3.1. Факторы, влияющие на выразительность живописи
Изобразительная функция цвета в искусстве опирается на богатство цвета в природе, но более ограничена в своих возможностях, поскольку краски, используемые художником, значительно ниже естественного цвета по диапазону светосилы, по многообразию оттенков, по интенсивности и яркости тонов.
Преодолевается это ограничение с помощью не раз уже нами упомянутого колорита, представляющего собой цветовую систему подбора тонов и оттенков, варьирования красками по светосиле, яркости, насыщенности, смешения красок на палитре и оптического смешения их на холсте (полотне).
Достижение выразительности пейзажа напрямую зависит от применяемых художественных средств живописи, к которым относятся цвет, рисунок, композиция, фактура красочной поверхности, качество мазков.
Среди множества факторов, влияющих на изобразительные и выразительные возможности живописи, одно из главных мест занимают свойства красок, которые обусловлены степенью размельчения пигментов и характером связующих, а также инструмент, которым работает художник, растворители, гладкость поверхности грунта, впитывающего связующее. Все эти факторы влияют на приёмы наложения красок, на фактуру произведения живописи, а цвет основы или грунта – на колорит; иногда свободные от краски части основы или грунта могут играть определенную роль в колористическом построении, главным образом в акварели.
Зрительное восприятие – сложный процесс. В нём участвуют не только непосредственно зрительные ощущения, но и представления, опыт зрительной памяти. В результате мы можем одновременно получить не только зрительные, но и эмоционально-ассоциативные образы, Поэтому смысловое, образное и эмоциональное звучание цвета в картине и живописном этюде неразрывно связано как с пластическими качествами изображения, так и с выражением такого цветового строя (колорита), который бы своим общим звучанием настраивал зрителя на различные ассоциации. Закономерное сочетание цветов помогает глубже выразить замысел художника, передать его настроение, богатство и красоту окружающего мира, раскрыть внутренний мир персонажа. Эмоциональная функция колорита картины производит определённое воздействие в том случае, если он создаёт в изображении определённую световую и цветовую среду, определённое состояние освещённости природы, которые связаны с нашим психологическим опытом. Свет и цвет являются результатом электромагнитных возмущений, движущихся в пространстве волнообразно. Видимый глазом солнечный спектр состоит из семи основных цветов: красного, оранжевого, жёлтого, зелёного, голубого, синего и фиолетового. Каждый основной цвет спектра постепенно через многочисленные оттенки переходит в рядом лежащий. В левой половине спектра – от красного до половины зелёного – находятся так называемые тёплые цвета, а в правой половине – от середины зелёного до фиолетового – холодные цвета. Зелёный цвет приближающийся к жёлтому, имеет тёплый оттенок, а приближающийся к голубому – холодный оттенок. Подразделение цветов на тёплые и холодные основано на том, что красным, оранжевым и жёлтым можно изобразить солнечный свет, огонь и т.д., голубым, синим,
фиолетовым – тени, сумерки, лёд, воду и т.п. Цвета, не имеющие цветового тона и отличающиеся друг от друга только по светлоте (белые, серые, чёрные), называются ахроматическими; все остальные цвета, отличающиеся не только по светлоте, но и по цветности, называются хроматическими. Как уже было сказано выше, цвет имеет три основных свойства: светлоту (светосилу), цветовой тон (цвет) и насыщенность (интенсивность, чистоту, яркость). При смешении красок недополнительных цветов получаются цвета промежуточные. Например, смесь красного и жёлтого даёт оранжевый цвет, жёлтого и зелёного – жёлто-зелёный, синего и красного – фиолетовый. Нужный цвет можно получить двояким способом: составлением смесей красок и путём наложения красок прозрачными слоями одну на другую.
3.2. Определения и понятия, используемые в колористической терминологии
Необходимо обозначить несколько понятий (терминов), необходимых для понимания и обсуждения изобразительных средств живописи:
светотень – градации светлого и темного, позволяющее воспринимать объем фигуры или предмета и окружающую их световоздушную среду. Градациями светотени являются: свет, тень, полутень, рефлекс, блик. Светотень является одним из средств композиционного построения и выражения замысла произведения. Тональный контраст – сопоставление светлого и темного;
фактура – в живописи и скульптуре – материальные, осязаемые свойства поверхности художественного произведения, использованные как средство правдивого изображения действительности;
цветовой контраст – сопоставление дополнительных цветов или цветов, отличающихся друг от друга по светлоте. Контрасты дополнительных, холодных и теплых цветов являются неотъемлемым элементом цветового решения картин;
мазок в живописи – след кисти с краской, оставленный художником на холсте, бумаге, картоне. Техника зависит от индивидуальной манеры художника, она очень разнообразна;
линия и пятно – четкое очертание краской конкретного предмета на полотне. Пятно – тональное, силуэтное изображение объекта. Примером пятна может служить снежная ель на фоне дальнего неба или холм в темном ночном небе. Четкие линии очертания тени того или иного предмета, усиливают чувство грусти или радости [15, c. 135-141].
