Творчество композиторов французской «Шестерки»
А. Онеггер и Ф. Пуленк.
Во Франции в 20 в. зарождаются новые тенденции, отрицающие импрессионизм как слишком «вялый», лишенный реальной жизни стиль. В моде эксцентрика, буффонада, эпатаж. Возникает эстетика музыки, выполняющей роль «музыкальных обоев» – мебелировочная. Композиторы объединяются в различные сообщества.
Появление во Франции после Первой мировой войны группы молодых композиторов, отрицавших и романтизм, и импрессионизм Дебюсси и таким образом боровшихся за художественную независимость. Эпатажность, легкожанровость и (или) урбанистическая жесткость (роль политональности) их раннего творчества – и приход к серьезным темам и жанрам в годы зрелости.
Состав «шестерки»: А. Онеггер (1892–1955), Д. Мийо (1892–1974), Ф. Пуленк (1899–1963), Ж. Орик (1899–1983), Л. Дюрей (1888–1979), Ж. Тайефер (1892–1983).
Во Франции 20-х годов XX века выдвинулась группа молодых талантливых композиторов, получившая название «Шестерки» (по количеству участников). В нее входили: Дариус Мийо, Луи Дюрей, Жорж Орик, Артур Онеггер, Франсис Пуленк, Жермена Тайфер. Старшим наставником «Шестерки» был композитор Эрик Сати, теоретиком и пропагандистом новых идей группы стал талантливый художник и драматург Жан Кокто, идеолог новой «здоровой и полной криками улиц и парадами» музыки. Лозунгом их было возвращение к простоте, к «земному» звучанию. Они выступали против изысканности и тонкости импрессионизма, против вагнеровской «пышности» в музыке.
Каждый из шести композиторов пошел своей творческой дорогой и в то же время на протяжении всей жизни их связывала удивительная и искренняя дружба. Свидетельством такой дружбы явился своеобразный юбилейный концерт всех этих композиторов, состоявшийся в 1953 году, через тридцать с лишним лет после рождения «Шестерки». Этот концерт, как справедливо замечает французский музыковед Рене Дюмениль, «был свидетельством редкого постоянства в дружбе, а также независимости талантов его участников».
Артур Онеггер (1892 – 1955), по происхождению швейцарец. Онеггер во многом отошел от эстетических принципов «Шестерки». Его кантатно-ораториальное творчество развивалось на основе глубокого интереса к творчеству Баха и Генделя.
Масштаб творчества Артура Онеггера как театрального композитора и как симфониста огромен. Учеба в Парижской консерватории (1911–1916) вместе с Д.Мийо.
Оперы 20-х гг., принесшие Онеггеру успех: «Царь Давид» (вначале драматический псалом, 1921; затем оратория, 1923 и опера-оратория, 1924) отличается широким эпическим размахом и вместе с тем тонким лиризмом, теплотой, высокой человечностью, «Юдифь» (1926), «Антигона» (музыка к спектаклю, 1922; опера, 1927). Зрелые сценические оратории (новаторский жанр в духе времени) 30-х гг., поднимающие важнейшие, вечные темы, сотрудничество с поэтом П. Клоделем – «Крики мира» (1931), «Жанна д’Арк на костре» (1935), «Николя из Флюэ» (1939), «Пляска мертвых» (1940), «Рождественская кантата», которые оставили значительный след в искусстве и оказали заметное влияние на дальнейшее развитие хоровой музыки. Огромная популярность оперетты «Приключения короля Позоля» (1930) (более 400 представлений только первой постановки).
Дариус Мийо(1892–1974). Огромная творческая продуктивность Д.Мийо: 15 опер, 17 балетов, 12 больших и 6 ранних камерных симфоний, оркестровые сюиты, 12 концертов, 18 струнных квартетов (всего более 50 ансамблей), более 70 произведений для хора и голоса с сопровождением, песни.
Выделяются: трилогия «Орестея» по Эсхилу в обработке Клоделя – музыка к спектаклям «Агамемнон» (1913), «Хоэфоры» (1914), «Эвмениды» (1922); оперы монументальных размеров («Христофор Колум б», 1928; «Максимилиан », 1930; «Боливар », 1943). Опера «Давид » (1953, премьера в Иерусалиме на древнееврейском языке). Ранние балеты («Бык на крыше», 1919; «Сотворение мира», 1923; «Голубой вагон», 1924). Симфонии № 3 (Te Deum, c хором, 1946).
Франсис Пуленк (1899 – 1963) – многое воспринял от Дебюсси и Стравинского. Выработал свой новаторский стиль. Искусство Пуленка отмечено ясностью настроений, жизнерадостностью и поэтичностью, склонностью к юмору и иронии.
