Концептуализм как поздний модернизм (Д. Кошут, Б. Науман, С. Левитт)
появление в начале 20 в. новых течений в И, условно подразделяемых на авангард и модернизм. После 2 Мир.войны принципы модернизма и авангарда применялись в И постмодерна, в частности, в концептуализме. Из авангарда была заимствована манипулятивность – склонность экспериментировать с прямым воздействием искусства на человека. Из модерна – традиции стилизации, использование цитат и реминисценций. Постмодернистское искусство 20 в. все больше превращается в арт-деятельность, функционирует как производство, конструирующее арт-объекты сочетающие в себе интеллектуальный замысел, логическую рефлексию и элементы собственно художественного произведения. Прежние виды искусства – живопись, графика, скульптура – используются как вспомогательные наряду с дизайном, видео-артом, компьютерной графикой, инсталляциями, хэппенингами и т.д. Личность художника деперсонифицируется. Субъект, порождающий произведение, исчезает, его место занимает своего рода арт-инженер, предлагающий конструктивно-концептуальное «решение» художественного объекта. В зависимости от того, какими культурными штампами «играет» художник-постмодернист, можно обозначить ведущие направления постмодерна.
Определение и история концептуализма
Термин «концептуализм» - 1961 г художник Генри Флинт. В 1967 г. -первый манифест движения под названием «Параграфы концептуального искусства», написанный Солом Левитом.
Как течение формился к концу 60-70-х среди художников США, Великобритании, Италии (в Италии назывался Arte Povera), Франции, Нидерландов, Советского Союза. цель искусства – передать идею или свидетельствовать о событиях, ее содержащих, что можно осуществить при помощи фотографий, разнообразных текстов, магнитофонных и видеозаписей и т.д. Порою концепт. Может вообще обойтись без экспонирования. Пример–нью-йоркская «Выставка-манифест» 1969, что состоит из каталога, а «материальное присутствие работ – дополнение к каталогу». Большую роль приобретает инструкция к пониманию арт-объекта. Зрителю предлагается сопоставить свое мнение с концепцией автора – вступить с ним в интеллектуальную игру. При этом одни работы оказывались намеренно банальны, другие выставлялись, чтобы забавлять или шокировать зрителя.
В духе концептуализма работали художники Дж.Кошут, ЛеВито, Р.Берри, Л.Левин, Х.Хааке в США, Я.Диббетс в Я.Диббетс в Нидерландах, П.Мандзони, В.Аккончин в Италии, Арнатт, Берджин, Крейг-Мартин, Келли, Лонг, Б. МакЛин в Великобритании и др.
Значительное влияние оказала деят-сть теоретика и практика дадаизма Марселя Дюшана (1887–1968). 1913 в Нью-Йорке начал выставлять осмысленные в новом ключе предметы массового производства – реди-мэйды: велосипед на табуретке (1913), писсуар «Фонтан» (1918), «Мона Лиза» с усами и т.д.
Концепт. объектом с комментарием могли стать любые предметы – фото, тексты, ксероксы, телеграммы, графики, схемы, диаграммы, формулы, репродукции и объекты, не имеющие функционального назначения. Концепт. композиция, представляла чистый худ. жест, освобожденный от какой-либо пластической формы. Часто исп-сь природ. мат-лы – земля, хлеб, снег, трава, зола, пепел от костра. Составной частью композиции могла быть и среда, в которой демонстрировался концептуальный объект
Концептуализм как поздний модернизм. Характеристика концептуализма, его отличительные особенности
В то время как постмодернизм выступает в отказе от великих описаний худож. направления модернизма и искореняет границы м/у высокими и низкими формами И, нарушает жанр и его соглашения с коллизией, коллажем и фрагментацией. Поздний модернизм считается верой в то, что все позиции нестабильны и неискренны, поэтому ирония, пародия и юмор – это единственные позиции, которые нельзя отменить в результате критики или более поздних событий.
Отличительные особенности концептуализма:
· Живописцы признают, что их работы должны иметь, концепт. характер. Художники сократили материальное присутствие в работе до абсолютного минимума – тенденция, которая получила название «дематериализация И».
· Концептуалисты находились под влиянием минимализма, но они отказались от условностей, которые существовали в этом стиле живописи. По мнению концептуалистов, картина или скульптура не должны выглядеть как традиционное произведение И.
· В основе концептуализма лежит институциональная критика И. Отвергалась сосредоточенность на предмете в пользу увелич. интереса к культурным ценностям общ-ва в целом.
