ВВЕДЕНИЕ
Актуальность исследования. Исполнительская культура является неотъемлемой частью общей культуры юного скрипача, обучающегося в детской музыкальной школе. Уровень исполнительской культуры ребенка определяется мерой освоения им ценностей искусства и зависит от того, какую музыку он слушает, ходит ли он в театры, музеи, на концерты или выставки, какую художественную литературу читает и тд.
Исполнительская культура – это то качество музыканта, которое развивается в течении всей жизни, поэтому так важно заложить фундамент в самом начале обучения юного скрипача. Привить ему любовь к музыке, научить разбираться в ней – все это входит в обязанности педагога по специальности.
Процесс активного развития и формирования исполнительской культуры у скрипачей начинается с третьего года обучения, что соответствует средним классам музыкальной школы.
Высокий уровень исполнительской культуры – это один из аспектов успешного выступления артиста на сцене, поэтому так важно ее развивать и обогащать.
Объект обучение по классу скрипки в системе дополнительного образования.
Предмет процесс развития исполнительской культуры учащихся-скрипачей в системе дополнительного образования.
ГЛАВА 1. ТЕОРЕТИЧЕСКИЕ ОСНОВЫРАЗВИТИЯ ИСПОЛНИТЕЛЬСКОЙ КУЛЬТУРЫСКРИПАЧА
1.1. Сущность, содержание и компоненты исполнительской культуры скрипача
Музыкальная школа – это первая и самая важная ступень в развитии и становлении юного музыканта. Именно здесь детям прививают любовь к музыке, помогают сформировать музыкально-эстетический вкус и, самое главное, развить музыкальные способности.
В средних классах музыкальной школы начинается активное развитие исполнительской культуры начинающего скрипача. Любой музыкант, будь то пианист, певец или скрипач должен уметь извлекать полноценный звук, обладающий определенными выразительными качествами.
В наши дни, просматривается тенденция к снижению культурных и художественно-эстетических потребностей. Большая часть школьников ориентирована на низкосортный музыкальный контент, не отвечающий критериям художественности. Из-за привыкания к такого рода музыкальному содержанию у детей существенно искажено понятие культуры музыкального звука.
Понятие исполнительской культуры и культуры музыкального звука широко рассматривается в книгах, статьях, методических разработках российских и советских педагогов – Л.С. Ауэра, М.М. Берлянчика, А.В. Гвоздева, И.А. Гутмана, Й. Йордановой, Г.С. Турчаниновой, А.А. Ширинского, А.И. Ямпольского и др.
Исполнительская культура включает в себя ряд основных составляющих, таких как, интонация, нюансировка, фразировка, постановка игрового аппарата, правильная вибрация, владение штриховой техникой и т.д.
Начинающий скрипач со средними способностями зачастую не уделяет должного внимания оттенкам в исполняемой им музыке. Ребенок обычно думает, что игра правильного нотного текста – это все что нужно для успешного выступления, забывая, что такой тонкий музыкальный инструмент, как скрипка способен отразить множество нюансов, полутонов и граней звучания.
Монотонность для музыки характерна смерти. Нюансировка — антипод монотонности. Берлиоз сказал однажды: «Скрипка способна к множеству явно противоположных оттенков экспрессии. Она обладает силой, легкостью и грацией, передает мрачное и радостное настроение, мысль и страсть. Надо только уметь заставить ее говорить».
Нюансировка включает в себя такое важное понятие как громкостная динамика. Она занимает значительное место в списке средств музыкальной выразительности. Динамика, если ее рассматривать в понимании определенных изменений громкости звука, является эффективным художественно-выразительным средством влияния на слушателя вне зависимости от жанра произведения, его стиля художественных или технологических критериев исполнения.
Динамика – это одно из самых доступных для понимания средств музыкальной выразительности и может легко восприниматься слушателем, не имеющим специальной музыкальной подготовки, которая нужна, например, для того, чтобы постичь ладовые или гармонические особенности музыкального произведения. Вместе с тем, несмотря на свою кажущуюся простоту, динамика способна производить психологические и эмоциональные эффекты огромной силы.
Есть несколько видов динамики: выдержанная, постепенная, ступенчатая, контрастная, волнообразная.