3.3. Техника акварельной живописи
Основой для акварели является бумага, часто предварительно смачиваемая водой. Смачивание даёт эффект размытости формы мазка. Бумага не должна деформироваться, но должна выдерживать несколько смываний. Качество бумаги имеет большое значение. Желательно, чтобы акварельная бумага имела в своём составе хлопок.
Акварельная бумага должна быть плотной (от 170 до 850 гр.) – для улучшения впитываемости. Поверхность акварельной бумаги почти всегда шершавая, с различными фактурами. Это качество позволяет краске «цепляться» за поверхность и ложиться лучше. Кроме того, неровная, бугристая поверхность создает определенный оптический эффект.
Существует множество фирм, производящих акварельные краски. Различают твердую акварель в плитках, полутвердую акварель в кюветах и тубах, жидкую акварель. Твердые плиточные краски используют для выполнения чертёжных работ, плакатов, проектов, хотя некоторые сорта этих красок пригодны и для живописи. Связующим в таких твёрдых акварельных красках обычно является животный клей, картофельная патока, мёд. Небольшие работы обычно выполняются красками в кюветах, например, на пленэре при выполнении набросков. Краски в тубах отлично подходят для создания картин большого формата, они практически не пачкаются друг об друга, так как выдавливаются на палитру по мере необходимости. Акварель в тубах мягкая, что надо учитывать. При насыщенной живописи пигмент не всегда равномерно набирается на кисть и так же неравномерно ложится на поверхность бумаги. При лессировках, когда краски многократно наносятся на предыдущие высохшие слои, эти недостатки не сильно заметны, но при работе по сырой поверхности бумаги в технике «а-ля прима» это сильно мешает, поскольку образуются неравномерные сгустки красочного слоя. Мягкая акварель больше подходит для классической живописи, хотя при определённом опыте работы этими красками и в технике по-сырому художник-акварелист может создать отличные образцы. Для работы с аэрографом подходят жидкие акварельные краски.
В акварельной живописи используются предпочтительно из беличьего волоса разных форм и размеров. Достаточно ограничиться 3-4 кистями (2, 4, 6, 8 размера)
Палитру лучше всего использовать из белого пластика, после обработки поверхности слабым абразивом вода на ее поверхности не скатывается в капли, а высохшие краски на палитре легко разводятся водой и продолжают быть пригодными для работы.
Акварель – прекрасный материал для работы на пленере. Она дает возможность быстро и точно передать состояние природы. Этюды акварелью пишутся в технике «а-ля прима» или «по-сырому». Основой для акварели является бумага, которую часто предварительно смачивают водой для достижения особой размытой формы мазка. Для этого служат особые рамки (стираторы), на которые натягивается лист. Таким образом, во время письма бумагу можно смачивать снизу, или бумагу кладут на мокрую фланель. Возможен и более простой способ: предварительно увлажненный лист акварельной бумаги, достаточно хорошо впитывающей влагу, кладут на стекло, при этом, в зависимости от того, как долго отрабатывается конкретный участок рисунка, выбирают угол наклона стекла, но чаще всего стекло лежит горизонтально.
Акварель – техника, дающая прозрачные, воздушные изображения. И фактурная бумага придает им дополнительный эффект объемности.
Французский художник Э. Делакруа писал: «То, что даёт тонкость и блеск живописи на белой бумаге, без сомнения, есть прозрачность, заключающаяся в существе белой бумаги. Свет, пронизывающий нанесённую на белую поверхность краску, – даже в самых густых тенях – создаёт блеск и особую светимость акварели. Прелесть этой живописи ещё и в мягкости, естественности переходов одного цвета в другой, безграничном разнообразии тончайших оттенков».
