Импрессионизм (от фр. impression ‑ впечатление) ‑ направление в искусстве последней трети ХIХ-начала XX в., представители которого стремились передать свои мимолетные впечатления и наиболее естественно запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости. Во французском искусстве второй половины XIX в. импрессионизму принадлежит важнейшее место, и с ним связаны решительные сдвиги в развитии живописи последующих десятилетий не только во Франции. Важную роль в формировании живописи импрессионизма играли художники «барбизонской школы», возникшей в деревне Барбизон близ Фонтенбло. В середине XIX в. барбизонцы Г. Руссо, Ж. Дюпре, К. Тройон основали национальную школу пейзажной живописи, отказавшись от традиционного классицистического пейзажа Пуссена с обязательными руинами, аллегорическими фигурами, строгим композиционным построением. В основу своего творчества они положили «пейзаж настроения», изображение родной природы и ее постоянно меняющегося состояния. Барбизонцев объединял общий художественный стиль, состоящий в передаче взаимодействия цвета и света, предмета и пространства, и общий художественный метод, заключающийся в зарисовках непосредственно с натуры.
Выдающийся художник-пейзажист Жан Батист Камиль Коро (1796-1875) не был в строгом смысле барбизонцем, но именно его искусство стало по колориту и живописной технике связующим звеном между классической традицией и импрессионизмом. Он поэтично изображал серебристый утренний туман ‑ «Утро», вечерний сумрак в одноименной картине, предгрозовой ужас ‑ «Порыв ветра», ясные просветы среди чащи деревьев ‑ «Купание Дианы». В своих пейзажах, которые парижане называли «интимными», художник передавал настроение в природе сумеречной порой, при гаснущих закатах, в предрассветной мгле и использовал технику раздельных мазков, что уже можно было считать началом импрессионизма. Излюбленный образ художника тонко воссоздал Теофиль Готье:
Вот вечер шествует уже с окрестных гор,
Наводит мглу и тень на весь земной простор.
Закат еще горит, как желтизна лимона,
Но блекнет алая полоска небосклона» Молчат кузнечики. Повсюду тишина;
Лишь жалоба ручья вдали едва слышна.
Омытая росой ночная колесница
Над миром дремлющим в безмолвии катится.
И вот уж все кругом так мглисто и серо,
Что где-нибудь в углу едва прочтешь: Коро.
«Воспоминание о Коброне», 1872г.
Особенно важную роль в формировании импрессионизма сыграло творчество Эдуарда Мане (1823-1882). Его ранние работы отличались более строгим рисунком, сдержанным колоритом с темными и даже черными тонами и более глубоким, обобщенным отражением жизни. В картинах «Лола из Валенсии», «Завтрак в мастерской», «Олимпия», «Флейтист» Мане декларировал свою программу: «Жить своим временем и изображать то, что видишь перед собой, открывая подлинную красоту и поэзию в повседневном течении жизни». При этом в большинстве работ Мане отсутствовало действие, даже минимальная сюжетная завязка. Это отражало типичную для эпохи особенность ‑ сведение сюжета к мотиву.
Трудно определить сам жанр картин. Нередко они объединяли портрет и бытовую сцену либо бытовую сцену и пейзаж. Считалось, что полотна Эдуарда Мане плоскостным изображением формы напоминают лубочные картинки, с той только разницей, что ремесленники пользовались чистыми тонами, не заботясь о полутонах, а Мане их усложнял. В свою очередь поклонники творчества Мане восхищались великолепными пятнами и своеобразной элегантностью изображения и сравнивали его упрощенную живопись с японскими гравюрами.
«Завтрак в мастерской». 1868-1869, 118х153см
«Бар в Фоли-Бержер». 1882, 96 x 130 см
«Бар в Фоли-Бержер» (1882) считается неким итогом творческой деятельности Э. Мане, связанного не только с периодом, в котором он известен как художник-импрессионист, но и всего его служения искусству.
Мане был создателем и признанным главой батиньольской школы, получившей название по местоположению на улице Батиньоль кафе, где любили собираться художники. Эта группа, куда входили К. Моне, О. Ренуар, К. Писсарро, Э. Дега, составила впоследствии ядро импрессионистов.
