Понятие искусства
Искусство – это способ передать свои эмоции или выразить свои мысли. Искусство является важной частью культурной жизни людей. Существуют разные формы искусства.
Живопись, скульптура, фотография
Живопись характеризуется нанесением краски или цвета на поверхность. В живописи есть много жанров и стилей. Например, пейзаж, портрет и натюрморт. Известны имена многих живописцев, среди которых Леонардо да Винчи с его картиной «Мона Лиза» и Рафаэль с его «Сикстинской Мадонной».
Скульптура относится к изящным искусствам. Процесс работы характеризуется резьбой или лепкой. Основными материалами являются камень, глина и дерево.
Фотография также относится к искусству, но характеризуется применением различных технических приспособлений. Благодаря технологическому прогрессу, фотограф может создавать незабываемые снимки.
Театри кино
Театр – это вид искусства, в котором группа людей выступает перед аудиторией. Представление, как правило, основано на реальных или выдуманных событиях. Актеры общаются с публикой с помощью жестов, песен и слов.
Кино – сравнительно молодой вид искусства. В нем действие происходит на экране. Сегодня кино является очень популярным видом досуга.
Музыка и архитектура
Музыка всегда была важной частью человеческой жизни. Различные жанры музыки используются для расслабления, пробуждения и многого другого. Каждый слышал о Людвиге ван Бетховене, Вольфганге Амадее Моцарте и других великих композиторах.
Архитектурные работы также являются предметом искусства. Архитектура крайне многообразна. В архитектуре существуют различные стили, формы и направления. Нельзя не любоваться Собором Святого Семейства Антонио Гауди или Зимним дворцом Франческо Растрелли.
2/ Илья Репин
Илья Ефимович Репин родился в 1844 году в маленьком украинском городке Чугуеве, в семье военного поселенца. В детстве он учился иконописи. В возрасте 19 лет поступил в Санкт-Петербургскую Академию Искусств. Его приезд в столицу совпал с важным событием в художественной жизни 60-х годов — с так называемым «Бунтом четырнадцати», когда 14 молодых художников ушли из Академии, отказавшись изображать в своих дипломных работах мифологические сюжеты. Они считали, что искусство должно быть близким к жизни. Позже Репин будет тесно связан с некоторыми из этих художников — членами общества передвижников.
За свою дипломную работу (1871) Репин был награжден Большой Золотой медалью и получил стипендию для учебы за рубежом. Картина «Бурлаки на Волге» (1870-1873) стала первой большой работой, которую Репин создал после окончания Академии. Она сразу завоевала признание. В 1873 году Репин поехал за границу. Несколько месяцев он путешествовал по Италии, а затем поселился и работал в Париже до 1876 года.
В Париже он стал свидетелем первой выставки импрессионистов, но, судя по его работам того периода и из его писем домой, он не стал страстным последователем этой новой парижской школы живописи и не разделял мысль некоторых своих соотечественников, которые видели в импрессионизме опасное отступление от «правды жизни».
После возвращения в Россию Репин поселился в Москве. Он был частым гостем в Абрамцеве — загородном имении Саввы Мамонтова, одного из самых известных российских меценатов. Это был очень плодотворный период его творчества. В течение 10-12 лет Репин создал большую часть своих картин.
В 1877 году он стал рисовать картины на тему крестного хода: «Крестный ход в Курской губернии» (1880-1883). Композиция основана на поразительном эффекте разного отношения участников процессии к чудотворной иконе, которую несут во главе крестного хода. Существовали два варианта этой картины. Второй, завершенный в 1883 г., стал более популярным. С первого взгляда зритель открывает в толпе множество социальных типов и характеров.
Серия картин, посвященных революционной тематике, заслуживает особого внимания. Бесспорно, художнику очень хотелось создать персонаж борца за социальную справедливость. Круг социальных, духовных и психологических проблем, которые не оставили Репина равнодушным, отражен в его работах «Не ждали» (1884) и «Отказ от исповеди» (1879-1885).
