Введение
Исторические предпосылки
Русское барокко
Живопись
Скульптура
Архитектура
Музыка
Заключение
Список литературы
Введение
Актуальность темы данной работы обусловлена тем, что эпоха барокко – одна из наиболее интересных эпох в истории мировой культуры. Интересна она своим драматизмом, интенсивностью, динамикой, контрастностью и, в то же время, гармонией, цельностью, единством.
Рассказать обо всей культуре барокко все равно, что «объять необъятное». Поэтому отдельные грани мироощущения эпохи, выраженные в искусстве в виде четырёх направлений: архитектуры, живописи, музыке и скульптуры, – рассмотрены мной более подробно.
Само название произошло от итальянского “barocco”, что означает: грубый, неуклюжий, фальшивый.
В XVIII веке термин приобретает значение отрицательной эстетической оценки. Барочным обозначалось все неестественное, произвольное, преувеличенное, причудливое, странное, вычурное.
Этим термином пользовались ювелиры, обозначая им нестандартные жемчужины, которые мастера эпохи барокко умели использовать в декоративных целях.
«Время барокко» включает в себя много стилей и направлений (маньеризм, классицизм, барокко и рококо) и «стиль барокко». Должно быть, в этом стиле и в самом деле есть что-то причудливое и странное, если даже специалисты сильно расходятся в его оценке. Одни считают, что искусство барокко – неправильное, взвинченное, громоздкое, противоречит гармоничному и жизнеутверждающему искусству Возрождения. Другие видят в барокко грандиозность, пластичность, стремление к красоте и поэтому считают его скорее продолжением Возрождения. Есть третье мнение: искусство барочного типа – это поздняя, кризисная стадия разных эпох в художественной культуре.
Исторические предпосылки
XVIIвек новое время,эпоха барокко. Загадочным образом эта эпоха все еще живет в нашем сознании, ее новизна не устарела без малого четыре столетия. Драматическая напряженность мироощущения, интенсивность духовной жизни чувствуется на расстоянии, притягивая через века. Если взглянуть из нашего «исторического далека» на эпоху барокко, в ней не может не поразить внутренняя закругленность, завершенность, исчерпанность смысла. Начало эпохи – прорыв в будущее.
Западная Европа вступила в новую фазу экономических и политических отношений, принесшую с собой новую культуру. Эта фаза характеризуется прежде всего развитием и борьбой феодальных и капиталистических отношений, приводящей к столкновению двух классовых мировоззрений. Происходит централизация государственной власти и образование национальных государственных объединений, слагавшихся на основе абсолютистских режимов. XVII век – одна из наиболее грандиозных эпох во всей истории: все европейские страны развивались в одном направлении: от феодализма к капитализму, причем движение это принимало остродраматические формы, а сам характер развития был резко неравномерным:
Ведущими социальными слоями становятся буржуазия, земельная аристократия и крестьянство. Но именно с XVII в. намечаются контуры единого мирового культурно-исторического процесса.
Это не просто время перехода от эпохи Возрождения (XIV-XVI вв.) к эпохе Просвещения (XVII в), а большая значительная самостоятельная фаза в развитии мировой культуры. Поэтому при всей неравномерности развития стран, что и будет определять национальные особенности духовной жизни, создание национальных школ, большое значение уделяется общим моментам, таким, как мироощущение, миропонимание...
Идеологической основой для нового стиля было ослабление силы религии в духовной и культурной жизни человека, раскол церкви (на протестантов и католиков), борьба различных вероучений, отражающих интересы различных классов: католицизм выражал феодальные тенденции, протестантизм – буржуазные.
В такой сложной, динамической, драматической обстановке складывался новый стиль, новая культура. Она была результатом либо насильственной политики государства и церкви, либо следствием затишья, пришедшего на смену общественным потрясениям. Но со стабилизацией жизненных условий не уничтожаются общественные противоречия.
В тоже время, барокко – художественная система, отражающая мировоззрение людей после ренессансной эпохи, которые усматривали главный порядок жизни в его противоречиях и считали, что нет ничего, что не имело бы своей оппозиции, несовместимые друг с другом противоположности, сосуществуют в культуре барокко, создавая своеобразную гармонию. Гармонию неустойчивую, исполненную тревоги. Теоретики барокко говорят о «созвучии несозвучного».
