Изобразительное искусство
Социалистический реализм. Вл. А. Серов. «В.И. Ленин провозглашает советскую власть». 1947 (первый вариант картины).
В изобразительных искусствах С. р. нашёл отображение в возобладании социально-историч. мифов и торжественно-репрезентативных приёмов их интерпретации: идеализация натуры, ложный пафос, историч. фальшь, рационалистич. организованность повествования, преувеличенная масштабность мн. произведений (А. М. Герасимов, В. П. Ефанов, Вл. А. Серов, Б. В. Иогансон, Д. А. Налбандян, С. Д. Меркуров, Н. В. Томский, Е. В. Вучетич и мн. др.). Отвечающими нормам С. р. признаны вместе с тем и значит. произведения ряда рос. мастеров сов. эпохи (В. И. Мухиной, С. Т. Конёнкова, А. А. Дейнеки, С. А. Чуйкова, С. В. Герасимова, А. А. Пластова, П. Д. Корина, М. С. Сарьяна и др.). Изоляция от мирового иск-ва усиливала догматизм и нетерпимость С. р., особенно в послевоенные годы, когда его принципы распространялись на иск-во стран коммунистич. блока. Директивное внедрение метода С. р. во все области иск-ва, бескомпромиссная борьба с любыми проявлениями «формализма» и «западничества» привели к становлению в СССР особой формы тоталитарного искусства, стремившегося к подавлению разл. течений авангардизма, т. н. неофициального иск-ва (в т. ч. послевоенного андерграунда в СССР). Однако уже с сер. 1960-х гг. развитие иск-ва в СССР всё меньше связано с догмами С. р., вскоре ставшими анахронизмом. В истории архитектуры термин «С. р.» используют преим. для обозначения построек сталинского неоклассицизма в СССР и странах Вост. Европы.
Суровый стиль в живописи 60 гг
Суро́вый стиль — одно из течений в живописи, возникшее в конце 1950-х — начале 60-х годов. Термин «суровый стиль» был введён критиками (в частности, А. А. Каменским) прежде всего по отношению к работам художников-шестидесятников из молодёжной секции Московского отделения Союза художников.
Основным источником «сурового стиля» было изобразительное искусство СССР 20-х годов, то есть досталинского периода, творчество А. Дейнеки, Г. Нисского, а также П. Кончаловского, А. Осмёркина, А. Лентулова и др. Некоторое влияние оказал и итальянский неореализм, как живописный (Ренато Гуттузо), так и неореализм в кинематографе (например, известная картина Г. Коржева «Влюбленные» — это реминисценция кадра из итальянского фильма); определенное влияние имели (по словам Виктора Иванова) и мексиканские монументалисты (Ороско, Ривера,Сикейрос)—Художник Павел Никонов отрицает влияние мексиканского монументализма на художников «сурового стиля». Доступ к мексиканцам появился уже после того, как «суровый стиль» пошел на спад. Сюжеты работ, выполненных в «суровом стиле», как правило брались из трудовой жизни простых людей
Ви́ктор Ефи́мович Попко́в (9 марта 1932 — 12 ноября 1974) — советский художник. Лауреат Государственной премии СССР (1975 — посмертно).Виктор Ефимович Попков родился Москве, в рабочей семье. Детство будущего художника, как и детство многих его сверстников, прошло под знаком войны. В 1941 году на фронте под Смоленском погиб его отец. Мать художника одна подняла четверых детей. Виктор Ефимович закончил Московском государственном художественный институт им. В. И. Сурикова, графический факультет. Художник Игорь Обросов писал: "Виктора Попкова увлекала глубина жизненных явлений, постоянные поиски, изыскания непреходящих духовных ценностей. Он не всходил на вершины искусства медленно, тяжело, он, скорее, низвергался вниз. Такое стремительное движение в глубину не было обвалом, уничтожающим все на своем пути. Он увлекал за собой то, что живо, неравнодушно, дерзновенно и направлено к постижению тайн природы и души человеческой". Жизнь Попкова В.Е. оборвалась трагически рано. Он прожил 43 года. Посмертно ему была присвоена Государственная премия СССР
«Суровый стиль» возник как естественная реакция на позднесталинское искусство, показывающее собой бесконечный триумф, многократно повторяемое «торжество на Олимпе», решенное в манере «Кубанских казаков». Свою стилистическую родословную он ведет от раннего Дейнеки и Ю. Пименова, однако идеологически представляет собой нечто совсем другое. Если герои Дейнеки — наивные питомцы ВКП (б), чьи мускулы играют строго в соответствии с партийной линией («даешь тяжелую индустрию!») или от радостного избытка жизненных сил («эх, хорошо в стране Советской жить!»), то представители «сурового стиля» пишут героев, чьи действия, требующие тоже, как правило, серьезных мышечных усилий, обусловлены внутренней мотивацией. Это люди мужества, опыта, не чуждые размышлений о «смыслил'». Для картин «суровостильцев» характерен переданный скупыми живописными средствами драматизм — даже если речь идет не о сюжетной картине, а о пейзаже. Так, Попков в картине «Белая лошадь», 1961 «умаляет» живопись почти до графики и при этом достигает предельной драматической выразительности.