Репин является автором множества портретов, которые составляют важную часть его творческого наследия. Репин никогда не рисовал образ, он рисовал реальных людей, ему удавалось изобразить настоящее, естественное состояние, отобразить стиль общения человека с миром. Таковы «Портрет композитора Модеста Мусоргского» (1881), «Портрет хирурга Николая Пирогова» (1881), «Портрет писателя Алексея Писемского» (1880), «Портрет поэта Афанасия Фета» (1882), «Портрет художественного критика Владимира Стасова» (1883), «Портрет Льва Толстого» (1887) и многие другие, отличающиеся силой визуальных характеристик и четкостью и точностью выполнения.
Репин редко рисовал на историческую тематику. Самая известная его картина в этом жанре — «Иван Грозный и его сын Иван» (1895). Экспрессивная, насыщенная композиция и глубокий психологизм в создании образов производят неизгладимое впечатление на зрителя. Еще одна известная картина, выполненная в этом жанре, — «Ответ запорожских казаков султану Махмуду IV» (1880-1891). Правдиво передан дух свободолюбивых запорожцев, которые, со слов художника, имели особенно сильное чувство «воли, равенства и братства», что, несомненно, делает картину такой выразительной. Современники считали эту картину символом народа, сбрасывающего свои оковы.
Последняя четверть XIX в. — лучший период в творчестве Репина, и хотя его творческий путь завершился в XX веке (художник умер в 1930 г.), он не создал в XX веке никаких шедевров. После революции 1917 года он жил и работал в своем имении Пенаты в Финляндии. Там есть музей Репина. Посетители музея могут ознакомиться с жизнью художника и его картинами.
Серов
Валентин Александрович Серов-выдающийся русский художник. В детстве учился у Ильи Репина. Наибольшее влияние на Серова оказали картины старых мастеров в музеях России и Западной Европы, дружба с Михаилом Врубеландом позже с Константином Коровиным, а также творческая атмосфера Абрамцевского колониального кружка, с которым он был тесно связан.
Наибольшими работами раннего Серовского периода были портреты (девушка с персиками (1887), девушка, покрытая 5-х»i " (1888). В этих картинах Серов сосредоточился на спонтанности восприятия модели и природы. В разработке света и цвета, в насыщении среды воздухом, в свежести восприятия мира появились черты раннего русского импрессионизма.
С 1890 по, портрет стал основным жанром в искусстве Серова. Любимыми моделями Серова были актеры, художники и писатели (Константин Коровин, Исаак Левитан, Николай Лесков, Николай Римский-Корсаков). Он часто производил интимные, камерные портреты, в основном детей и женщин. В портретах детей Серов умудрился запечатлеть позу и жест, искреннюю чистоту и ясность отношения ребенка {дети, Мика Морозов).
Получив широкую популярность, став в 1894 году партнерами с Передвиж-ники, Серову пришлось работать намного выше заказных, как правило, умных портретов (портреты великого князя Павла Александровича, его портреты С. М. Боткина и Ф. Ф. Юсупова). В этих правдивых, композиционных!} искусные и живописные картины Серов использовал декоративные цветовые сочетания.
В 1890 году к началу 1900 года Серов произвел много пейзажных композиций на деревенскую тематику. Во время своего позднего периода (который начался в 1900 году) Серов был связан с "миром искусства", членом которого с самого начала был Серов.
На рубеже веков Серов находился в переломном месте стилистики: из его творчества исчезли черты импрессионизма, развивался его модернистский стиль, в середине 1900 года Серов создавал героические портретные образы; выбрав для них Жанр умного портрета, Серов развивал былую тему обретения художником свободы в раскрытии таланта и его общественной значимости (портреты Максима Горки); Мария Ермолова, Федор Шаляпин.
Демократические убеждения Серова была четко продемонстрирована во время революции с 1905 по 1907: будучи действительным членом Петербургской Академии художеств с 1903 года, в 1905 году он покинул его в знак протеста против расстрела 9 января. В его позднем творчестве доминировали историческая живопись (отъезд Петра ФС и императрицы Елизаветы Петровны на охоте, 1900) и глубина осмысления эпохи ("Петр").
Искусство
играет огромную роль в нашей жизни. Оно формирует наше восприятие и отношение к миру, дает нам более полную многообразную картину мира, позволяет нам узнать что-то новое, ранее не известное. Это может помочь человеку открыть себя, по-новому взглянуть на этот мир.
Искусство выражается в различных работах. Это может быть музыка и фотографии, инсталляции и арт-объекты, и т.д. Из всех искусств я предпочитаю кино, музыку, живопись.
