Портрет
Портрет — изображение человека либо группы людей, существующих или
существовавших в реальной действительности."На портрете изображается
внешний облик (а через него и внутренний мир) конкретного, реального,
существовавшего в прошлом или существующего в настоящем человека".
Границы жанра портрета очень подвижны, и часто собственно портрет может
сочетаться в одном произведении с элементами других жанров.
Исторический портрет — изображает какого-либо деятеля прошлого и
создаваемого по воспоминаниям или воображению мастера.
Посмертный (ретроспективный) портрет — сделан после смерти
изображённых людей по их прижизненным изображениям или даже
полностью сочинённый.
Портрет-картина — портретируемый представлен в смысловой и сюжетной
взаимосвязи с окружающими его миром вещей, природой, архитектурными
мотивами и другими людьми.
Портрет-прогулка — изображение гуляющего человека на фоне природы
возникло в Англии в XVIII веке и стало популярным в эпоху сентиментализма
Портрет-тип — собирательный образ, структурно близкий портрету.
Костюмированный портрет — человек представлен в виде
аллегорического, мифологического, исторического, театрального или
литературного персонажа.
Автопортрет — принято выделять в отдельный поджанр.
Религиозный портрет (донаторский или ктиторский) — древняя форма
портрета, когда человек, сделавший пожертвование, изображался на
картине (например, рядом с Мадонной) или на одной из створок алтаря
(часто коленопреклонённым).
По характеру изображения
Парадный портрет — как правило, предполагает показ человека в
полный рост.
Полу парадный — обладает той же концепцией, что и парадный
портрет, но имеет обычно поясной или поколенный срез и достаточно
развитые аксессуары.
Камерный портрет — используется поясное, погрудное, оплечное
изображение. Фигура зачастую даётся на нейтральном фоне.
Интимный портрет — является редкой разновидностью камерного с
нейтральным фоном. Выражает доверительные отношения между
художником и портретируемой особой.
Малоформатный и миниатюрный портреты, выполненные акварелью и
тушью
Пейзаж
Пейзаж — жанр живописи, в котором основным предметом изображения
является первозданная, либо в той или иной степени преображённая
человеком природа. Существовал с древности, но утратил своё значение в
Средневековье и вновь появился в эпоху Ренессанса, постепенно став одним
из важнейших живописных жанров.
Марина
Марина — жанр изобразительного искусства, изображающий морской вид, а
также сцену морского сражения или иные события, происходящие на море.
Является разновидностью пейзажа. В качестве самостоятельного вида
пейзажной живописи марина выделилась в начале XVII века в Голландии.
Историческая живопись
Историческая живопись — жанр живописи, берущий свое начало в эпоху
Ренессанса и включающий в себя произведения не только на сюжеты
реальных событий, но также мифологические, библейские и евангельские
картины. Изображает важные для отдельного народа или всего человечества
события прошлого.
Батальная живопись
Батальная живопись — жанр изобразительного искусства, посвященный
темам войны и военной жизни. Главное место в батальном жанре занимают
сцены сухопутных, морских сражений и военных походов. Художник
стремится запечатлеть особо важный или характерный момент битвы,
показать героику войны, а часто и раскрыть исторический смысл военных
событий.
Натюрморт
Натюрморт — изображение неодушевлённых предметов в изобразительном
искусстве. Зародился в 15 — 16 веках, но как самостоятельный жанр
оформился только в 17 веке в творчестве голландских и фламандских
художников. С тех пор является важным жанром в живописи, в том числе и в
творчестве русских художников.
Жанровая живопись
Жанровая живопись является частью бытового жанра в изобразительном
искусстве. Бытовые сцены с древности были предметом живописи, однако
как отдельный жанр жанровая живопись сложилась лишь в средневековье,
получив особенно сильное развитие в эпоху социальных перемен Нового
времени.
Архитектурная живопись
Живопись, главной темой которой был не природный, а архитектурный
ландшафт. Включает в себя не только изображение архитектурных
сооружений, но и изображение интерьеров.
Анималистическая живопись
Анималистическая живопись это живопись, главным сюжетом для которой
является изображение животных. Фурри-арт это изображение
антропоморфных животных.
Живопись — вид изобразительного искусства, произведения которого создаются с помощью красок, наносимых на какую-либо поверхность.
