Тема 28. Западноевропейское искусство 2 пол. 19 в.
1. Историко-культурные условия развития французского искусства во 2 пол. 19 в.
2. Творчество Э. Мане
3. Импрессионизм во французском искусстве: общая характеристика. Творчество К. Моне, О. Ренуара, Э. Дега.
4. Французская скульптура 2 пол. 19 в. Творчество О.Родена.
5. Постимпрессионизм. Творчество П. Сезанна, П. Гогена,В. Ван Гога.
Историко-культурные условия развития французского искусства во 2 пол. 19 в.
Середина 19 в. ознаменована нарастанием демократического и пролетарского движения во Франции. Революционная волна 1830 г. потрясла политическую систему государства. Еще большее этапное значение имели революция 1848 г., когда впервые на историческую арену вышел рабочий класс как огромная самостоятельная сила, и, наконец, Парижская коммуна 1871 г. - величайший образец величайшего пролетарского движения XIX века. Поражение Парижской коммуны и усиление реакции вызвали глубокие изменения в художественной жизни Франции.
Развернувшиеся классовые битвы, обострившиеся социальные проблемы вызвали рост новых тенденций во всех областях культурной жизни. В этот период создается теоретическая программа реализма, получившая практическое воплощение в произведениях графики и живописи, а несколько позже — в скульптуре. Под покровительством официальных кругов пышно расцвело так называемое салонное искусство (то есть, допускавшееся в официальные Салоны), часто условно-стилизаторское, подражательное стилям прошлых веков.
Салонному искусству противостояло искусство реалистическое. Реализм в искусстве 2 половины 19 века не был однороден. Большую группу составили художники, развернувшие борьбу против ограниченности салонного искусства — Эдуард Мане, Огюст Роден и другие. Мане был в числе активных участников «Салона отверженных» — выставки произведений, отвергнутых официальным жюри в 1863 года.
Творчество Э. Мане.
Искусство Эдуарда Мане (1832—1883), одного из самых выдающихся французских художников 19 в., во многом связано с переосмыслением в условиях современной ему жизни традиций реалистической сюжетной картины. Учителями Мане были великие мастера прошлого, а также Гойя, Делакруа и Курбе, который помог ему утвердиться в обращении к темам современности.
В картине «Завтрак на траве» (1863) Мане демонстрировал приверженность реалистической традиции прошлого, утверждал важность обращения к большим эпохам реалистического искусства и вместе с тем - к реальной действительности, к образам повседневной жизни. В эпизоде завтрака на лоне природы он представил, по примеру мастеров Возрождения, обнаженную модель рядом с одетыми по моде своего времени мужчинами. Не прикрытая мифологическим сюжетом, свободная от слащаво-идеализированной трактовки, нагота модели вызвала негодование буржуазной публики.
Еще больший скандал произвела картина Мане «Олимпия» (1863), изображающая обнаженную модель без прикрас и сюжетного оправдания. Острая наблюдательность художника подмечает характерные особенности модели: угловатость хрупкой фигуры, полную независимости позу, прямой, бесстрастный и чуть рассеянный взгляд. Контрастно звучат светлые тона обнаженного тела, серо-желтой шали и голубоватых тканей на темном фоне. Композиционная схема, идущая от старых мастеров, наполняется новым содержанием; меняется техника живописи, приобретающая более непосредственный и в то же время более этюдный характер
Со временем Мане все чаще отказывается от композиционных схем классики и стремится давать как бы случайно увиденные, подсказанные самой жизнью решения. Но и в повседневной жизни Мане открывает образы, полные поэзии и обаяния. Таков «Флейтист» (1866), фигурка которого четко вырисовывается на оливково-сером фоне. Острота силуэта, напряженность цветовой гаммы точно соответствуют живому характеру юного музыканта, погружающегося в мир звуков.
На протяжении 60-х и начала 70-х гг. Мане обращается к созданию исторических произведений. Он пишет картину «Казнь императора Максимилиана» (1867). Восходящая по композиции к «Расстрелу» Гойи, картина Мане не передает исторической драмы, оставаясь холодной и созерцательной. Эту же композиционную схему Мане использует еще раз при изображении сцены расстрела коммунаров («Расстрел коммунаров»). Трагическим событиям «Кровавой недели» 21—28 мая 1871 г. он посвящает литографию «Гражданская война» — это документальные свидетельства горячего сочувствия художника идеям Парижской коммуны.
В дальнейшем (с 70-х гг.) сцены обыденной жизни становятся главными в творчестве Мане. В этих произведениях проявляются все новшества XIX век Франция пленэрной живописи (живописи на открытом воздухе), разработанные его друзьями импрессионистами. Пленэр не изменил, но обогатил уже сложившуюся живописную систему Мане. Необычайной свежестью, чистотой отличается цветовая палитра картины «В лодке» (1874). Насыщенная рефлексами, полная динамики, дыхания влажной атмосферы, картина в то же время элегантной четкостью силуэтов связана с работами 60-х годов.