В этом эссе я хотела подробнее поговорить о живописи. Мое любимое направление в искусстве - это сюрреализм. Мне всегда были очень интересны картины, выполненные в этом жанре. Многие люди не любят сюрреализм, но я считаю, что это связано с тем, что сюрреалистические картины требуют обдумывания. Каждый может увидеть в них что-то свое. Скрытый замысел, загадка всегда есть в подобных картинах. На мой взгляд, это очень интересно. Такое хобби как рисование развивает творческие навыки и творческое мышление человека. Мой любимый художник - это Сальвадор Дали, и любимая картина - это " Постоянство времени". Его картины, на мой взгляд, наилучшим образом отражают суть сюрреализма.
Тем не менее, я хотела бы добавить, что все виды живописи важны, необходимы и интересны. Например, мне также нравятся картины Айвазовского, Репина, особенно «Садко в подводном царстве ", Рембрандта, Ван Гога.
Искусство развивает внутренний мир человека, позволяет нам открыть себя по-новому и дает нам место для творчества и фантазии. Я считаю, что искусство, культура являются неотъемлемой частью нашего существования. На мой взгляд, было бы трудно представить дальнейшее развитие человечества без искусства, потому что оно учит нас красивым, новым, захватывающим, необычным вещам.
Искусство
Искусство определяется в энциклопедиях как процесс и результат создания материальных произведений, отражающих красоту или реальность. "Творческие искусства" обозначают ряд дисциплин, целью которых является создание материальных вещей, которые отражают послание, настроение и символы для зрителя, чтобы интерпретировать.
Искусство включает в себя различные формы, такие как проза, поэзия, танец, актерское мастерство, скульптура, живопись, музыка и т.д. Термин "искусство" часто означает "Изобразительное искусство" — живопись, скульптура, рисунок, гравюра. Искусство установки, мебель, проектирование промышленного объекта, графический дизайн и другие включены в прикладных искусствах. Существуют различные виды искусства, включая Изобразительное искусство и дизайн, декоративно-прикладное искусство, пластическое искусство и исполнительское искусство. Художественное выражение может принимать различные формы: живопись, графика, гравюра, скульптура, музыка и архитектура. К новым формам относятся фотография, кино, видеоарт, концептуальное искусство, перформанс арт, земельное искусство, мода, комиксы, компьютерное искусство. В каждой форме может существовать широкий спектр жанров.
Из всех видов искусства я предпочитаю живопись и музыку. Я действительно заинтересован в живописи по нескольким причинам. Во-первых, это один из древнейших видов искусства. Люди рисовали около 6 раз, пока они писали. Старейшая найденная картина насчитывает более 32000 лет. Живопись-это форма искусства, которая, по мнению многих, выражает чувства и идеи в визуальной форме. Используя визуальные образы-цвета, свет и оттенок, формы и формы, художник дает нам понять его представление о жизни, поделиться своими чувствами и насладиться красотой мира. Во-вторых, живопись предлагает Вам широкий выбор стилей, она позволяет нам быть такими специфическими или абстрактными, как нам нравится. Из широкого спектра различных художественных школ и стилей (реализм, импрессионизм, кубизм, фовизм, сюрреализм, модернизм, поп-арт и др.) вы можете выбрать один по своему вкусу. Художественные школы, которые я предпочитаю, - это реализм и импрессионизм, поскольку я думаю, что они наиболее отчетливо и ярко изображают форму и настроение.
Второй вид искусства мне очень нравится-это музыка. Термин "музыка" трудно определить. Это можно объяснить, например, искусством создания приятных комбинаций звуков в ритме, гармонии и контрапункте. Музыка, которую делают композиторы, может быть услышана через несколько СМИ; самый традиционный способ-услышать ее вживую, в присутствии исполнителей. Живая музыка может также транслироваться по радио, телевидению или интернету. Во-первых, музыка помогает мне расслабиться и снять стресс. Когда я слушаю музыку, классику, джаз, рэп или любой другой тип музыки, который мне нравится, я забываю о проблемах повседневной жизни; музыка обеспечивает побег от повседневных проблем. Стресс тает, как я принимаю в красоту музыки. Это может помочь мне чувствовать себя спокойно и глубоко расслабленным. Во-вторых, музыка влияет на мои эмоции. Каждый Тип музыки задает отличное настроение и меняет мое. При этом он обращается и к моему разуму и подсознанию. Как бы мне ни было грустно, расстроено или смущено, я слушаю веселую или нежную музыку, и мое настроение меняется.
