Главный приз в конкурсе эскизов для павильонов парижского метро получил архитектор Дэрэ, но парижская мэрия отклонила его проекты, и работа была поручена Гимару, прежде всего, благодаря тому, что президент административного комитета метрополитена, банкир Адриан Бенар, симпатизировал стилю ар-нуво в целом и манере Гимара в частности.
Сейчас сложно представить себе Париж без чугунных, цвета бронзовой патины павильонов метро. Историки искусства единодушны в том, что павильоны – шедевр пластики, а парижский ар-нуво часто называют стилем метро, но отношение современников к необычным, шокирующим сооружениям было весьма неоднозначным.
«Провокационная порнография м. Гимара и Бенара» – так называется статья, подписанная викарием, отцом Августином Коттаром, опубликованная в Парижской газете La Сroix от 17 марта 1902 года. По названию можно решить, что статья исследует скрытые эротические мотивы в творчестве архитектора. Вовсе нет.
Отец Коттар от имени группы своих союзников с отвращением и ненавистью уличает Гимара во всех грехах, «изобличает» его искусство – в частности, павильоны парижского метро. Коттар считает искусство Гимара «оскорбительным» и «кощунственным». В вину архитектору викарий ставит использование грубых материалов, искажение природы, отображение «монстрообразных форм». По мнению критика, Гимар, вместо того чтобы пытаться достичь необходимого для спасения души совершенства форм, уродует, деформирует их.
Нападает Коттар и на Адриана Бенара, президента Общества парижского метрополитена, который был заказчиком проектов Гимара. Викарий отмечает «сомнительный» вкус заказчика и преступность его деятельности.
Отто Вагнер
Отто Коломан Вагнер родился 13 июля 1841 года в предместье Вены Пенцингс в семье венгерского нотариуса Рудольфа Симеона Вагнера, женатого на дочери богатого придворного архивариуса Сусанне Хельфеншторфер.
С 1850 года Отто посещал классическую гимназию, затем - духовный приют бенедиктинцев в Кремэмюнстере. Мать мечтала сделать из сына юриста, но Отто избрал карьеру архитектора и в 1857 году поступил в Венский политехнический институт. Спустя несколько лет он перешел в Королевскую строительную Академию Берлина. В 1861 году Отто вернулся в Вену и поступил в Академию изящных искусств. В 1863 году он успешно завершил свое академическое образование, представив проект курзала. Некоторое время Вагнер работал в мастерской Людвига Ферстера и вскоре начал самостоятельную практику.
Отто Вагнер очень популярен и книги о нём есть не то, что у архитекторов, но, кажется, у каждого пятого, поэтому ограничимся минимумом информации (впрочем, в конце дам пару ссылок), только впечатления, которых осталось масса. Дома по Линке Винцайле выходят главными фасадами на очень широкую улицу, но вся она занята рынком, отчего достаточно сложно сделать хорошие снимки, и у туристов, таких как мы, часто выходят корявые фотографии, поэтому действительно насладится красотой этих зданий можно лишь на месте, либо глядя на редкие удачные снимки профессионалов. главное, чего не могут передать фотографии - это то, как эти дома устроились в городе, они будто драгоценное украшение, лежащие в куче обычных вещей, рядом лежат фургоны, торговые палатки, светофоры, серые коробки из под других домов, и среди всего этого, в самом центре, сверкая и переливаясь, устроились Вагнеровские бриллианты. да-да, именно так всё это и воспринимается.
Продолжая старательно обходить самый центр Вены, мы пришли к Сберегательному банку Австрии, правда, сейчас это не банк, а музей (кстати, здесь можно купить очень хорошие, но дорогие книги и сувениры, так книга о Вагнере стоила там около 40 евро). внутри стоит мебель, разработанная для этого проекта, великолепные радиаторы отопления - всё, как было после окончания строительства. Вагнера многие считают первым архитектором новой модернистской эпохи, и авангардный банк Австрии это явственно демонстрирует.