Написано небольшое количество произведений во всех жанрах. Большая роль песенной лирики (около 50 романсов и песен, очень популярных во Франции, Пуленка даже наделили титулом «французский Шуберт»). Ранние балеты («Лани», 1924; «Утренняя серенада»). Выдающиеся хоровые произведения (кантата «Засуха », 1937, и антивоенная кантата для двойного хора a capella «Лик человеческий », 1943), особенно духовные (Месса, 1937; Stabat Mater, 1951; четыре мотета на Рождество, 1952; Gloria, 1959), в которых найден неповторимый простой и выразительный стиль.
Своеобразие каждой из трех опер: пародийно-эпатажная «Груди Терезия » (1947), религиозно-трагедийная «Диалоги карм елиток» (1957) и камерная лирическая моноопера «Человеческий голос » (1959).
Другие произведения зрелого стиля: третий, последний, балет «Примерные животные» (1942), сольные кантаты (без хора) «Бал-маскарад» (1932) и «Дама из Монте-Карло» (1961) и др.
Кантата для смешанного хора «Засуха » на стихи английского поэта Эдуарда Джеймса. Это произведение острой социальной направленности, рисующее тяжелую жизнь крестьян во время стихийного бедствия – засухи. Музыка наполнена теплотой, сочувствием к человеку. Мелодии кантаты близки французским народным песням. Пуленк проявил здесь высокое мастерство хорового полифониста.
Кантата для двойного смешанного хора a cappella на стихи Поля Элюара «Лик человеческий » написана в годы фашистской оккупации. Это произведение проникнуто патриотизмом, верой в победу. В кантате восемь частей:
1.Из прожитых мною весен.
2.Люди здесь собрались.
3.Тише, чем тишина.
4.Будь терпеливой.
5.Смеясь над небом и планетой.
6.Страшна мне ночь.
7.В черном небе нависла туча.
8.Свобода.
Русский текст Всеволода Рождественского. На обложке первого издания, вышедшего во Франции в 1945 году композиторт помещает надпись: «Посвящаю Пабло Пикассо, работой и жизнью которого я так восхищаюсь». Несмотря на внешнюю «красивость» некоторых мест, кантата чрезвычайно легкими поэтическими и мелодическими средствами отражает глубокие чувства, философские размышления и переживания французского народа в дни фашистской оккупации. В основе интонационно-гармонического склада лежит подлинная народность. В отдельных мелодических образах, в интонациях кантаты слышится сходство с той или иной народной французской песней, хотя прямых цитат в музыке кантаты нет.
Среди хоровых сочинений Пуленка – «Gloria» (шесть частей), «Семь песен» на стихи Аполлинера и Элюара, пять 3-х голосных детских хоров, «Песни Франции» для смешанного хора a cappella, несколько мотетов, кантата «Бал-маскарад», месса для хора a cappella «Stabat Mater».
Хор «Грусть» на стихи Поля Элюара – прекрасный образец вокальной лирики Пуленка. Необычайной нежностью, трепетностью пронизана музыка, чутко отзывающаяся на каждое слово. Малейшая смена настроений отражается в ней – минор чередуется с мажором, простые гармонии – с усложненными. Очень выразительны речитативы отдельных партий. У альтов – это поступенно восходящая, полная экспрессии мелодия; у басов – короткие мягкие фразы – как мысли, как вопросы, волнующие человека. Форма хора строфическая, складывающаяся из ряда эпизодов, объединенных общностью настроения, ладово-интонационной структуры, органично сплетающихся в прозрачную музыкальную ткань.
Хоровая музыка немецкого Неоклассицизма:
П. Хиндемит, К. Орф.
Появление неоклассицизма было реакцией на экспрессионизм и (в меньшей степени) импрессионизм в творчестве Ф. Бузони, Г. Малера, К. Дебюсси, М. Равеля, Р. Штрауса и др.
Характерно:
1. опора на жанровые и эстетические модели барокко (в первую очередь) и классицизма;
2. творческое обогащение новыми средствами (не стилизация);
3. сдержанный эмоциональный колорит;
4. повышенное внимание к конструктивной устойчивости формы.
«Апостолы» неоклассицизма Стравинский и Хиндемит, пришедшие к нему в начале 1920-х гг. и примыкающие к ним Руссель, Мийо, Онеггер, Пуленк, Респиги, Казелла, Шостакович, Бриттен и др.
Характерной приметой времени становится и то, что многие композиторы «пробуют» себя в различных стилях, отдавая предпочтение той или другой технике в различные периоды своего творчества (от «русских фольклоризмов» – до полистилистики – например, таков диапазон Игоря Стравинского).
Различные стили соединяют порой в одном сочинении – полистилистики (ее прародителем стал американский композитор Чарльз Айвз) – сочетание в одном произведении различных стилей в виде особого творческого метода – например, псалмы, рэгтаймы, джаз, патриотические и рабочие песни, военные марши, хоральные гармонии. Начинают использоваться такие виды полистилистики, как цитирование, аллюзия, коллаж.