Эти качества Мане выявляются в ряде реалистических, эмоционально насыщенных портретов, таких, как портрет поэта Малларме (1876) или портрет одного из деятелей Коммуны — Анри Рошфора (1881), в котором подчеркнуты черты трагизма и героики.
Чувственность восприятия натуры и красота неожиданных цветовых сочетаний проявляются в натюрмортах Мане — цветах, фруктах, снеди— «Угорь и краснобородка» (1864), «Пионы» (1864—1865).
Все это находит выражение в самой совершенной из его картин «Бар в Фоли-Бержер» (1881—1882), явившейся своего рода итогом всех исканий, всего творческого пути художника.
Композиция картины производит впечатление случайно выхваченного куска жизни, но она тонко продумана и четко построена. В центре ее — молодая красивая продавщица, утомленная, бесстрастно-безразличная, профессионально-любезная. В большом зеркале, расположенном позади нее, отражается шумный зал бара и множество людей, а сбоку фигура мужчины в цилиндре, обращающегося к продавщице. Так соединяются в картине мир реальный и отраженный в зеркале, и случайный фрагмент приобретает неожиданный эмоционально-смысловой характер в устойчивой композиции. Поразительно красиво написан натюрморт переднего плана: розы в хрустальном бокале, роза, прикрепленная к корсажу платья девушки, ее лицо, привлекающее своей отчужденностью и усталостью рассеянного взгляда. Многочисленные зарисовки с натуры позволили художнику точно схватить характерное движение, тип лица, фигуры, жизненность ситуации. В этом отношении Мане — настоящий продолжатель лучших традиций реалистов прошлого и в то же время он ищет новых приемов изобразительности, выразительной композиции, остроты характерного, намеков, вызывающих множество ассоциаций и обогащающих общее решение.
Видное место Мане занимал в общественной жизни своего времени, привлекая яркой силой и независимостью суждений одаренную ищущую молодежь, сгруппировавшуюся вокруг него.
Импрессионизм во французском искусстве: общая характеристика. Творчество К. Моне, О. Ренуара, Э. Дега.
Впервые название «импрессионизм» было применено к работам художников, противопоставивших Парижскому салону 1874 г. свою выставку «независимых». Это было открытым бунтом против условных штампов оторванного от жизни официального искусства. Одна из картин выставки, «Впечатление — Восход солнца» (по-французски впечатление —«impression» — отсюда «импрессионизм») Клода Моне, дала название всей группе, в которую входили Писсарро, Сислей, затем Ренуар и другие.
Обращение импрессионистов к различным сторонам действительности, к жизни улиц, вокзалов, кафе, баров, к образам современников различных сословий, профессий и общественных слоев, к городскому пейзажу расширило рамки реалистического искусства. А стремление передать быстрый ритм жизни большого города, уловить мгновенное состояние природы, атмосферы, освещения привело к поискам новых средств художественной выразительности, особой свежести и остроте восприятия, к освобождению палитры от музейной черноты, к просветленной красочной гамме. Пленэр в пейзажах импрессионистов из средства реалистической выразительности постепенно превращается в самоцель.
После выставки 1886 г. группа распадается, хотя именно с этого времени возрастает воздействие импрессионизма на развитие искусства других стран, а спустя десятилетие начинает расти слава импрессионистов, получающих официальное признание.
С наибольшей последовательностью принципы импрессионизма были разработаны в творчестве Клода Моне (1840—1926). В лучших своих проявлениях оно выражало восхищение художника перед поэзией вечно обновляющейся природы, омытой дождями, сверкающей блеском красок, пронизанной воздухом и светом. Его пленэрные открытия несли обновление всей системе живописи.
Моне родился в Руане, учился у пейзажиста Будена, а затем у мастера академического направления Глейра. В его ранних работах, где изображены люди на фоне природы— «Камилла» (1866), «Завтрак на траве» (1866),— решаются задачи включения человеческих фигур в пейзаж, передачи состояния природы, игры солнечных бликов. Впоследствии человеческая фигура становится лишь деталью пейзажа, частью среды, получающей все более живое и непосредственное выражение.
В 1870-е гг. складывается круг тем и характерный художественный язык импрессионизма, обусловленный работой на открытом воздухе, чистая, светлая красочная гамма, своеобразная эмоциональная манера наложения красок с использованием закона оптического смешения цвета
Клод Моне стремится схватить и передать непосредственное впечатление, производимое на него картинами действительности, находит новые мотивы городского пейзажа, особое внимание уделяет изображению пространства, освещения и воздушной среды. В одной из своих программных картин, «Бульвар Капуцинок в Париже» (1873), он запечатлевает вид шумной улицы Парижа с как бы текущей толпой людей и потоком движущихся экипажей, влажность воздуха и далеко уходящий простор бульваров, видных сквозь голые ветви платанов. Он выбирает точку зрения сверху, с одного из балконов дома, край которого включает в композицию. Неожиданность среза фигур на балконе подчеркивает фрагментарность решения, случайность точки зрения, в действительности точно продуманной и найденной художником.