Йозеф Ольбрих родился в Опаве (Моравия) 22 ноября 1867г. Окончил Государственную ремесленную школу в Вене (1882-86). Одним из его учителей был Камилло Зитте - известный градостроитель и теоретик архитектуры. После 4 лет практики в своем родном городе вернулся в Вену. Здесь окончил Академию изящных искусств (1890-93) под руководством О. Вагнера. За свой дипломный проект "Театр в формах необарокко" получил Римскую премию и был направлен на год в Италию (1893). В 1894 он вернулся и стал помощником в фирме О. Вагнера и его приемным сыном. Под руководством Вагнера много проектирует, в том числе несколько станций Городской железной дороги. В том же 1894 году вступил в Ассоциацию венских художников. Один из основателей объединения "Венский Сецессион" (1897). Для Сецессиона в 1597-98 построил здание - первое, известное под его собственным именем. Это выдающееся здание, с одной стороны, вызвало грандиозный скандал, а с другой - привлекло ему множество клиентов. Открыв свою контору в 1898, начал проектировать дома для бизнесменов и людей, близких кругу сецессионистов.
В конце XIX - начале XX в. Йозеф Ольбрих по приглашению герцога Дармштадтского обосновался в Германии, где стал одним из основателей Дармштадтской колонии художников (1899), в которую входили X. Христиансен, Р. Босселт, П. Бюрк, П. Губер, Л. Хабих, П. Беренс, впервые заявившие о себе как о художественном объединении на парижской выставке 1900. В 1901 Дармштадтская колония открылась как выставка. Ее успех закрепил имя Ольбриха в ряду творцов нового стиля. С этим периодом связаны наиболее значительные его работы, такие как дом Эрнста Людвига (1899-1901), собственный дом, дом артистов и виллы, здание выставки (1899-1901), дома И. и Г. Штад (1901-02) и др.
Тогда же Ольбрих по приглашению великой княгини Елизаветы Федоровны принял участие в Московской выставке нового стиля. Его постройкам этого периода свойственны смелость конструктивных решений, сочетание функциональных и декоративных начал; выразительное сопоставление монументальных объемов из камня с легкими формами из стекла.
В архитектурных работах 1902-04 появляются признаки упадка, зато в этот период Ольбрих начинает создавать предметы декоративного искусства, и весьма успешно. Новый период творчества Ольбриха приходится на 1905-08, когда он создает наиболее совершенные в архитектоническом отношении работы. В 1914 на выставке в Кельне, уже после своей преждевременной смерти, Ольбрих наряду с П. Беренсом и Г. Ван дер Вельде был назван одним из 12 апостолов современной архитектуры, которые помогли ей вступить в новый век, открыв путь для нового сообщества архитекторов. Сооружениям Ольбриха свойственна ясность и законченность силуэта, оживление больших плоскостей ритмом окон различной конфигурации, использованием полихромии.
Умер Ольбрих в Дюссельдорфе 8 августа 1908г.
Антонио Гауди
Кто же он такой – Антонио Гауди? Великий архитектор, ниспровергатель авторитетов и законодатель мод. Модернист, творивший вне устоявшихся стилей. Человек, который почти не работал с чертежами. Архитектор, специалист, в основе труда которого лежит скрупулезный математический расчет (а так оно и было), Гауди пользовался набросками здания в импрессионистском стиле. То есть общие очертания, форма, но ни дотошной детализации, ни конструктивных элементов. Главным его инструментом были воображение, интуиция и... вычисления в уме. Можно сказать, он был Эйнштейном в архитектуре (или наоборот – Эйнштейн был Гауди в теоретической физике: все же Антонио Гауди был намного старше).
Гауди был крайне необщителен и даже замкнут. С людьми – со своими работниками – был жёсток и даже жесток. Аскет, который питался кое-как и кое-как одевался. Он не признавал роскоши и богатства – когда дело касалось лично его. Но строил при этом роскошные здания. Саграда Фамилиа главное творение Гауди. И, представьте себе, все деньги, что он зарабатывал в должности архитектора храма, Гауди вкладывал в само строительство. Он много лет работал бесплатно, не считая себя в праве присваивать народные деньги, – а храм строился на пожертвования богатых и бедных барселонцев.
После себя Гауди не оставил никаких записей. Близких друзей у него не было. И многие обстоятельства его жизни так до сих пор и не прояснены... А что говорят о Гауди сами каталонцы? Спросите любого – они его боготворят.
Гауди родился 25 июня 1852 года в небольшом городке Реус. Болезненный, страдающий ревматизмом ребёнок, он был лишён общения со сверстниками. Часами Антонио мог проводить время у моря, любил длительные прогулки в одиночестве. Отсюда его наблюдательность, любовь к природе и песочным замкам, которые напоминают все его здания.
