Середина ХХ века — время оптимизма и новой, молодой энергии. Дизайнеры тогда стремились нести людям радость и помочь им забыть все тяготы военного времени. Хотя, если окинуть мысленным взором дизайн ХХ века, то 1950-е покажутся, пожалуй, скучными: никаких революций, никакой роскоши, никакого буйства красок и разнообразия форм. Вместо них — сиденья из гнутой фанеры на тонких ножках. Закругленные углы, еще не осмеливающиеся стать круглыми. Скромные буфеты с раздвижными дверцами. Мир все еще жил в условиях строгой экономии, поэтому в ход шли простые материалы: фанера, обычная и крашеная, дерево доступных пород, однотонные обивочные ткани. Сейчас эта "изобретательная бедность" воспринимается как особый стиль.
Трудно исследовать динамику развития, когда конечная точка находится в бесконечности. История дизайна -лишь фрагмент обозримого исторического периода. Особенно сложно рассматривать материал актуальный, да еще в такой период, как перелом тысячелетий. После четырех лет войны британские и американские модельеры сочли, что во Франции с «высокой модой» покончено. В марте 1945 г. в Лувре по инициативе благотворительных организаций состоялась грандиозная выставка моды. Арт-директор Кристиан Берар пригласил к участию всю художественную элиту Парижа.
«Из-за недостатка материала устроить большой показ не было возможности, и тогда возникла идея "Театра моды": модельеры продемонстрировали свое великое мастерство на маленьких куклах из проволоки при минимальном расходе ткани. 200 таких кукол с симпатичными гипсовыми головками и волосами из ниток стали посланниками моды».Этот показ был знаком того, что со строгостью военных лет пора покончить.
«Женщины приобрели вкус к униформе, — констатировал Кристиан Диор в 1947 г. — Мы должны вернуть им женственность, чего бы это ни стоило»
Длина до колен, пышные юбки, узкие талии, обнаженные плечи — этот новый облик родился тогда, когда многие города еще лежали в руинах, не хватало продуктов питания и многих вещей. 1950-е годы в моде прошли под знаком коллекции Диора 1947 г., получившей название «Новое направление». Следующая революция в моде связана с поп-артом и мини-юбками Анри Курежа.
Послевоенные годы принесли и свой стиль мебели и архитектуры. Своеобразным эталоном стала Всемирная выставка 1957 г. в Брюсселе. Ее символ — павильон «Атомиум» — одна из главных достопримечательностей и символ Брюсселя. Атомиум был спроектирован к открытию Всемирной выставки архитектором Андре Ватеркейном, как символ атомного века и мирного использования атомной энергии
Сооружение, покрытое изначально алюминиевым слоем, а после завершённого в феврале 2006 года капитального ремонта — стальной оболочкой, состоит из девяти сфер («атомов»), которые объединены в конструкцию, изображающую кубический фрагмент кристаллической решётки. Одним из таких же ярких событий — был павильон «Филипс», спроектированный Ле Корбюзье в котором на многих экранах разворачивалось аудиовизуальное шоу на тему истории цивилизации. Обращаясь к одному из директоров фирмы, Ле Корбюзье сказал:
«Ваш павильон не будет иметь фасада», «Электронная поэма» будет заключена в «бутыль». В этом помещении зазвучат симфонии, изображающие в музыкальных формах раскрепощенные силы электроники. Представление будет включать изображения, цветные и музыкальные ритмы. Электронная поэма соединит воедино то, что до этого можно было воспринимать раздельно: кинофильм, музыкальную запись, цвет, слово, шум и тишину.
Пятидесятые годы также были временем для тиражирования и дизайна шрифтов в типографии. Пожалуй, самым известным примером является дизайнер Пол Ренд по переосмыслению логотипа для IBM(ай-би-эм) в 1956 году. Благодаря своей яркой, геометрической надписи этот тип стиля повлиял на веселый, анимированный характер других шрифтов, которые стали доминировать на рекламных щитах и вывесках в последней половине десятилетие. Графический дизайн в шестидесятых годах, как правило, разделялся на две основные стилистические группы. Некоторые дизайнеры продолжали развивать простой, модернистский стиль, одобренный в 1950-х годах, и многие из них были под влиянием швейцарского стиля(Иллюстрация Чарли Харпера 1963 года в виде табличек с рисунками - это прекрасный пример модернистской иллюстрации шестидесятых).
