XVII век - первая половина XIX века является «золотым веком»
академий. Они указывают художникам пути к вершинам искусства,
воспитывают худ. вкус, определяют эстетические идеалы. Совершенствуется
и методика преподавания. Опора на разум, который контролирует
впечатления художника Рисовальщик наблюдает предметы в природе,
анализируя их форму, опирается при изображении на уже имеющиеся у него
знания. Обучение искусству проходило одновременно с научным
просвещением и воспитанием высоких идеалов. Однако излишнее
стремление к нормам античного искусства лишало возможности худ.
отражения действительности, стала раздаваться критика в сторону
академической школы.
В числе противников академической школы был Дени Дидро (1731-
1784), отстаивавший материалистические идеи в эстетике (французское
просвещение). Салоны Дени Дидро (критический обзор периодических худ.
выставок) подвергал критике академическую школу, ратуя за реализм в
искусстве. Взгляды по поводу отрицания академической школы выразил в
труде «Опыт в живописи». Однако Гете в одноименной статье подверг
критике взгляды Дидро.
Вот сущность полемики Дидро и Гете. Дидро считал, что вместо
рисования аттиков надо идти в народ. А Гете считает, что Дидро путает
направление и школу. Ученику надо знать что искать, а потом идти на
поиски. Дидро же считал академическое образование манерным,, наставлять
в истинном искусстве, а затем рисовать реальность. Все же академия как
учебное заведение являлось наиболее удачной формой профессиональной
подготовки новых кадров, а Дидро путал систему с отдельными методами.
Однако абсолютизация классических ценностей приводила к догматизму в
искусстве.
Джошуа Рейнольдс (1723-1792) призывал к внимательному изучению
жизни, обогащая его научными знаниями. С первых шагов руководства АХ
Великобритании Рейнольс – сторонник академической школы с опорой на
изучение натуры.
Ступени обучения по Рейнольдсу:
- Вводный курс. Знакомство с общими принципами рисунка, живописи,
композиции.
- Второй этап. Изучение опыта искусства. Большое значение
придавалось упражнениям, повторениям, рисованию по памяти.
Основной метод на начальной стадии обучения – грамотная передача
объектов. Именно на ранних стадиях важно заставить грамотно подходить к
работе с натуры (конструктивный анализ, моделировка формы), заставить
учеников правильно понять пути искусства.
Необходимо учитывать возрастные и личностные особенности учеников
(талант, темперамент). «Особенно внимательно надлежит следить за
успехами более продвинутых учеников, достигших в своих занятиях того
критического периода, от правильного окончания которого, зависит будущее
направление их вкуса. В этом возрасте для них весьма естественно
увлекаться большим блеском, чем основательностью, и предпочитать
роскошную небрежность утомительной, точности… Они принимают тень за
сущность и сделают механическую легкость гласным достоинствам
искусства, для которого она является лишь отношением».
Рейнольдс выдвигает мысль о том, что обучение рисованию - тоже
искусство, если педагогические приемы не будут проверены на практике,
ученики не усвоят материал достаточно хорошо.
Гете о рисунке. Основной метод – опора на научные знания.
Бессмысленное копирование натуры превращает художника в ремесленника
(подражание – рабство, манера – произвол, стиль – результат
целеустремленного научного познания).
Суждения Гете представляют интерес не только для профессиональной,
но и для общеобразовательной системы:
-задача художника-педагога – помочь ученику овладеть законами
изображения и закономерностями природы. Закономерности строения
природы находят свое отражение в искусстве, следовательно, искусство
подчиняется определенным законам…художник признательный природе,
приносит обратно ей некую вторую природу4, но природу, рожденную из
чувства и мысли, природу человечески завершенную…»
«Наиболее вздорное из всех заблуждений – когда молодые одаренные
люди воображают, что утратят оригинальность, признав правильным то, что
уже было признано другими».
Некоторые методисты, опасаясь, как бы ученик не потерял своей
увлеченности, достигнув определенных высот, предоставляют ему полную
свободу действий, боятся вмешиваться в работу. Подобное недопустимо,
считает Гете: «Игра с серьезным и важным портит человека… Он
перескакивает ступени, задерживается на некоторых из них… Он создает
себе необходимость поступать по многим правилам… Он все больше
отдаляется от правды предметов и теряется в субъективных исканиях».