Ощущения пространства пришло к нему, по его собственным словам, в мастерской отца – мастера котельных дел.
В 1878 году Гауди закончил школу архитекторов. Еще в студенческие годы он воодушевился идеями неоготики, которые несли французский архитектор и писатель Виолле-ле-Дюк (крупнейшего в XIX в. реставратора готических соборов, восстанавливавшего Собор Парижской Богоматери) и английский критик и искусствоведа Джон Рёскин. Девиз мастеров: "Декоративность – начало архитектуры" полностью совпадал с ощущениями Гауди.
Судьбоносным событием в его жизни стала встреча с промышленником и меценатом, богатейшим человеком Барселоны Эусеби Гуэлем. Позже они станут большими друзьями. Гауди – жаждущий творить и Гуэль – способный осуществить свою самую не бывалую фантазию.
Гауди и Гуэль осуществили несколько проектов, которые принесли архитектору славу. Заказы посыпались одни за другим. Заказчики, готовые выкинуть на строительство полсостояния, изначально верили в гениальность архитектора, пролагающего новый путь в архитектуре.
7 июня 1926 года Гауди вышел из дома по направлению к церкви Сант-Фелип-Нери. Между улицами между улицами Жирона и Байлен архитектора сбил трамвай (говорят, это был первый трамвай запущенный в Барселоне). Гауди потерял сознание. Прохожие не придали особого значение, а извозчик отказался везти в больницу оборванного неизвестного старика без денег и документов.
Гауди все же доставили в больницу, но для нищих. Распознать в раненом старике Гауди смогли лишь на следующий день, однако к тому времени помочь ему было уже нельзя.
10 июня 1926 года самый необычный архитектор мира скончался. Спустя два дня его похоронили в крипте недостроенного им собора.
ЖИВОПИСЬ. ГРАФИКА
ОБРИ ВИНСЕНТ БЁРДСЛИ/БЕРДСЛЕЙ (21 августа 1872-1898)
«Будем откровенны! – сонные, мы просыпаемся теперь с улыбкой лишь от острого запаха, от крикливого диссонанса, от пронзительно-яркого облика. Мы в тайниках души с безумным напряжением ждем светлого своим искусством скандала – скандала, властного разорвать серый покров нашей дремы… Всё так надоело. Всё так повторно кругом»
Отец – из семьи лондонских ювелиров, мать – из семьи врачей.
Наследственная болезнь отца – туберкулез, в 1879 – Обри узнал, что болезнь передалась и ему.
Рисовать начал с 4-х лет
Июнь 1887 – журнал Брайтонской средней школы (где Обри был пансионером) напечатаны его рисунки
Июль 1888 – поступил чертежником в студию архитектора
12 июля 1891 – Бердслей посетил Берн-Джонса: который сказал, что ему будет полезно пройти хорошую художественную школу – реакция Бердслея: карикатура на себя, на которой Рафаэль, Тициан и Мантенья спускают его с лестницы Национальной галереи, а Микеланджело замахнулся на него молотком (эта шутка была уничтожена)
График, драматург, поэт
Говорил, что учился у Дюрера
25 марта 1898 года – Бердслей скончался
1. Иллюстрации к книге «Смерть Артура», осень 1892
Томас Мэлори в XV веке объединил все легенды о короле Артуре
«Эскáлибур» - меч в камне
2. Иллюстрации к пьесе О.Уайльда «Саломея»
по пьесе О.Уайльда «Саломея»
3. Оформление журнала «Савой», с января 1895 года
ГУСТАВ КЛИМТ (1862-1918)
Родился в Баумгартене (пригороде Вены), был вторым из семи детей бедного гравера; младший брат Густава Климта – Эрнст также стал гравером (братья часто работали вместе);
В 14 лет поступил в Художественно-промышленную школу в Вене, где в течение семи лет изучал различные техники – от мозаики до живописи и фрески.