Есть много отделов и групп музыки. Среди более крупных жанров классическая музыка, популярная музыка или коммерческая музыка, кантри и народная музыка. Классическая музыка утонченная и утонченная, но это универсальная форма общения, исторически это была музыка высших слоев общества. Популярная музыка-это музыка, принадлежащая любому из ряда музыкальных стилей, доступных широкой публике; она в основном распространяется коммерчески. Иногда он сокращается до поп-музыки, хотя поп-музыка чаще используется для более узкой ветви популярной музыки. Поп-музыка обычно запоминающаяся, с голосами, текстами, инструментами, создающими броские мелодии. Поп-музыка привлекает слушателей благодаря легким звуковым изображениям.
Ванн гог
Винсент Ван Гог
Винсент Ван Гог родился в Голландии в 1853 году.
Перед тем как стать художником, он бы учителем.
Он начал рисовать в возрасте 27 лет. В 1886 году он уехал из Голландии и присоединился к своему брату Тео, который жил в Париже.
Здесь были нарисованы некоторые из лучших его картин.
Прожив здесь два года, он переехал в южную Францию, потому что климат здесь был теплее.
Но Ван Гог был душевнобольным. Во время одного из приступов сумасшествия он напал на друга, художника Поля Гогена.
Во время другого приступа он отрезал себе часть уха. В конце концов он попал в больницу для душевнобольных, но состояние его не улучшилось.
В итоге 27 июля 1890 года в маленькой деревне Винсент Ван Гог взял ружье, вышел в кукурузное поле и застрелился. 36 часов спустя Ван Гог умер у брата на руках.
Его последние слова были: «Я надеюсь, что сделал правильно». Никто не рисовал так кукурузные поля и подсолнухи, как Ван Гог. Его картины полны красок и солнечного света.
Сегодня его картины стоят миллионы фунтов, но при жизни он продал лишь одну.
Британские музеи
В Лондоне много музеев. Один из них - Тэйт галерея в Милманке, в которой представлены современные художники Англии и Франции. Здесь есть несколько прекрасных образцов современной скульптуры. Коллекция французских импрессионистов - потрясающая. На Бромптон Роад находится музей Виктории и Альберта. Там хранится выдающаяся коллекция прикладного искусства всех стран и периодов.
Национальная галерея в Трафальгар-сквере имеет самую лучшую в мире коллекцию картин. В ней находится очень ценная выставка французских полотен ранних импрессионистов и, конечно, прекрасная английская живопись Гейнсборо, Тернера, Констебла и других. Она демонстрирует развитие итальянской живописи со времен средневековья до Ренессанса, некоторые выдающиеся картины древних римских художников. В ней широко представлены голландские и фламандские мастера и есть большой перечень работ испанских художников. Многие шедевры разбросаны в частных коллекциях по всему миру. Королевская коллекция наиболее ценная среди них.
Томас Гейнсборо
был одним из самых известных портретистов и пейзажистов Великобритании 18-го века. Поэтическая чувствительность его картин заставила Констебля сказать: "глядя на них, мы находим слезы в наших глазах и не знаем, что их приносит.'
Гейнсборо родился в 1727 году в городе Садбери, Англия. Его отец был школьным учителем. В возрасте четырнадцати лет он поразил отца своим штриховки навыки, так что он пусть едет в Лондон, чтобы изучать искусство в 1740 году. В Лондоне он стал ассоциироваться с Уильямом Хогартом и его школой. В 1740-х годах, Гейнсборо женился на Маргарет Барр. Его работы, в основном пейзажная живопись, продавались не очень хорошо. Он вернулся в Садбери в 1748-1749 годах и сосредоточился на живописи портретов.
В 1759 году Гейнсборо и его семья переехала в Бат. Там он изучал портреты Ван Дейка и смог привлечь клиентов высшего общества. В 1769 году он начал отправлять свои работы на ежегодных выставках Королевской Академии. Он подбирал портреты известных или пресловутых клиентов, чтобы привлечь внимание. Выставки помогли ему обрести национальную репутацию, и он был приглашен стать одним из основателей Королевской Академии в 1769 году.