Специфическими чертами эпохи можно считать:
1. Усиление религиозной тематики, особенно тем, связанных с мученичеством, чудесами, видениями;
2. Повышенная эмоциональность;
3. Большое значение иррациональных эффектов, элементов;
4. Яркая контрастность, эмоциональность образов;
5. Тяготение к обобщающим и связывающим формам:
а) целостностей системы философии;
б) поиск единства в противоречиях жизни;
в) в архитектуре: овал в линии здания; архитектурные ансамбли;
г) скульптура подчинена общему декоративному оформлению;
д) в живописи – отказ от прямолинейной перспективы, подчеркивание
«бесконечности» пространства.
Русское барокко
Барокко на Руси стало ведущим направлением в искусстве лишь с XVIII века. Именно в формах барокко усваивалась классическая традиция западноевропейского искусства, которая позволила осуществить переход от художественного мышления древней Руси к искусству Нового Времени. Искусство Руси заслуживает внимательного и подробного рассмотрения. Мне бы хотелось подробнее заострить на нём внимание.
История искусств не знает более крутого поворота от средневековья к Новому времени, чем Россия в начале XVIII столетия. Пётр I в своей художественной политике руководствовался не только эстетическими, но и духовными соображениями. В искусстве он видел и важное подспорье научному и техническому прогрессу.
Для того чтобы перейти к новому времени приходилось переучивать старых художников или искать других. Например, старые русские архитекторы умели строить пока только церкви и боярские сводчатые палаты, а Петру нужны были большие залы для ассамблей, праздников, балов и пиршеств, с колоннами на европейский манер. Русские живописцы писали только иконы, а нужны были и торжественные баталии, прославляющие военные победы, и портреты царя и его приближённых. Русские граверы умели делать иллюстрации к церковным книгам, а нужны были виды строящегося Петербурга, изображения побед на суше и на море, гравюры к учебникам архитектуры, морского и артиллерийского дела.
Всё это не было, конечно, прихотью царя. Русская культура должна была высвободиться, наконец, из-под власти церкви, догнать, наконец, ушедшие вперёд европейские страны. Поэтому и пригласили из Европы в Россию архитекторов, живописцев, граверов, скульпторов, а способные к искусству русские молодые люди отдавались им в ученики.
В России процессы образования нового после ренессанса стиля наиболее активно развернулись в Москве и во всей зоне ее культурного влияния. Декоративность, освобожденная от сдерживающих, начал, которые несла в себе традиция XVI столетия, в московской архитектуре исчерпала себя, сохранившись в хронологически отстававших провинциальных вариантах. Но процессы формирования светского мировоззрения развивались и углублялись. Их отражали утвердившиеся изменения во всей художественной культуре, которые не могли миновать и архитектуру. В его пределах начались поиски новых средств, позволяющих объединить, дисциплинировать форму, поиски стиля. Русское искусство выходит на общеевропейские пути развития, отказываясь от средневековой замкнутости, но, отнюдь не порывая с многовековыми национальными традициями.
Московская архитектура, «московское барокко», конца XVII – начала ХVIII века была, безусловно, явлением прежде всего русским. В ней еще сохранялось многое от средневековой традиции, но все более уверенно утверждалось новое. Скульптура барокко отличается патетикой жестов, экспрессией ракурсов, сочной пластикой. Живопись – красочностью, декоративностью, эффектами светотени. То же самое и в архитектуре: вся эстетика барокко основана на преувеличенном пафосе, стремлении поразить воображение. И всё же главное, что вызвало расцвет архитектуры барокко, – это стремление к выражению своего престижа; стиль барокко – это, в конечном счете, апофеоз богатства. В эпоху средневековья достоинством считалась сила, в предыдущие времена – богатство, оно вызывало чувство почтения, понималось как величие. Барокко в России более жизнерадостно и декоративно, чем на Западе. Праздничность и стремление к украшениям порой доходят здесь до пестроты. Говоря об архитектуре обычно уделяют внимание Москве и Санкт-Петербургу, это не значит, что в других местах не велись постройки. Дело в том, что в период XVIII-XIX века строилось всё в основном Московскими или Петербургскими мастерами.
