Этот музей устойчиво входит в четверку самых посещаемых музеев города. Он включен в список интересных достопримечательностей крупнейшего путеводителя в мире Lonely Planet, отмечен National Geographic в пятерке петербургских музеев, обязательных к посещению. Также по мнению туристического портала TripAdvisor, Эрарта вошла в десятку лучших музеев России.
Эрарта — это частный и первый музей современного искусства в Санкт-Петербурге. Он находится на Васильевском острове. Его название расшифровывается как «эра арта» то, есть «эра искусства». Музей открылся 30 сентября 2010 года, и с этого момента в его стенах началась интересная и насыщенная жизнь — выставки, экскурсии, образовательные мероприятия и многое другое.
Музей Эрарта располагается в пятиэтажном здании, возведённом в1951 году, в стиле сталинского неоклассицизма [Приложение, рис. 1]. Первоначально здание строилось для райкома партии, но в советское время здесь размещался Всесоюзный НИИ синтетического каучука имени С. В. Лебедева. Символично что, рядом находится Санкт-Петербургский государственный академический художественный лицей им. Б.В. Иогансона Российской академии художеств (СХШ) — первое в стране детское среднее специальное художественное учебное заведение, который я закончила в1984 году. Адрес музея — Санкт-Петербург, Васильевский остров, 29-я линия дом 2.
У входа в Эрарту посетителей встречают две статуи, объясняющие название музея — фигуры богинь Эра (Era) и Арта (Arta), созданные скульптором Дмитрием Жуковым, выпускником кафедры металла Санкт-Петербургской Государственной Художественно-промышленной Академии имени А.Л. Штиглица, по заказу Эрарты [Приложение, рис. 2]. Статуи Жукова выполнены в виде мифологических крылатых существ, причем в образе одной из них угадывается силуэт Ники Самофракийской. Материалом для инсталляций служат деформированные стальные полосы. Колоссы провозглашают наступление «Эры Арта» и символически отражают содержание музея, где представлены как традиционные, так и экспериментальные произведения искусства. Внутри здание основательно перестроено. В интерьерах Эрарты использован wall-art — авторская настенная живопись. На первом этаже располагается грот, где основной лейтмотив — сочетание красного и серого. Помимо стойки ресепшена на первом этаже находится gift shop, книжный магазин с широким выбором изданий об искусстве и магазин принтов и жикле, которые создаются в мастерской музея. Также в интернет-магазине репродукций картин современных художников Erarta Shop можно онлайн купить репродукции работ из коллекции Эрарты. Мастерская Эрарты создаст копию любой картины коллекции музея в техниках принт, жикле и премиум-жикле, в необходимом масштабе и оформит ее по желанию клиента. Вся выручка интернет-магазина Erarta Shop, идет на развитие проекта Эрарта.
Эрарта музей, современно представляющий современное искусство. Нет смотрителей, много мультимедийных уголков, чисто, просторно. Побывать в Эрарте стоит, даже если вы не относите себя к поклонникам современного искусства. В музей я шла с некоторым опасением, но в итоге получила массу эмоций и самые положительные впечатления. Если и постигать непростое современное искусство, то здесь!
Во время посещения музея, приятно радует разрешенная фотосъемка без фотовспышки и разные остроумные тексты к картинам. Перемещаться между этажами можно по лестнице или с помощью современного лифта с просторной прозрачной кабиной. Осматривать залы можно совершенно свободно, двигаясь в произвольном направлении и ориентируясь при помощи выдаваемого каждому посетителю плана музея [Приложение, рис. 3]. Между Музейным крылом и временными экспозициями есть только два перехода — на первом и на третьем этажах. В переходе третьего этажа можно посмотреть видеоинтервью с художниками, порисовать на интерактивном экране, отдохнуть в кафе. В галерее третьего этажа находятся «СоТы» — боксы [Приложение, рис. 4], в которых каждый желающий может выставить то, что для него важно. В Эрарте несколько кинозалов. В одном из них (на третьем этаже) показывают «Изоанимацию» – ожившие картины, анимация по мотивам живописных полотен. В другом — образовательный мультфильм об искусстве «Чёрный квадрат» (2014).
Хочется отметить, — уважительное отношение персонала к посетителю и потрясающе комфортную, приветливую атмосферу, четкую организацию экспозиции, продуманную система освещения, пояснения на русском и английском языке. В одном крыле здания находятся работы из постоянной коллекции музея, в другом крыле проводятся временные выставки, до сорока выставок в год, которые полностью обновляются примерно раз в 2–2,5 месяца. Поэтому возвращаться в музей хочется снова и снова.