Два типа живописи
Существует два типа живописи: станковая и монументальная. К станковой
живописи относят произведения, существующие независимо от места
создания. В основном это картины, созданные на мольберте (то есть станке)
художника. В станковой живописи преобладают работы выполненные
масляными красками, но могут использоваться и другие красители (темпера,
акриловые краски и т.д.). Картины пишутся в основном на холсте, натянутом
на раму или наклеенном на картон, на картоне, в прошлом широко
применялись деревянные доски, могут использоваться любые плоские
материалы. Монументальная живопись выполняется непосредственно на
стенах зданий и других сооружений. В прошлом преобладала живопись
темперными красками по сырой штукатурке (фреска). Однако эта техника
сложна, поэтому применяют и другие технологии, например масляные
краски. Цветные изображения на бумаге (акварель, гуашь, пастель и др.)
формально (например, по месту в коллекции) относят к графике, но эти
произведения часто рассматриваются и как живописные. Все другие способы
цветного изображения относятся к графике, в том числе и изображения,
созданные с помощью компьютерных технологий.
Наиболее распространены произведения живописи, выполненные на плоских или почти плоских поверхностях, таких как натянутый на подрамник холст, дерево, полотно, обработанные поверхности стен и т. д.
Существует также узкая трактовка термина живопись как работ,
выполненных масляными красками на холсте, картоне, оргалите и других
подобных материалах.
История живописи
Среди суждений, высказанных относительно системы, положенной нами в
основание "Истории живописи", одно нам представляется более
существенным, нежели другие, и требующим нескольких слов пояснения.
П.П. Рубенс Фламандский пейзаж. Галерея Уффици во Флоренции
Суждение это сводится к некоторому упреку в том, что мы говорим о самих
тонкостях, не успев еще создать в читателе того фундамента, который
необходим для свободного и толкового отношения к предмету, иначе
говоря, труд наш представляет собой какое-то торжество специализации.
Нам, однако, кажется, что мнение это лишено настоящих оснований, что
всякий, кто прочтет первую часть нашего исследования, должен будет
признать, что она-то и является той подготовительной "общей частью",
присутствие которой мы считаем необходимым во всяком крупном
историческом труде.
Нам представляется, что означенному недоразумению в отношении к
нашему труду способствует не столько существо системы, положенной в его
основании, и не столько принятое нами деление на категории, сколько
наименование первой из них, чрезмерно узкое для той области, изучение
которой мы себе здесь наметили. Нам важно было избрать для изучения в
первую очередь тот элемент живописного творчества, который может
считаться наиболее общим для всех эпох и школ. Мы занялись тем, что в
живописных произведениях является наименее зависящим от идей и
требований "вне художественного порядка" и на чем легче всего можно
проследить развитие "чисто живописных" исканий. Этот лишенный
специального термина элемент мы и обозначили словом "пейзаж". Однако
таким образом расширенное понятие данного слова оказалось
действительно не всем понятным, да и мы сами в течение своего изложения
вынуждены были часто заменять его выражениями: сценарий, постановка,
декорация, место действия и даже в известных случаях - ансамбль и
Живописная идея.
Дурно или хорошо существо избранной системы, покажет лишь весь труд в
целом. Но мы заранее уверены, что наша система должна привести к
всестороннему и самостоятельному обследованию предмета во всем его
объеме. В то же время мы решаемся высказать сомнение в том, что те же
результаты могли бы быть достигнуты при уже существующих и принятых
всеми системах, имеющих, правда, за себя то, что они совершенно ясны, но
скрывающих под этой ясностью избитый схематизм и односторонность.
Первая часть нашего труда является, таким образом, введением в
понимание истории живописи, причем методом служит изучение наиболее
"общего" элемента живописного творчества.
Нам скажут еще, что было бы правильнее и проще изменить самое
заглавие первой части. Однако если мы согласимся, что нами была допущена
некоторая натяжка, то все же это не способно побудить нас к замене
принятого наименования! С одной стороны, при недостаточности всей
художественной терминологии мы сомневаемся, чтобы нужно было найти
более точное выражение для данного понятия. С другой - мы не скрываем
нашего желания, чтобы расширенное понимание слова "пейзаж" научило
охватывать в живописи сложнейшую категорию явлений, до сих пор
разрозненных. И чтобы эта категория приобрела признание именно под
данным наименованием, выражающим в своем узком смысле самую
свободную и строгую область живописи.
О мировом искусстве можно говорить часами и писать тысячи книг. За именем каждого художника — непростая жизнь, за каждым полотном — голос времени, за каждым мазком — желание выразить нечто большее.