Само название импрессионизма обязано своим происхождением пейзажу Клода Моне «Впечатление. Восход солнца», показанному в 1874 г. на выставке группы художников из круга Мане. Всех этих очень разных художников объединяло неприятие консерватизма и академизма в искусстве и субъективное переживание цвета, света и пространства. Стараясь максимально точно выразить свои непосредственные впечатления от вещей, импрессионисты создали новый творческий метод живописи ‑ работу на пленэре (на открытом воздухе). Пленэр открыл им реальную действительность, суть которой состояла в следующем. Во-первых, в природе ни один цвет не существует сам по себе и окраска предметов ‑ чистая иллюзия. Единственный источник цвета ‑ солнце: зеленый цвет листа, коричневый цвет ствола дерева меняются в зависимости от времени дня и световоздушной среды. Во-вторых, тени имеют свой цвет в зависимости от силы и качества световых лучей, но никогда не бывают черными, как не существует в природе черного цвета в чистом виде. В-третьих, рефлексы на поверхности предмета изменяются в зависимости от угла падения света и его интенсивности. Если, к примеру, голова освещена с од ной стороны оранжевым дневным светом, а с другой ‑ голубым, комнатным, то на носу и середине лица неизбежно появятся зеленые рефлексы. Особое внимание к свету и тщательный анализ цвета повлекли за собой изменение техники живописи: импрессионисты наносили на холст краски чистых то нов раздельными мазками, что зрительно растворяло форму в окружающей свето-воздушной среде. Используя эту технику, художники отказались от четкого рисунка и строгого контура, отчего предметы теряли свою плотность и материальность. Эта «отстраненность» зрительного восприятия привела также к подавлению «цвета памяти», т. е. связи цвета с привычными представлениями и ассоциациями, согласно которым небо синее, а трава зеленая. На своих картинах впервые в живописи К, Моне, К. Писсарро, Ж. Сёра в зависимости от рефлексов стали изображать траву в тени синей краской, а на солнце золотистой охрой. У Ренуара к черной краске было такое отвращение, что он употреблял лишь темно-синюю, чтобы выразить самые темные места. Над чрезмерной склонностью импрессионистов к фиолетовым теням много насмехались, а между тем они являлись чистейшей фантазией, так как представляли собой изменчивую комбинацию оранжевого, красного и синего ‑ от самого бледно-лилового к самому яркому красному. Оптические эффекты и абсолютизация зрительного подхода к изобразительному искусству сделали импрессионистов «фанатиками зрения». Им было неважно, что изображать, а важно как. Импрессионисты провели восемь выставок, последнюю в 1886 г. Этим десятилетием, собственно, исчерпывается история импрессионизма как художественного течения, после чего каждый из художников пошел своим собственным путем.
Каждый из ведущих мастеров этого течения обогатил его по-своему, но значение их не было равноценным. Клод Оскар Моне (1840-1926) был не только одним из создателей импрессионизма и крупнейшим его мастером. Он стал вдохновителем новой школы. Он первым сформулировал ее принципы, разработал программу пленэра, живописную технику. Пейзаж приобрел ведущее значение в творчестве Моне. Именно в изображении природы художник осуществлял смелые эксперименты с цветом и светом, заложившие основу импрессионистического видения мира. Этюды «Гренуйер» («Лягушатника»), излюбленного места загородных прогулок парижан в живописной излучине Сены, воплотили все его особенности. Сам мотив - пронизанный светом пейзаж, пестрая толпа на террасе ресторана, мелькающие в воде фигурки купающихся и скользящие по ней лодки, блики света и зыбкие отражения на поверхности реки - определил и новые выразительные приемы. Общий взгляд не улавливал деталей, а воспринимал всю картину целиком в динамическом богатстве красок, нанесенных на холст отдельными мазками разной величины. При этом очертания предметов теряли свою определенность, а колорит картины приобретал особую свежесть. Расцвет творчества Моне пришелся на 70-е годы, когда он жил в Аржантее и, устроив мастерскую на лодке, плавал вверх-вниз по Сене, останавливаясь там, где ему вздумается. В этой «мастерской» были написаны такие шедевры импрессионистического пейзажа, как «Регата в Аржантее», «Маки», «Парусные лодки. Регата в Аржантее». Палитра Моне полностью избавилась от темных тонов, приобретя радужность, свежесть и ослепительное богатство света. Озаренные солнцем, овеянные свежим ветром изображения Сены - настоящие поэмы воды и света. Стихия света, в котором формы и краски обрели новую жизнь, вторглась и в городские пейзажи художника. Именно к этому периоду относится изумительный «Бульвар Капуцинок», где брошенные на холст мазки передают и уходящую вдаль перспективу оживленной улицы, и движущийся по ней бесконечный поток экипажей, и веселую праздничную толпу. Пейзажи, созданные в Аржантее и Париже, ознаменовали целую эпоху и в развитии импрессионизма, и в творчестве Моне. Далее художник обращается к решению новых задач, ставших программой на многие годы: запечатлеть мгновение, а главное, атмосферу и свет, разлитый в ней. Он писал множество картин с одним и тем же, но по-разному освещенным предметом наблюдения. Например, стог сена утром, в полдень, вечером, при луне, в дождь и так далее. То же самое представляют его «Тополя», «Руанский собор», «Лондонский туман», «Кувшинки» ‑ череда очень красивых произведений, в которых сверкающий цвет поглощал и реальные предметы, и пространство, и объем.