«Сила живописи, как и всякого искусства, – в глубине содержания и совершенстве формы. Только сочетание значительной, передовой идеи и отточенного профессионального мастерства дает подлинное произведение искусства. Если творческое мышление художника является его духовной силой, то техника живописи служит ему необходимым техническим вооружением и составляет реальную базу его живописных достижений. Техника для художника – это та совокупность целесообразных приемов и способов осуществления полноценного живописного изображения, без которой оно практически неосуществимо. Без техники художник скован, с техникой он окрылен»[19, c. 5].
Рассмотрим несколько техник рисования акварелью.
Техника акварели «по-сырому» – достаточно сложная техника, с не всегда ожидаемым результатом (чем и интересна!), поскольку неизвестно, как поведут себя акварельные краски на мокрой бумаге. Процесс рисования производится на горизонтальной поверхности, во избежание стекания красок. Используется очень много воды. Лист, смоченный водой, разглаживается, чтобы под ним не осталось пузырьков воздуха и неровностей. Излишки воды снимаются, например, ватой. Краски наносятся единичным касанием, иначе акварель становится грязной, теряется прозрачность. Очень важно при работе в технике «по-сырому» правильно подобрать тон. Исправления почти невозможны, поэтому часто этюд не получается с первого раза. Работа производится быстро, пока бумага еще не просохла. Умение «управлять» техникой «по-сырому» приходит с опытом, но элемент неожиданности останется всегда. Элементы переднего плана дорабатываются только после просушки, если необходимо.
Техника «а-ля прима» – живопись по сырому или по сухому листу бумаги, написанная в один сеанс. Все цвета берутся сразу с нужной интенсивностью. Капитальные изменения не предусматриваются. По этому методу каждая деталь начинается и заканчивается в один прием, затем художник переходит к следующей детали. Такой метод хорош при исполнении пейзажных этюдов, когда изменчивые состояния погоды диктуют быструю технику исполнения. Этим, возможно, следует объяснять расцвет техники «а-ля прима» в практике художников конца XIX и XX века, когда ставились задачи пленера. Метод «а-ля прима», не предполагающий многократных правок, позволяет сохранить, при наличии опыта, свежесть и сочность красок, остроту выражения. В эскизах этот метод незаменим.
Метод лессировок основан на наложения одного прозрачного слоя на другой (оптическое смешение цветов). Каждый следующий слой наносится на полностью просохший нижний. В начальной стадии наносятся светлые тона, по ним, вновь прозрачным слоем краски, следующие по силе и так далее до завершения. Красочный слой при всей его многослойности должен оставаться достаточно тонким и прозрачным, чтобы пропускать через себя отраженный свет.
Техника лессировок подходит в длительных по выполнению работахс неподвижной натуры (натюрморте), создании законченных композиций, книжных иллюстраций.
3.4. Практическая работа с учащимися
Тема выпускной квалификационной работы: «Колорит в живописи, его выразительные возможности в жанре пейзажа учащимися 6-го класса на уроках изобразительного искусства».
Уроки изобразительного искусства в школе призваны приобщить учащихся к искусству, развить творческие способности детей, сформировать художественный вкус, образное мышление. Главной задачей педагога изобразительного искусства, таким образом, является эстетическое воспитание учащихся.
Педагогическая практика проходила на базе СОШ №____ г. Владикавказ.
За время практики был разработан и реализован блок уроков для 6 классов, посвящённых выразительным возможностям колорита в жанре пейзажа. С учётом педагогических целей преподавания изобразительного искусства в школе, для проведения уроков были поставлены следующие задачи:
1. Знакомство с историей живописи, пейзажа, произведениями известных живописцев.
2. Ознакомление учащихся с выразительным средствам живописи.
3. Освоение таких понятий, как цвет, цветовая гармония, колорит.
4. Анализ цветового решения на примере произведений художников-пейзажистов.
5. Овладение учащимися знаний основ реалистического написания пейзажа.
5. Знакомство со средствами и техниками акварельной живописи.
6. Изучение видов пейзажа на примере известных произведений.
8. Написание эскизов природного и городского пейзажей.
Всего его было проведено 4 урока.
На первом уроке знакомились с понятием пейзажа. Я подготовила и рассказ о пейзажной живописи, известных художниках-пейзажистах, провела демонстрацию иллюстраций их картин. Продемонстрировала на примерах известных мастеров различные виды пейзажа: природный, морской, городской, сельский в разное время года [23].