Известный московский художник Виктор.Ф. Стожаров - выпускник института имени В.И. Сурикова (1951) В своих живописных полотнах художник изображал природу и архитектуру русского Севера, быт и творчество русского крестьянства. Все его творчество было посвящено одной теме - российской деревне, родной земле.
С 1950-х годов Стожаров много ездил по стране, особенно по Русскому Северу, и там собирал материал для своих работ. Из поездок по Псковской, Ярославской, Костромской, Владимирской, Архангельской областям и из-за рубежа он привозил огромное количество этюдов, которые потом воплощались в картины. Его искусство выдержало испытание временем и нашло достойное место в собраниях крупнейших музеев страны и зарубежья. Такие музеи, как Третьяковка, Русский музей и еще более 90 музеев страны и ближнего зарубежья имеют постоянные экспозиции работ Стожарова.
Владимир Федорович был наделен редким колористическим даром. Его работы материальны и поэтичны одновременно. Его искусство глубоко национально и монументально. Он писал соборы Севера и церкви средней полосы России, широкие панорамы сел, бревенчатые избы, бескрайние поля, людей в их работе и праздниках.
Особое место в творчестве Владимира Федоровича занимает натюрморт. Стожаровские хлеба, братины, самовары, крынки, кувшины с квасом, прялки хранят тепло человеческих рук. Вся творческая жизнь Владимира Федоровича, начиная с 1950 -х и кончая 1970 -ми годами, когда он неожиданно ушел из жизни, была уверенным восхождением к совершенству. Имя Владимира Федоровича Стожарова стоит в первых рядах мастеров отечественной живописи середины XX века, продолжателей лучших традиций русской реалистической школы.
Братья Смолины
Творчество братьев Смолиных – Александра Александровича (1927-1994) и Петра Александровича (1930-2002), безусловно, весьма оригинальное по пластическим решениям, с охотой относят к «суровому стилю», хотя оно не во всем с ним идентифицируется.
Первая заметная работа А. А. Смолина «Таджикистан. Застава» (1962) отличается колористической цельностью. Главная партия отдана затемненному цвету, соответствующему настроению сюжета. Не содержа новаций, решение, предложенное авторами, явилось красивым и серьезным. Здесь следует оговориться, что новое – это нето, что выше, лучше старого. Новое – это другое.
Выход за границы традиций намечен в замечательной картине «Полярники» (1961). Пожалуй, в ней впервые показаны люди интеллектуального труда, работающие в условиях Заполярья. Персонажи Смолиных поставлены в трудную ситуацию, но просветленная гамма с преобладанием серебристого, синего и белого цветов, а также композиция, построенная на энергичных ракурсах, выдают и новый типаж современников, и их героическую мужественную работу, заслуживающую уважения из-за ее сложности. Смолины вывели на арену искусства рядовых людей науки, так редко изображавшихся ранее и так свежо показанных в их картине.