· Основа концептуализма – искусство о самом себе. Произведения поясняют сами себя.
· Картины художников не должны вызывать переживания на эмоц. уровне, они созданы для интеллектуального восприятия.
Концепт. художники не рациональны, склонны к мистике, способны формулировать выводы в ситуациях, в которых логика бессильна. Основные идеи и правила, характеризующие концептуализм:
· Иррациональность приводит к новому опыту.
· После того, как идея и форма произведения окончательно формируется в сознании художника, реализация осуществляется вслепую.
· Банальные концепции не могут быть спасены красивым исполнением.
· Художник должен идти своим путем.
· Восприятие картины или инсталляции субъективно.
· Художнику не обязательно понимать свои собственные произведения. Его восприятие не лучше и не хуже, чем у других.
· Поскольку ни одна из форм не является превосходящей другую, художник может использовать любую форму как равную другим.
· Все мысли являются творчеством, если они с ним связаны.
· Концепция и идея – не тождественны. Первое предполагает общее направление, в то время как последнее – компонент концепции.
Смысл искусства – передача мыслей и теорий, формирование новых в процессе творческого поиска. Художники-концептуалисты формулировали идеи и воплощали их в графиках, схемах, чертежах, слоганах, фотографиях. Предметом искусства мог стать любой предмет, поскольку форма не важна – важна только чистота передаваемой мысли.
Джозеф Кошут.
Кошут родился в г. Толедо в штате Огайо, учился в Кливленде, Нью Йорке и год провел в Париже, где познакомился с Дюшаном. Именно с него начинается концептуализм для Кошута.
Свою самую знаменитую работу Кошут сделал в Нью Йорке в 20 лет. Это манифест концептуализма — «Стул и три стула», 1965, асостоит работа из стула, фотографии этого же же стула и словарной статьи с определением слова «стул». Ключевым для понимания работы является тот факт, что на фотографии изображён именно выставленный стул. Таким образом, самотематизирующая работа содержит в себе контекст собственной презентации. Один и три стула — один из наиболее характерных примеров концептуального искусства.
Концепт - по замыслу автора, стул и его фотография должны меняться с каждой новой экспозицией. Неизменны два элемента: копия словарной статьи «стул» и схема с инструкциями установки работы. Оба элемента являются частью концепта и подписаны художником. не важно, какой стул. Важно чтобы стул на фотографии был такой же, как и стоящий рядом. Любое повторение идеи — произведение Кошута, потому что он автор идеи.
Через 4 года-знаменитый радикальный текст «Манифест концептуализму». (в 25 лет) Он делает предположение, что каждый последующий художник опровергает то, что сделал его предшественник. А И, которое предлагает Кошут не имеет ничего общего с формализмом. И нельзя оценить произведения искусства с позиции «нравится не нравится», так как с позиции эстетического суждения можно говорить о чем угодно.
Считал:
-Самовыражение художника не важно, важна только идея.
-Искусство не может нас развлечь, занять. Но искусство занимается сейчас тем, чем раньше занималась религия или философия на протяжении столетий — удовлетворением человеческих потребностей.
В 1965 сделал серию «Предмет и три предмета»: лопата, цветок, зеркало, стекло, фотография и тд. Кошут берет лопату, и если бы он выставил ее просто такой какая она есть, то получился бы редимейд. Но он выставляет не произведение И, а просто лопату. И подписывает «Лопата». Его произведения искусства становятся обычными вещами, чтобы обратно стать произведениями искусства.
В 1965 начинает другую свою серию — описания. «Четыре слова четыре цвета», 1965, неоновой лентой, которую в работе активно используют минималисты. И самые большие идейные разборки ведутся между минималистами и концептуалистами, так как эти два направления очень похожи по эстетике. Минимализм работает с пространством, светом, воздухом, а Кошут и концептуалисты — только с идеями.
Кошут пытается избежать познаваемости, он меняется, работая с разными контекстами и языковыми структурами. Постепенно он вообще перестает использовать материалы. Вывешивает статьи.
С 1969 года его «тексты» выносятся из галереи в открытое пространство и на билборд. «Текст контекст», 1969. Это 2 билборда, каждый из которых говорит о тексте на соседнем билборде, Кошут пытается создать замкнутую систему, которая говорит сама о себе (искусство, говорящее само о себе).
«Zero and Not», 1985. Основана на текстах Фрейда о вытеснении (NB: наша память вытесняет ненужные воспоминания, но никогда не стирает их полностью). И этот механизм он демонстрирует при помощи зачеркнутых строчек, которые при желании все еще можно прочесть.