Гете считал основой основ человеческое тело, его пропорции и пластику.
Поверхностное наблюдение не дает возможности художнику понять
строение тела: «Человеческая фигура не может быть понята только при
помощи осмотра ее поверхностей, надо обнажить ее внутреннее строение,
расчленить на части, заметить соединения, знать их особенности, изучить их
действие и противодействие, усвоить скрытое, постоянное, основу явления,
чтобы действительно видеть и подражать тому прекрасному неделимому
целому, которое движется перед нашими глазами, как живой организм…
Видеть, в первую очередь то, что знаешь»… «Дилетант всегда боится
основательного, минует приобретение необходимых знаний, чтобы подойти к
исполнению, смешивает искусство с материалом. Так, например нельзя найти
дилетанта, который бы хорошо рисовал, так как в таком бы случае он бы
находился по дороге к искусству. Напротив, многие плохо рисуют и хорошо
пишут красками. Дилетанты часто берутся за мозаики т восковую живопись,
потому что они ставят на место искусства прочность произведения. Они
часто занимаются гравированием, потому что их привлекает размножение.
Они ищут фокусов, манер, способов обработки, секретов, потому что они
часто не могут подняться над понятием механического умения…»
Итог: основа художественного образования – рисование аналитическое,
как в профессиональной, так и в общеобразовательной сферах.
Лекция №10
«Рисование в России X - XVIII веков»
Уже к XI веку рисование рассматривается как общеобразовательный
предмет и был связан с обучением грамоте. Скорее всего, в основу обучения
был положен копийный метод.
Навыки в профессиональном художественном образовании
приобретались в монастырских иконописных школах. Рисунок считался
важной частью искусства иконописи, особенно в изображении ликов и
фигур.
Для организации учебной работы ведущие мастера составляли
сборники правил иконописных изображений. От копирования этих
сборников переходили к самостоятельному рисованию.
Сначала XVII века требования к изображению ликов изменилось.
Помимо четкости и слаженности рисунок должен быть и правдоподобным.
Симон Ушаков старался приблизить искусство иконы к реальной
действительности. В своем сочинении «Слово к люботщательному иконного
писания» он высказывал мысль о необходимости изучения человеческого
тела и его реалистического изображения в иконописи. Ушаков высказывал
мысль о том, что для нового подхода в изобразительном искусстве
необходима школа. Он также считал, что рисование как
общеобразовательный предмет призван развивать личность. Однако в
методологическом плане придерживался старых копийных методов.
С реформами Петра I появилась необходимость в художниках
различных специализаций. Возросла потребность и в светском искусстве.
В 1711 году при Петербургской типографии организуется школа
рисования, где помимо рисования по образцам практикуется рисование с
натуры. Из-за границы приглашаются художники-педагоги. Рисование
начинает широко внедряться как общеобразовательный предмет. Так
рисование было включено в число предметов Московской академии (1715),
Хирургической школы при Санкт-Петербургском военном госпитале (1716),
Кадетском корпусе (1732). А в 1724 году в Российской академии наук
предусматривалось преподавание «знатнейших художеств».
Для правильного рисования в этих учебных заведениях была издана
книга И.Д. Прейслера «Основательные правила, или Краткое руководство к
рисовальному художеству». Это первое серьезное руководство по рисунку в
России. Грамотная последовательность обучения в сочетании с опорой на
геометрию, перспективу и пластическую анатомию – отличительные
особенности этого труда. Однако, первые учителя-иностранцы стали
рассматривать эту книгу как сборник образцов для копирования и ее
методическая ценность была утрачена. Но в последнее время методическое
значение данного труда восстановлено.
Лекция №11
«Становление академического художественного образования в
России»
В 1755 году граф Шувалов на свой вторичный запрос о создании
Академии Художеств получает от Елизаветы положительный ответ. В 1756
году Шувалов едет за границу, где при посредстве Дидро и Вольтера
знакомится с постановкой художественного образования в Европе. Проект
Шувалова был утвержден в 1757 году сенатом, а в 1758 АХ перевели из
Московского университета в Санкт-Петербург.
