2.1. История пейзажа как жанра изобразительного искусства
Одним из самых лирических жанров изобразительного искусства является пейзаж (франц. paysage – местность), предметом которого является изображение природы в первозданном виде или измененном человеком.
Однако пейзаж – это не просто изображение природы, времён года, суток, погоды, но это – и выражение взглядов, убеждений, мыслей и чувств художника как представителя определенной эпохи. В пейзажной живописи предстает духовная атмосфера времени, совокупность ее чувств и переживаний.
Как жанр изобразительного искусства пейзаж имеет многовековую историю. Изображение природы встречается и в египетских (2 тыс. до н.э.), и в древнегреческих фресках, римских мозаиках, изображающих пышные сады, цветники с животными и птицами. В 4-5вв. этот жанр достиг расцвета в Азии, Китае и Японии. В средневековой Европе пейзаж встречается в иконах, религиозных миниатюрах.
В период великих географических открытий изменяется представление о пространстве, появляется масштабная соразмерность природы и человека, в это время был открыт закон линейной и воздушной перспективы, что дало возможность показать природу с ее деталями.
На картинах 17 в. лежит печать гуманизма, рационализма, благоговейного отношения к природе. В искусстве Ренессанса чаще всего встречаются образы весенней расцветающей природы, а в барокко – мотивы осеннего увядания.
На полотнах художников 19 в. мы видим романтическую бурную природу. В этот период влияние на пейзажную живопись оказали художники Англии. Широкое распространение пейзажной живописи получила во Франции. И в этом большую роль сыграли художники Барбизонской школы, воспроизводили картины родной природы.
В России пейзаж как самостоятельный жанр живописи утвердился в 18 в., до этого художники изображали только элементы пейзажей в иконописных композициях и книжных иллюстрациях.
На рубеже ХVІІІ-ХІХ вв. новатором в области пейзажа стал
А.А. Иванов.
Национальный русский пейзаж утверждался в жанровых работах
А.Г. Венецианова и его учеников, которые изображали крестьянскую жизнь на фоне лугов и полей спелой ржи.
А.К. Саврасова представил камерный лирический пейзаж, повествующий о красоте скромных уголков родной природы. Современники увидели в пейзажах А.К. Саврасова настоящую красоту России.
Потрясали морские просторы И.К. Айвазовского, уникальные этические лесные полотна И.И. Шишкина.
Расцвет русской пейзажной живописи связан с именами И.И. Левитана, И.С. Остроухова, В.Д. Поленова, В.А. Серова, А.М. Васнецова,
К.А. Коровина М.В. Нестерова, Н.Н. Рериха – утверждавшим в русском искусстве «пейзаж настроения».
Конец ХІХ – начало ХХ в. Считают «золотым» веком русского пейзажа.
Творчество художников ХХ в. очень разнообразно: это поэтические северные пейзажи А.А. Борисова; пейзажи Урала, Сибири Н.М. Ромадина, Б.Я. Ряузова; монументально-эпические пейзажи В.В. Мешкова,
Б.В. Щербакова; индустриальные пейзажи А.А. Дайнеки, В.Н. Яковлева,
Г.Г. Нисского; полные света, лирики, чистоты и ясности пейзажи средней полосы России художников Н.Э. Грабаря, К.Ф. Юона, С.В. Герасимова др.
Бесконечное разнообразие природы создало великое множество неповторимых пейзажных объектов, форм.
Виды живописного пейзажа: первозданный природный пейзаж – леса, поля, луга, реки, озера, моря (лесной пейзаж, горный, морской); сельский пейзаж, отражающий поэзию деревенского быта, его естественную связь с окружающей природой; городской пейзаж, изображающий организованную человеком пространственную среду – здания, улицы, проспекты, площади, набережные, парки – его иногда выделяют отдельно; индустриальный пейзаж показывает роль и значение человека – созидателя, строителя заводов, фабрик, мостов и т.д.;
Утверждается новый вид пейзажа – космический или фантастический. В нем отражен мир, который человек уже увидел, и тот, который построен или на научных данных, или на воображении художника.
Исторический пейзаж – изображение местности в определенную эпоху.
По своему настроению пейзажи могут быть созвучны жанром литературы, что позволяет отметить их лирический, романтический, эпический, драматический и героический характер.
Лирический пейзаж (обычно небольшой по размеру) экспрессивен по настроению и отражает определенные чувства человека – восхищение, удовольствие, спокойствие, наслаждение красотой природы («Золотая осень» И. Остроухова, «Грачи прилетели» А. Саврасова).
Романтический пейзаж передает бунтарское начало, стремление подняться над обыденным, вызывает яркие, сильные, страстные чувства.