«Passagenwerks» проект в Каселе в 1992, Кошут занавесил произведения из постоянной коллекции и вместо самих произведений демонстрирует зрителям тексты, которые содержат то, что спрятано за полотном.
Сейчас- занимается проектами, которые напрямую зависят от места. Проект для Лондона в 2006 — это огромная неоновая цитата из Дикенса.
Брюс Науман
Брюс Науман (англ. Bruce Nauman; род. 1941, Форт Уэйн, Индиана, США) — американский современный художник и скульптор-концептуалист.
Он родился в 1941 году, в 1966-м окончил учебу и вошел в художественную ситуацию, когда искусство получало импульс к развитию от новых медиа-технологий.
С середины 1960-х художник создал большое количество работ в разных медиа. создает ситуации, которые физически или интеллектуально дезориентируют зрителя.
В 1967 г. в своем видеоперформансе он изображал фонтан, плюясь водой,-иронизировал над традиц. пониманием фигуры творца как вечно фонтанирующего идеями просветителя.
Объект «Настоящий художник помогает миру, раскрывая мистические истины» (1967)) изначально вывесил в окне своей мастерской, что позволило И войти в окружающее пространство и одновременно выделиться из него.
На Венецианской Биеннале в 2009 г. - "Топологические сады" Наумана для павильона США, Джардини, где 7 пороков чередуются с семью добродетелями, вспыхивая 14 разными цветами: FAITH/LUST, HOPE/ENVY, CHARITY/SLOTH, PRUDENCE/PRIDE, JUSTICE/AVARICE, TEMPERANCE/GLUTTONY и FORTITUDE/ANGER..
Создал множество вызывающих клаустрофобию замкнутых пространств, призванных дезориентировать зрителя. В других включали камеры наблюдения и зацикленные видео системы, которые функционировали как электронное зеркало.
Отливал чел. головы. Во время снятия слепков, модели Наумана дышали через трубку.
Науман меняет знакомые формы животных путем перемещения голов и конечностей без связи с анатомической логикой. Ужасные существа похожи на результат пугающих генетических экспериментов.
Произведения, которые фактически сводятся к одному звуку. Одной из самых ранних работ такого рода является инсталляция «Get Out of My Mind, Get Out of This Room» (1968), существующая в виде звука в пустой комнате. Художник записал себя, повторяющим название работы - «Убирайся из моего разума, убирайся из этой комнаты».
Пионер видеоарта. С 1967-го по 1969-й Науман снял серию видео, в которых он прощупывал, художественно осваивал пространство мастерской и пространство кадра. Каждый раз исследованию подвергался конкретный рисунок движения, и осмысление длилось столько, сколько позволяла пленка
Все они одинаково незатейливы и прозрачны по форме, и нужно преодолеть гипнотическую силу этой простоты, чтобы проникнуть в содержание этих видео и усмотреть их художественное значение. Этот путь удобно видеть на примере видеоарта 1968-го года «Хождение в преувеличенной манере по периметру квадрата».
Кроме видео, перформанса, рисунка, фотографии, он проявил себя и в скульптуре, делая объекты из металла, цемента, латекса. В 2004 г создал одну из своих самых известных инсталляций в Турбинном зале галереи Тейт Модерн. В огромном пустом пространстве звучали аудиозаписи художника, создавая ощущение объема и отсылая к первоначальному предназначению цеха, в котором когда-то гудела турбина. Сделав «бесплотную» инсталляцию, Науман доказал, что художнику необязательно использовать традиц. мате-риалы, а «исчезающие действия» — такие же произведения И, как и увековеченные в камне или бронзе. Науман удостоен двух венецианских "Золотых львов" за вклад в И.
Сол Ле Витт (1928—2007) — американский художник, одна из ключевых фигур минимализма и концептуализма, автор теоретических работ по концептуализму.
Родился в 1928 году в городе Хартфорд (США, штат Коннектикут) в семье еврейских эмигрантов из России.
С 1960 г работал в Музее современного искусства (MoMA). Принимал участие в проектах концептуального искусства и лэнд-арта.
На Ле Витта сильное влияние русские авангардисты и конструктивисты. Сол Ле Витт вышел из «Чёрного квадрата» Малевича. Куб Ле Витт называл своей «базовой единицей». Он то усекал его грани, превращая куб в решётку, то множил кубы, создавая хаос
Художник экспериментировал с формой и цветами объектов, работая с простыми геометрическими фигурами, преимущественно в монохромной технике. На более поздних этапах творчества Ле Витт создавал скульптуры и графические серии, делал настенные росписи. В начале 1960-х Сол Левитт создает некоторое количество настенных рельефов, называемых им «настенные структуры». Эти рельефы, выходящие из плоскости стены в пространство пребывания зрителя, построены на взаимодействии разл. геом. форм: кубов, квадратов, т.д. и включении одной фигуры в другую. Знаменитые «модульные структуры»– трехмерные решетки, построенные на повторении модуля-куба.