Для развития художественного вкуса учащихся АХ окружали предметы
искусства. Шувалов жертвует свое собрание картин и рисунков, а также
личную библиотеку. Академия снабжала учеников всем необходимым.
Воспитанники делились на группы: 1-ая – с 6 до 9 лет, 2-ая – с9 до 12, 3-я – с
12 до 15 лет, 4-ая – с15 до 18 лет. Занятия строились следующим образом:
утренние с 9 до 11 и вечерние с17 до 19. Итоги подводились по результатам
просмотра.
Основной учебный предмет – рисунок. По инициативе скульптора
Жиле в 1760 году при АХ был организован класс, где изучали пластическую
анатомию.
В основе методики преподавания – рисование с натуры (копии с
оригиналов, гипс, натура).
Система образование отличалась тем, что ученик пока не пройдет
положительно программу каждого класса, не перейдет в следующий. А в
Европе на обучении в каждом классе тратился год и не более.
Ведущий методист – Лосенко А.П. Теоретические труды Лосенко
посвящены пропорциям и анатомии, а также имели место таблицы
оригиналов.
Лекция №12
«Художественное образование в XIX веке».
Первая половина XIX века – наивысший расцвет академической школы
рисунка. Над методикой преподавания работают: А.И. Иванов, В.К. Шебуев,
А.Г. Венецианов. Интерес представляют научные труды Г.А. Гиппиуса,
А.Палича, А.П. Сапожникова.
К началу XIX века русская академическая школа становится лучшей в
Европе. Она основывалась на серьезном изучении анатомии (И.В. Буяльский)
и выразительном рисунке. Преподают такие известные рисовальщики, как
О.А. Кипренский, К.П и А.П. Брюллов, Р.А. Бруни. Практикуется рисунок
двух видов: линейно-конструктивный с легкой прокладкой тона и объемно-
пространственный с тональной проработкой формы и пространства.
Ведущие методисты – А.Н. Оленин, В.К.Шебуев. Основные положения
их методических изысканий.
А.Н.Оленин (1763 – 1843), президент АХ России:
-переоборудование классов и мастерских в соответствии с современной
методикой;
-обеспечение учебно-методических пособий;
-организация класса манекенов (для изучения костюма);
-снабжение учащихся лучшими художественными материалами;
-в процессе обучения – опора на научно-теоретическую базу.
В.К. Шебуев (1777 – 1855):
-составление руководства по анатомии в содружестве с Буяльским;
-опора в художественно-педагогической деятельности на рисование с
натуры с научных позиций;
Таким образом, АХ России бала признана в Европе. Иностранные
художники почитают за честь быть в составе педагогического состава А.Х.
Во второй половине XIX века наметилась ситуация противостояния
сторонников официального академизма и прогрессивных художников-
воспитанников АХ. Основными методистами являются И.Н. Крамской и П.П.
Чистяков. В основе их методических взглядов – аналитическое рисование и
тончайшая тональная моделировка формы. Передовым считался
реалистический подход в изображении натуры. Методическая система П.П.
Чистякова заключалась в том, что голова, фигура, предметы и т.д.
рассматривалась как система плоскостей, образующих замкнутый объем.
Правильное расположение этих плоскостей в пространстве относительно
точки зрения художника, то есть грамотное перспективное сокращение
плоскостей – единственно верный способ реалистического изображения
натуры. При этом необходимо пользоваться научными знаниями в области
перспективы, анатомии и способов построения. Чистяков указывал на то, что
преподавание должно строится на законах науки и искусства. Педагог не
имеет права вводить ученика в заблуждение своими субъективными
заблуждениями.
Лекция №13
«Реформаторская художественная педагогика рубежа XIX – XX
Веков».
Тенденции отхода от академических традиций продолжала нарастать и
достигла своего апогея на рубеже XIX – XX веков. При чем эта тенденция
развивалась как за рубежом, так и в России.