Живопись
В истории русского изобразительного искусства общепризнанным фактом является переход на рубеже XVII-XVIII вв. от иконописи к живописному началу. Вместе с другими видами искусства в России, живопись переживает серьезные изменения. Само слово и понятие «живопись» для начала XVIII века является новинкой. Оно обозначало несуществовавшие до сего момента смыслы изобразительного действия:
1. написать «живо»- создать подобие трёхмерной формы, способное обмануть.
2. «Живопись»- то, что списано с живой модели, а не по образцу, понятие писать «живо» совпадает с понятием «писать портретно».
Очень трудно было свыкнуться с понятием портрета, как изображения живого человека, так как до этого были традиции иконописи, совершенно противоположные этому понятию. Так же служило препятствием, изменение облика самих людей, после того как в Петровское время пришлось убрать бороду, усы, то что для человека являлось его особенностью и индивидуальностью.
Само слово «портрет» становится более обиходным лишь в середине XVIII века. Главная задача была не в умении писать и создавать пространство в картине, а мысленно дойти до этого, так как менталитет русского человека отличался от европейского особенной перспективной картиной мира.
В портрете изображают обычно утрированный рисунок морщин, и воспринимаются как гримасы, так как ещё существует реакция на оттенки, игру настроений. В женских портретах существовала эта же проблема. Если мужские лица прежде были спрятаны в зарослях бород и усов, то русские женщины; хотя не знали паранджи, были спрятаны от всех в тереме. Тем не менее на первый план выдвигается светское искусство. Первоначально светская живопись утверждается в Петербурге и Москве, но уже со второй половины XVIII века получает значительное распространение в других городах и усадьбах. Традиционное ответвление живописи – иконопись по-прежнему широко бытует во всех слоях общества.
В этот период в России творили величайшие мастера – представители отечественной художественной школы и иностранные живописцы.
Портретист Иван Никитич Никитин (ок. 1680-1742) один из первых пенсионеров ярко воплощает силу человеческих возможностей, открытых петровской эпохой. Крупнейший реформатор русской живописи. Портреты, созданные Никитиным в ранний период, уже представляют собой вполне европейские по характеру изображения, наиболее близкие произведениям французской школы начала XVIII века. Используя общеевропейский опыт, русский художник реализует свои собственные представления о мире, красоте и индивидуальных особенностях модели. Так возникает свой вариант портрета – общепонятный и вполне неповторимый. К кисти этого великого художника принадлежат такие произведения, как портрет цесаревны Анны Петровны и царевны Прасковьи Иоанновны (предположительно 1714 г.). С портретов, которые он написал, смотрят сильные, резко очерченные лица царя и его приближённых. В портрете Сергея Григорьевича Строгонова (1726), показан этакий юнец, усвоивший приёмы женской грации в манере «строить тёмные глаза» – довольно типичная особенность для XVIII века.
Это именно «реванш», восполнение – исключение, подтверждающее правило. Правило – грация, предполагающая игру оттенков между сходством и не сходством, игра обликов (в косметике, костюме, причёске и т.д.). Драматизация отношений духовное и физическое в человеческом облике связано с пафосом барокко.
Вот канцлер Головкин. Откуда-то из темноты выдвигается вперёд его длинное лицо, суженное свисающими локонами парика. Чуть мерцают в полутьме на красноватом кафтане драгоценные орденские знаки. Но не ордена, не эффектный жест полководца – обычные тогда средства возвеличить – делаю лицо Головкина значительным. Художник изобразил канцлера в упор, прямо и остро глядящим в глаза зрителю, и он смотрит на нас, как на противников в словесном поединке, зоркими глазами дипломата.
Пётр I на смертном ложе (1725). Живописная драматургия «портрета» с противоборством мерцающе-тёплого и снежно-холодного – ещё как будто тлеющей жизни с наступающей смертью.
Другой талантливый портретист 18 века – Иван Петрович Аргунов был крепостным графа Шереметева. Позы его героев свободнее и подвижнее, сама живопись мягче, воздушнее. Но и он показывает людей точно и просто, не склонен льстить им.
Художники второй половины 18 века начинают больше интересоваться личными достоинствами человека, его моральными качествами, его внутренним миром. В искусстве они видят средство воспитания и потому стремятся сделать его разумным, ясным, логичным.