Это – буйство ветра, грозовые тучи, клубящиеся облака, тревожные закаты
(И. Айвазовский «Волна»).
Эпический пейзаж передает величественные картины природы, полной внутренней силы (И. Шишкин «Лесные дали», А. Васнецов «Родина»).
Героический пейзаж – здесь природа предстает величественной, торжественной (высокие горы, могучие деревья, гладь океана. Иногда на фоне этого пейзажа изображаются герои и боги.
Драматический – предвещает бурю, грозу, вызывает ощущения тревоги и беспокойства (И. Айвазовский «Девятый вал», Ф. Васильев «Болото»).
2.2. Колористические средства выразительности на примерах пейзажей известных живописцев
Природное явление, какой-либо объект, изображённые на картине, часто воздействуют с такой силой на зрителя, это воздействие часто оказывается намного сильнее, чем само природное явление «в оригинале».
Чувства и переживания художника, переданные языком искусства, бывают настолько выразительны, что на картину зритель может смотреть часами и, даже, годами, возвращаясь всё снова и снова. Понятно, что для того, чтобы просто посмотреть, что изображено на картине, достаточно нескольких минут. Но, проникнуть вглубь идеи, уловить настоящий художественный образ, созданный автором, услышать музыку произведения, можно, если понимаешь язык искусства, т.е. те выразительные средства изображения, которые использует художник. И только тогда, при наличии достаточного художественного уровня восприятия, произведение начинает действовать в полную силу, даря нам ни с чем несравнимое духовное удовольствие.
Одним из таких средств, играющих в живописи ключевую роль, и является исследуемый в данной работе колорит. Итак, мы называем колоритом совокупность всех тонов картины, рассматриваемой с некоторого расстояния, и представляющее оптически гармоническое целое. Для выражения характера колорита к нему можно применить множество эпитетов: теплый, холодный, яркий, блестящий, сильный, темный, веселый, спокойный и т.д. Эстетическая же необходимость применения того или иного колорита или их совокупности диктуется творческим замыслом автора. Талант живописца дарит зрителю неожиданно прекрасные цветовые гаммы, составленные из, казалось бы, несочетаемых цветов. В пейзаже сама природа представляет примеры тому, как некоторые господствующие тона в соединении со светотенью способны вызывать меланхолическое настроение, а другие – жизнерадостное.
Художник, или человек духовно богатый, обладает, помимо физического зрения, зрением художественным. Мозг, при наличии такого зрения, способен сам создавать образ под впечатлением увиденного. В процессе любования природой художник перерабатывает в своём мозгу увиденное, преобразовывает его, видоизменяет и перекладывает на полотно. Картина, родившаяся таким образом, никогда не будет абсолютно совпадать с реальным пейзажем, объектом, не может быть тождественным с ней. Ибо в этом и нет смысла. Вольно или невольно, художник выделяет какие-то черты природы, а другие – опускает.
Гёте в своем известном изречении: «Если у меня есть кот, которого живописец изобразит мне точь-в-точь, как он есть, то у меня будет два кота и все еще никакого художественного произведения».
Художник выделяет в изображении природы основное, главное, из-за чего вообще задуман данный пейзаж, опуская несущественные детали, мешающие мелочи, отдельные, не имеющие значения объекты. Однако, надо понимать, что другой художник, наблюдая в этот же момент тот же самый природный объект, запечатлеет его несколько по-другому. Дело в том, что в отношении художника к окружающей его природе, в том, что считает он в ней прекрасным и что не заслуживающим внимания, раскрывается его внутренний мир, взгляд на окружающий мир, его художественная культура. Несомненно, имеет огромное значение и художественная грамотность, владение техниками, способами и материалами, обеспечивающими воплощение художественного замысла в произведение искусства.
Русская пейзажная живопись XIX в. богата именами выдающихся мастеров, все свое творчество посвятивших изображению природы. При этом каждый из русских пейзажистов природу родной страны видит и изображает по-своему, приемами и методами, свойственными только ему.
Знаменитого пейзажиста Ивана Константиновича Айвазовского (1817-1900), на диву трудоспособного, мы знаем как певца моря. Он создал около шести тысяч произведений. Айвазовского всегда влекло к изображению величественных явлений природы; его морские пейзажи проникнуты романтикой («Девятый вал», 1850). Но есть отличающаяся от других простотой картина «Черное море» (1881). На большом холсте – лишь море и небо с едва различимым у линии горизонта силуэтом паруса. Однако и в этой картине поражает умение Айвазовского передать бескрайность пространства, беспрерывность движения волн. Общий ее колорит зеленовато-синий, но при внимательном просмотре становится заметно, как для того чтобы передать сложный, изменчивый тон морской воды, художник использует все цвета – от черного до белого, включая розовый и голубой. Художник прекрасно понимал, что цвет моря зависит от оттенков неба. Тяжелые, розовато-лиловые облака темнеют, сгущаются у горизонта, и так же темнеет, кажется почти черной морская пучина вдали.