Музей современного искусства Эрарта позиционирует свою миссию как — находить, изучать, коллекционировать и популяризировать творчество талантливых художников современной России. Таким образом, музейная экспозиция дает возможность увидеть работы как признанных мастеров, так и еще не известных, но вполне соответствующих мировому уровню авторов, обладающих самобытным талантом и оригинальным стилем. Особое внимание музей уделяет работе с молодыми художниками и поиску новых имен. Многие из них со временем найдут международное признание, но в Эрарте их творчество зритель может открыть для себя уже сейчас. Для меня, например, стало приятно и в то же время, неожиданно встретить работы своего школьного преподавателя Латифа Казбекова [Приложение, рис. 5]. Он пришёл преподавать в СХШ когда я училась там в девятом классе. После посещения Эрарты чувствуется волна вдохновения, хочется творить самому, и надолго осталось приятное «послевкусие». В музей можно зайти как после работы, чтобы расслабиться и отдохнуть, так и с друзьями на выходных, чтобы получить заряд творчеством на неделю вперед.
Экспозиция Эрарты размещается на площади 10000 кв. метров и представляет работы российских мастеров, созданные в период с 1945 года по настоящий день. Все они относятся к contemporary art, что в переводе с английского означает «современное искусство». В постоянной экспозиции музея собрано более 2800 работ современных художников. Среди них не только живопись, графика и скульптура, но и инсталляции, видео-арт и работы нового вида искусства science art. Основу коллекции Эрарты составляют работы петербургских художников. Однако музей ищет таланты по всей стране, периодически пополняя свою коллекцию, сотрудничает с художниками, работающими в разных регионах России и представляющими разные поколения и направления в изобразительном искусстве. Наиболее известные мастера современного искусства, представленные в музее — Завен Аршакуни, Вячеслав Михайлов, Владимир Духовлинов, Владимир Овчинников, Елена Фигурина, Валерий Лукка, Ринат Волигамси, Александр Дашевский, Владимир Мигачев, Владлен Гаврильчик, Николай Копейкин, Петр Горбань, Андрей Рудьев, Евгений Ухналёв.
У музея Эрарта удобное расписание работы— понедельник, среда–воскресенье 10:00 – 22:00. Выходной — вторник. В музее есть возрастное ограничение — это 6+. Стоимость билетов в музей Эрарта и способ покупки вариативны. В 2020 году стоимость составляет:
¾ Полный билет – 600 рублей
¾ Обзорная экскурсия с аудиогидом, рассчитанная на 2,5 часа, – 200 рублей
¾ Фото и видео съемка бесплатно, без вспышки и штатива
¾ Скидки для лиц от 2 до 21 года и старше 60 лет только на абонементы на 1 год
¾ Эрарта предлагает также выгодные Абонементы. Например, за 1000 рублей гость получает право неограниченного посещения музея и всех временных выставок в течение двенадцати месяцев, экспресс-проход, скидку 10 % в ресторане, кафе и магазинах. Есть Семейные абонементы и абонементы на два года. Визит в музей Эрарта можно спланировать заранее, купив билет на 1 день или Абонемент онлайн. Электронный билет действителен в течение 30 дней с момента покупки и позволяет быстро пройти в музей, минуя возможные очереди. Все цены можно посмотреть на нашем сайте: www.erarta.com/ru/visit/tickets
Я для себя оформила годовой именной абонемент [Приложение, рис. 6].
Музей Эрарта - это площадка современного искусства, где порой не всегда понятно, что этим хотел сказать автор. Поэтому, для тех, кто хочет лучше разбираться в современном искусстве, по Музейному крылу, в котором находится постоянная экспозиция, ежедневно (кроме вторника) в 12:00, 16:00 и 19:00 проводятся часовые обзорные экскурсии. Самостоятельным посетителям рекомендуется обращать внимание на описания объектов. К примеру, без объяснения не так просто понять смысл произведения science art «Модель биполярной активности» [Приложение, рис. 7].