В историю искусств вторая половина XVIII века вошла как время портретов, особенно живописных. Портреты были нужны всем - от царицы до небольшого провинциального чиновника. В художественных или краеведческих музеях многих городов нашей страны можно увидеть портреты того времени – важных господ в цветных кафтанах, задумчивых или кокетливых дам с высокими причёсками, с волосами, напудренными до седины. Иногда эти портреты написаны легко и живо, тающими серебристыми краскам, иногда – грубоватой рукой крепостного живописца-самоучки.
Три имени знаменуют вершину русского живописного портрета 18 века: Рокотов, Левицкий и Боровиковский.
Портрет неизвестной молодой женщины с задумчиво прищуренными глазами, в лёгком розовом платье (Неизвестная в розовом), написанный Фёдором Степановичем Рокотовым, привлекает тонкостью, душевным богатством. Рокотов пишет мягко, воздушно. Полунамёком, ничего не вырисовывая до конца, передаёт он прозрачность кружев, мягкую массу напудренных волос, светлое лицо с затенёнными глазами.
Поэзия душевной жизни, внутренняя, часто скрытая от других красота человека привлекает Рокотова, и он находит средства передать её на холсте. В период восьмидесятых годов восемнадцатого века в портретах Рокотова преобладает оттенок горделивого сознания собственной значимости, к этому периоду относят: портрет молодой генеральши В.Е.Новосильцевой (1780 г.), знатной дамы Е.Н.Орловой.
В портретах написанных Дмитрием Григорьевичем Левицким (1735-1822 гг.), нет поэтической дымки, окутывающей образы Рокотова. Он зорче, трезвее смотрит на своих героев, его интересует разнообразие характеров, и он умеет их показать даже в торжественных парадных портретах. Левицкий возглавлял портретный класс Академии художеств и не только участвовал в воспитании целой школы русских портретистов, но задавал тон и уровень высокой репутации портретного искусства в России. Сфера его живописи шире, чем рокотовская. Ему одинаково хорошо удавались и камерные портреты и парадное изображение в рост.
Владимир Лукич Боровиковский работал уже в конце 18 века и в первой четверти 19 века. В его портретах задумчивые девушки, написанные прозрачными, светлыми красками мечтают на фоне зелени сада. Чувственность повестей Карамзина, появившихся в эти годы, отразилась и в образах их читательниц, которых писал Боровиковский. К его лучшим произведениям относятся портреты В.И.Арсеньевой, М.И.Лопухиной, А.Г. и В.Г. Гагариных. Русские художники 18 века сумели воплотить в красках и мраморе облик, характеры, духовный мир своих современников. Именно в портрете создало искусство этого времени свои лучшие произведения.
Живопись последних десятилетий XVIII века отличается значительным разнообразием и полнотой. В первую очередь это обусловлено основанием Академии художеств. Русская школа овладевает теперь теми жанрами живописи, которые прежде были представлены лишь работами старых и современных западноевропейских мастеров.
В Петровское время развивается ещё одна из разновидностей портретной живописи – миниатюра на эмали. Она была одновременно и произведением искусства и бытовой вещью. Исполнялась на металлической или даже на золотой пластинке. В Петровское время портрет на эмали имел назначение – наградной царский знак. Например, работа Григория Мусикийского – овальные парные изображения Петра I на фоне Петропавловской крепости. Со временем эти портреты теряют свой «государственный пафос» и становится предметом семейного владения.
Конечно же живопись не ограничивалась одним лишь портретом. Новая техника масла на холсте была характерна не только для станковой живописи, она проникла в монументальные декоративные формы. В связи со строительством Петербурга и загородных резиденций царской семьи получила развитее монументальная живопись плафонов и настенных панно. Монументальная живопись использовалась так же в празднествах, в театральных представлениях, парадах к сожалению, именно монументальная живопись XVIII века, сохранилась хуже, чем живопись станковая.