Выдержанная или устойчивая динамика характеризуется максимально ровной выдержанной звучностью инструмента. Главное условие – выдержать указанный в нотном тексте уровень громкости (f, p, mf) без каких-либо изменений.
Постепенная динамика или восходящий и нисходящий динамический вид (crescendo, diminuendo) чаще всего имеет выражение в фразе, предложении или в целом периоде, создавая разнообразное по громкости звучание инструмента.
Ступенчатый вид динамики отличается от постепенной тем, что у него есть четкие градации увеличения или уменьшения громкости, то есть точное разграничение уровней громкости внутри музыкального периода (p, mf, f, mf, p) без промежуточных крещендо и диминуэндо. Такой вид динамики был широко распространен в произведениях композиторов эпохи Барокко. Он был особо популярен в секвенционном построении музыкальных фраз.
Контрастная динамика – это очень резкая, максимально широкая смена громкостной амплитуды. Такой вид характерен в большей степени для мотивного членения музыкального материала или выделения его фраз. Для контрастной динамики характерны следующие нюансы: акценты, сфорцандо, субито.
Волнообразный тип также относится к основным видам динамики. Для этого вида наиболее задействованы мотивные и музыкально-мелодические структуры. Регулярно чередующиеся динамические оттенки крещендо и диминуэндо в мотивной основе интонационного строения перерастают во фразу. При этом динамическая вершина каждого волнообразного построения постепенно увеличивается, отображаясь в громкости звучания инструмента.
Фраза в музыке так же, как и предложение в книге имеет большую смысловую нагрузку. Фразировка – сложное понятие, так как подразумевает, как внутреннее членение, так и объединение фраз в единое целое, а также сквозное развитие художественного образа всего музыкального произведения. В разговорной речи, чтобы разграничить предложения используют знаки препинания. В музыке эту роль выполняют цезуры, выявляющие начало и конец фразы, а также более или менее тесную взаимосвязь двух смежных фраз.
Лишь после того, как определены границы фразы и ее кульминационные точки, исполнитель получает надежный ориентир в вопросе применения динамических и агогических оттенков – основных факторов выразительной интерпретации. Без этого исполнение уподобится чтению по складам, что вкупе с акцентированием тактов создает впечатление мертвящей монотонности. Работу над фразировкой следует начинать с самого начала работы над музыкальным произведением.
Мелодия подобна плавно изгибающейся линии, в которой есть опорные точки, к которым она стремится и которые ее характеризуют. Краткий звук мотива может быть подъемным или относится к предыдущему построению. Чтобы это понять нужен гармонический разбор: если такой звук является разрешением диссонанса или гармонически относится к предыдущей фразе – значит это ее заключение; если такой звук является началом новой фразы – естественно играть его как подъем.
Понятие интонации можно рассматривать как в узком, так и в широком смысле. Начинающие скрипачи определяют этот термин однозначно – это или чистая, или фальшивая игра. Однако интонацию можно определить как процесс выявления человеческого сознания в специфических формах музыкального искусства. Работа над интонацией должна подчиняться четкой системе, так же, как и работа над динамикой, техникой ритмом и т.д. Верная интонация вырабатывается в результате обострения музыкального слуха, болезненно воспринимающего фальшь.
Для чистого интонирования необходимо, во-первых, активизация музыкального слуха, развитие внутреннего слуха, а также возможность так называемого предслышания. Это означает, что юный скрипач должен не только обнаруживать и исправлять фальшивую интонацию, но и заранее представлять, как должна звучать нота и заранее направлять пальцы, стараясь играть чисто. Во-вторых, это мастерство левой руки, ловкость пальцев, хорошее владение грифом, знание позиций, интервалов, хроматизмов.
Одно из самых главных условий чистой интонации – это хорошо настроенная скрипка. На начальном этапе обучения педагог сам настраивает инструмент, затем обучение настройке должно стать частью урока.
Развивать слух на начальном этапе обучения можно с помощью пения и сольфеджирования. В средних классах этот вопрос становится более глубоко, так как у некоторых учащихся с хорошим слухом страдают неустойчивой интонацией на инструменте.
Педагог по специальности должен воспитывать в своих подопечных навыки самоконтроля и требовательность к себе. Если интонация чистая, то, попадая в обертоны, звук на скрипке получается ясный и звенящий. Тусклый и блеклый звук получается, если интонация не точная.