Редакция Losko выбрала пять картин, которые не оставили ее равнодушной. Они относятся к разным периодам и течениям в искусстве. Из статьи вы узнаете, где Ван Гог писал «Звездную ночь», как возник замысел «Черного квадрата» и какое на самом деле украшение у «Девушки с жемчужной сережкой»
«Звездная ночь», 1889
«Звездная ночь», Винсент Ван Гог, 1889
Художник
Нидерландский художник Винсент Ван Гог с детства был тонко чувствующим и замкнутым ребенком. В юности он семь лет занимался оценкой и продажей картин в фирме своего дяди, где и обнаружил страсть к рисованию. Однако коммерция и искусство были для него несовместимы.
Будучи сыном священника, он решил пойти по стопам отца: трижды пытался получить теологическое образование, но обостренное чувство прекрасного и справедливого не позволяло ему ладить с людьми.
Потерпев очередную неудачу, Ван Гог сосредоточился на творчестве и решил создать вместе с Полем Гогеном свою мастерскую. Но регулярные конфликты чувствительного Винсента с жестокой реальностью в итоге окончательно вывели его из равновесия: в 1889 году художник попал в психиатрическую лечебницу. Там он прожил год и написал большую часть своих картин. Через несколько месяцев после выхода из лечебницы Ван Гог, по основной версии, покончил жизнь самоубийством, выстрелив в себя из револьвера.
История
В мае 1889 года, во время очередного обсуждения планов с Гогеном, Ван Гог внезапно пришел в неистовство и набросился на друга с бритвой в руках. До конца не ясно, что именно произошло, но позднее ночью Винсент отрезал себе мочку уха. Его забрали в психиатрическую лечебницу в Арле, где через месяц после происшествия художник написал картину «Звездная ночь». И хотя Ван Гог изобразил вид из окна больницы, большая часть экспозиции вымышленная: ему было видно только пшеничное поле и небо.
Стиль
Ван Гог был постимпрессионистом. Художники этого направления стремились отойти от точного изображения предметов и от импрессионистской фиксации момента. Для них на первом месте стояла задача показать фундаментальные смыслы, используя цвет и формы. Точность в изображении реальных объектов теперь тоже была не обязательна — главным стало выразить идею.
В случае с картиной «Звездная ночь» сам Ван Гог никак не пояснял свою задумку. Искусствоведы полагают, что огромные вихреватые звезды отсылают к религиозным чувствам: размышлениям о конце бытия, о вечности. Важно отметить, что картина была написана накануне острого приступа Ван Гога в июле 1889 года: возможно он творил в состоянии обостренного восприятия.
Интересные факты
- Хотя картина стала одним из известнейших полотен Ван Гога, он в переписке с художником Эмилем Бернаром назвал её «провалом». Ван Гог стремился писать с натуры и избегать таких абстрактных элементов, как, например, завихрения света звезд.
- Самая яркая звезда на картине, расположенная справа от кипарисов, — Венера, которая, по мнению исследователей, действительно была таковой в то время в Провансе.
«Черный квадрат», 1915
«Черный квадрат», Казимир Малевич, 1915
Художник
Казимир Малевич родился в Киеве, по происхождению был поляком. Он увлекся рисованием еще в детстве, первую масштабную картину написал в 16 лет. Дважды пытался поступить в Московское училище живописи, ваяния и зодчества и дважды получал отказ.
Малевич создал уникальное направление в абстракционизме — супрематизм. Занимался разработкой теоретического фундамента этого течения, писал философские труды, преподавал живопись.
История
Идея произведения и супрематизма в целом возникла в декабре 1913 года. Тогда Казимир Малевич рисовал эскизы декораций к футуристической опере, где изобразил черный квадрат как противоположность солнечному кругу. Позже Малевич написал «Черный квадрат» в 1915 году наряду с другими картинами для футуристической выставки. Сам художник датировал работу 1913 годом и называл ее «основным супрематическим элементом». Датой создания полотна он считал год его придумки.
Простота изображения отражала суть картины — «Черный квадрат» означал новую веху в живописи, точку отсчета, «нуль форм». Вместе с этим полотном Малевич написал также «Черный круг» и «Черный крест», которые также легли в основу супрематической системы.
Стиль
Супрематизм развился из абстракционизма и был попыткой окончательно уйти от предметности. По мнению Малевича рисование с натуры так же примитивно, как и наскальная живопись.
