В творчестве художников-передвижников значительное место занимал пейзаж. Мастера с проникновенным лиризмом и теплотой изображали различные уголки русской природы. В пореформенное десятилетие (60-е годы) социальные темы в жизни и живописи было настолько остры, так поглощали внимание художников, что пейзажу словно не было места. Зато в следующее десятилетие пейзаж выходит на ведущие роли. Начинают активно работать и выставляться четыре крупнейших пейзажиста – А. Саврасов, И. Шишкин, Ф. Васильев и А. Куинджи. Они были разными по возрасту (Саврасов и Шишкин значительно старше), по уровню образования, в живописи каждый шёл своим путём, однако вместе они создали тот образ русской природы, которого до тех пор не существовало не только в искусстве, но даже и в сознании человека. Благодаря им сложился образ России.
Один из родоначальников русского реалистического пейзажа Алексей Кондратьевич Саврасов (1830–1897) родился в Москве в семье купца. Окончив Московское училище живописи, ваяния и зодчества (МУЖВЗ), он уже в двадцать четыре года стал членом Академии художеств, а в двадцать шесть лет – преподавателем воспитавшего его училища.
Один из первых известных пейзажей Саврасова – «Лосиный остров в Сокольниках» («островом» называли участок сохранившегося леса). Это большая картина, выполненная в мастерской. Но в основе её лежат этюды с натуры, которые Саврасов переработал для достижения большей ёмкости, значительности, завершённости образа. Ещё одна прекрасная ранняя работа Саврасова – «Сельский вид». Здесь проявился сам тип пейзажа передвижников – это образ простой сельской России (передвижники, в отличие от своих современников, французских импрессионистов, редко писали городские пейзажи). Кроме того, пейзажу передвижников свойственна повествовательность, он похож на неторопливый рассказ.
Саврасов много путешествовал: посетил Англию, Францию, Германию, Швейцарию. Вернувшись в Россию, художник принял участие в организации Товарищества передвижных выставок. На первой выставке Саврасов представил произведение, сразу принесшее ему известность, – «Грачи прилетели ». Необычайно светлая по колориту маленькая картина удивила зрителей простотой сюжета. Художник показал начало весны в захолустном уголке Костромской губернии (село Молвитино на Волге). На переднем плане кривые берёзы и грязный талый снег, справа большая лужа, в центре деревенская церковь с колокольней. Перед ней щербатый сарай и покосившийся забор. Из облаков вот-вот пойдёт снег, и только грачи, прилетающие первыми, ещё до наступления настоящей весны, оживляют этот вид.
Сама живопись прекрасна: снег написан нежнейшими оттенками сиреневого, голубого, жёлтого, коричневого, розового. В луже отражается небо, берёзы тянутся вверх, и это словно расширяет пространство картины, вызывая ощущение пробуждающейся природы.
Поздние маленькие этюды художника написаны лёгкими свободными мазками, поражают свежестью красок, чистотой восприятия. Таков этюд «Дворик. Зима », где зритель как будто из окна видит двор, окружённый деревянными постройками, и утиное семейство, греющееся на зимнем солнышке.
«Он сумел отыскать в самом простом и обыкновенном те интимные, глубоко трогательные, часто печальные черты, которые так сильно чувствуются в нашем родном пейзаже и так неотразимо действуют на душу», — писал о Саврасове его ученик, знаменитый пейзажист Левитан. Будучи прекрасным художником, Саврасов был и талантливым педагогом. Двадцать пять лет он руководил пейзажным классом в Московском училище. За это время пейзаж из второстепенного жанра, которым он считался в системе Академии художеств, превратился в один из ведущих. Именно через пейзаж проникли в русскую живопись новые веяния, в том числе и импрессионизм. Саврасов в училище воспитал целую плеяду талантливых художников. Среди его учеников были В. Поленов, К. Коровин, М. Нестеров, И. Левитан. Саврасов настойчиво ориентировал своих учеников на работу с натуры, требовал от них писать этюды, учил искать красоту в самом простом мотиве.
Главным секретом влияния Саврасова на молодёжь была не определённая система преподавания, а живой пример его творчества и способность воодушевлять учеников. К. Коровин вспоминал, как «с первыми весенними днями вся мастерская спешила вон из города и среди тающих снегов любовалась красотой пробуждающейся жизни. Расцветал дуб, и Саврасов, возвещая об этом как о событии, вбегал в мастерскую и уводил с собой молодёжь туда, в зелёные рощи и поля.»