В 1774 году Гейнсборо и его семья переехала в Лондон, он снова выставлял свои картины в Королевской Академии, с портретов современных знаменитостей, в том числе герцог и герцогиня Камберлендская. Эти выставки продолжались в течение следующих шести лет. В 1780 году он написал портреты короля Георга III и его королевы, а затем получил множество королевских поручений и стал любимым художником королевской семьи.
В свои поздние годы он часто рисовал пейзажи и был одним из создателей британской пейзажной школы XVIII века и одним из доминирующих британских портретистов второй половины XVIII века. Гейнсборо писал больше из своих наблюдений за природой, чем с использованием формальных правил. Он сказал, ТМ тошнит от портретов, и очень сильно желает... прогуляйтесь до какой-нибудь милой деревни, где я могу рисовать пейзажи и наслаждаться концом жизни в тишине и непринужденности.'
Его лучшие работы, такие как портрет миссис Грэм; Мэри и Маргарет: дочери художника; Уильям Халлетт и его жена Элизабет, и девушка коттеджа с собакой и кувшином, демонстрируют индивидуальность своих предметов.
Гейнсборо умер от рака 2 августа 1788 в свой 62-й год.
История дизайна
В термин “дизайн” появился в нашей стране не так давно. Прямые перевод этого термина с английского языка сначала дал нам приблизительное смысл “картины”; но теперь мы можем использовать его также в значении строительства или планирования.
В 1907 был создан промышленный союз в Германии, который объединил промышленников, архитекторов, художников и купцов. Ее создание было требовали экономические и эстетические причины для того, чтобы выиграть международном рынке. Основатель, архитектор немецкого Mutezius, был там как президент Союза “Веркбунда” до 1914 года.
Как цель Союза хотели реорганизовать ремесленное производство в промышленные и создать некоторые общие или идеальные образцы для производство; они “вели борьбу” с дополнительным украшением товары. Их программа была посвящена применению и выбору лучшей идеи и возможности в области искусства, торговли, производства для того, чтобы объединить крупнейших представителей промышленного. Самое главное события того времени было приглашение Петера Berence как искусство директор в большой электрической компании, которая производила разные электрический персонал: лампы, двигатели, инструменты. Как владелец хотел производства широко распространена во всем мире рынок, поэтому он был заинтересованы в создании нового имиджа своей фирмы (это был инновации в продвижении товаров этого периода).
В 1919 в маленьком немецком городке Weiniar была создана “Баухауза”– первое заведение для подготовки художников для работы в промышленности. В руководителем предприятия был германским архитектором Вальтером Гропиусом, а бывший студент Питер Berence по. За очень короткий период “Баухаус” удалось превратиться в крупный дизайн-центр подготовки.
В первый студенческий год специализированный курс для изучения керамики, мебель, текстиль. В исследование были включены технические дисциплины – Werklehre и художественного курса -Kunstlehre, а также некоторые знания в ремесленничество является необходимым для будущего дизайнера. Баухаус товарами отличались в области дизайна и графики. Техническая подготовка состояла из изучение инструментов, металл-технологии работы и лечения и т. д. В студентов учили все особенности формования и цвет смешение восприятия. Он был известен как современная лаборатория промышленного товары строительства. После переезда в Дессау в колледже дали здания, содержащие кабинетов, мастерских и общежитии. Во время последние годы изучение теоретических основа была увеличена в программу обучения. Но после того как руководитель уехали в Россию в 1930 году училище было закрыто.
Сальвадор Дали
Дали больше всего известен своими сюрреалистическими работами, и многие считают его самым выдающимся сюрреалистом своего времени. Но чтобы понять тайну, которой являлся Сальвадор Дали, необходимо посмотреть назад — на его детство, на семью, на то, чем он жил.
Дали родился в городке Фигерас, Испания. Дали, являвшегося единственным молодым мужчиной в доме, где большинство членов семьи составляли женщины, очень сильно баловали. Баловала мать, и бабушка, и тетя, и даже няня.
Всего этого внимания было недостаточно для Дали, и он постоянно искал способ привлечь еще больше внимания. Он был очень капризным ребенком.