Часть выставок и инсталляций доступна только по отдельному билету. Информацию о проводимых выставках и мероприятиях надо уточнять на официальном сайте — www.erarta.com
Наряду с традиционными видами просветительской деятельности музеев: выставки, экскурсии, лекции, различные формы работы с детьми и школьниками, издание путеводителей, каталогов, монографий, музей Эрарта предлагает нестандартный подход к знакомству с современным искусством. Так, посетителям предлагаются приключенческие игры и соревнования, мастер-классы и ночная экскурсия с фонариком, костюмированное чаепитие и дискотека в наушниках. Все эти познавательно-развлекательные программы представляют современное искусство с новой точки зрения и позволяют воспринимать его совсем иначе. Так же в Эрарте можно встретиться и с современными технологиями, и со смелыми экспериментами, и подчас с шокирующими объектами contemporary art. Например, пройдя через большой зал первого этажа, посетители выходят к комнатам U-space (ю-спейс) — уникальный арт-объект, который на 15 минут становится вашим индивидуальным пространством... Тотальные инсталляции U-space погружают гостей в определённую атмосферу посредством света, звуков и запахов. Особой популярностью пользуется «Вишнёвый сад». Для каждого U-space надо покупать отдельный билет на ресепшен.
Эрарта — один из немногих музеев Санкт-Петербурга, в программу которого входит не только поддержка искусства, но и создание собственных творческих проектов. Эрарта воплощает свои идеи в сотрудничестве с художниками, а также всеми желающими принять участие в творческом процессе. Среди реализованных проектов тотальные инсталляции U-Space, «Театр без актеров», «Озвученные истории картин», «Изоанимация», «Изолитература». Проекты Эрарты приближают современное искусство к широкому зрителю, позволяют каждому найти в нем для себя нечто важное и интересное.
Так же, 30 июня 2015 года Эрарта стала частью Google Art Project — уникального виртуального проекта, благодаря которому миллионы пользователей со всего мира могут заочно «посещать» музеи и галереи, расположенные за тысячи километров от них.
На первом этаже представлена керамика Владимира Сахненко (1930-2008). Эти произведения были выполнены в разные годы, с 1980-х по 2000-е. Глиняные вазы, амфоры, «античные» головы, причудливые рыбы и лягушки, рельефы с образами фантастических существ, — всё это напоминает артефакты какой-то древней африканской или восточной цивилизации. [Приложение, рис. 8].
Рядом можно увидеть картину Алексея Штерна «Крещение» (2006). Художник обратился к библейскому сюжету, и это не так уж необычно: вокруг было еще несколько картин на подобные же темы. Довольно необычен выбор материала: Алексей Штерн рисует по оргалиту, накладывая на него слой гипса, который затем растрескивается, создавая имитацию складок и морщин на лицах. Выходя за пределы холста, художник показал переход в высшие сферы, где царит Святой Дух. Голубь действительно парит за рамой. Река Иордан представлена в виде вертикали, в символике креста горизонтальная перекладина обозначает путь земной, а вертикальная — духовный. Иоанн Креститель твердо стоит на земле, его нога изображена прямо на раме, а робеющий Христос, которому предстоит навсегда покинуть этот земной мир, пребывает в духовном, вертикальном, водном пространстве. [Приложение, рис. 9].
Я для себя отметила, среди других экспонатов, работу Александра Загоскина «Адам и Ева. Память земли» (1991). Разделенная пополам многослойная картина запоминается яркими солнечными всполохами на телах Адама и Евы, помещенными на фрагментарном фоне с потрясающими оттенками синего. Адам и Ева изображены в классической манере, но на сложном фоне, сквозь который можно разглядеть детали райского сада и фрагменты насыщенного синего цвета. Сам Загоскин говорил о своих принципах: «Если абстрактная живопись не откладывается внутри, не базируется на реальности, не затрагивает какие-то изгибы души, то это не абстрактная живопись. Тогда это просто мазня» [Приложение, рис. 10].
В экспозиции Эрарты много ангелов хороших и разных: эта тему часто привлекает современных художников и скульпторов. Меня впечатлила объемная металлическая скульптура «Ангел», к сожалению, имя художника, осталось невыясненным. Этот ангел замечателен тем, как художник играет с пространством: если посмотреть на композицию с одного ракурса, видишь только хаотичное и довольно уродливое нагромождение металлических контуров, но если взглянуть на эти угловатые линии фронтально, оказывается, что перед тобой самый настоящий ангел, нежный и изящный, как витражный рисунок. Такое вот поразительное превращение [Приложение, рис. 11].
В следующем зале нас встречает инсталляция, не для «слабонервных»: человека придавило гигантской L-образной фигурой из игры в тетрис. Глядя на безжизненное тело, можно не на шутку, испугаться! Это инсталляция под названием «Game over » московского художника Сергея Лакотко сделана в назидание любителям компьютерных игр и социальных сетей, напоминая о взаимопроникновении реальной и виртуальной действительности, как предупреждение о том, что виртуальный мир может сыграть роковую роль в жизни человека[Приложение, рис. 12].