Зарубежная школа изобразительного искусства представлена такими
методистами, как Ашбе (методика представляет плоскостной анализ формы
от крупных объемов к пластической трактовке), Д. Тедд (рассматривал
рисование как развивающую дисциплину для развития личностных и
физических навыков учеников). Методика работы над рисунком Г.Бамеса
также близка методическим взглядам Ашбе.
В России, а впоследствии в Советской России, преподавание
изобразительного искусства стало ареной борьбы противоречий не только
педагогических, но и идеологических. Формальные направления в искусстве
Запада и России (конструктивизм, футуризм, абстракционизм) породили
пересмотр методической основы академической системы. На первый план
выступает формальная основа организации плоскости. Широкое
распространение получил метод проектов. Однако, начиная приблизительно
с 30-ых годов XX столетия, реалистические устремления в искусстве берут
реванш. Но новаторские устремления не прошли незамеченными в методике
преподавания Академии. Главнейшие этапы живописи были отражены в
программе АХ:
1. От натурализма – вертикально-горизональное классическое
построение картинной плоскости.
2. От импрессионизма – анализ световых спектральных цветов.
3. От кубизма – разноплоскостное расчленение поверхности и
многообразие осевых вхождений в глубину картинной плоскости.
4. От футуризма – проблема динамики.
В 40-ых годах ставится проблеме о подготовке профессиональных
педагогических кадров для работы в школах. И при посредничестве Д.Н.
Каодовского начинают открываться художественно-графические факультеты
при педагогических Вузах.
Библиографический список использованной и рекомендуемой литературы.
1. Беда Г.В. Основы изобразительной грамоты. М., 1981
2. Кузин В.С. Основы обучения изобразительному искусству в
общеобразовательной школе. М., 1977
3. Кузин В.С. Методика преподавания ИЗО в 1-3 кл. М., 1979
4. Барщ А. О. Наброски и зарисовки. М., 1970
5. Маслов Н.Я. Пленер. М., 1986
6. Неменский В.М. Распахни окно/мысли художников об эстетическом
воспитании, о проблемах эстетического воспитания. М.,1974
7. Неменский Б.М. Мудрость красоты. М., 1981
8. Неменский Б.М. Доверие. М., 1984
9. Ростовцев Н.Н. Методика преподавания изобразительного искусства в
школе. М., 1980
10. Ростовцев Н.Н. История методов обучения рисованию. М., 1981
11. Ростовцев Н.Н. Очерки по истории методов преподавания рисунка. М.,
12. Ростовцев Н.Н. Учебный рисунок. М., 1976
13. Терентьев А.В. Рисунок в педагогической практике учителя. М., 1981
14. Хворостов А.С. Древесные узоры. М., 1976
15. Хворостов А.С., Новиков С.Н. Мастерим вместе с папой. М., 1992
16. Хворостов А.С. Чеканка. Инкрустация. Резьба по дереву. М., 1985
17. Хворостов А.С. Декоративно-прикладное искусство в школе. М., 1981
18. Шорохов Е.В. Тематическое рисование. М., 1978
19. Шорохов Е.В. Методика преподавания композиции на уроках ИЗО в
школе. М., 1974
20. Шорохов Е.В. Основы композиции. Учеб для студентов педагогических
институтов. М., 1979
21. Шпикалова Т.Я. Изобразительное искусство в 1 классе. М., 1981
22. Шпикалова Т.Я. Изобразительное искусство во 2 классе. М., 1981
23. Шпикалова Т.Я. Изобразительное искусство в 3 классе. М., 1984
24. Шпикалова Т.Я. Народное искусство на уроках декоративного рисования.
М., 1979
25. Сокольникова Н. М. Рисунок. Живопись. Композиция. Словарь
художественных терминов. Для 5-8 классов. Обнинск, 1996
26. Сокольникова Н. М. Методика преподавания изобразительного искусства.
М., 2004
27. Выготский Л. С. Психология искусства.
28. Дмитриева Н. А. Эстетическое воспитание.
29. Борев Ю. Б. Эстетика.
30. Школа Изобразительного искусства в десяти томах. М., 1988
31. Чистяков П.П., Савинский В.Е. Переписка 1883 – 1888 гг. Воспоминания.
М., 1939
Молева Н., Белютин Э. П.П. Чистяков – теоретик и педагог. М., 1953