К 10 годам Дали начал выказывать интерес к искусству. Он сделал свой первый рисунок. К15 годам он уже устроил свою первую художественную выставку.
В 1921 году семнадцатилетний Дали поступил в школу изящных искусств в Мадриде, надеясь удовлетворить свой интерес к футуризму и кубизму/Однако Дали был исключен из школы на год за подстрекательство студентов к мятежу против администрации школы. В 1926 году школа решила исключить его по той же самой причине.
В1929 году Дали заинтересовался сюрреализмом и присоединился к этому движению. Он начал развивать свой метод, который в дальнейшем назовет «параноидально-критическим» и опишет как «спонтанный метод иррационального знания».
В 1929 году он встретил Галу Элуард, с которой тайно сбежал в 1932 году. Она стала его моделью, его агентом, его вдохновением и в конце концов целью его жизни. Она станет единственной женщиной во всей его последующей жизни.
В последующие годы Дали занимался рисованием меньше. Он начал читать идеи Фрейда и нашел новое вдохновение. Он был очарован состоянием полубессознания, состоянием человеческого сознания между сознательным и бессознательным. В этом состоянии разум свободен от запретов, налагаемых логикой или обществом. Вместо того чтобы анализировать это состояние, как делал Фрейд, Дали просто хотел исследовать его и найти способ выразить через искусство.
Может из-за того что это ему надоело или, возможно, чтобы не сойти с ума, Дали отошел от сюрреализма и в 1936 году вернулся к классическому искусству. Он экспериментировал с несколькими типами классического искусства, включая испанскую и итальянскую классику.
В 1930-х он сильно заинтересовался идеями Гитлера, но никак не Ленина, которому симпатизировали другие сюрреалисты. Это создало напряжение в отношениях с его друзьями, и в 1939 году он решил переехать в США.
В Соединенных Штатах он участвовал в съемках нескольких фильмов. Некоторое время исследовал религиозные темы в своих работах, также стал вводить эротические сцены в свои картины.
В 1981 году Сальвадору Дали был поставлен диагноз «болезнь Паркинсона». Его возлюбленная Гала умерла в следующем году. Казалось, смысл его жизни исчез. 77-летний Дали впервые в жизни потерял вдохновение к своему творчеству. Он потерял интерес к рисованию.
В 1989 году, когда Дали было 85 лет, его болезнь, которую у него обнаружили в 1981 году, взяла верх и выдающегося сюрреалиста своего времени не стало. Он был похоронен в могиле под своим музеем в его родном городе Фигерас.
Его вклад в мир искусства можно видеть в работах многих современных художников и можно предположить, что влияние Сальвадора Дали будет ощущаться еще многие годы.
Эволюция в дизайне и технологиях
Среди самых ранних зарегистрированных упоминаний о дизайне происходит из Египта. Первыми дизайнерами были архитекторы примерно из 3000 года до нашей эры. Они были проектировщиками, а не строителями, и они опосредовали меценатов и строителей.
Они были в союзе со священниками и высшим образованием. Дизайн был связан прецедентом и мало менялся с течением времени, а знания передавались через семьи в течение целых 25 поколений. Технологии дизайна включили камышовые ручки, правители, квадраты, и треугольники. Материалы включали кожу, деревянные панели, известняк и лепные таблички.
В древнегреческом языке дизайнеры все еще были архитекторами, но они удвоились как строители и инженеры. Обучение ведется в частной школе и ученичестве. Технология существенно не отличалась от Египетской.
Дизайн (и архитекторы) стал все более важным в римские времена. Образование было более продолжительным в гуманитарных науках, а затем с устоявшимся мастером. Технологии проектирования включали разработку и комплексное построение масштабных моделей.
В раннем средневековье роль дизайнера или архитектора по-прежнему была важной, но статус работы упал. Чертежи были тщательно детализированы с использованием редакционных инструментов. Здания и дизайн, как правило, были элегантными.
Инструменты и технологии проектирования оставались достаточно постоянными до последних двадцати пяти лет. Они улучшились в качестве и количестве, но остались в качестве инструментов механического рисования, моделирования и прототипирования.
Были разработаны технологии иллюстрации, такие как аэрография, но появление компьютера породило автоматизированные инструменты проектирования. Эти включают механически чертя замены как CAD, инструменты иллюстрации как трехмерные программы иллюстрации с затенять полного цвета полный с тенями и отражениями, и вычислительные инструменты для того чтобы произвести материальные списки и анализ цены.