Далее начинается довольно обширная экспозиция творчества Юрия Татьянина, которого называют одним из самых эпатажных современных художников. Может, это и не эпатаж, но хулиганство точно. Сам художник скромно называет себя «гением земли Липецкой». Работы Татьянина (или ТЮНа) особой тонкостью не отличаются, зато очень жизнерадостны. Стиль его можно определить как ироничный примитивизм. Специалисты утверждают, что художник Юрий Татьянин является нонконформистом и отчаянно и безнадежно борется со всем общепринятым в российской глубинке. При должной подготовке в его грубоватых образах можно, как говорят, уловить «человечность и боль», «наивность и нежность».
Вообще Юрий Татьянин не имеет художественного образования. Считается, что его «университетами» были заборные граффити и альбомы по современному искусству. Он родился в 1963 году в Липецке, закончил машиностроительный техникум, затем работал машинистом сцены, а с 1991 по 2006 год занимался книжным бизнесом. Называть себя художником Татьянин начал с 1993 года.
Художественные достоинства его произведений критики оценивают неоднозначно, но у простого зрителя картины Татьянина, как правило, находят отклик, тем более что произведения часто раскрывают популярную тему алкоголя. Его образы отображают нашу родную российскую действительность в сатирической форме. Также ТЮНу нравится в своей неповторимой манере изображать героев современного искусства: Малевича, Ван Гога, Гогена. Вот, например, «Автопортрет с Малевичем и Ван Гогом» (2006), нарисованный, между прочим, масляными красками, но на холсте, а по ковру [Приложение, рис. 13].
Картина «Минздрав предупреждает» (2007) [Приложение, рис. 14] с белой повязкой на ухе неизвестного персонажа позволяет предположить, что здесь изображен всё тот же Ван Гог. В конце концов, именно по инциденту с ухом голландец более всего известен широкой публике. В данном случае Ван Гог, который действительно пил, курил и имел психические отклонения, «помещен в советский алкогольный дискурс» и держит в руке граненый стакан. Вокруг фигуры Ван Гога на холст наклеены плюшевые обезьянки, что еще больше приближает персонажа к Венечке и смешивает Арль с Петушками. Обезьянки вызывают ассоциации с ангелами из поэмы Венедикта Ерофеева. «Да мы знаем, что тяжело, — пропели ангелы. — А ты походи, походи, легче будет. А через полчаса магазин откроется: водка там с девяти, правда, а красненького сразу дадут».
Рядом представлены картины Татьянина «Черная Венера» (1993) и «Одинокий ужин» (2007) [Приложение, рис. 15]. Последнюю сопровождает очаровательная инсталляция в виде бутылки водки, стакана и соленых огурцов. Водка и огурчики — самые настоящие и регулярно обновляются. Любой посетитель музея может выпить и закусить, чтобы искусство воспринималось еще лучше.
В этом же зале очень позабавила инсталляция «Ты — картина» [Приложение, рис. 16]. Выглядит это так: в одном углу выставочного зала вместо настоящей картины повешен экран, на котором транслируется видеосюжет о посещении «Эрарты». Показано, как человек переходит от картины к картине, перед какими-то останавливается с озабоченным видом, а затем обращает внимание на «картину», которой являешься ты, и начинает разглядывать ее. При этом на лице у него отражаются разные эмоции. После чего он из зала выходит, а через какое-то время на экране показывают другого посетителя галереи.
Рядом вывешены картины совсем другого настроения, мрачного и тревожного: «Ожидание» (2007), «В казино» (2007) и «Идущий» (2002). Их создатель — художник Михаил Павленин[Приложение, рис. 17], который окончил искусствоведческий факультет Института имени Репина, в настоящее время живет и работает в Петербурге. Классическое рисование с его каноническими принципами светотени он всегда ненавидел и творил по-своему. А теперь самобытные композиции Павленина находятся в собраниях Русского музея и частных коллекциях. Персонажи художника — странные существа, напоминающие полумертвецов: изувеченных калек или пораженных болезнью людей. Так, улыбка игрока на картине «В казино» оборачивается оскалом черепа, обтянутого пожелтевшей кожей.
Картина Андрея Рудьева «Менины. Отражение» (2010) [Приложение, рис. 18], воспроизводит известное полотно Веласкеса «Менины», только вписанное в овал и искаженное при помощи компьютерной программы. Тем самым показано, что «душа», присутствующая в первоначальном произведении, никуда не делась, поскольку настоящему искусству не страшны никакие технические революции. Попутно заметим, что «Менины» не впервые становятся объектом разного рода экспериментов: известны, например, вариации Пикассо на тему «Менин». Кроме того, в 2010 году в «Эрарте» прошел проект «и..Менины», на котором более 30 петербургских художников представляли свои вариации на эту же тему.