Полотно «Стачка» (1964) в определенной мере принадлежит к историческому жанру. Оно построено на цветовом напряжении: красный в контрасте с коричневым и черным. Низкий горизонт рисует забастовщиков целостной обезличенной массой, внушающей впечатление грозной силы. Конечно, это образ сопротивления, то есть нечто большее, чем исторический сюжет, кстати, не привязанный к конкретному месту действия. Можно ли расценить стачку как иносказание? Трудно отнести её к своему времени, в ней нет ничего, что бы говорило о современности, кроме настроения. Но страсти, разыгранные вскоре братьями Смолиными в серии животных и птиц в клетках («Петух», «Лев» и др.), с очевидностью говорят о том, что художники перешли к иносказанию. Их страстно-экспрессивные образы определили живописную пластику, плотную, «мазистую» фактуру письма, напряженный цвет и композицию, посредством которой экспрессивные движения зверей и птиц остановлены тесным пространством клетки.
Пётр Павлович Оссовский родился 18 мая 1925 года в селе Малая Виска Елисаветградского уезда Николаевской губернии (ныне Кировоградская область Украины).
В 1944 году окончил Московскую среднюю художественную школу (МСХШ) (район Якиманка, Лаврушинский переулок)
1944-1949 (?) гг. - учился в Государственном художественном институте им. В.И.Сурикова, где учился в мастерской С.В.Герасимова. Институт с 1948 г. располагается в Таганском районе на Товарищеском переулке.
С 1954 года участвует в художественных выставках.
В 1956 году принят в Союз художников. П.П.Оссовский за свою полувековую деятельность участвовал во многих крупных выставках у себя на Родине и за рубежом. Его произведения находятся в Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском музее, крупных музеях России и стран СНГ, а также в различных зарубежных коллекциях.
В 1961 г. художник совершает творческую поездку на Кубу и в Мексику. Серии следующих полотен, созданных после поездок в Болгарию, Италию, Чехословакию и в высшей степени самобытны.
В 1979 году был награжден Золотой медалью итальянской Академии искусств за серию «Славянские портреты», в 1985 году получил Государственную премию за цикл картин о Московском Кремле: «Золотой Кремлевский холм», «Века проходят над Кремлем», «Солнце над Красной площадью», «Дворцовая площадь». В 1988 году П.П.Оссовскому присуждено звание «Народный художник СССР», тогда же он был избран членом-корреспондентом Академии Художеств СССР
В 1970 году ему присвоено звание «Заслуженный художник РСФСР», спустя пять лет - «Народный художник РСФСР».
В 1975 году состоялась персональная выставка «На земле Древнего Пскова» к 50-летию со дня рождения художника. Эта выставка стала первой в его многолетней творческой деятельности на Псковской земле
Действительный член Российской академии художеств
Лауреат Государственной премии СССР.
Почётный гражданин г. Пскова (2008)
Гелий Михайлович Коржев (Чувелев) родился 7 июля 1925 в Москве, в семье служащего. Мальчик рос в семье талантливого архитектора и трудолюбивой учительницы, в окружении сестер и бабушки.
В период с 1944 по 1950 год учился в Московском художественном институте имени В.И.Сурикова у С.В.Герасимова. С 1968 по 1975 год был председателем правления Союза художников РСФСР.
Художник завоевал широкую известность в конце 1950–1960-х годов, прежде всего триптихом «Коммунисты» (1957–1960) и серией «Опаленные огнем войны» (1962–1967).
С 1951 по 1958 го Коржев преподает в Московском высшем художественно-промышленном училище.
С 1967 года заведующий кафедрой монументально-декоративной живописи в Московском высшем художественно-промышленном училище.
С 1968 года является председателем правления Союза художников РСФСР.Коржев также создал серии живописных циклов: «Адам и Ева», «Дон Кихот и Санчо Панса», «Тюрлики».
Художник Коржев принадлежит к представителям «сурового стиля», которое возникло на рубеже 1950-1960 годов. Герои его картин - сильные и мужественные люди, с чувством собственного достоинства.
На протяжении долгих лет художник ведет напряженную работу, его искусство соединило в себе драматизм и философские обобщения, строгость и эмоциональность.