Скульптура
Важной особенностью раннего барокко было использование в оформлении зданий монументально-декоративной скульптуры. Всевозможные статуи украшали царские и великокняжеские дворцы и особняки, обширные сады, триумфальные арки и обелиски. В Петербурге создавались первые произведения, закладывались основы школы отечественного ваяния. Это было связано с тем, что город развивался как столица огромной страны, как своеобразный символ растущего могущества Русской империи. Возводившиеся в этот период сооружения до сих пор поражают своим величием, пространственным размахом, живописностью пластики, пышностью наружного и внутреннего убранства. Скульптура была неотъемлемым элементом украшения фасадов зданий. Не перегружая архитектурную композицию, декоративные элементы передавали ей те оттенки, без которых она была бы однообразной. Наиболее характерные черты барокко можно увидеть в скульптурном убранстве главных въездных ворот Петропавловской крепости, названные Петровскими, выполненных под руководством Доменико Трезини. Петровские ворота фактически стали первой триумфальной аркой Петербурга.
До XVIII века развитию скульптуры в России мешали церковные запреты. Для начала нужно было освоить словарь форм и образов, принадлежащих миру воображения и фантазии. Это была одна из значительных трудностей так как например боги «языческого Олимпа», переместились в сферу художественных условностей, в восприятии русского человека имели свойство реально существующей нечестии дьявольской природы. Приезжая из поездки наши мастера, удивлённые увиденной круглой скульптурой в своих записках называли их «болванами». Летний сад с множеством скульптуры, выполненной заграничными мастерами стал учебником жизни. В какой-то степени к восприятию скульптуры светского характера русские люди были уже подготовлены произведениями, исполненными на отечественной почве: сочной барочной резьбой иконостасов церквей, рельефами так называемой Меньшиковой башни, но так или иначе это был скульптурный декор, связанный с церковным строительством. Впервые русская скульптора светского содержания, появилась в 1696 году на въездных воротах Большого Каменного моста, построенных в Москве мастером И. Салтановым «со товарищи» (фигуры Марса и Геракла).
С Петровской эпохи начинается развитие всех направлений и жанров скульптуры: монументальной (как круглой, так и рельефной), садово-парковой, скульптурного портрета, медальерной пластики. Скульптура и декоративная лепнина всё чаще становилась непременным элементом убранства фасадов и зданий. Это проявилось при сооружениях дворца князя А.Д.Меньшикова на Васильевском острове. Главный фасад здания, получил декоративное оформление. Его средняя часть подчёркнута лучковым фронтоном, плоскость которого заполняет выразительное скульптурное панно. Оно представляет собой барельефную композицию из оружия и знамён, перевитых лентами.
Пётр пригласил в Россию скульпторов. Ему посчастливилось привлечь одного действительно крупного мастера – итальянца Карло Бартоломео Растрелли. Его работы – бюст и конный монумент Петра I (1720-1724); Анна Иоанновна с арапчонком (1732- 1741) – изображают персоны, представленные, не только как люди, но и как олицетворение природных стихий, принявших человекоподобный облик. Согласно замыслу Петр I был изображён в облике Римского императора, восседавшего на могучем коне, увенчанный лавровым венком победителя. В бронзовом портрете Петра I (1723-1724) тяжёлые драпировки на латах, словно просквоженные ветром, образуют силуэт, внушает представление о некой грандиозной картине. Огромная взрывная энергия заложена в неукротимом облике. Статуя Анны Иоанновны с арапчонком тоже по барочному эффектна, ее облик тоже устрашает, но устрашает по другому: нарядный многопудовый идол с лицом старой женщины, сила способная раздавить не глядя, редкий пример по истине разоблачительного парадного портрета.
Представителем высокого барокко стал Аничкин дворец, начатый под руководством М.Г.Земцова, законченный под руководством Б.Ф.Растрелли. Дворец отличался нарядностью внешнего облика, особенно богато орнаментированы наличники окон.
Особенно крупнейшим дворцовым сооружением стал Зимний дворец Растрелли 1754 год, затмивший прежнее своим и размерами и великолепием отделки. Каждый фасад проектировался по-разному. Северный фасад – его центр подчёркнут четырёхколонным портиком, завершённым фронтоном со скульптурой могучих фигур Марса и Нептуна, пышный картуш в обрамление знамён и пушек. Южный фасад – здесь центр выделен, пышно-декоративным резинитом, прорезанным тремя въездными арками. Великолепный скульптурный декор арок, включающий гирлянды, раковины, маски. Декоративное оформление фасадов усиливается причудливыми изгибами карнизов и разнообразными наличниками окон. В их композицию входят львиные маски, головки богинь и амуров, затейливые картуши, характерные для стиля барокко.