Любимые цвета: черный (цвет всех цветов) и золотой (как наследие византийского искусства)
1897 – Климт стал руководителем Венского сецессиона
Арх Адольф Лоос – «Любое искусство эротично» («Орнамент и преступление»)
Климт решился на откровенную демонстрацию сексуальности в искусстве;
Он изображал Еву – прототип всех женщин – искушение – не яблоко, а её тело;
Климт способствовал созданию типа роковой женщины, подавляющей мужское достоинство (эротика витала в атмосфере Вены - Фрейд)
Особенность творчества:
Использовал в живописи декоративно-прикладное искусство; комплимент декоративности византийской мозаики
В творчестве Климта читаются все принципы эстетической программы модерна.
Аллегорические работы
«Любовь», 1895
фототочность, показаны этапы любви: рождение → смерть; умирая, любовь убивает человека
«Музыка», 1895
Женщина с кифарой в руках, как символ музыкального искусства; сфинкс – символ мудрости
«Три возраста женщины», 1905
Взаимная симпатия Родена и Климта: Климт вдохновлен работой «Врата ада»,
«Надежда», 1903
Процесс рождения сопряжен с муками и страданиями
Поэтому вокруг образа совершенной женственности появляются элементы-символы ночи и смерти.
«Поцелуй», 1910
Образ Инь-Ян на европейский манер + антропоморфность
Особенность: всегда доминирующая женщина становится покорной, она уступает мужчине, отказывается от себя ради него;
Натура: сам художник и его возлюбленная Эмилия Флёге
«Смерть и жизнь», 1916
Одна из центральных тем творчества Климта; особенность – изображенные люди не замечают угрозы, исходящей от смерти (Мунк, Шиле также рассматривали эту тему)
Мифологические и библейские сюжеты
«Юдифь с головой Олоферна», 1901
Интерпретация отлична от ранних вариантов (Джорджоне, Ботичелли)
Одежда одновременно является фоном картины
Ветилуя, ассирийский военачальник Олоферн, вдова Юдифь
«Нуда веритас», 1899 - «обнаженная истина»
Женщина (2ух-метровая) выразительная и провокационная в своей наготе, смущавшая и дразнившая венскую публику; она опасна и охвачена инстинктами
Для Климта женщина – воплощение порока, носитель зла, не созидающего
Климт старается сделать женщину максимально прекрасной; всё прекрасное толкает на греховность. Женщины в виде метаморфозы, со своими образными перетеканиями.
«Даная», 1907-08
После Поцелуя творчество Климта стало более откровенным
Художник изображает момент любовного экстаза, когда дождь из золотых частиц проникает в Данаю (Зевс пролился золотым дождем)
«Портрет Адель Блох-Бауэр», 1907
Сливается реализм и абстракция;
в декоре – глаза Гора и микенские спирали
«Адам и Ева», 1917-18
Не смог обойтись без попытки трактовать сюжет, но в его интерпретации – мужчина – своего рода «декоративное украшение», мужчина – темнее кожа, чем женская (как в античной вазописи)
АЛЬФОНС МАРИЯ МУХА (1869-1939)
Живописец, график, скульптор
Родился в Моравии (Чехия), прославился в Париже, благодаря написанию афиш
Популярен среди современников
Создатель «своего» стиля: «стиль Муха»
· Декоративизм
· Каллиграфическая рисованность линий
· В композицию включается образ идеализированной грациозной девушки славянской внешности, вписанный в орнаментальную систему цветов, символов, букв и т.д.
В начале 1890-х гг – иллюстратор художественных и модных журналов
1900-е гг – очень популярен, миллион заказов
Перед Первой Мировой войной – мнение критиков начало менять вектор на противоположный;
Сам Муха переживал, что его считали «декоративным художником», и своей социальной миссией видел фиксацию истории славянского народа (после 1910 года – он исключительно этим и занимался, в результате – 20 монументальных полотен составляющих «Славянскую эпопею»)
До 1901 года Муха отвечал не только за афиши Сары Бернар, но и за костюмы и декорации театра Ренессанс
На рекламах, афишах и пр. рекламном материале (ликер, печенье, сигареты, стиральный порошок, велосипеды и пр.) центральным образом была стилизованная фигура прекрасной женщины: мечтательное выражение лица, роскошная прическа – необходимый элемент орнаментального замысла, декоративный характер также подчеркивают облегающие, но вневременные фантастические одежды и предметы с орнаментальными складками.
По его эскизам создавались также ювелирные украшения (ювелир Жорж Фуке)
1900 – на Всемирной выставке в Париже произвели фурор с ювелиркой по эскизам Мухи;