Американский художник завоевал свою известность благодаря изобретению слож. композиций, составленных из обманчиво простых геом. форм и цветов.
Сол Ле Витт ввёл также термин «экономия» относительно концептуального искусства: «Идею, которая лучше выражается в двух измерениях, не следует выражать в трех. Идеи могут выражаться числами, фотографиями, словами и ещё как-нибудь — так, как вздумается художнику, поскольку форма не имеет значения».
В своей статье для журнала Артфорум в 1967 году, привел такое определение концептуального искусства: «Когда художник прибегает к концептуальной форме искусства, это означает, что все планирование производится заранее, все решения принимаются заранее, и исполнение происходит формально, поверхностно, неглубоко…цель художника, занимающегося концептуальным искусством, — сделать свою работу интеллектуально интересной для зрителя, и при этом не затрагивающей его душу».
Наиболее известная живлпис. (их было мало) работа – «Красный квадрат, белые буквы» – относится к 1963 г.С 1970-х начинает работу над ранней графикой – трафаретной печатью. Затем в творчество художника вошли углубленная гравюра, а впоследствии – гравюра на дереве и в других техниках.
Еще несколько его архитектурных работ- Double Negative Pyramid. Парк Европы, Литва и Black Form Dedicated to the Missing Jews. Альтона, Гамбург, Германия. Скончался в 2007 году в Нью-Йорке от рака.
Концептуальное искусство – это модернистская форма художественного выражения, в котором конкретные концепции или идеи (как правило, личные (происходящие в сознании художника) и сложные) принимают форму абстрактных, несоответствующих образов, основанных на отрицании эстетических принципов. По определению пионера этого направления, американского художника Сола Ле Витта, в концептуализме идея или понятие (концепт) является самым важным аспектом работы. Это означает, что решение принято заранее, а его выполнение - всего лишь формальность. Идея превращается в механизм. Вообще, концептуальное И представляет собой сочетание различных тенденций, а не тесно связанного движения. И имеет множество форм (в их числе: инсталляции, перфомансы, хэппенинги, эфемера). Зарождалось оно в 1 половине 20 в не как художественное направление, а как опред. философия, ставящая под сомнение смысл самого искусства. Дадаист М.Дюшан, который ввел новую худож.практику, утверждал, что идея произведения имеет большее значение, чем его физическое представление. С сер.1960-х до сер. 1970-х художники-концептуалисты создавали произведения, полностью отвергая традиц.идеи И: эстетику, выразительность, мастерство (в том числе, и соответствие требованиям рынка).
Тем не менее, важно понять, что концептуальное И развивалось в последовательности авангард. движений (кубизм, абстрактный экспрессионизм и тому подобное), которые преуспели в том, что значительно расширили границы самого понятия И. Концептуалисты (в строгом смысле) являются завершителями авангардисткой традиции. По правде говоря, неважно, соответствует ли этот чрезвычайно сложный интеллектуальный вид субъективным представлениям о том, каким должно быть искусство, поскольку факт остается фактом.
Некоторые работы концептуалистов воспринимаются музеями, коллекционерами, арт-дилерами как шедевры мирового искусства. Заимствуя различные методы (как например, минимализм) художники-концептуалисты стремились переосмыслить не опиравшиеся на теоретические основы искусства формы поп-арта. Находившиеся под сильным влиянием упомянутого выше минимализма (его простоты), они, в тоже время, категорически отвергали его концепции, которые воплощались в скульптуре или живописи, характерные для перцепционного или «ощущаемого» искусства (оно создается, прежде всего, для визуального восприятия).
Концептуальное И - это не просто описание природы во всем её многообразии. Художник выражает свое отношение к социальным, политическим, технологическим вещам и процессам. Во многих случаях зритель и сам художник становятся неотъемлемой частью этого искусства и его основных концепций. Начавшись как движение среди многочисленных арт-тенденций шестидесятых годов, задуманное, чтобы продемонстрировать приоритет идеи художника, сегодня оно рассматривается в совокупности (как эстетическая точка зрения концептуализма), оказывая большое влияние на современные способы художественного выражения.