Дизайнеры в этом веке включают в себя архитекторов, графических дизайнеров, дизайнеров интерьера, промышленных дизайнеров, дизайнеров упаковки, автомобильных дизайнеров.
В этом столетии был отмечен ряд изменений в дизайне, которые оказали значительное влияние на дизайн. Bahaus-школа дизайна, основанная в Германии в 1930-х годах. Несколько классических дизайнов мебели были созданы выпускниками от Bahaus. Влияние этих частей очевидно в очень самомоднейшей или современной мебели. Американские дизайнеры, такие как Eames и Frank Lloyd Wright, также оказали большое влияние на современный дизайн.
Самые незамеченные, и, возможно, самые влиятельные, современные дизайнеры, вероятно, работают в индустрии моды. Они конструируют все от одежд к духу, к самому последнему “взгляду”.
Проектирование считается процессом, необходимым для всех технологических разработок. Это, по определению, процесс создания технологического решения проблемы. Технологии проектирования могут применяться и применяются практически ко всему, что мы делаем. Большую часть времени мы делаем это очень неофициально, например, когда мы набросаем план комнаты и нарисуем мебель на нем.
Леонардо да винчи
Никто не станет спорить, что Леонардо да Винчи (1452-1519) — один из величайших художников. Его «Тайная вечеря» — одна из самых известных картин в мире. Но Леонардо стал бы знаменитым, даже если бы ничего не нарисовал. Ведь он был и великим изобретателем. Он изобрел ручную тележку, военный танк и роликовые подшипники. Он спроектировал многие виды оружия и механизмов. Он также проводил эксперименты с моделями аэропланов и подводных лодок.
Кроме того, Леонардо был великим ученым и конструктором. А еще он был поэтом, музыкантом и скульптором. Наверно, больше никому в истории человечества не удавалось научиться стольким вещам за свою жизнь. Конечно же, Леонардо да Винчи можно по праву назвать гением.
Леонардо родился в селении Винчи в Италии. Большую часть своего детства он провел с родителями отца. Леонардо был красивым мальчиком с кудрявыми волосами и голубыми глазами.
Когда его отец заметил, что мальчик интересуется рисованием, он отправил его к замечательному художнику и учителю. Однажды Леонардо нарисовал прекрасного ангела на картине своего учителя. «Ты — более великий художник, чем я, — сказал учитель, — я не буду больше рисовать».
Спустя какое-то время отец Леонардо решил, что не будет больше платить учителю. Он считал, что его сын проводит слишком много времени, изучая камни и растения, наблюдая за птицами, пытаясь выяснить, как устроено их тело, и создавая модели механизмов. Но Леонардо остался у учителя в качестве помощника. Он оставался с ними почти до 25 лет. Потом он начал рисовать самостоятельно, сначала во Флоренции, потом в Милане и Венеции, а в конце своей жизни — во Франции.
Идеи Леонардо многие художники переносили на свои полотна. «Пусть, — говорил он, — я буду создавать. А они пусть копируют».
Итак, великий художник оставил после себя немного картин, у него было много идей, и он создал множество замечательных эскизов карандашом и чернилами. Но у Леонардо было так много разных интересов, что он не мог себе позволить часами сидеть над одной картиной.
Некоторые его картины утеряны из-за любви художника к экспериментам. Он смешивал краски с воском, работая над замечательной фреской, изображающей конный бой, но воск растаял, и изображение исчезло.«Тайная вечеря» находится на стене часовни в Милане. Эта картина стала известной задолго до того, как была завершена.
Картины Леонардо так красивы, что их так же трудно описать, как прекрасную музыку. Лица людей на картинах очень выразительны. Он по-новому использовал свет и тень, чтобы сделать своих персонажей боле естественными.
Одно из полотен Леонардо называется «Мона Лиза». Это портрет женщины с легкой улыбкой на лице. Портрет заказал муж этой женщины. Но Леонардо картина так понравилась, что он оставил ее себе. Он забрал ее с собой во Францию, где он провел свои последние годы, работая придворным художником короля Франции. Теперь эта картина — одна из сокровищ парижского Лувра.