правильной фразировки при игре на духовых инструментах ‑ подчинение ей исполнительскогодыхания. Дыхание нужно брать в момент цезуры, не нарушая пульсацию длительностей нот. В каждой партии моменты смены дыхания должны быть расставлены в соответствии с фразировкой.
Первостепенное значение в обучении музыканта-духовика имеет развитие интонационногослуха. Духовые инструменты несовершенны. Обучающиеся во время исполнения музыкального произведения вынуждены корректировать интонационно неустойчивые звуки при помощи губного аппарата, контролировать слухом точность интонации, ведения и соединения звуков при разных нюансах и штрихах.
Большое значение для достижения чистого интонирования в ансамбле имеет привитие музыкантам навыков чистого интонирования первых четырех звуков натурального звукоряда: чистой примы, чистой октавы, чистой квинты, чистой кварты. Эти интервалы в ансамбле всегда должны звучать интонационно устойчиво и чисто. При одновременном извлечении двух звуков возникают биения (периодическое ослабление и усиление звука). Биения хорошо прослушиваются в квартах, терциях и секстах. Одним из основных принципов интонирования гармонических интервалов в ансамбле является сведение биений к минимуму.
Помогает улучшению чистоты интонирования при игре на духовых инструментах изменение объема и формы полости рта. Достигается оно путем «произношения» различных гласных при ведении звука. Профессор И. Ф. Пушечников указывает, что слоги «то», «ту», «та» ‑ понижают интонацию гобоя, слоги «ди», «ти» ‑ повышают ее. Метод улучшения интонации применяется не только гобоистами. Профессор Т. А. Докшицер рекомендует при исполнении звуков нижнего регистра трубы применять слоги «ту», «то», среднего ‑ «то», «та», верхнего ‑ «те», «ти». Таковы основные средства, которые применяют исполнители на духовых инструментах для улучшения чистоты интонирования как до игры, так и в процессе игры на них.
Синхронность ансамблевого звучания – это точность совпадения во времени сильных и слабых долей каждого такта, предельную точность при исполнении мельчайших длительностей всеми участниками ансамбля. В ансамблевом исполнении важны три момента синхронного исполнения: как начать пьесу вместе, как играть вместе и как закончить произведение вместе. В ансамбле должен быть кто-то, выполняющий функции дирижера. Он обязан показывать вступления, снятия, замедления. Сигнал к вступлению ‑ небольшой кивок головы, состоящий из двух моментов: едва заметного движения вверх (ауфтакт) и затем – четкого, довольно резкого (раз) движения вниз. Последнее служит сигналом к вступлению. На репетиции можно просчитывать пустой такт. В достижении синхронности ансамблевого звучания многое зависит от характера музыки.
Унисон является самой сложной формой ансамбля. Исполнение в унисон требует абсолютного единства – в метроритме, динамике, штрихах, фразировке Доказательством абсолютного единства при исполнении в унисон является ощущение, что во время игры вместе с другими обучающимися ваша партия не прослушивается как самостоятельная.
Руководитель детского духового ансамбля должен лаконично рассказать детям о композиторе, ознакомить их с темой, идеей, формой и стилем пьесы, которую предлагает изучить, выполнять не только педагогическую функцию, которая включает в себя образовательный процесс и воспитательный. Он обязан быть примером для своих воспитанников, как в профессиональном, так и в личном плане. Создавать комфортную атмосферу вокруг себя. Конечно, надо подбирать такие произведения, партии которых не заключают в себе слишком больших тесситурных трудностей, помня о напряжённости высокого регистра и глухом звучании низкого, который бывает у медных инструментов часто неточен. Необходимо тщательно определять технические трудности, идущие как со стороны амбушюрной, так и «пальцевой» техники. Необходимо иметь в виду и трудности ансамблевые. Вначале обращаться к произведениям с максимально простым строением оркестровой ткани: наличие всякого рода второстепенных самостоятельных голосов (контрапунктов, фигурации) придаёт произведению ритмическую сложность. Такие произведения далеко не всегда бывают по силам исполнителям детских коллективов. В дальнейшем надо подбирать пьесы с возрастанием технических и ансамблевых трудностей.