В его полотнах воплотились судьбы страны и людей. Его картины стали классикой современного искусства. Коржев поистине чуткий мастер, он чувствует человеческую душу, сострадает вместе с героями своих картин. Значительным творческим достижением стали картины «Художник», «Уличный певец», «Обреченная», «Влюбленные».
Полотна - «Проводы», «Мать», «Заслон», «Старые раны», посвящены достоинству и духовной стойкости народа, терпению простых людей.
Его творчество имеет не только национальное значение, оно предупреждает все человечество об опасности. Цикл «Мутанты» потрясает зрителей. В нем отражен протест втора против человеческой глупости, преступлений и насилия.
Не менее важное место в искусстве живописца занимают натюрморты. Его предметы натюрморта величественны, благодаря четким композиционным построениям, приглушенному благородному колориту, увеличенному масштабу.
Картины мастера собраны в крупнейших музеях России, таких как Государственная Третьяковская галерея и Государственный Русский музей. Его полотна экспонировались на многих выставках как на родине, так и зарубежьем.
Его произведения, показанные на грандиозных международных выставках последних лет, таких как «Москва – Берлин» и «Москва – Варшава», имели грандиозный успех.
Гелий Коржев один из тех художников, который взвалил на свои плечи груз творческой, гражданской и человеческой ответственности.
Обладая мощным зарядом творческой энергии, Коржев сумел перенести его на свои полотна. Его картины передают эту особую энергию зрителям.
Художник, при помощи своих картин, рассказывает о том, что он чувствует, переживает. Его живопись не легка для восприятия. Она рассказывает своему зрителю об обществе, в котором мы живем, о человеке, о его поступках. В его картинах нет безнадежности, в каждой есть некая надежда на что-то лучшее
25. Моисеенко Евсей Евсеевич- художник большого дарования и сложной судьбы. Пятнадцатилетним подростком отправляется он из глухого белорусского села в Москву, где в 1931 г. поступает в Художественно-промышленное училище им. М. И. Калинина, на отделение росписи по металлу и папье-маше. Училище давало возможность пройти производственную практику в известных центрах русского народного творчества - селах Жостово, Федоскино, Палех. Не преувеличивая значения этого начального этапа художественного образования, нельзя, однако, не заметить влияния, оказанного народным искусством на дальнейшее творчество художника. Не здесь ли скрыты истоки зрелого живописного стиля Моисеенко - его свободной темпераментной манеры, отказа от правильного академического рисунка, включения в палитру тяжелого черного цвета? Окончив училище, Моисеенко весной 1936 г. приезжает в Ленинград и поступает на живописный факультет ИЖСА. Здесь ему посчастливилось учиться у А. А. Осмеркина, художника высокой профессиональной культуры, сильного темперамента, понимавшего и ценившего народное искусство. Так что усвоенные Моисеенко ранее навыки получили новый импульс к развитию. Занятия прервала война: 5 июля 1941 г. Моисеенко ушел добровольцем в народное ополчение. На подступах к Ленинграду он вместе со своей частью попал в окружение и фашистский плен. До апреля 1945 г. находился в концентрационном лагере в Альтенграбове. Когда узники были освобождены союзными войсками, юношу по его желанию переправили на родину. Войну он закончил, сражаясь в 3-м Гвардейском кавалерийском корпусе. После демобилизации в ноябре 1945 г. возвратился в институт и в 1947 г. блестяще его закончил, представив в качестве дипломной работы картину "Генерал Доватор". И хотя сразу же по окончании института его как зрелого мастера приняли в Союз советских художников, дальнейшее продвижение и официальное признание для недавнего узника концлагеря было невозможно. Положение меняется в 1950-х гг., после смерти И. В. Сталина. С 1956 г., когда Моисеенко впервые избрали в руководство Ленинградского отделения Союза художников, началось его стремительное восхождение. В 1970 г. Моисеенко