В дальнейшем стремление к передаче неуловимых, изменчивых состояний природы приводит Моне к работе над серией картин, написанных по одному и тому же мотиву природы в разное время дня. Так возникают серии «Стога сена» (1886), «Руанский собор» (1893—1895), которые создает художник, увлеченный стремлением схватить состояние атмосферы, освещения одного и того же мотива пейзажа в различное время суток. Так свет становится истинным героем картины, вытесняя реальные предметы
Один из самых видных представителей импрессионизма — Огюст Ренуар (1841—1919), искусство которого отличается живым интересом к человеку. Значительное место в его светлом жизнеутверждающем творчестве занимает портрет, а также жанровые композиции, раскрывающие образы французских женщин. Сын бедного портного, Ренуар с юности начал свою трудовую жизнь, занимаясь росписями по фарфору. На заработанные деньги он поступил учиться в мастерскую Глейра, где сблизился с К. Моне и А. Сислеем.
Ранние картины Ренуара носят следы воздействия мощной светотеневой лепки Курбе — такова «Харчевня матушки Антони» (1866). В 1870-е гг. живопись Ренуара становится более пленэрной, световоздушная среда объединяет пейзаж и фигуры людей в многочисленных жанровых сценах, овеянных настроениями созерцательности, беззаботности, спокойствия. Он передает веселое оживление, увлеченность танцующих пар в картине «Мулен де ла Галет» (1876), выделяя фигуры переднего плана острой выразительностью движения.
Образ человека лишен у Ренуара сложной психологической характеристики, глубины раскрытия внутреннего мира, но в нем — непосредственность обаяния молодости, жизнерадостность. Особым очарованием отличаются, созданные им женские образы — «Обнаженная» (1876), «Девушка с веером» (ок. 1881).
С их мягкой грацией тонко гармонируют цветовые решения, построенные на контрастах нежнейших перламутровых оттенков, которыми написана кожа, с насыщенными темными тонами волос или костюмов
В этюде к портрету артистки Самари (1877) воплощен образ красоты, изящества, молодости. Цветовая гамма портрета, нежная и звучная, построена на сочетании голубовато-зеленых, рыжеватых и тончайших розоватых тонов. Отказавшись от темных теней, Ренуар вводит холодные цветовые тени, сообщающие впечатление жизненности и необычайной трепетности изображению.
Как и Э. Мане, реалистические традиции в искусстве развивал Эдгар Дега (1834—1917) — художник большого оригинального таланта, острого динамичного видения мира. Дега изучал в Италии искусство Возрождения. Горячий почитатель отточенного рисунка Энгра, сам превосходный рисовальщик, он создал множество зарисовок окружающей жизни города с ее беспокойным ритмом, сменяющимися ситуациями
Часто он обращался к изображению труда актрис, балерин, музыкантов, показывал гладильщиц и прачек, напряженную, лихорадочную жизнь скачек, биржи. Отбрасывая все каноны и заученные приемы, художник умел найти неожиданно новую точку зрения, добиваясь впечатления свежести и непосредственности в композиции, всегда продуманной и точно найденной.
Действительно, при всей кажущейся случайности в построении картин Дега в них нельзя ничего отнять или прибавить, не нарушая цельности решения. Такова, например, картина «Музыканты оркестра» (1872), где на переднем плане представлены музыканты, а в глубине, на сцене — танцовщица. Резкий контраст масштабов фигур дает неожиданную остроту композиции, возможность изображения отдельных эпизодов в различных аспектах.
В картинах Дега нет позирующих персонажей, он запечатлевает их в самых естественных и непринужденных позах, с ярко выраженными профессиональными чертами движений. Таковы его балерины на уроке — «Урок танцев» (ок. 1874), где тренировка танцовщицы показана как тяжелый, утомительный труд, или готовящиеся к выходу — «Голубые танцовщицы».
Стремясь передать быстрый ритм современной городской жизни, Дега открывает характерное в случайном мимолетном движении. В портрете графа Лепик с дочерьми на площади Согласия (1873) он размещает фигуры сбоку холста, как бы случайно включая их в общий поток уличного движения. Большое место уделено городскому пейзажу, в который органически вписаны портретируемые, составляющие вместе с ним фрагмент жизни большого города. При этом художник сосредоточивает внимание на портретных характеристиках, острых и глубоких.
В ряде произведений Дега отчетливо звучит тема безнадежности, одиночества маленького человека в городе. Таковы образы сидящих за столиком кафе опустившихся, отчужденных друг от друга мужчины и женщины в картине «Абсент» (1876), некоторые изображения танцовщиц, работниц. Его «Гладильщицы белья» (ок. 1884) выглядят отупевшими от усталости, почти механически выполняющими работу. Но именно эта привычная профессиональная размеренность движений точно схвачена и передана художником. Дега был одним из организаторов и участников почти всех выставок группы художников, получивших название импрессионистов, хотя его искусство с ярко выраженными самобытными чертами и отличалось от работ его друзей.