Иван Иванович Шишкин (1832–1898) родился в городе Елабуге в семье образованного и влиятельного купца. После окончания Московского училища живописи, ваяния и зодчества, а затем Академии художеств (с Большой золотой медалью) он был отправлен в поездку по Европе. В Германии Шишкин завершил обучение и стал академиком.
Влечение к жанру пейзажа определилось у Шишкина ещё в Училище, куда он поступил уже двадцатилетним. «Пейзажист – истинный художник, он чувствует глубже, чище,» – записал он в дневнике. Когда после заграничной поездки Шишкин вернулся в Петербург, он, несмотря на высокое звание академика, сблизился с членами Артели художников. Он посещал их собрания и на глазах у всех исполнял рисунки, которые поражали молодых своей виртуозностью. Шишкин действительно был прежде всего рисовальщиком, графиком, а также мастером композиции. Живопись его суховата, живописные качества картин для него вспомогательны.
Настоящую славу Шишкину принесла картина «Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии». Впервые в русском искусстве художник показал не обобщённый вид на группу деревьев, а величавую чащу с громадами стволов. Трещины коры, травинки, камни выписаны с наблюдательностью учёного-натуралиста, без поэтического трепета. Начиная с этой картины чётко определяется программа Шишкина как художника: утверждение положительного идеала красоты и мощи родной природы. Если искусство других передвижников основывалось на критике, то основная эмоция Шишкина – восхищение тем, что он видит и изображает. В отечественное искусство входила и новая тема – тема леса как символа русской силы.
Дальше работа Шишкина продолжится в двух направлениях. С одной стороны – натурные этюды и рисунки, которыми были заняты все летние месяцы. Шишкин писал этюды и на родине, в окрестностях Елабуги, и под Петербургом, и в селе Козлова Засека, где художники с семьями снимали дачу. Этюды были лабораторией мастера. «Никакой приблизительности в изображении природы», – было девизом Шишкина. Рисование и живопись для него неотделимы от изучения. От досконально, до мелочей знал то, что изображал.
С другой стороны, художник пишет большие картины, создающие обобщённый, поэтический образ. Одной из самых известных является «Рожь », написанная после поездки в Елабугу. Спелая рожь, наполняющая картину золотым отливом, бесконечным морем разлилась вокруг. Колосья столь высоки, что оказались бы по плечи крестьянам. Конечно, дело не в недостатке мастерства художника, а в стремлении к поэтическому преувеличению, прославлению русского поля, богатства, плодородия земли. Из-под ног зрителя убегает вперёд полевая дорога. Мотив дороги был очень важен для всех художников-передвижников. Но если у мастеров обличительного направления с дорогой связывался скорбный труд, тяжкий жизненный путь и непосильная ноша (вспомни «Проводы покойника» или «Тройку» Перова), то у Шишкина дорога гостеприимна, светла, манит вдаль и обещает радость. Движение вдаль подчёркнуто в картине и ритмом стволов сосен, которые, как величавые гиганты, высятся среди поля. Это вряд ли могло быть в действительности: обычно все деревья с поля выкорчёвывались ещё маленькими. Но сосны организуют картинное пространство, помогают его восприятию, усиливают ощущение могучей силы природы.
Художник переживал высокий творческий подъём и одновременно – обрушившиеся на него беды: смерть жены и двух сыновей. В то время известное стихотворение А. Мерзлякова «Одиночество» с его повторяющимся рефреном: «Ах, скучно одинокому и дереву расти!» – оказалось особенно созвучным переживаниям художника. Так появилась картина «Среди долины ровныя... » Однако влюблённый в жизнь Шишкин всё же пишет одинокое дерево в мажорном ключе. По-новому выразительно разработана в картине светотень. Тени облаков скользят по земле, создавая ощущение подвижности и подчёркивая ширь простора. Пейзаж построен на противопоставлении огромной равнины и царящего на ней могучего одинокого дуба. Композиция, построенная на одной вертикали и одной горизонтали, продумана, дерево поставлено так, что оно организует, упорядочивает пространство.
Поездка на родину дала Шишкину тему другой его значительной картины – «Лесные дали». Пейзаж этот, как и предыдущий, пронизан радостью и прославлением природы. Взору открываются огромные массивы лесов. Широта лесных просторов, увиденных с возвышенности, громадность неба, отразившегося в далёком голубом озере, – вот то поэтическое начало, которое захватывает зрителя.