Также в экспозиции первого этажа представлены работы Евгения Саврасова — парная группа металлических скульптур: «Адам (автопортрет») и «Ева (портрет Майи)» (1992) [Приложение, рис. 19]. За Саврасовым уже давно закрепилась слава авангардиста и ниспровергателя канонов реализма. Для своих инсталляций Саврасов, подбирает самые обыкновенные повседневные предметы: образы героев сложены из сантехнических деталей, клинка лопаты и прочего металлического мусора. За исключением этой композиции, в собрании «Эрарты» представлены в основном картины Саврасова, в которых он предпочитает примитивистские формы и в основном работает локальным цветом, не стремясь буквально повторять действительность. Его необычный стиль получил признание: работы художника находятся в фондах Ставропольского Краевого музея изобразительных искусств и в частных собраниях.
В работе «Метро. Эскалатор» (1985) Арон Зинштейн отразился присущий его творчеству «авангардный наив» и экспрессионизм. Недаром этот художник с удовольствием собирает детские рисунки и так ценит непосредственность и свободу живописи, отсутствие привязок к академической школе. Для него важнее всего изобразить натуру не статичной, мертвой, а живой, движущейся. Зинштейн часто изображает самые будничные сюжеты: уличные праздники или люди, спешащие по улицам Петербурга. В картине «Метро. Эскалатор» он показывает еще подобный момент повседневной жизни большого города, его плотоядную глотку, поглощающую и извергающую пассажиропотоки. Доминирующие в композиции черно-красные тона пышут жаром и обдают адским пламенем. Это не единственный созданный Зинштейном образ Петербурга — города, где он сегодня живет и работает. Зинштейн известен не только как живописец, но и как график: множество книг российских и зарубежных классиков изданы с его иллюстрациями.
Особым настроением отмечена картина «Летающая тарелка. Осенний день в Царском Селе (Вид с Камероновой галереи)» (1992). Ее автор — известный художник Анатолий Заславский, которого называют живым классиком петербургской живописи. В «Эрарте» можно увидеть целый ряд работ этого автора. Главное, что отличает картины Анатолия Заславского — раскованность, жизнерадостность, любовь к цвету, трепетное отношение к самым обычным предметам и деталям. Его живопись нескучна, свободна от академической строгости, но при этом легко воспринимается и прекрасно передает прелесть преходящего мгновения. Анатолий Заславский ─ прекрасный портретист и пейзажист, работы которого находятся в Русском музее и многих других собраниях.
Феликс Волосенков воскрешает образ древнего славянского бога Волоса (Велеса) в работе «Явление бога Волоса в виде зарождающегося космоса» (2007). Работа выполнена в «смешанной технике», а именно использованием таких необычных материалов, как губка или поролон. Когда подходишь вплотную к этому «масленичному блину», ощущаешь мягкую, объемную фактуру материала, дополняющую впечатление от солнечных оттенков самого существа. В своем творчестве и в этой работе, в частности, считая любой предмет видимого мира проявлением этого языческого божества. Бог Волос является неизменным персонажем работ экспрессиониста Волосенкова. Рядом можно увидеть гораздо более раннюю картину Волосенкова, «Свердловская Венера» (1967). Женщина, парящая на зеленом одеяле над смутным городским пейзажем, выглядит как распускающийся в ночи цветок. Всё ее тело будто составлено из всполохов, возможно, олицетворяющих цветные сны героини [Приложение, рис. 20].
На этом же этаже можно увидеть многочисленных слонов художника-хулигана Николая Копейкина. Копейкин не является профессиональным художником и рад этому. С 1999 года Николай Копейкин сотрудничает с рок-группой Н.О.М., а с 2002 год является лидером художественного объединения КОЛХУи (Колдовские художники), представителем стиля «мультреализм». Из работ Копейкина в «Эрарте», в частности, представлены «Случай в слоновнике» (2007), «Заморский гость» (2008) и «Родина» (2008) [Приложение, рис. 21]. Всё это картины из цикла «Слоны Петербурга», родившегося из известной ироничной фразы «Россия — родина слонов». Источником вдохновения для Копейкина служит детская книжная классика, советский плакат и абсурдистский советский фольклор. Ироничные, сатирические картины Копейкина растиражированы на открытках и плакатах.