| 
|
| «Бульвар Капуцинок»,1873 г. | «Руанский собор. Западный фасад в солнце»(1894) Национальная галерея искусства, Вашингтон. |
| 
|
| «Впечатление. Восход солца», Impression, soleil levant 1872/1873г. | «Водяные лилии», около 1915 г. |
Многие достижения импрессионизма связаны с творчеством Пьера Огюста Ренуара (1841-1919), вошедшего в историю искусства как «живописец счастья»». Он действительно создавал на своих картинах особый мир пленительных женщин и безмятежных детей, радостной природы и прекрасных цветов. В течение всей своей жизни Ренуар писал пейзажи, но его истинным призванием оставалось изображение человека. Он любил рисовать жанровые картины, где воссоздавал суету парижских улиц и бульваров, праздность кафе и театров, оживленность загородных прогулок и праздников под открытым небом. Все эти картины, большей частью написанные на пленэре, отличает особая светозарность и звучность цвета. В напоенном солнечным светом искусстве импрессионистов полотна Ренуара остались памятником самого оптимистического отношения к «обожаемому виденному миру». Картина «Мулен де ла Галетт», на которой представлен народный бал в саду монмартрского танцевального зала, не только шедевр ренуаровского импрессионизма, она во многом программное произведение всего течения. Общий взгляд улавливает в ней прежде всего живой ритм танца, мелькание юных лиц. Но постепенно становится ясно, что в композиции нет резких движений и ощущение динамики создается ритмом цветовых пятен на поверхности холста. Интересна пространственная организация картины, где первый план дан сверху, так что си ящие фигуры не заслоняют танцующих. Даже в творчестве Ренуара трудно назвать картину, где подвижность света и цвета выражала бы столь яркое чувство радости бытия. На многочисленных портретах Ренуара преобладают дети и молодые девушки. «Мальчик с кошкой», «Девушка с веером», «Анна», «Белокурая купальщица», «Портрет актрисы Жанны Самари» полны поэтического изящества и душевной ясности. Восьмидесятые годы в творчестве Ренуара знаменуют начало нового этапа, называемого классицистическим. В этих работах наблюдается отход от импрессионистической техники, четкое выявление контура при прорисовке формы, но связано это только с изображением человеческих фигур. Пейзажи художник пишет с прежней свободой, и они кажутся искрящимся радужным маревом. В такой манере написаны «Завтрак гребцов», «Танец в Буживале», «У моря», «Зонтики». В работах этого времени изменяется колорит: от голубовато-синих тонов, которые были цветовой доминантой импрессионистических полотен, Ренуар переходит к красным, золотистым, зеленоватым. С середины 90-х годов искусство Ренуара вступило в новую, заключительную фазу, отмеченную редким стилистическим единством, но узостью тематики по сравнению с импрессионистическим периодом.
|
| «Бал в Мулен де ла Галетт»(1876). Музей Орсе |
Особое место в группе импрессионистов занимал Эдгар Дега (1834-1917). Активный участник всех выставок, он был далек от многих основополагающих принципов импрессионистов: был противником пленэра и никогда не писал свои картины с натуры, не стремился уловить характер различных состояний природы, обусловленных изменениями света и атмосферы, более того, утверждал преимущественное значение рисунка перед цветом, считая его главным для передачи впечатления. Вместе с тем Дега вполне импрессионистически воспринимал действительность, полноту и интенсивность жизни ‑ движение стало лейтмотивом его творчества. Его композиции, динамичные и свободные, построены в излюбленном ракурсе: по диагонали и в глубину.
Таков портрет графа Лепика с дочерьми, передающий стремительное движение. Причем граф изображен пересекающим площадь в одном направлении, в то время как его дочери и собака следуют в противоположном, что подчеркивает динамизм композиции. В картине дана высокая линия горизонта, и пространство площади, замкнутое в глубине террасой сада Тюильри, служит фоном для фигур, резко сдвинутых и частично срезанных краем холста.