Позже Шишкин пишет пейзажи «Дождь в дубовом лесу», «Корабельная роща близ Елабуги » и другие. Картину «Утро в сосновом лесу», которой суждено было стать его самым известным произведением, Шишкин создал вместе с другом, художником Константином Савицким. Тот написал на переднем плане медведицу с тремя медвежатами, играющими на упавших гнилых деревьях, и туман над оврагом справа. Сосновый бор написал Шишкин. Оба художника не считали картину творческой удачей. Однако публика полюбила её, наверное за то, что медведям здесь присущи вполне человеческие отношения: дети балуются, а мама ворчит.
Архип Иванович Куинджи (1842–1910) стоит несколько особняком в русской пейзажной живописи. Он обратил на себя внимание на третьей выставке Товарищества передвижников картиной «Забытая деревня».
К первому успеху Куинджи пришёл практически самоучкой. Он родился в Мариуполе, в юные годы увлекался Айвазовским и мечтал стать его учеником, однако ему это не удалось. Затем Куинджи перебрался в Петербург, где несколько раз пытался поступить в Академию художеств, но неудачно. Наконец, он получил от Академии звание неклассного художника (без права преподавания) и с этого времени начал экспонировать свои произведения на академических выставках. На одной из них он показал эффектную картину «На острове Валаам». Эффект был достигнут тщательным отбором предметов для лаконичной и броской композиции. Куинджи поместил два дерева на скалистом берегу, а всё остальное, в частности, тёмный лесной массив, отодвинул назад. Передний план художник осветил холодным светом, что придало картине некоторую театральность. Эти приёмы получили дальнейшее развитие в его творчестве.
Скоро художник написал поэтическую картину «Украинская ночь », где впервые обратился к теме лунного света. В следующих произведениях Куинджи продолжит тему особых моментов в жизни природы. В отличие, например, от Саврасова, который намеренно выбирал простые, неброские мотивы, Куинджи всегда писал мотивы прекрасные, исключительные. Чаще всего эта исключительность связана с необычным освещением – солнечным или лунным.
Но природа предстаёт в картинах Куинджи не только в особые минуты своей жизни, но и в «очищенном» виде. Художник не любит обилия деталей, большого количества предметов. Он выделяет главное, и даже не просто выделяет, а оголяет. Сам метод его работы способствовал этому. Художник «сочинял» каждую свою картину, почти не пользуясь этюдами с натуры. Поэтому ему не было необходимости отбирать главное, опуская второстепенное. Как правило, Куинджи прибегал к простым композиционным построениям, основанным на горизонталях и диагоналях, трактовал предмет обобщённо, не прорабатывая его в объёме, иногда решительно сопоставлял предметы, расположенные на большом расстоянии друг от друга. Это привело к большой декоративности его работ, их плоскостности. Это же сделало Куинджи одним из самых популярных и широко известных художников.
Одной из таких картин стала «Берёзовая роща ». В её композиции художник смело сопоставил три плана: первый – затенённый, второй – ярко освещённый, и третий – вновь затенённый, но рисующийся на фоне светлого неба. Контрасты намеренно подчёркнуты; художник многократно усиливает отношения, возможные в природе. Куинджи не скрывает выдуманности своего пейзажа: он с явным расчётом расставляет стволы берёз и в центре почти с математической точностью проводит линию, по которой течёт ручей.
Скоро Куинджи написал и выставил на специальной выставке одну картину – «Ночь на Днепре». Само по себе это было необычно, так как даже персональные выставки в то время были редкостью (все выставки передвижников – коллективные, причём с большим количеством участников). От выставки же одной картины зрители и вовсе ожидали чего-то невероятного. И эти ожидания оправдались. Художник добился в ней максимального эффекта. Он избрал высокую точку зрения, не изображая переднего плана снизил линию горизонта, отдав более двух третьих холста небу. Вся красота природы разворачивается внизу – под ногами. Возникает ощущение полёта, парения, совершенно фантастическое для зрителя XIX века, не знавшего авиации. В небе светит далёкая луна, и свет её отражён поверхностью воды; вода блестит и словно фосфорецирует. Зрители недоумевали, как удалось художнику достичь такого впечатления. Они гадали, поместил ли он позади картины свечу или лампу или писал какими-то особыми красками, которых нет у других живописцев. На самом деле ничего этого не было: ни свечи, ни особых красок. Куинджи просто был мастером извлечения из живописи эффектов, и здесь его мастерство достигло вершины.