Мода на лишенную тональности (атональную) музыку преобладала, хотя не все композиторы следовали ей. Некоторые, напротив, отстаивали художественную значимость тональных основ мелодии и проявляли интерес к неоклассицизму. Многие опусы немецкого композитора Пауля Хиндемита, в том числе и его учение о композиции, опирались на мажоро-минорное мышление, подчеркивали важность если не лада, то хотя бы тонального центра в качестве выразительного средства музыки. Неважно, в мажоре или миноре написано произведение, называется оно по тому главному тону, которым заканчивается.
Удачное совмещение в творчестве Пауля Хиндемита (1895–1963) композиторской и исполнительской деятельности (скрипач, альтист, с 1954 г. дирижер). Начало творчества в рамках экспрессионизм а (в оперном творчестве близко соприкоснулся с экспрессионизмом: оперы «Убийца, надежда женщин », 1919, и «Святая Сусанна », 1921). В 20-х годах он выдвинулся как один из лидеров музыкального модернизма, также соприкоснулся с урбанизмом (тематика в искусстве ХХ в., изображение жизни крупных городов), сочетавшимся с гротеском («Новости дня»), стал во главе неоклассического движения в немецкой музыке. Неоклассицизм противопоставляет себя экспрессионизму. Если художник - экспрессионист отрицает действительность, утрачивает идеал, то художник-неоклассицист, наоборот, стремится найти эти ценности полагая, что искусство – это аккумуляторы духовных богатств, которые не могут быть разрушены. Художники-неоклассицисты обращаются к искусству прошлого как к моделям, создавая новое по этим образцам (форма - традиционная, интонационный состав - новый, современный). К таким произведениям относится вокальный цикл Хиндемита «Житие Марии » (15 стихотворений Э. Рильке, 1923; окончательная редакция 1948) возвышенно-религиозного содержания.
Работал в 20-е гг. над оркестровыми (семь «Камерных музык», 1921–1927, Концерт для оркестра, 1925) и камерными сочинениями, в которых неоклассицизм сочетается с джазом, юмором и гротеском. Утверждение собственного стиля с конца 20-х гг., закрепленного в теоретическом труде «Наставление по композиции» (1937–1940, в 3 томах). Переезд в 1938 г. в Швейцарию. Туда же он вернулся после пребывания в США (1940–1953).
Огромное творческое наследие Хиндемита во всех жанрах. Девять опер, три пьесы с музыкой и четыре балета, в том числе две выдающиеся оперы на собственное либретто: «Художник Матис» (1934–1935) – о знаменитом немецком живописце XVI в. М. Грюневальде и «Гармония мира » (1956–1957) – о великом немецком ученом начала XVII в. И. Кеплере, материал которых использован в одноименных симфониях (1934 и 1951), завоевавших большую популярность.
Хоровое творчество (семь циклических произведений), включая большую ораторию «Бесконечное » (1931), неканонический Реквием (Американский) (текст У. Уитмена в переводе Хиндемита, 1946) и позднюю Мессу a caрpella (1963), оперные хоры, «Песнь надежды» для хора с оркестром, смешанные хоры a cappella.
«Лань», «Лебедь», «Весна», «Зимой», «Фруктовый сад» «Если все проходит » - шесть песен для смешанного хора a cappella на тексты оригинальных французских поэм Райнера Марии Рильке (немецкий поэт-символист, 1875-1946).
Хиндемит всегда стремился к демократизации искусства, старался сделать музыку доступной самым широким массам слушателей и исполнителей. Наряду со сложными крупными сочинениями он написал много более простых произведений для различных музыкальных фестивалей, любительских хоровых и оркестровых коллективов, вокальных и инструментальных ансамблей, для детей и юношества. Музыка Хиндемита, яркая, современная, отмеченная оригинальностью мелодического мышления, остротой и свежестью гармонии, метроритмическим разнообразием, глубоко народна в своей основе и опирается на традиции классической немецкой музыкальной культуры.
«Если все проходит » – прекрасные лирико-философские стихи поэта воплощены в музыке с необычайной тонкостью и изяществом. Легкая, полетная мелодия опирается на изысканные гармонии, неожиданно меняющиеся, мерцающие, как блики света. Часто голоса движутся параллельными квинтами и квартами, что придает особую остроту звучанию. Простая, ясная форма (двухчастная репризная) как бы цементирует зыбкую, порой ускользающую музыку: каждое предложение имеет гармоническое завершение и ритмическую остановку. Основная ладовая окраска – мажорная – создает ощущение света и тепла. Все голоса находятся в движении. Темп Vivo и размер 6/8 определяют скерцозный характер музыки этой хоровой миниатюры.