На втором уроке знакомила с техникой и средствами акварельной живописи. Учащиеся выполняли практические работы в технике «по-сырому» и «а-ля прима».
На третьем уроке знакомила учащихся с понятием цвета, цветовой гармонии, выразительными возможностями колорита. Демонстрировала примеры запоминающихся оригинальных колоритных решений. Было предложено написать зимний пейзаж в любой из изученных техник.
На четвёртом уроке учащиеся создавали два типа пейзажа: природный (летний) и городской. В конце урока проводился анализ принятых ребятами цветовых решений.
ЗАКЛЮЧЕНИЕ
Художественное искусство призвано хранить и развивать чистоту и красоту человеческой души. Вопросы эстетического воспитания, восприятия прекрасного, того, что окружает нас, но часто остаётся в современном мире незамеченным, не понятым, стоят теперь особенно остро. В мир смартфонов и айфонов не так легко пробиться свежему морскому ветру или только что набухшим весенним почкам. Уроки изобразительного искусства в общеобразовательной школе становятся не в переносном смысле глотком свежего воздуха, проникающим в детскую душу с полотен великих мастеров воплощения лучших замыслов природы в гармонии с человеческой неунывающей душой.
Развивать в ребёнке художественный вкус, художественную культуру – значит, поддерживать врождённую доброту его сердца, чуткость души. Помочь ребёнку проявить творческую активность, расшевелить в нём воображение – значит, подарить ему будущее.
Одним из самых эмоциональных, широко понимаемых, легко воспринимаемых жанров художественного искусства, является пейзажная живопись. В.Г. Белинский писал: «… ландшафт, созданный на полотне талантливым живописцем, лучше всяких живописных видов природы… в нём нет ничего случайного и лишнего, все части подчинены целому, всё направлено к одной цели, всё образует собою одно прекрасное, целостное и индивидуальное. Действительность прекрасна сама по себе, но прекрасна по своей сущности, по своим элементам, по своему содержанию, а не по форме. В этом отношении действительность есть чистое золото, но неочищенное, в куче руды и земли: наука и искусство очищает золото действительности, перетопляют его в изящные формы».
Пейзажу, как никакому другому виду живописи, свойственна бесконечная игра света и тени, проявляющаяся и на небе, и на земле, в морских глубинах, в космических далях. Природа не повторяет себя в пейзаже один-в-один. Пейзаж, созданный художником, не является слепком с какого-либо уголка природы. Художественный пейзаж – это душа мастера, вышедшего навстречу свету и принявшего свет в себя. Именно поэтому мы готовы часами стоять перед великими и одновременно удивительно простыми и знакомыми красочными или приглушёнными, туманными изображениями, ощущая себя там же, внутри, вместе с этим светом, проникающим отовсюду.
Пейзажная живопись уходит в иные измерения пространства. Она многопланова, воздушна, многомерна, многообъектна. Пейзаж рождён природой, но рождён и человеком, бесконечно изменяющим её. Художник воплощает всю эту многофакторность с помощью многих изобразительных средств. Пейзаж не возможен без удачного колоритного решения, которое, в свою очередь, не может быть удачным без правильно выстроенной композиции.
И все эти средства призваны донести великолепие окружающего мира до наших детей, расшевелить чувства, разбудить воображение, помочь проникнуть смыслом и гармонией живописного пейзажа.
Педагог изобразительного искусства призван:
- развивать у детей интерес к художественному творчеству, вызывать эмоциональный отклик на красоту и настроение пейзажной картины, помогать детям, осмыслить свои чувства, отношение к воспринимаемому пейзажу;
- личное восприятие; показать детям, какие средства выразительной живописи для этого используются, дать им возможность понять, что и они могут точно также войти в контакт с природой, с самым прекрасным, что встречается в жизни.
- познакомить с таким выразительными средствами живописи, как колорит, показать, что просто цвет – это ещё не колорит; объяснить суть цветовой гармонии; донести, как может картина влиять посредством колорита на наши чувства, вызывая радость, и печаль, спокойствие и тоску.