Последней картиной, которая была показана при жизни художника, был «Днепр утром ». Эффектный вид дан здесь неожиданно мягко, не так обнажённо, как это делалось в предыдущих работах. После этого мастер прожил ещё тридцать лет, всё это время интенсивно работая, но не показывая своих произведений публике.
Судьба Исаака Ильича Левитана (1860–1900) была печальной и счастливой. Печальной – потому что ему была отпущена жизнь краткая, наполненная постоянной нуждой, горем. Счастливой – потому что ему в полной мере суждено было изведать радость творчества, искусства живописи, радость общения с природой и дружбы с лучшими и талантливейшими людьми своего времени.
Будущий живописец родился на западной окраине России в небольшом местечке. Семья жила скромно, а после переезда в Москву, на который родители решились, чтобы дать детям образование, даже бедно. Несмотря на это, увлечение обоих сыновей искусством было встречено сочувственно, и двенадцатилетний Исаак Левитан поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества (МУЖВЗ). Годы учёбы стали для него временем тяжёлых испытаний и горя: один за другим умерли родители, и детям-подросткам пришлось вести нищенский образ жизни. Левитан голодал, ночевал в училище на чердаке, и среди товарищей ходили легенды о его безденежье и невесёлых приключениях. Преподаватели, Саврасов и Поленов, старались помочь ему, добиваясь освобождения от платы за обучение и небольшой материальной поддержки. Саврасова Левитан боготворил: когда тот учил восхищаться красотой пейзажа, у юного Исаака стояли в глазах слёзы. Хотя уроки Саврасова были благотворны для всех его учеников, не случайно говорили, что именно Левитану он передал «тайну мотива». И уже в училище совсем молодому художнику удалось сказать новое слово в искусстве пейзажа.
Именно на ученической выставке появилась картина, показавшая значительность таланта юного художника – «Осенний день. Сокольники ». В этом небольшом полотне впервые прозвучали «левитановские» интонации, было достигнуто сочетание свободной и смелой, почти этюдной живописи и лирического, возвышенного настроения, которое будет отличать каждую картину мастера. Художник изобразил усыпанную осенними листьями аллею старого парка, по которой торопливо идёт женская фигурка в чёрном (она была написана другом и однокурсником Левитана Николаем Чеховым, братом знаменитого писателя). Поэзия осеннего увядания природы перекликается с чувством человеческого одиночества, печали. Картина получила высшую из возможных оценок: прямо с ученической выставки она была приобретена П. Третьяковым в его галерею.
Картины Левитана, начиная с ранних работ, словно говорят зрителю: в России нет броских, ослепительных видов, очарование её пейзажей в другом. Здесь всё требует неторопливого, вдумчивого, любовного взгляда. Зато внимательному зрителю откроется красота глубокая и одухотворённая. Русской природе несвойственны яркие цвета, резкие линии, чёткие грани: воздух влажен, очертания расплывчаты, всё зыбко, мягко, почти неуловимо. Однако пейзаж открывает взору простор, за которым угадывается ещё простор – и так без конца. Художник говорил: «Только в России может быть настоящий пейзажист».
В первые годы после окончания училища главным для Левитана стал этюд, написанный на пленэре. Своего высшего уровня пленэрные искания художника достигли в картине «Берёзовая роща». Здесь и в композиции, и в цветовом строе ощущаются приёмы импрессионизма. Точка зрения выбрана как будто случайно; стволы деревьев обрезаны рамой и наверху, и внизу; они словно разбегаются в глубину и в стороны. Крайние деревья мы видим боковым зрением, поэтому очертания их нечётки. Картина написана выявленным мазком, пастозно.
Поездка на Волгу изменила характер творчества Левитана. Образ великой русской реки надолго приковал его внимание, вобрав в себя размышления о судьбах людей, о России. Так появились картины «Вечер на Волге » и «Вечер. Золотой Плёс » (Плёс – небольшой город на Волге, ставший центром пейзажной живописи; сейчас там работает музей Левитана и проводятся ежегодные пленэры для художников со всей России). В картине «Вечер. Золотой Плёс» Левитан избрал высокую точку зрения, раскрыв широкую панораму реки, холмов, далей, небес. Здесь уже заложена идея полёта над землёй, которая воплотится несколько лет спустя в картине «Над вечным покоем».