Постановка игрового аппарата – одна из самых важных тонкостей игры на скрипке. Правильное положение тела в пространстве включает в себя постановку рук, оптимальное положение корпуса и ног. Постановку можно выработать за полгода, но, как показывает практика, ее коррекция идет в течение всего периода обучения в музыкальной школе.
Есть несколько типичных недостатков в положении корпуса при игре на скрипке. Например, поворот туловища по отношению к ногам влево приводит к зажатости лопаток и бёдер, что вызывает утяжеление и зажатость рук. Другой недостаток – сгорбленное положение спины. В этом положении головка скрипки смотрит вниз, плечо и локоть прижаты к туловищу и существенно стеснены в движении.
Однозначно постановка и левой и правой руки влияет на исполнительскую культуру.
Принцип свободы и экономии движений в левой руке должен быть положен в основу работы над скрипичным аппаратом у каждого ученика, потому что наилучших результатов можно достичь лишь при наименьшей затрате мышечной энергии. Правильное положение руки содействует достижению меткости и точности движений пальцев.
Чтобы обеспечить мобильность левой руки достаточно легкого давления головы на подбородник, это исключает соскальзывание скрипки с выступа ключицы. Можно использовать подушечку или мостик, чтобы заполнить расстояние между скрипкой и плечом – это не только существенно снизит зажатость, но и добавляет свободу движений.
Скрипичная педагогика насчитывает более трехсот лет, однако самый действенный способ овладеть техникой левой руки – это проигрывание гамм и специальных упражнений. Именно они придадут свободу действий, силу и особую гибкость. Причем такие занятия развивают у детей силу воли и самодисциплину.
Ведение смычка – это согласованные движения всех частей правой руки: лопатки, плеча, предплечья, кисти, пальцев, а также нескольких суставов, которые соединяют все эти части. Только все движения в совокупности способны обеспечивать ведение смычка по прямой линии. Игра на скрипке при максимально освобожденных мышцах правой руки, предполагает использование в звукоизвлечении естественного веса смычка и руки.
Полноценный, сильный звук рождается в результате оптимального контакта между хорошо натертым канифолью смычком и струной, а не за счет примитивного усиления давления на смычок. Для выражения эмоционального состояния исполнитель может пользоваться сразу несколькими средствами музыкальной выразительности – это может быть вибрация, глиссандо и т.д. Однако, главное условие выполнения всех поставленных художественных задач – ведение смычка, так как все динамические и агогические оттенки, такие как крещендо, диминуэндо, аччелерандо и др., которыми исполнитель воздействует на публику исполняются правой рукой.
Есть несколько способов держания смычка, но при любом из них следует это делать без напряжения и достаточно цепко и прочно. Следует отметить, что каждый ребенок держит смычок немного по-своему, исходя из особенностей строения руки.
Исполнительская культура также включает в себя понятие вибрации. О.М. Агарков – советский скрипач, дирижер и педагог определяет ее как небольшие периодические колебания высоты, а также громкости. Вибрация придает музыкальному звуку новую тембровую окраску – теплоту, динамику или эмоциональное напряжение.
Есть несколько видов вибрации – пальцевая, кистевая, локтевая и смешанная. Тот или иной вид применяется в зависимости от того какого эффекта необходимо достичь. Для музыкальных произведений разных эпох применяется свой вид вибрато.
Работая над вибрацией следует стремиться к свободе движений и минимальной затрате мышечной энергии, а также контролировать частоту и широту колебаний. Также важно смотреть за тем, чтобы рука двигалась параллельно грифу, не расшатывала сам инструмент и не создавала помех для равномерного движения смычка.
Вибрацию осуществляют три части руки: пальцы, кисть и предплечье. Колебание только одного пальца даст достаточно мелкое вибрато, но, если подключить кисть получатся гораздо более широкие движения.
На характеристики вибрато влияют несколько факторов: регистр, темп и динамика. Например, в нижнем диапазоне амплитуда колебаний будет шире, и иметь меньшую частоту, чем в верхнем диапазоне, где амплитуда будет меньше, а частота колебаний возрастет. Вибрация происходит по большей части подсознательно, ей руководит душа вместе с эмоциями и настроениями.