присваивается звание народного художника СССР; в 1974 г. за цикл картин "Годы боевые" ему присуждена Ленинская премия; в 1976 г. - орден Дружбы народов. С 1958 г. Моисеенко начал преподавательскую деятельность в ИЖСА в качестве руководителя персональной живописной мастерской. Напряженная педагогическая работа не мешала его собственному интенсивному творчеству и не прекращалась до конца его жизни. В 1963 г. Моисеенко присвоено звание профессора кафедры живописи, в 1973-м он избран действительным членом АХ СССР. Персональная выставка художника, открывшаяся в марте 1982 г. в ГРМ, показала настоящий масштаб его дарования и невероятную, почти на пределе человеческих возможностей работоспособность. Традиционно считавшийся мастером тематической картины, Моисеенко раскрывается как одаренный портретист (портреты Н. Н. Золотарева, 1967; художника А. А. Осмеркина, 1970; искусствоведа Г. В. Кекушевой, 1971; "В Старой Ладоге. (Автопортрет с женой)", 1978; "Портрет матери", "Автопортрет", "Портрет жены", все 1979, и др.), автор поэтических пейзажей ("Пейзаж. Стежки", "Суздаль", оба 1968; "Цветет яблоня", "Озеро", "Дождик", "Вечер. Старые липы", "Ночной поселок", все 1973; "Зима. Серый день", 1977; "Темные деревья", "Зеленый май", "У пруда", все 1978) и плотно, размашисто написанных натюрмортов ("Натюрморт с античным торсом", 1971; "Гитары", 1972; "Натюрморт с жасмином", 1977; "Натюрморт с фреской", 1980, и др.). И все-таки именно тематическая картина определяет главное направление в творчестве художника. Искусство Моисеенко автобиографично по своей сути. Он изображает то, что пережил, что глубоко вошло в сознание. Уход из родного дома в отроческом возрасте и связанные с этим событием переживания обострили интерес Моисеенко к миру подростков. Он посвящает этой теме круг работ - от явно биографических ("Из детства", "У колодца", обе 1979) до многочисленных изображений мальчишек - купающихся, отдыхающих, увиденных в единстве с природой. Знаменательно, что духовно близкого ему С. А. Есенина художник также представил подростком ("Сергей Есенин с дедом", 1964). На протяжении всего творчества главной для Моисеенко остается тема войны, страдания, высоты человеческого духа, трагических потерь и счастья Победы. Он воспроизводит увиденное и пережитое (серия "Этого забыть нельзя", 1960-62; "Матери, сестры", 1967; "Победа", 1970-72; "Ветераны", 1978) и наряду с этим творит иную реальность, создавая удивительный сплав правды и мечты. Через романтическую поэзию Э. Г. Багрицкого, И. П. Уткина, М. А. Светлова воспринял и запечатлел художник эпоху гражданской войны. "Нас водила молодость" (1972-75) - назвал он одну из своих картин, акцентируя внимание на поэзии как источнике вдохновения. И другие его работы, посвященные теме гражданской войны, также овеяны романтикой поэтического восприятия мира ("Красные пришли", 1961; "Товарищи", 1963-64; "Вестники", 1967; "Черешня", "Комиссар", обе 1969; "Песня", 1978-80). Романтическое, возвышенное начало, явно просматривающееся в работах Моисеенко, не случайно. В них, конечно же, нашла отражение личность самого художника, но в не меньшей степени - и атмосфера времени, окрыленных, полных надежд 1960-х гг. с их высоко поднявшейся поэтической волной и песенными ритмами. И что бы в дальнейшем ни писал художник - солнечную Элладу, интеллектуальный Париж или близкую его сердцу Испанию, песенное начало присутствует в его живописи как ритм, поэзия - как атмосфера. От природы Моисеенко был щедро одаренным человеком. Он не только абсолютно видел цвет, но и абсолютно слышал слово. Его тяга к литературе - не просто дань времени, но и глубинная потребность творческой натуры. Любимый поэт - А С. Пушкин. К его образу художник возвращался постоянно, возможно ощущая некое родство с мятущейся душой поэта ("Пушкин в Болдине", 1974; "Пушкин", "Натюрморт с рисунком А. С. Пушкина", обе 1976; "Вечер. Пушкин", 1978). Одна из последних значительных работ Моисеенко посвящена умирающему Пушкину.