Знакомство с европейской скульптурой также осуществлялось и благодаря закупкам за границей произведений в основном позднего барокко, скульптур круга Бернини.
Решались большие задачи и в таком направление как мелкая пластика. Запечатлевались важнейшие исторические события и люди. Надписи на русском языке делали вполне понятным изображаемое. Медали были разных типов: памятные, например, в честь побед в северной войне; персональные. Печатание с чеканным штемпелем, исполненные в свою очередь с восковой модели, давало большой тираж. Центром произведений медальонов в Москве был Денежный двор и Оружейная палата с 1711-1712 г. В Петербурге их стали производить Адмиралтейство, затем Монетные дворы.
Скульптура середины века имеет в основном чисто декоративную функцию. Развивается в самом тесном союзе с архитектурой. Русские мастера под началом ведущих архитекторов, прежде всего Растрелли, создают замечательные ансамбли русского барокко продолжая лучшие отечественные традиции деревянной, золочённой резьбы. Маскароны, львиные маски, головы в шлемах, золочённые статуи.
В красочности и яркости произведений барокко, несомненно, сказалось влияние идей национального самоутверждения, воздействия вековых традиций русского зодчества.
Архитектура
Характерные черты стиля
Узнаваемые черты барочных сооружений — торжественность форм и обилие декоративных элементов. Внутренние пространства имеют форму овала, границы между помещениями размыты, свет потоком врывается в интерьер через приоткрытые проемы. Главное назначение построек — поразить монументальностью и вычурностью исполнения.
Особенности русского барокко в архитектуре
Барочную архитектуру отличает композиционная целостность, которая достигается за счет смыкающихся внутренних и внешних частей здания. На фасадах размещают элементы лепного декора, архитектурный орнамент. В интерьерах присутствуют большое количество проемов и зеркал, живописные плафоны.
Так реализуется одна из ключевых идей барочного искусства — безграничное пространство. Снаружи постройки покрывают штукатуркой, которую окрашивают в два цвета: само здание — в красный, желтый или голубой, декоративные элементы — в белый. В отделке активно используется позолота.
Творения архитекторов в стиле русское барокко
Основные виды русского барокко получили свои названия по именам царствующих особ или вельмож, которые были заказчиками построек:
· петровское;
· елизаветинское;
· нарышкинское;
· строгановское;
· голицынское.
При этом три последних типа вместе составляют московское барокко. Большинство памятников расположено в Москве и пригородах, поэтому стиль называют московским.
Петровское
В традиции петровского барокко возводятся в начале XVIII в. первые постройки Санкт-Петербурга. Петр приглашает в новую столицу зодчих из разных стран, поэтому петербургская архитектура отходит от привычных византийских канонов и обогащается европейскими традициями: итальянской, французской, немецкой, голландской. Особенность зданий, построенных в этот период, — в простых формах, сдержанном декоре, четких членениях.
Дворцы петровской эпохи отличаются простыми объемами, единой плоскостью фасадов, выраженной горизонталью и вертикалью архитектурных форм.
Двухцветное решение фасада, расстекловка окон, фигурная кровля — характерные элементы петровского стиля.
В России в это время с успехом работают приглашенные Петром I Доменико Андреа Трезини, Жан-Батист Александр Леблон, Джованни Мария Фонтана, Никола Микетти, Андреас Шлютер, Георг Иоганн Маттарнови.
Образцами петровского барокко в Петербурге можно считать такие памятники:
· Петропавловскую крепость, архитектор Д. Трезини;
· Кунсткамеру, архитектор Г. Маттарнови;
· Здание 12 коллегий, архитектор Д. Трезини;
· Меншиковский дворец, архитекторы Дж. М. Фонтана и И. Г. Шедель;
· Летний дворец Петра I, архитектор Д. Трезини;
· Кикины палаты, архитектор А. Шлютер.
Московские образцы петровского барокко:
· Лефортовский дворец, архитектор Д. В. Аксамитов;
· Меншикова башня (Церковь Архангела Гавриила), архитектор И. Зарудный.
Елизаветинское (Растреллиевское)
Характерные черты Пертовского и Елизаветинского барокко.