Не у всех учащихся получается сразу правильно вибрировать на инструменте. Причина может быть в скованности движений левой руки или в судорожном зажиме шейки скрипки между большим пальцем и основанием указательного. Исправлять эти недостатки можно и нужно с помощью различных упражнений, которые подбираются под каждого ученика.
Еще одной составляющей понятия исполнительской культуры является владение штриховой техникой. Штрих на скрипке – это конкретная форма движения смычка, которая дает нужный звуковой результат для воплощения данного художественного намерения.
Как только ребенок научился держать смычок, он постепенно начинает овладевать штрихами, сначала самыми простыми, протяжными, такими как деташе и легато. Потом появляются более сложные маркированные штрихи – мартле, стаккато, пунктирный штрих, прыгающие – спиккато, соттийе, рикошет, тремоло и др.
Скрипичные смены тоже можно отнести в раздел исполнительской культуры. Хорошее соединение смычков обеспечивают скрипичному звуку его самую привлекательную особенность – певучесть. Именно в средних классах у юных музыкантов скрипачей повышается восприимчивость слуха к динамической и тембровой стороне звучания, происходит активное развитие эмоционального начала в исполнении, а также общее укрепление исполнительского аппарата, вырабатывается самоконтроль.
Переходы смычка со струны на струну могут осуществляться по-разному, все зависит от темпа, направления движения смычка и направления мелодии. Когда движение мелодии идет легато вверх, а смычок вниз необходимо использовать не ступенчатую, а плавную смену струн. Это можно достичь с помощью постепенного, непрерывного опускания плеча и запястья. Таким образом совершает плавное движение не «спрыгивая» со струны на струну, а соскальзывая, как по перилам вместо ступенек лестницы. Плоскость ведения смычка на каждой струне не фиксируется, она постепенно изменяется, таким образом смычок незаметно касается следующей струны. При движении в другую сторону все происходит точно также, но в обратном порядке.
В быстром темпе смена струн исполняется небольшим отрезком смычка в его средней части. В правой руке происходит одно общее движение вверх и вниз.
Важно следить за тем, чтобы в плече и в кисти не было зажимов, а все движения правой руки были пластичными, мягкими и не напрягали суставы.
Регулирование скорости движения смычка, иными словами, распределение смычка имеет большое значение для ровности звучания. Малейшее неравномерное ускорение делает звук громче, что противоречит понятию равномерного звучания. А также есть риск «задохнуться» к концу вследствие нерасчетливого ускорения смычка вначале.
Цель занятий с детьми в музыкальной школе заключается в том, чтобы дать им начальное понимание о том, что такое исполнительская культура и что она в себя включает множество различный понятий, которые важно воплотить в процессе игры на музыкальном инструменте.
В настоящее время опубликовано довольно много работ, посвященных развитию и формированию исполнительской культуры. Этот термин достаточно разнообразный и сложный, поэтому не имеет однозначного определения в научной литературе.
Однако, есть несколько критериев, которые выступают как условия формирования исполнительской культуры:
1. Критерий познания (интерес к постижению конкретного вида исполнительской деятельности, а также умение оценивать уровень своей культуры звука).
2. Практический критерий (способность к систематическим занятиям на инструменте, которые будут направлены на совершенствование игрового мастерства; самоанализ своей исполнительской деятельности; умение применять теоретические знания, полученные на уроках сольфеджио, в игре и разборе скрипичных произведений).
3. Эмоциональный критерий (способность создавать свое видение того или иного музыкального произведения на основе индивидуального художественного опыта; демонстрация артистизма, свободы самовыражения и исполнительской воли.
Таким образом, исполнительскую культуру можно определить, как совокупность личностно-значимых качеств, проявляющихся в процессе творческой музыкальной деятельности.
Педагог, развивая исполнительскую культуру ребенка, делает это с учетом его индивидуальных особенностей, принимая в расчет уровень его музыкальных способностей. Исследования Э.А. Голубевой показали, что способности каждого ученика тесно связаны с его личными, уникальными характеристиками, такими как эмоциональность, темперамент, стрессоустойчивость, память, интеллект, типологические особенности нервной системы (сила – слабость, активность – инертность и тд.).