И.Н. Крамской писал про эту картину Айвазовского: «На ней ничего нет, кроме неба и воды, но вода – это океан беспредельный, не бурный, но колыхающийся, суровый, бесконечный, а небо, если возможно, еще бесконечнее. Это одна из самых грандиозных картин, какие я только знаю».
В отличие от Айвазовского пейзажисты Шишкин, Саврасов, ученик Шишкина Васильев старались не применять в своем искусстве всего, что могло бы выглядеть внешне эффектным, необычайным. На их пейзажах природа России представлена в ее каждодневном, привычном и естественном обличий.
От картин Ивана Ивановича Шишкина (1832-1898) веет влажным дыханием леса, свежим ветром полей, от них солнечно и светло. Раннее утро в лесу после ночной бури, бескрайние просторы полей с убегающей к горизонту тропинкой, таинственный полумрак лесной чащи – это Шишкин.
Шедевром колористического искусства Шишкина является картина «Корабельные сосны». Все открытия импрессионистов учтены художником. Но над всеми этими дополнительными фиолетовыми и оранжевыми, синими, желтыми цветами властвует могучее чувство меры великого художника. Он нигде не нарушает натуральность и сдержанность тона. Картина Шишкина не кричит, несмотря на масштаб холста, она поет. Она написана в год кончины художника. В полотне как бы обобщен весь опыт долгой и непростой жизни мастера. Золотой колоннадой вздымается к лазурному небу русский лес. Могучая, несокрушимая стена сосен-великанов, озаренных благодатным летним светилом. Блики солнца играют в теплых водах железистого ручья. Светом жизни пронизан весь холст, он играет в прозрачном источнике, где видна каждая песчинка, сверкает на крылышках желтых бабочек, порхающих в потоках всепроникающего сияния. Озарены и сколы дикого камня, лежащие здесь тысячи веков, сверкают песчаные отмели, зеленеют юные ели, словно прибежавшие на опушку, залитую жарким дыханием лета. Но особую жизнь картине дает игра света и тени, то волшебство бликов, которое заставляет нас буквально зримо ощущать собственное присутствие в этом месте.
Живописный язык шишкинских пейзажей предельно точен и прост. Его картины воскрешают впечатления и образы, которые хранятся в нашей памяти всю жизнь.
Есть такая маленькая скромная картина Алексея Кондратьевича Саврасова «Грачи прилетели» (1871), без которой представить себе русское искусство практически нельзя. Приземистые, потемневшие от времени избы, невзрачные заборы, стройная шатровая колокольня деревенской церкви. Пасмурно, холодно, снег ещё не сошёл с полей, но весна уже здесь. Тонкие, изогнутые стволы березок уже почуяли весну и тянутся вверх, ища солнце. И мы практически видим и слышим суету грачей в гнёздах и их радостный гомон. Серенький колорит картины лишь подчёркивает наполнение жизнью, движением.
Тонкие градации света, использованные автором, создают впечатление подвижности теней на снегу, затягивания неба облаками. Живописный строй произведения изящен и уникален. Одновременно мы ощущаем и неясную грусть, и волнительное ожидание близящихся перемен, солнца, тепла, весны.
Излюбленные мотивы в пейзаже Архипа Ивановича Куинджи (1842-1910) связаны с природой Украины, юга России. Как и Айвазовский, Куинджи умел обнаруживать, замечать необычайное, особенное в состоянии природы, и запечатлевать эти моменты в своих произведениях. Необычный колорит и освещение поражают неравнодушного зрителя в картинах Куинджи таинственным, внутренним сиянием красок. Вспыхивают солнечные зайчики на бело-розовой коре берез, серебрятся на фоне темно-голубого неба стены украинских хаток. Не раз высказывались предположения, что Куинджи использует особые краски, тем более, что Архип Иванович любил проводить над красками эксперименты. На самом деле весь секрет состоял в том, что автор обладал исключительным даром колориста. Волшебным кажется пейзаж «Лунная ночь на Днепре» (1880). Это лучшее создание автора. Лунный свет озаряет бескрайнюю равнину, серебристо-зеленоватым светом мерцает Днепр, в окнах мазанок горят красные огоньки. Картины природы в произведениях Куинджи красивы и величественны. Краски заката пламенеют, радуга сверкает переливами, яркое сияние солнца озаряет зелень лужайки –вот что незабываемо в пейзажах этого яркого, необычного мастера.