На втором этаже представлены работы Елены Фигуриной, Владимира Ельчанинова, Петра Татарникова, Владимира Загорова, Галины Писаревой, Юрия Гусева, Валентина Кривченкова, Анастасии Базановой, Завена Аршакуни, Аллы Джигирей, Бориса Забирохина
Полотна Елены Фигуриной — настоящая визитная карточка «Эрарты». Созданный по ее картине витраж украшает холл при входе в музей. В магазине подарков продаются различные сувениры с образами героев ее картин, а также в музее демонстрируется мультимедийный спектакль без актеров «Отчего люди не летают?». Героями в нём являются персонажи полотен Елены Фигуриной, разговаривающие, спорящие, вспоминающие прошлое и задающие важные вопросы, в основе спектакля девочки, пытающейся ответить на вопрос: жить ли ей, как хочется или так, как от нее ждут другие. Наконец, весь этот красивый темный зал на втором этаже полностью посвящен творчеству этой художницы с красивой фамилией [Приложение, рис. 22].
С картин Фигуриной на нас смотрят странноватые, но трогательные персонажи. Существа эти кажутся по-детски незащищенными, страдающими, беспокойными, неуклюжими. Персонажей Фигуриной часто называют вызывающе некрасивыми, но их грустные лица не лишены обаяния, да и вообще к этим героям трудно подходить с обычной человеческой меркой: это не конкретные мужчины и женщины, а обобщенные архетипичные образы, существа без пола и возраста.
Елена Фигурина почти не смешивает краски и не использует спокойных, приглушенных тонов: в ее работах преобладают горячие локальные цвета — красный, оранжевый, желтый и синий. При минимуме живописных средств, исключительной простоте и наивности она достигает необычайной емкости и выразительности, тонкой передачи эмоций. В «Эрарте» можно увидеть ее картины «Забивание свиньи» (2000), «Коровы» (2006), «Икар» (2001), «Удержание птицы» (2008), «Карабканье по дереву» (1997), «Ангелы» (2005), «Девочка в красном» (1998), «Идол» (2006), «Шествие» (1995), «Люди-птицы» (1997). Помимо полотен, представлены бронзовые скульптуры (Фигурина занялась этим жанром в 1990-х годах): «Танцующая» (1997), «Девочка с птицей» (2006), «Фигура» (2001) и др.
Выходя из зала с работами Елены Фигуриной, нам из темноты открывается вид на светлое полотно «Ужин с ангелом» Владимира Ельчанинова (2006). Картину дополняет, являясь как бы ее продолжением, стол с вышитой скатертью, на котором стоит крынка и миска с самым настоящим хлебом. Запах хлеба позволяет еще полнее погрузиться в настроение картины [Приложение, рис. 23]. В сегодняшнем творчестве Ельчанинова преобладает неброский монохромный колорит и символический сюжет. Он продолжает жить и работать в Смоленске.
Далее можно обратить внимание на безмолвный триптих «Черные скалы» Петра Татарникова (2007). Пейзажи Татарникова почти всегда безлюдны, предельно ирреальны, полны торжественной тишины [Приложение, рис. 24].
Творчество Владимира Загорова мне понравилась своим колоритом и меланхолическим настроением. Его картина «После праздника» («Семья») (1986) [Приложение, рис. 25] рассказывает нам что, праздник закончился, и пора идти домой. Возникает чувство какой-то растерянности и неуверенности, что делать дальше. Эта картина относится к серии «Люди в городе», начатой художником в 1980 году. Сюжеты для произведений из этой серии Загоров находил в жизни: делал зарисовки на улице, несколько раз наблюдал недалеко от своей мастерской гуляющего гармониста. Настоящая фамилия художника Владимира Загорова — Толстой. Художник работает и в абстракции, и в фигуративном жанре, несмотря ни на что, относит себя к реалистам, изображающим свою собственную реальность.
В следующем зале можно увидеть сразу несколько работ Гели Писаревой — художницы, создающей очень светлые, добрые, теплые картины. Стол с «живым» натюрмортом поставлен на фоне деревенских пейзажей — «Покинутая деревня» (2007) и «Несущая холсты» (2005) «Ангел над рекой» (2001), «Лён цветёт» (2004) [Приложение, рис. 26]. Во многих её работах так или иначе присутствует образ ангела. Главным источником вдохновения для Галины Писаревой, которая просит назвать ее Гелей и так же подписывает свои картины, всегда было народное искусство, иконопись, путешествия по Русскому северу. Сегодня Писарева — активная участница выставок объединения «Деревня художников» Шувалово-Озерки-Коломяги. Там же она живет и сама — в вековом деревянном доме среди озер, вдали от городской суеты.