Супрематизм стремился уравнять художника и природу — они не копируют, а создают с нуля. Основными инструментами художника стали лишь цвет и простейшие геометрические фигуры.
Интересные факты
§ Помимо первоначального «Черного квадрата» 1915 года были написаны еще три авторских повторения картины. Оригинальное полотно хранится по сей
день в Третьяковской галерее.
- В 2015 году ученые нашли и расшифровали надпись на картине «Черный квадрат». Она звучит так: «Битва негров в темной пещере». Надпись предположительно наспех сделана самим Малевичем и отсылает к черному полотну художника Альфонса Алле «Битва негров в пещере глубокой ночью», 1882 год.
«Девочка с персиками», 1887
«Девочка с персиками», Валентин Александрович Серов, 1887
Художник
Валентин Серов родился в Санкт-Петербурге в интеллигентной семье композиторов. С юного возраста проявлял талант к рисованию. Первым учителем Серова был Илья Репин, который отмечал в ученике большую страсть к живописи.
Серов, искусный портретист, писал Николая Римского-Корсакова, Илью Репина, Николая Лескова, императора Александра III с семьей и Николая II. До последних лет жизни Серов преподавал в Московской школе живописи, ваяния и зодчества и был членом совета Третьяковской галереи.
История
Серов нарисовал «Девочку с персиками» в усадьбе Мамонтовых, где он часто гостил: впервые его отвезла туда мама в 10 лет. Многие годы художник регулярно останавливался там и был близким другом семьи. Картина была написана с одиннадцатилетний Веры Мамонтовой, дочери хозяина. В тот день все гости пообедали и вышли из столовой, оставив Веру и Серова одних. Вера возбужденно что-то рассказывала художнику, с которым они были хорошими друзьями. Валентин, будучи чутким живописцем, уловил детскую непосредственность Веры и попросил ее позировать десять сеансов.
В результате Серов писал работу более месяца. «Все, чего я добивался, — это свежести, той особенной свежести, которую всегда чувствуешь в натуре и не видишь в картинах. Писал я больше месяца и измучил ее, бедную, до смерти, уж очень хотелось сохранить свежесть живописи при полной законченности — вот как у старых мастеров» — говорил позже художник о том периоде.
Стиль
Портреты Серова относят к русскому импрессионизму. Этот стиль навеян процветающим в тот период французским импрессионизмом, отличающимся динамичностью и незавершенностью рисунка, как будто бы сделанного «на лету».
Однако русский импрессионизм отражал национальные черты:
размеренность и осмысленность — наша деревня уступала европейскому темпу жизни. Вера Мамонтова на портрете расслабленно сидит за столом — лишь румянец на щеках напоминает о резвости девочки.
Интересные факты
- Скатерть, которой накрыт стол на картине, позднее также станет известной: все посетители усадьбы Мамонтовых расписывались на ней мелом, а Вера позже вышивала по этим следам. Скатерть стала уникальной коллекцией автографов художественного кружка Мамонтовых.
- Художник Михаил Нестеров очень любил «Девочку с персиками» Серова и называл портреты Репина и Васнецова «безжизненными» в сравнении с ним. Он считал, что в Париже картина сделает Серова известным, но «у нас пока подобное явление немыслимо: примут за помешанного и уберут с выставки, — настолько это ново и оригинально» — так он высказывается в своих письмах сестре.
«Девушка с жемчужной сережкой», 1665
«Девушка с жемчужной сережкой», Ян Вермеер, 1665
Художник
Ян Вермеер родился и прожил всю жизнь в Нидерландах. Он принадлежит к представителям «золотого века» голландской живописи и стоит наравне с Рембрандтом. О жизни художника известно мало, ясно лишь то, что у него была хорошая школа живописи: в 21 год его приняли в гильдию Святого Луки, что было невозможно без шести лет серьезного обучения
у признанного живописца. Позднее Вермеер дважды занимал должность руководителя гильдии.
Художник достиг успеха еще при жизни, обладал авторитетом и продавал свои картины за солидные суммы. Писал портретист не более двух работ в год. На данный момент известно о 34 подлинниках.
История
История картины «Девушка с жемчужной сережкой» окутана тайной. Дата написания указана предположительно, так как сам Вермеер ее не поставил. Исследователи до сих пор не знают, кто изображен на картине: по одной из теорий Ян Вармеер изобразил свою дочь Марию, которой было тогда около 12 лет. В пользу этой теории говорит удивительно прямой и смелый взгляд девушки, словно они с художником близко знакомы.