При общении с детьми на уроках изобразительного искусства обязательно надо учитывать возрастные особенности, бурно развивающуюся фантазию и природную детскую энергетику. Обычно, на творческих уроках дети не могут молчать, спокойно сидеть, поскольку эмоции «захлёстывают». Надо использовать этот непростой фактор возраста с пользой для детей, применяя методы поощрения коллективного творчества. В то же время, нельзя пустить урок на самотёк. Уроки живописи связаны с необходимостью серьёзного освоения технических приёмов, соблюдения чистоты и аккуратности, сосредоточенности и внимательности. Иначе, интерес детей так же быстро угаснет, как и возник. Интерес к творчеству подогревается творческими успехами. Пусть, поначалу, маленькими, но учитель должен помочь каждому из учащихся их добиться.
Учитель изобразительного искусства сам должен быть человеком творческим, постоянно над собой работающим, умело владеющим техниками живописи, материалами и методами преподавания. И помнить, что эстетическое воспитание ребёнка – это воспитание человека в самом высоком смысле этого слова.
БИБЛИОГРАФИЯ
1. Баррас Д. Свет в акварели. Поурочные разработки по изобразительному искусству. – М.: Издательство «Кристина», 2011. – 48 с.
2. Белая А. Цвет в природе, бизнесе, моде, живописи, воспитании и психотерапии. – М.: ИП Стрельбицкий, 2012. – 250 с.
3. Бесчастнов Н.П. Графика пейзажа: книга для учителя. – М.: ВЛАДОС, 2012. – 332 с.
4. Бялик В. Пейзаж / Энциклопедия живописи для детей. – М.: Изд. Белый город. 2008. – 48 с.
5. Гёте и Ньютон: спор о цвете // Интеллектуальные традиции в прошлом и настоящем. №2. – М.: Аквилон, 2014. – С. 299-339.
6. Гёте И. В. Учение о цвете. Теория познания. Пер. с нем.
В.О. Лихтенштадта. – М.: ЛИБРОКОМ, 2014. – 195 с.
7. Горяева, Н. А. Первые шаги в мире искусства: книга для учителя / Н. А. Горяева. – М.: Просвещение, 2011. – 159 с., ил.
8. Дубровина И.В. Психология: учебник для студ. сред. Пед. учеб.заведений / И.В. Дубровина, Е.Е. Данилова, А.М. Прихожан; под ред. И.В. Дубровиной. 2-е изд., стереотип. – М.: Издательский центр «Академия», 2001. – 464 с.
9. Железняков В. Цвет и контраст. Гл. 6. – М.: ВГИК, 2000. – 157 с.
10. Избранные философские произведения. АН СССР. Под ред.
Г.А. Курсанова и А. В. Гулыги. – М.: Наука, 1964 – 520 с.
11. Неменская Л.А. Изобразительное искусство. Искусство в жизни человека». 6 класс: учебник для общеобразовательных учреждений / под ред. Б.М. Неменского. – М.: Просвещение, 2011. – С. 243.
12. Ильин Е.П. Психология творчества, креативности, одаренности. – СПб.: Питер, 2000. – 433 с.
13. Иттен И. Искусство цвета. – М.: Изд-во Д. Аронов, 2004. https://www.libok.net/writer/7967/kniga/28402/itten_iohannes/iskusstvo_tsveta/read
14. Кузин В.С. Психология живописи. – М.: Изд-во Оникс 21 век, 2005. – 234 с.
15. Ломоносова М.Т. Графика и живопись. Учебное пособие. – М.: Просвещение, 2012. – 267 с.
16. Миронова Л.Н. Цвет в изобразительном искусстве Цвет в изобразительном искусстве. – Минск: Изд-во «Беларусь», 2005. – 246 с.
17. Морозова О. Шедевры европейских художников. Учебное пособие. – М.: Олма Медиа Групп, 2013. – 347 с.
18. Прохоров С.А., Шадурин А.В. Цветовые гармонии и их значение для живописи и архитектурного и дизайнерского проектирования / Вестник АлтГТУ им. И.И. Ползунова. №1-2. – Барнаул. 2015. – С. 39-40.
19. Ревякин П.П. Техника акварельной живописи. – М.:
Архитектура-С. 2015. – 248 с.
20. Робинсон М. Прерафаэлиты. Жизнь и творчество в картинах. Поурочные разработки по изобразительному искусству. – М.: Издательство Эксмо, 2014. – 256 с.
21. Розенберг К. Классические пейзажи. – М.: «Арт-Родник», 2008. – 153 с.
22. Ходлер Ф. Мастера искусства об искусстве. – М., 1969. Т. 5. –
С. 136-137.
23. Харрисон Т. Пейзажи акварелью. Полный курс для начинающих. – М.: «БММ», 2010. – 116 с.