На этом же этаже можно увидеть картину «Еще один день» (2006), автор которой — Денис Ичитовкин, один из самых молодых художников в собрании Эрарты. Больше всего художнику нравится писать привычную жизнь, которая его окружает: в основном он изображает интерьеры типичных городских квартир, обычные кухни, бытовые предметы. Необычность этому полотну придает бабушкин буфет, раскрашенный почти в «мондриановской» манере — с красными, зелеными, синими и желтыми прямоугольниками. Главным в картинах Ичитовкина является не чье-то присутствие, а отсутствие, пустующие стулья, приоткрытые двери: пустота и недосказанность создают завораживающий эффект [Приложение, рис. 27].
Свежесть и легкость несёт очаровательная работа молодой художницы Анастасии Базановой «Утро» (2007) [Приложение, рис. 28]. Девушка с идеальной фигурой изображена на фоне ярко освещенной утренним светом стены, а из окна виден купол, который можно принять за Исаакиевский собор. Взгляд девушки устремлен вперед, к новому дню. Особенно хорош носочек, который надевает девушка. Анастасия с особым увлечением пишет безупречную обнаженную натуру и пейзажи. В её работах мир совершенен, в нем царит полная тишина и покой.
На третьем этаже экспозиция, начинается залом, озаглавленным «Искусство как документ». Здесь собраны картины, выражающие дух эпохи; работы художников-авангардистов, которые в своих произведениях подвергают существующую действительность критике или предлагают проект создания нового мира. В частности, тут представлены картины «патриарха ленинградского андеграунда», поэта и художника-самоучки Владлена Гаврильчика «Малыш» (2008), «Формула счастья» (2006), «Политрук Василий Гаврильчик» («Портрет отца») (2008) [Приложение, рис. 29]. Работы Гаврильчика ассоциируются в основном с наивом и примитивизмом. В картинах Гаврильчика присутствует Дух времени, добродушная ирония, повседневный абсурдизм. Так, на картине «Малыш» пенсионер с игрушечным автоматом на шее и зажатой в руке дохлой курицей уверенно «конвоирует» куда-то внучка.
К этому же «документальному» разделу экспозиции относятся картины Ольги Субботиной из серии «Парад» «Двойной портрет в интерьере» (2008-2009), Евгения Саврасова «СССР» (1967), Сергея Посухина «Культурный срез» (2010), Анатолия Гинкевича «Русские идут» (2014) [Приложение, рис. 30], Давида Плаксина «Широка страна моя…» (1990-е), «Черная редька» (1980-е) и Рината Волигамси «Большая Медведица» (2008), «Снег и дым» (2008). Особой популярностью среди посетителей пользуется «Большая Медведица» уфимского постконцептуалиста Рината Волигамси (Исмагилова) (1968 г.р.) — ожившая фотография, на которой изображены солдаты, которые курят в темноте, а огоньки их сигарет складываются в созвездие Большой Медведицы.
Из работ, выставленных на четвертом этаже Эрарты, хочется отметить некоторые картины: Владимира Мигачева «Нефть» (2008), Алексей Чижов «Квадрат барреля» (2009), Галины Хайлу«Подземка» (2008) «Переход» (2007), Ильи Гапонова «Кузбас параллельный» (2007), скульптуру Дмитрия Жукова «Телец» (2013), Евгения Саврасова «Хозяин Гоби» (1997), Георгия Франгуляна «Грация» (2018).
Особое впечатление производит инсталляция из проекта «Культурный парник» (2008) Михаила Казаковцева [Приложение, рис. 31].
На пятом этаже «Эрарты» находится Большой зал для проведения разного рода чтений, концертов, творческих вечеров. Зал оформлен картинами. Собственно выставочных залов на этом этаже немного, но они берут не количеством, а качеством.
Основная тема выставочного зала пятого этажа евангелическая Её задают «Терновый венец» Александра Архипенко и «Тайная вечеря» Павла Гришина [Приложение, рис. 32]. Сюжет Тайной вечери узнаваем, хотя, по факту это нагромождение скрытых мешковиной фигур. Это происходит благодаря тому, что инсталляция «Тайная вечеря» композиционно полностью соответствует одноименной фреске Леонардо да Винчи: ученики Христа здесь тоже сидят по одну сторону стола.