По другой версии девушка на портрете — не конкретный человек, а свободное творчество художника, или «трони» — анонимный портрет-фантазия. Эту теорию подтверждают описи имущества после смерти Вермеера, где указаны «два трони в турецком стиле» — речь вполне может идти о замысловатом тюрбане на голове девушки.
Стиль
Картина «Девушка с жемчужной сережкой» относится к барокко. Об этом говорит сочность, насыщенность цветов и контрастность, придающая портрету выпуклость. Художник мастерски изобразил свет на коже, подчеркнув его контрастно-темным фоном. Естественно выглядят блики в глазах и на губах девушки, которая смотрит словно куда-то за спину зрителю.
Интересные факты
- Художники в тот период не давали названий своим полотнам — их придумывали служащие, составлявшие описи имущества. Картина называлась «Девушка в тюрбане» и «Лицо девушки», и только перед выставкой в Вашингтоне в 1995 сотрудники музея Маурицхёйс придумали современные вариант.
- Серьезная дискуссия развернулась о самой сережке, а именно о ее «жемчужности». Многие исследователи обратили снимание на слишком
большой размер камня, а также на яркий блик в его нижней части. Сейчас
ученые склоняются к тому, что украшение было не из жемчуга, а из стекла, покрытого матовым слоем. Крупный жемчуг был редкостью и позволить его могли только богатые, поэтому из Венеции поставляли бижутерию.
«Постоянство памяти», 1931
«Постоянство памяти», 1934, Сальвадор Дали. Находится в Нью-Йоркском музее современного искусства
Художник
Полотно написал испанский художник-сюрреалист Сальвадор Дали. Он с детства был эксцентричным и притягивающим к себе всеобщее внимание. За 85 лет он создал около 1500 произведений, включая сюрреалистические
картины, иллюстрации, скульптуры.
Сальвадор Дали был известен при жизни. Он стал автором нескольких автобиографических книг, сценариев, разработал логотип «Chupa-Chups», работал с Уолтом Диснеем над мультфильмом «Destino», участвовал в создании фильмов Луиса Бунюэля и Альфреда Хичкока. Также Дали создал в своем доме в Порт Лигат 44 бронзовые статуи. Художник вдохновлялся в основном своими сновидениями, самоанализом и теориями Фрейда.
История
«Постоянство памяти» — небольшое полотно, которое Сальвадор Дали создал всего за пару часов, пока его жена Гала была с друзьями в кино. Сам художник не пошел, сославшись на мигрень. Изначально Дали писал мыс Креус, но в тот день он взглянул на картину и понял, что полотну не хватает какой-то идеи, смысла. Он уснул и перед ним предстал образ мягких часов, стекающих с ветви высохшей оливы. Сам Дали говорит, что на образы «текучих часов» его навел мягкий сыр камамбер, которым они ужинали накануне.
Небольшая картина была очень личной для художника. Позже Дали вспоминал, как показал её Гале: «Я наблюдал за тем, как она разглядывает картину и как отражается на ее лице очаровательное удивление. Так я убедился, что изображение производит эффект, ибо Гала никогда не ошибается.»
Стиль
«Постоянство памяти» относится к сюрреализму. Мягкие часы выражают основную мысль, озарившую Дали — идею об относительности времени и его нелинейности. Часы текут в разные стороны, демонстрируя то, как легко вернуться в прошлое или повлиять на будущее. Художник осознавал хрупкость и искусственность привычного понимания времени, о чем говорят изображенные на картине «твердые» часы, поедаемые муравьями, которые символизируют конечность, смертность, разложение.
Однако понятие времени не разрушается полностью — это подтверждают образы яйца, лежащего на берегу, а также зеркало, будто объединяющее море и небо. В глазах художника время противоречиво и относительно, но при этом все равно
может существовать и создавать полотно мира.
Интересные факты
Сам Сальвадор Дали дал лишь два комментария к картине: о том, что на мягкость часов его навели мысли о камамбере, и о том, что при написании он думал о древнегреческом философе Гераклите и его высказывании «Все меняется, все течет».
Через несколько дней после написания работы ее купил американец Джулиан Леви, уверяя Дали, что «Постоянство памяти» не принесет коммерческого успеха и будет просто висеть у него дома.