2.3. Место и роль акварельной живописи в истории художественного искусства
Акварельная живопись – искусство совершенства. Картины, написанные акварелью, чувственные, наполненные внутренним светом, Акварельная живопись имеет большую историю и богатейшие традиции. Акварель – техника, использующая водорастворимые краски, образуют прозрачную тонкую взвесь, эффект лёгкости, воздушности и тонких цветовых переходов.
Акварельная живопись стала развиваться в Китае после изобретения бумаги во 2 веке нашей эры. Но в Китае и Японии писали не только на бумаге, до этого использовали письмо по шелку, соединяли ее с черной и цветной тушью. Акварельные краски были известны также и в древнем Египте, в странах античного мира. Она использовалась лишь для работы над графическим рисунком. Предшественницей акварельной техники в Европе была роспись по сырой штукатурке (фреска), позволяющая получать сходные эффекты. В 12-13 веках бумага появилась в Европе.
В конце 15 века великий немецкий мастер Альберт Дюрер (1471-1538) создал серию натурных пейзажей, работая водными красками. В качестве основы Дюрер использовал пигмент и бумагу, сгущая цвет наложением дополнительных слоев краски и используя белизну бумаги для светлых участков. Классической работой считается Заяц, написанный Дюрером в 1502г., который отражает все тонкости и нюансы письма акварелью.
В графике 17 века можно часто встретить монохронные рисунки, Никола Пуссеи (1594-1665) и Клод Лоррен (1600-1682) работали просто кистью и размывкой. Они во многом превосходили последующее развитие акварели. Использовали акварель Антонисван Дейк и Джованни Кастильоне. Но эти примеры оставались единичными. Акварель только тогда стала сильной и эффектной живописью, когда художники стали использовать такие методы, как ослабление контуров и растушёвка кистью.
Расцвет акварельной живописи в Европе пришёлся на рубеж 18-19 веков. Особенно популярна акварельная живопись была в Великобритании, где в1804 году было создано Общество акварелистов. Именно в Англии были разработаны основные приёмы европейской акварельной живописи. Английские акварелисты Томас Гертин и Джозеф Тернер творчески использовали текучесть акварели для слияния пятен краски, положенных по влажному листу и плавного перехода между ними. Акварель превратилась в едва ли не в важнейший вид английской живописи. Томас Гертин был выдающимся художником. Не смотря на то, что он рано ушел из жизни, он многое успел – рано выработал свой стиль, стремясь к панорамности. Даже монументальные вещи в его картинах легки и изящны, а сколько в них воздуха!
Уильям Тёрнер тоже совершенствовал свою технику, постоянно экспериментировал с цветом, светом, бумагой, красками. Он изучал природу движения воды и воздуха и создал новый вид пейзажа, где показывает бессилие человека перед силами природы. Тёрнер первым стал работать «по-сырому».
Новации Гертина, начавшего использовать акварель для картин большого формата и Тёрнера, значительно обогатившего арсенал технических приёмов акварелиста. Содействовали дальнейшему подъёму акварели. У них было много последователей и в Англии и Франции. В частности Джон Констебл (1776-1842), который работал в сильной и непосредственной манере, отличной от Академических требований. Отказавшись от многих условностей, свойственной пейзажной живописи 18 века. Констебл первым стал писать пейзажи полностью с натуры. Свои картины, простые по мотивам, естественные и вместе с тем величественные по композиции, полные ощущения гармонического единства природы. Констебл писал на основе исполненных им на открытом воздухе этюдов, смелыми мазками воссоздавая свежесть и живую динамику красок, градации света, изменчивое состояние световоздушной среды.
История акварели в России начинается с 18 века – ею пользовались при «иллюминировании» гравюр и архитектурных проектов. И здесь, как и во всём мире, знакомство с акварелью начинается с восприятия опыта английских акварелистов, в том числе Тёрнера.
В работе акварелью предельно раскрывается темперамент художника, его творческая индивидуальность – чувство цвета, степень и характер колористической одарённости. Именно поэтому история акварели демонстрирует обилие направлений, богатство самостоятельных манер, стилей и почерков, будто соревнующихся в своей неповторимости. Наряду с яркими достижениями больших мастеров, демонстрирующими вершины её возможностей, чрезвычайно важна и общая культура акварели, создаваемая трудами широкого круга профессионалов, а иногда и просто любителями и отражающими мироощущение поколения.
Свою оригинальную дань искусству акварели отдали так же живописцы, как Илья Репин, Врубель, Валентин Серов, Билибин [18].