В этом же зале представлено творчество Вячеслава Михайлова, который заливает свои холсты левкасом, использует песок, органические смолы, рубероид и т.д. — и с помощью этих материалов создает уникальную рельефную фактуру поверхности, напоминающей произведения с покрытием из эмали. Его выразительные работы можно называть «скульптурной живописью». Композиции Вячеслава Михайлова запоминаются мощной энергетикой, уникальным стилем и своеобразной техникой. Они обрушиваются на тебя этаким мясом, густой цветовой гаммой, бугристыми поверхностями и текучими объемами. Всё это будоражит зрителя, эмоционально его цепляет. Образы Михайлова словно возникают из какой-то плазмы, древней сырой материи. Каждая фигура, которую он «лепит», значительна, и происходящее на полотнах оставляет ощущение величия, присутствия божественного начала. Свой подход Михайлов находит в понятии «духовной органики»: художник должен иметь особое чувство органичности того, что он делает. Например, глядя на картину Михайлова «Легенда о Сизифе» (1990) [Приложение, рис. 33], можно физически ощутить духовное и физическое напряжение Сизифа, всютяжесть глыбы, которую он толкает. Хороши также работы «Фальшивый оракул» (1987), «Чехарда» из цикла «Русская игра» (1989) и картина «Пир во время чумы» (1980), на которой люди-обмылки, сбившись в кучу, утратили свое лицо. Из произведений нового этапа творчества Вячеслава Михайлова в Эрарте представлены «Пастораль» (2000) и «Спас нерукотворный» (2006) [Приложение, рис. 34] Колорит в этих мистических картинах беднее, но мастерство исполнения невероятное, а образы восходят к самым глубоким корням.
Прежде чем покидать музей, я всем советую заглянуть в галерейное крыло. В залах этой части здания проводятся временные выставки, причем если перемещаться между этажами не на лифте, а пешком, то вдоль лестницы можно увидеть множество автопортретов художников, работы которых имеются в собрании Эрарты [Приложение, рис. 35]. Ожидаемо что, автопортреты художников похожи на их картины. Автопортретов, как и художников, много, но каждый посетитель, конечно, в первую очередь обращает внимание на лица наиболее полюбившихся авторов.
Эрарта – это крупнейший частный музей в России, экспозиция которого представляет наиболее интересные и оригинальные произведения современного искусства. В музее Эрарта организованы экскурсии, здесь проходят выставки и лекции, театральные постановки и концерты. Организаторы мероприятий стремятся донести современное искусство до каждого посетителя и помогают ему найти в нем самое интересное и близкое для него.
Музей Эрарта полностью ориентирован на посетителей, он стремится популяризировать искусство и выстроить новую систему его взаимоотношений со зрителем.
Художники, работы которых находятся в собрании музея Эрарта, представляют разные поколения и направления в современном российском искусстве: от 50-60-х годов XX века до наших дней, от реализма до абстракции и примитивизма. На данный момент список авторов насчитывает более 300 фамилий. Наиболее известные мастера — Завен Аршакуни, Вячеслав Михайлов, Владимир Духовлинов, Владимир Овчинников, Елена Фигурина, Валерий Лукка, Ринат Волигамси, Александр Дашевский, Владимир Мигачев, Владлен Гаврильчик, Николай Копейкин, Петр Горбань, Андрей Рудьев, Евгений Ухналёв.
В силу своих специфических возможностей музей Эрарта создаёт особые педагогические условия и средства для освоения учащимися культурного наследия и может выступать в качестве ценностного ориентира в повышении эффективности эстетического воспитания школьников. Образовательные особенности музейных экспонатов и музейной среды предопределяют возможности средствами музейной педагогики осуществить нетрадиционный подход к образованию, основанный на интересе детей к исследовательской деятельности, раскрывать значимость и практический смысл современного искусства.
Посетив постоянную экспозицию Эрарты и выставки под руководством квалифицированных педагогов и экскурсоводов, учащаяся молодежь и школьники познакомятся с произведениями современного изобразительного искусства. Это обогатит идейно-тематическое содержание изобразительного творчества учащихся, учащиеся смогут постигнуть суть происходящих явлений общественной жизни, приобщиться к прекрасному и сделать первые шаги в исследовательской и эстетической деятельности.
Список литературы
1. Каталог «Эрарта. Классический сюжет в коллекции» Эрарта г. Санкт-Петербург, 2009 г.
2. Каталог «Эрарта. Сто работ из коллекции» Эрарта г. Санкт-Петербург, 2009 г.
3. Марина Варварина «Долина красок» Издательство Эрарта г. Санкт-Петербург, 2019 г.
4. Столяров Б. А. Музейная педагогика. История, теория, практика.: учеб. пособие / Б. А. Столяров. - М.: Высш. шк., 2004. - 216 с.
5. Тимур Мамонов, Максим Беляев, Дарья Варновская, Владимир Пивнев. Science Art: на стыке творчества и технологий, Первый Канал - Санкт-Петербур