Вскоре Левитан побывал в Париже, однако интерес к импрессионизму у него как раз в это время пропал. После возвращения в Россию он пишет свои лучшие большие картины, которые можно назвать «пейзажами настроения». Это «Тихая обитель », «У омута », «Вечерний звон », «Владимирка », «Над вечным покоем ». К художнику пришла слава и относительное материальное благополучие. Левитан сохранил свою привязанность к средней полосе России. Он много ездит, подолгу живёт в местах, отдалённых от Москвы. Работает на пленэре, а потом переосмысливает пленэрные этюды в мастерской.
Картины «Тихая обитель» и «Вечерний звон» связаны одинаковым мотивом. «Моделью» для них послужили сразу несколько архитектурных сооружений, которые художник соединил вместе и видоизменил. Монастырь на картинах отделён от суши водой, что обозначает иной мир, доступный не каждому: люди в нём сосредоточены, погружены в молитву, их быт и труд одухотворены, осенены высшим началом. Печать этой духовности, осмысленности и полноты повседневной жизни отныне будет лежать на всех левитановских пейзажах.
«Владимирка» стала одной из самых популярных картин у современников. Традиционная для русского пейзажа тема дороги, которая встречалась у Шишкина («Рожь») и Васильева («Оттепель») приобрела злободневную политическую окраску: по Владимирке гнали в Сибирь каторжников и поселенцев, осуждённых в том числе и за политические преступления. По обочинам её – кресты на могилах тех, кто не выдержал этого пути.
Картина «Над вечным покоем» замыкает круг произведений, посвящённых Волге. Художник отказывается от всякой злободневности. Его волнует ощущение ничтожности человека перед лицом величественной природы, Бога, судьба, неизбежность смерти. Он выбирает очень высокую точку зрения: в этой местности нет таких возвышенностей. Художник не стоит на земле, а парит над ней, свободно оглядывая окрестности и компонуя из отдельных элементов выразительный, запоминающийся, говорящий пейзаж.
Последний период творчества Левитана длился менее пяти лет. Он знал, что смертельно болен, и чувствовал себя всё хуже. Но именно в эти годы мотивы грусти редки в его картинах.
Одна из самых радостных картин – «Март ». Она соединяет свежесть этюда и фрагментарность композиции с повествовательностью, свойственной работам передвижников. И дело не только в пустых санях и открытой двери дачи, которые позволяют составить целый рассказ о хозяевах, приехавших после долгой зимы. Картина рождает чувство радости жизни, закономерности бытия природы, её движения по своему календарю.
«Золотая осень » гораздо более картинна, выстроена, в ней совсем нет фрагментарности. На создание картины художника воодушевила цветовая гамма, построенная на контрасте золотого и синего. В картине «Весна. Большая вода » Левитан соединил детализированный передний план и дали.
Кроме того, Левитан последних лет жизни стремится к лаконичности форм, к упрощению живописного языка, простоте мотива. У него появляется очень простой и популярный во французском импрессионизме (у К. Моне) мотив – стог сена. Левитан пишет стога чаще всего при вечернем освещении: «Стога. Сумерки ». Но вечер, конец дня осмысливается у него и символически.
Но главным делом для Левитана стало завершение большой картины, которая первоначально называлась «Русь ». После художник смутился столь громкого названия и изменил его на «Озеро». Картина должна была подвести итоги: понимания пейзажа и живописи, любви к России и её природе, итоги жизни художника. Композиция развёрнута в ширину и в глубину. Такого всеобъемлющего охвата пространства у Левитана ещё не было. «Озеро» сохраняет свежесть этюда и при этом разворачивает сложную цепь ассоциаций и размышлений. Картина не была завершена. Быть может, понимая, что она последняя, художник и не спешил с этим. Сейчас она носит двойное название: «Озеро. Русь».
Вопросы и задания
1. Почему пейзаж не сразу занял важное место в творчестве передвижников?
2. Перечисли имена мастеров пейзажа.
3. Какие качества и свойства отличают пейзаж передвижников?
4. Сравни пейзажи Саврасова и Шишкина. Какие качества русской природы преобладают у каждого из них?
5. Каким методом работал Архип Куинджи? Как это отличало его от других художников? Как ты считаешь, необходимо ли художнику при написании картины пользоваться этюдами?
6. Почему можно сказать, что судьба Исаака Левитана была одновременно печальной и счастливой?
7. Когда к Левитану пришёл первый успех? Благодаря какой работе?
8. Какие пейзажи Левитана связаны с Волгой?
9. Перечисли поздние работы Левитана. Какой постоянный для импрессионизма мотив он использовал.