Расцвет русской барочной архитектуры приходится на правление Елизаветы Петровны — середину XVIII в.
В Петербурге и пригородах возводятся роскошные императорские резиденции, которые подчеркивают могущество великой империи.
Большинство из них создано итальянским архитектором Франческо Бартоломео Растрелли, поэтому в названии стиля используют также имя мастера.
Дворцы, построенные в елизаветинскую эпоху, отличают масштаб и пышный декор. Фасады приобретают объем за счет выступающих колонн, пилястр, балконов.
Масштабности зданиям добавляют большие высокие окна. Живописные полотна и зеркала на стенах, золоченый декор, наборный паркет подчеркивают богатство и роскошь интерьеров. Елизаветинское барокко — это преимущественно столичный стиль, не получивший развития в русской провинции.
Кроме Растрелли, представителями елизаветинской эпохи являются архитекторы С. И. Чевакинский, А. В. Квасов, Ф. С. Аргунов, Д. В. Ухтомский, И. Ф. Мичурин.
Образцами елизаветинского барокко в Петербурге и пригородах можно назвать шедевры Растрелли:
· Зимний дворец;
· Смольный собор;
· Екатерининский дворец в Пушкине;
· Большой дворец в Петергофе.
В Москве в стиле елизаветинского барокко построены:
· Зимний Анненгоф, архитектор Ф. Б. Растрелли;
· Храм Никиты Мученика в Старой Басманной слободе, архитектор Д. В. Ухтомский;
· Красные ворота, архитектор Д. В. Ухтомский (не сохранились);
· Покровская церковь в усадьбе Покровское-Рубцово, архитектор Ф. Б. Растрелли.
Нарышкинское
Нарышкинское барокко объединило в себе элементы патриархального московского зодчества и новой архитектуры, привнесенной в Россию Петром I. Родоначальники стиля — род князей Нарышкиных. В имениях семьи под Москвой в первой половине XVIII в. возводятся первые сооружения.
Нарышкинские здания отличает соединение разнородных объемов: гигантских вертикалей и небольших горизонтальных форм.
Элементы наружного декора располагаются на ребрах построек, оформляют пролеты. Внутренний декор приобретает барочную вычурность.
В традициях русского зодчества внутренние пространства по-прежнему изолированы от внешних. В наружной отделке сочетаются красный кирпич и белый камень, в интерьерах используются изразцы и деревянная резьба, традиционные для русского узорочья.
К образцам построек нарышкинского стиля относятся:
· Храм Покрова Пресвятой Богородицы в Филях, архитектор Я. Бухвостов;
· Сухарева башня, архитектор М. И. Чоглоков;
· Колокольня Новодевичьего монастыря с двумя храмами — Варлаама и Иоасафа и Иоанна Богослова, архитектор Я. Бухвостов;
· Успенская церковь на Покровке, архитектор П. Потапов.
Голицынское
К голицынскому барокко относятся постройки, возведенные по заказу сподвижника Петра I князя Б. А. Голицына. Он выступал за европеизацию русской культуры и в своих архитектурных предпочтениях следовал западной барочной традиции.
Отличия голицынских построек от других сооружений московского барокко — в пластичности и сложности форм, мягких переходах во внешнем и внутреннем пространстве, богатом скульптурном декоре и резном орнаменте.
Галицынский стиль барокко.
Примерами построек этого стиля являются:
· Знаменская церковь в поселке Дубровицы;
· Знаменская церковь в селе Перово;
· Никольская церковь в селе Полтево.
Голицынские здания резко выделялись на фоне патриархальной московской архитектуры того времени своей инородностью и вычурным орнаментом. Стиль не получил развития в дальнейшей истории России.
Строгановское
Постройки, выполненные в начале XVIII в. по заказу Г. Д. Строганова, представляют строгановское барокко. Кто был ведущим мастером и разрабатывал планы сооружений, точно неизвестно. Строительство велось одной артелью зодчих. Есть предположения, что многие постройки выполнены по эскизам крепостного мастера С. Д. Нарыкова. Строгановские здания отличают традиционный для русского храма пятиглавый силуэт и ювелирный барочный декор.