Другое популярное дизайнерское движение в шестидесятые годы было реакцией на ограничения минимального модернистского дизайна. На психоделический дизайн повлияло свободное движение любви, рок-н-ролл и галлюциногенные препараты. Графический дизайн слился с искусством, поскольку дизайнеры и иллюстраторы стали более экспериментирующими и выбросили традиционные книги правил, проповедующие структуры сетки и упорядоченные макеты. Радуга кислотных цветов, изменчивых линий и странных паттернов позволила определить внешний вид сцены поп-культуры шестидесятых годов, и она по-прежнему гораздо более запоминающаяся в шестидесятых годах в сегодняшней популярной культуре, чем ее современный двойник (обложка Сан-Франциско Оракул, январь 1967 года, имеет психоделический дизайн в стиле арт-нуво).Дерзкий дебют "Мемфизма" на Миланской ярмарке 1981 года произвёл сильное впечатление. Это был бунтарский, дизайнерский цирк и загадочный Этторе Соттсассе взял на себя роль инспектора манежа для этой молодой группы дизайнеров - мятежников, в которую входили Джордж Соуден, Натали дю Паскье, Хавьер Марискаль и Масанори Умеда. После огромного впечатления, которое произвела первая выставка "Мемфиса", постмодернизм стал ведущим стилем. В Америке постмодернизм нашёл выражение в проектах Майкла Грейвза, Чарльза Дженкса, причудливых зданиях и креслах Френка Гери.
В конце 1980 гг. в мировом дизайне складывалась установка на инновационность. Дизайн становился генератором инновации: новизна, композиционное или технологическое отличие каждой следующей разработки, наличие философского подтекста рассматривались как условие полноценного функционирования дизайна. Все дизайнерские инновации имели социальную природу, Изделие дизайна - лишь конечный продукт, базирующийся на историческом развитии идей.
Отражением ХХ века стал такой стиль как хай- тек. В интерьерах хай- тэка индустриальные и урбанистические мотивы не только лишены недостатков, наоборот – они поражают своей необычной «космической» красотой. Термин хай-тек образован слиянием словосочетания - "высокий стиль" - и "technology". К числу первых принадлежит Национальный центр искусства и культуры им. Жоржа Помпиду в Париже (1977 г.). В 1992 году началась реорганизация центра, целью которой было создание отдела культурного развития. Отдел был ответствен за программу живых выступлений, кинопоказов, лекций, симпозиумов и различных дискуссий. Слияние музея современного искусства и центра промышленного дизайна было заложено в основы архитектуры здания и дизайна коллекции, что через двадцать лет было воспринято как достаточно оригинальное решение. Его авторы - итальянский архитектор Ренцо Пиано и англичанин Ричард Роджерс.
Текучие формы пластмасс ассоциировались у многих с будущим. Крупные формы оболочки использовали, например, в декорациях к фильму Стэнли Кубрика 1968 г. «2001: Космическая одиссея». для со здания необычной атмосферы он использовал мягкую мебель Оливье Мурга. Все эти примеры воплощали эстетику «softline»: скругленные углы, единая форма, образующая и сиденье, и опору.. На выставке «Визиона » в Кельне демонстрировался революционным интерьер Пантона, в котором не было ни мебели. ни стен как таковых, но единая мягкая поверхность, своими изгибами формировавшая сиденья, полки, столы.
Одним из ярких примеров стиля хай-тек в мебели, можно назвать офисное кресло Supporto Фреда Скотта, выпускавшиеся компанией Hille, в котором удалось соединить научный подход к комфорту со стильным обликом в духе хай-тек. В ориентированый на здоровье дизайн предметов для сиденья внесли заметный вклад и скандинавские дизайнеры. Среди них - норвежец Питер Опсвик, создавший первое эргономичное приспособление для сидения Balans Variable.Лишенные всякого декора, эти предметы были выражением чистой функциональности, обусловленной скорее знанием, нежели творческой интуицией.
Единственным недостатком можно считать то, что они редко были внешне привлекательными. В своем предельном воплощении хай-тек, в конечном счете, бездушен и мало для кого психологически комфортен. Поэтому его современные версии смелее используют цвет, экспериментируют в поиске новых средств художественной выразительности. Так известная в Европе и Америке дизайнер-парижанка Селин Карбонель, вносит в минимализм больше декоративности, больше цветовой культуры и эстетизма. Французский пуристский стиль с характерной активной авторской составляющей весьма моден сейчас и в Европе, и в Америке.
Дизайн начало 3-го тысячелетия более чем когда либо опирается на художественное творчество, на опыт современного искусства,на развитие эмоционально-образной составляющей. Поэтому так актуальна книга Жердева "Метафорическая образность в дизайне". Современным технологиям доступно практически все. Ткань превращается в экран для меняющего орнамента ил информационных сообщений. Вслед за модой, которая стала уже частью того или много стиля жизни, а не только одеждой, дизайн активно вторгается в манеры и формы поведения людей. В основу дизайна легли принципиальные изменения в технологии, теоретические и практические достижения конструктивизма и функционализма.