Чтобы адекватно решить вопрос о мере одаренности ребенка и его пригодности к специальному обучению необходима комплексная оценка всех свойств его нервной системы, а также диагностика скрытых природных задатков, тем более в сфере музыкального образования, где имеет место ранняя профессионализация. Такую диагностику можно выполнить на специально организованных подготовительных занятиях.
На таких дополнительных занятиях важно отличать разный характер скрипично-исполнительских способностей, связанных с отдельными элементами мастерства – звуком, кантиленной игрой, точностью интонирования, штриховой артикуляцией, вибрированием, моторикой и тд. Процесс развития каждой из этих способностей обусловлен специальными задатками и нуждается в создании адекватных функциональных систем, все это должно быть осмысленно в теории учтено в практике.
Американские ученые вывели несколько критериев по которым можно выявить степень одаренности детей в музыкальной сфере: ребята проявляют повышенный интерес к музыкальным занятиям, тонко реагируют на смену характера и настроения музыки, с легкостью повторяют разнообразные ритмические рисунки, с первых нот узнают знакомые мелодии и подпевают им, без труда определяют какой из предложенных звуков выше или ниже.
Примечательно, что критерий звуковысотного различия звуков стоит на последнем месте – это отражает распространенную на сегодняшний день точку зрения о возможности значительного развития звуковысотного слуха.
Следует заметить, что в современной практике приема в музыкальные школы редко обращают внимание на проверку тембровой составляющей. А между тем, тембральные качества слуха необходимо учитывать при выборе инструмента для обучения. Возможно, в каких-то случаях, ребенок был бы более успешен в обучении на альте или виолончели, а не на скрипке.
По мнению американских психологов, творческая одаренность ребенка может проявляться в таких признаках: любознательность, пытливость, погружение любимое дело, стремление к самостоятельности, изобретательность и тд. Такие дети стремятся довести дело до логического конца, особенно это выражается на занятиях прикладного характера.
Двигательные способности выражаются в любви к разного рода движениям: бегу, прыжками и тд., занятиям, требующих тонкой и точной моторики; в интересе к любой деятельности. Такой ребенок с легкостью управляет своим телом: держит равновесие, свободно осуществляет движения от медленного и плавного до быстрого и резкого, хорошо маневрирует.
Высокий уровень общей художественной одаренности устанавливает образно-ассоциативные связи с музыкально-слуховой сферой на интуитивном уровне. Детям со средним уровнем одаренности требуется сознательное обращение к разным художественным и жизненным ассоциациям, которым требуется сопровождать процесс музыкально-исполнительского развития начинающего скрипача.
Сценическое волнение может не лучшим образом сказаться на исполнительской культуре. Оно бывает настолько сильным, что может исказить результаты огромной работы. Поэтому, на уроках по специальности важно уделять внимание деятельности по укреплению и тренировке психического состояния учеников, выработке умений и навыков преодоления нервного перенапряжения перед ответственным выступлением.
Один из самых известных приемов преодоления предконцертного волнения – аутотренинг. Аутотренинг (аутогенная тренировка) – это техника самовнушения, позволяющая человеку самостоятельно снять нервное и мышечное напряжение. Методы аутотренинга помогут настроиться на более спокойный и душевный тон, откинуть тягостные мысли, сомнения, и всяческие опасения.
Суть аутотренинга заключается в настройке самого себя путем проговаривания лаконичных утвердительных фраз: «я могу», «я спокоен», «все будет хорошо», «у меня все получится» и т.п.
Некоторые музыканты-профессионалы успешно сочетают аутотренинг и дыхательные техники. Глубокое дыхание является одним из лучших способов снижения напряжения, оно влияет на весь организм и дает ему сигнал расслабиться.
Чтобы показать максимум своей исполнительской культуры во время выступления важно достичь психологического подъема перед выходом на сцену. Волнение-подъем – это идеальное предконцертное состояние, оно сопровождается легкой эйфорией, нетерпеливым желанием скорее выйти к публике, мысленным планированием своего исполнения и т.д.
Следует всеми силами избегать таких деструктивных состояний как волнение-паника и волнение-апатия.
Волнение-паника может сопровождаться суетливостью движений, отсутствием сосредоточенности, тревожностью, потеющими ладошками. Волнение-апатия – это наоборот угнетенное и подавленное состояние, когда цель и содержание выступления уходят на второй план, а в голове крутятся мысли о скорейшем окончании мероприятия.