Те же стилистические приемы словно случайно увиденного «кадра» действительности были взяты за основу и при создании полотен «Скачки. Перед стартом», «Музыканты оркестра», «Балетные сцены». В балетных сценах наиболее полно прослеживается стилистическая эволюция искусства Дега. Балет был его любимой темой, и художник с необычайной точностью фиксировал каждую деталь, каждую позу. С одинаковым блеском он передавал и утомительно-однообразные будни танцовщиц, многократно повторяемые ими движения, доводившиеся до отточенного совершенства («Танцкласс», «Репетиция балета на сцене», «Голубые танцовщицы»), и праздничную феерию спектаклей («Звезда, или Танцовщица на сцене»). В течение всей жизни Дега экспериментировал с техникой живописи, объединяя различные живописные приемы. Начав с масляной живописи, он все чаще использовал пастель, накладывая ее раздельными штрихами, соединяя тем самым рисунок и живопись. В этой технике были выполнены почти все его поздние работы. Значительное место в творчестве Дега занимает серия картин с изображением обнаженного женского тела. Дега, подобно Рембрандту, считал, что красота заключается в характерном, поэтому в противовес академическим идеальным нормам он изображал женское тело в движении. Множество его картин последних лет посвящено «женщине за туалетом». Дега создал целую серию обнаженных женщин, купающихся, моющихся, обсыхающих, вытирающихся, причесывающихся. Художник не только передал сложнейшие движения тела, но и доказал, что оно обладает своей индивидуальной и красноречивой «мимикой», не менее выразительной, чем лицо. Будничные, каждодневные мотивы преображались в поэтические образы, полные жизненной энергии и красоты.
| 
|
| «Голубые танцовщицы».1897 ГМИИ им. Пушкина, Москва. | «Скаковые лошади перед трибунами». 1869—1872 г. Музей Орсе, Париж. |
Среди импрессионистов было немало очень одаренных женщин. С самого начала в их группу вошла Берта Моризо (1841‑1895). Сюжеты для своих картин ‑ домашняя жизнь зажиточного среднего класса Франции. В ранних произведениях Б. Моризо, сосредоточенных на изображении ее матери и сестры. Зрелые же ее работы носят совсем другой характер. Появление на свет дочери, родившейся в 1878 году, внесло перемену в творчество Моризо, достигшее расцвета десятилетием позже. Ее картина, изображающая увлеченную чтением девочку в комнате, которая выходит в сад художницы, полна света, что характерно для стиля Моризо. Отчасти благодаря пастельным тонам, столь любимым Моризо, картина дышит покоем и умиротворением, но совершенно лишена сентиментальности, типичной для жанровой живописи этого времени.
|
| «Летний день». 1879 г. |
Импрессионизм ‑ чисто французское явление, хотя его предшественниками считаются английские пейзажисты Дж. Констебл и У. Тернер. Это галльское, радостное искусство, рассматривающее жизнь в динамике и только в ней усматривающее смысл. Несмотря на протест академизму, импрессионисты были прямыми продолжателями ясного и светлого мироощущения французского классицизма XVII в. Импрессионисты отказались от темных, земляных красок в пользу чистых, спектральных цветов. Творческий метод импрессионистов предполагал работу на пленэре, создание этюдов, поскольку они стремились фиксировать отдельный миг состояния природы.
Как художественное течение импрессионизм очень быстро исчерпал свои возможности, расслоился и преобразовался в творчестве различных художников в более узкие течения, характеризующееся индивидуализированным подходом к столь стремительно отгоревшему чистому впечатлению. Искусство снова стало обретать массу.
По мнению О. Шпенглера, импрессионизм ‑ одна из характерных черт разрушения целостности мировоззрения, признак «заката Европы». Именно с импрессионизма начался глубокий разлад изобразительного искусства, приведший в конечном счете к нигилизму модернистов, но, в тоже время, импрессионизм самый яркий и короткий период живописи, оставивший столь долгое послевкусие, повлиявшее на искусство всего 20 века.
Вопросы для контроля знаний:
1. Объясните, что означает термин «критический реализм».
2. Расскажите о критическом реализме в живописи О. Домье.
3. Критический реализм в живописи Г. Курбе.
4. Живопись импрессионистов – предпосылки возникновения.
5. Основные характеристики живописи импрессионизма.
6. Расскажите о художниках, чье творчество сыграло важную роль в формировании импрессионизма.
7. Раскройте смысл термина «импрессионизм» и особенности живописного метода импрессионистов.
8. В чем сходство и различие живописи К. Моне и О. Ренуара.
9. Почему творчество Э. Дега занимает особое место в импрессионизме?