Репетиция ансамбля начинается с тщательной настройки. Способы настройки ансамбля могут быть различными. Ансамбль однородных инструментов настраивают по самому низкому инструменту. В смешанных ансамблях его строй устанавливают по гобою или кларнету. Ансамбль медных духовых инструментов, если в его состав входит труба, целесообразно настраивать по трубе или по другому инструменту со средней тесситурой.
Перед настройкой обучающиеся на духовых инструментах должны привести свои инструменты в рабочее температурное состояние. Перед настройкой своего инструмента каждому участнику необходимо внимательно послушать и запомнить высоту звука, воспроизводимого для настройки. При необходимости этот звук следует повторить. Настраивать свой инструмент музыканту следует лишь после того, как данный для настройки звук отзвучал.
Другой и самый распространенный метод настройки инструментов в ансамбле ‑ по звучащему тону, извлекаемому на одном из инструментов, подстраивают свой инструмент поочередно все участники ансамбля. Настраивать инструменты следует в нюансе меццо форте.
Деревянные и медные духовые инструменты настраиваются по звуку си-бемоль первой октавы или ля первой октавы (если ансамбль настраивают по гобою). Ансамбль медных духовых инструментов следует настраивать по четвертому натуральному звуку (чаще всего по звуку си-бемоль первой октавы. После настройки обязательное разыгрывание - это гамма. Сначала целыми нотами, половинными, четвертными в разных штриховых комбинациях, восьмыми и шестнадцатыми так же в разных штриховых и ритмических комбинациях, затем арпеджио в таком же порядке.) как наиболее интонационно устойчивому. После разыгрывания переходим к основной части репетиции. Ещё в начале учебного года определяются основные произведения репертуара, над которым предстоит работать ансамблю. К началу непосредственной работы над пьесой педагог знакомит учащихся с краткой биографией композитора, который ее создал, характером его творчества. Более подробно нужно остановиться на художественном материале, который должен быть выполнен. Такая вводная беседа систематизирует эстетические представление детей, расширяет их кругозор. Руководитель оркестра должен раскрыть содержание музыкального произведения и характер его основных тем, обратить внимание на форму, предупредить о возможных трудностях, наметить пути их преодоления.
Концерт - это логическое завершение учебного процесса, подведение итогов проделанной работы. Праздник для всего коллектива, и вместе с тем экзамен на творческую зрелость. Успех которого зависит от каждого члена коллектива и также совместное взаимодействие руководителя со своим ансамблем. Концертные выступления помогают сблизить коллектив, обострить чувство внимания, взаимопонимания, помогают ребятам сдружится.
В данной работе предсталю Вашему вниманию работу с ансамблем в составе: 2 флейты, труба, валторна, гитара и фортепиано. Такой состав обусловлен тем, что в нашем учебном заведении ограничено количество инструментов. В работе у нас произведения В. Шаинского «Улыбка» и «Голубой вагон». Партии написаны преподавателем флейты – Н.В.Гордиенко. Сложность в написании партитуры составил неравнозначный тембр и громкость звучания инструментов. Равновесия в звучании удалось достичь минимизацией партий трубы и валторны (основные звуки аккордов аккомпанимента) и усиления партии гитары партией фортепиано. Мелодия произведений отдана флейтам.
Работа происходит поэтапно:
разбор произведения;
работа с отдельными группами;
работа по цифрам;
работа над штрихами и нюансами.
Это основные этапы работы. Помимо этого, работа над интонацией, над синхронностью исполняемых штрихов, звукоизвлечением, дыханием и звуковедением. Когда отрабатываются произведения, которые находятся в стадии завершения работы над ними, переходим к читке с листа. Это позволяет отрабатывать навыки читки, улучшает внимание, реакцию ребёнка. И завершающий этап – это повтор произведений из репертуара, которые больше всего нравятся ребятам.
Огромную роль в работе оркестровых музыкантов имеют самостоятельные занятия, разучивание партий. Работа над оркестровыми трудностями носит индивидуальный характер, и проводится самостоятельно, либо с помощью педагога по специальности. Эти занятия имеют неоценимую роль в процессе подготовки музыканта духовика.