За 13 лет на землях Строганова было построено 5 православных храмов того времени:
· Сольвычегодский Введенский монастырь в Архангельской области;
· Церковь Собора Пресвятой Богородицы (Рождественская) в Нижнем Новгороде;
· Смоленская церковь в Нижнем Новгороде;
· Иоанно-Предтеченская церковь Троице-Сергиевой лавры;
· Казанская церковь в Вологодской области.
Музыка
Музыкальная культура русского барокко успешно развивалась в течение ста лет, с середины XVII до середины XVIII в. На русскую барочную музыку оказали влияние западноевропейские музыкальные традиции, пришедшие к нам через Польшу и Украину. При этом русская музыка барокко сохранила характерные черты древнерусского знаменного распева, его сурово-сдержанный, величавый стиль.
В основу русской барочной музыки легло торжественное партесное (лат. partes — голоса, т. е. многоголосное) пение, получившее наиболее яркое воплощение в так называемых партесных концертах XVII — начала XVIII в. Николай Павлович Дилецкий, главный теоретик партесного стиля пения, автор «Мусикийской грамматики» (1681), отмечал, что в основе такого концерта лежит «борение гласов», т. е. противопоставление голосов солистов общему хору. Композиторам предписывалось создавать композиции на 4, 8, 12 и даже 48 голосов! При этом количество частей и продолжительность их звучания строго не регламентировались, хотя предпочтение всё же от- давалось трёхчастным концертам. В качестве главного требования выдвигалась передача малейших движений человеческой души.
Особенности музыки барокко
· basso continuo — непрерывный бас, генерал-бас, цифрованный бас — упрощённый способ записи гармоний с помощью басового голоса и проставленных под ним цифр, обозначающих созвучия в верхних голосах, а также сам басовый голос с цифрами, применяющийся при этом способе записи гармоний;
· монодия — стиль сольного пения с гомофонным сопровождением (инструментальным аккомпанементом), сложившийся в Италии в 16 в. и вызвавший к жизни ряд новых форм и жанров (ария, речитатив, опера, кантата и др.);
· гомофония — тип многоголосия, характеризующийся разделением голосов на главный и сопровождающие. Этим ’’гомофония’’ отличается от полифонии;
· бельканто;
· драматическая экспрессия;
· постановочные формы музыкальных произведений (опера, музыкальная драма);
· комбинированные вокально-инструментальные формы, такие как оратория и кантата;
· новые приёмы игры на музыкальных инструментах, такие как тремоло и пиццикато;
· чистая и линейная мелодия;
· notes inégales («неровная игра», «перепунктировка») — техника игры, при которой ноты, записанные в одинаковой длительности, тем не менее играются ритмически неровно;
· ария;
· ритурнель — короткие инструментальные разделы, выполняющие функции вступления, интермедии или коды;
· кончертато — стиль, подразумевающий «соревнование» групп оркестра, хоров и т. д.
· точная нотная запись музыки (в эпоху ренессанса детальная запись нот для инструментов была весьма редка);
· идиоматическая запись инструментальных партий: лучшее использование особенностей конкретных музыкальных инструментов;
· усложнение музыки, сочинение произведений, рассчитанных на виртуозное исполнение;
· орнаментика;
· развитие современных западных музыкальных ладов (мажора и минора).
На русской почве барокко обрело свои национальные черты:
«Барокко в России более жизнерадостно и декоративно, чем на Западе, в нём сильно проявляет себя украшательство, порой доходящее до пестроты. Орнаментальность достигает пределов возможного» (Т. Ф. Владышевская).
Музыкальная культура русского барокко положила начало развитию русской композиторской школы. В это время в России появляется целая плеяда талантливых композиторов, хотя многие партесные концерты по-прежнему оставались анонимными.
Василий Поликарпович Титов (около 1650—1715) — автор многочисленных духовных хоровых концертов на 12 голосов. Совместно с Симеоном Полоцким он создал «Рифмотворную Псалтырь». В. П. Титов был в числе первых русских композиторов, прославивших воинскую доблесть и реформаторскую деятельность Петра I.
В XVIII в. стиль барокко воплотился в музыке к оперным и балетным спектаклям, а также в искусстве колокольных звонов. В народной среде особенно популярны были песенные жанры барокко — канты (песнопения светского содержания) и псалмы (музыкально-поэтические переложения псалмов библейского пророка Дав<