Ансамблевая партия – звено в общем звучании ансамбля, его составная часть. Работать над ансамблевой партией надо точно так же, как и над сольной. Партия ансамблиста должна звучать так же выразительно в техническом отношениях, как и партия солиста. Поэтому указания авторского текста, касающиеся фразировки, штрихов, динамики и других компонентов, определяющих характер музыки, должны быть тщательно продуманы и выполнены. Второстепенных или мало значимых партий в ансамбле нет, а потому, работая над партией, исполнитель должен отнестись к этому со всей ответственностью.
Процесс освоения партии не всегда должен проходить последовательно, от первого до последнего такта. Можно (и лучше) учить выборочно, чередуя различные по фактуре и трудности отрывки.
Основные технические трудности партии должны отрабатываться как можно ранее. Желательно отметить в нотном тексте трудно исполнимые места, пронумеровать их. Практика показывает, что такая «статистика» помогает организовать процесс работы.
Очень важно самочувствие исполнителя, степень его утомлённости. Ансамблист должен получать эстетическое наслаждение от исполнения своей партии.
Сыгранность, т. е. слаженность групп первых и вторых голосов, стройность ее звучания, чувство ансамбля (умение слышать друг друга в совместном исполнении) и, наконец, умение «понимать руку» дирижера и правильно реагировать на его указания - все это предопределяет полноценную работу коллектива в целом.
Заключение
Работа с ансамблем духовых и ударных– это увлекательный творческий процесс, который при грамотной постановке, приносит чувство глубокого удовлетворения всем его участникам: руководителю, оркестрантам и, конечно же, публике. Ведь только слушатели могут по достоинству оценить качество проделанной работы коллектива и дирижёра. Музыка формирует человека — его сердце и ум, его чувства и убеждения, весь его духовный мир. Гармония ума и сердца — вот конечная цель воспитания современного человека. Достижению этой великой цели во многом способствует и правильная организация музыкального воспитания учащихся в центрах дополнительного образования, в которых имеется музыкальное направление. Немалое значение для раскрытия данной проблемы имели работы В. Н. Шацкой, О. А. Апраксиной, Н. А. Ветлугиной, Д. Б. Кабалевского, которые определяли цели и задачи, формы и методы как эстетического, так и музыкально-эстетического воспитания детей. Развивая их идеи, учёные Т. И. Бакланова, В. М. Чижиков, Г. М. Цыпин и другие раскрыли современные подходы к эффективному музыкально-эстетическому воспитанию личности в России. Ими разработаны совершенные технологии, определены новые оптимальные подходы к методике работы с детскими коллективами.
Коллективная деятельность, коллективный труд — основа нашей жизнедеятельности. Умение трудиться — верный залог того, что дети найдут свой путь в жизни. Поэтому важной задачей хорошего педагога является предоставить возможность ребёнку приложить свои силы, умения и знания для развития его способностей, таланта. Только в коллективе достигается единство «хочу» и «надо». Поэтому детей надо включать в общественно-полезный труд, организовывать среду обитания единомышленников: объединять детей в большую дружную семью, называемую коллективом. Следует строить свою работу так, чтобы занятия в коллективе ребята воспринимали как часть и продолжение своей жизни. Цель, которая ставится перед любым ансамблем,оркестром — не столько научить играть на инструменте или вырастить будущую знаменитость, сколько создать такую среду, где бы ребёнок развивался как личность, развивались его способности и дарования. Засевая ум наших детей семенами мудрости и добродетелей, мы воспитываем, прежде всего, добрых и порядочных людей.
Список литературы
1. Готлиб А. Основы ансамблевой техники. М., 1971.
2. Петров Р. Школа коллективной игры для духового оркестра. – Ташкент,2000.
3. Блажевич В. Ежедневные коллективные упражнения для духового оркестра. - М.: Музгиз, 2013.
4. Мельник В. А., Мельник Н. П., «Игра в ансамбле духовых и ударных инструментов» - СПб-223., 2015г.
5. Нежинский О. Детский духовой оркестр.-1989.М,2009.
6. Сушкевич Н. С. Информационные технологии в системе музыкального образования: проблемы методического и программно-технического обеспечения: Монография. – Мн., 2002.