Щипковые инструменты
Гусли. Арфа, кифара, лира, гусли... У разных народов в разное время возникли похожие музыкальные инструменты. На нашей территории подобный инструмент существовал во времена нашествия скифов. По словам греческого историка Юрия Полидевка, жившего во втором веке нашей эры, «...скифы являются изобретателями пятиструнника, то есть своего рода арфы, вернее кифары», струны которой навязывались из сыромятных ремней, т. е. были жильные, а плектром (плектр - от греческого - ударяю) служило «козье копытце». У греческого учёного не было других сравнений, и нам остается только предположить, что этот «пятиструнник» больше был похож на гусли.
Если же заглянуть в Скандинавию и на побережье Балтийского моря, - возникают названия «кантеле», «кокле», «канклес», «каннель» и т. п. Всё это тоже гусли, только эстонские, финские, литовские. И им не одна сотня лет. А первое упоминание о русских гуслях относится к VI веку. Название их происходит от древнеславянского слава «густы» - гудеть, а так как гудела струна, то она и получила наименование «гусла». Значит, гусли - это струны, гудящие струны.
Любая струна при колебании звучит сама по себе сравнительно тихо, а полые, то есть пустотелые предметы издают более гулкие, громкие звуки; звук той же струны преображается, если её приблизить к дуплу или поместить в деревянное корыто, ящик. Так возникло понятие о резонаторе, одной из необходимейших составных частей любого музыкального инструмента. Струны начали закреплять не на доске, а как бы поверх специально выдолбленного корытообразного ящика, покрытого сверху тонкой деревянной или кожаной пластинкой, называемой декой (дека - значит крышка). Именно эта дека заставляла колебаться заключённое между ней и резонатором воздушное пространство, усиливая звук, делая его более продолжительным и полным. При этом не безразлично, из какого вида дерева сделана та или иная деталь музыкального инструмента. Корпус резонатора обычно выдалбливался из сосны или ели, а покрывался сверху декой из явора. Отсюда и пошел эпитет: гусли «яровчатые» (искажённое «яворчатые»).
Искусство гусляров было, как говорят теперь, синтетическое. Гусляр был не только музыкантом, но и поэтом, и рассказчиком. Старинная былина была своеобразной хроникой важнейших событий. В наше время это трудно себе представить.
Как же совершенствовался этот старинный музыкальный инструмент и в каком виде он дошёл до наших дней?
В средние века с увеличением объема торговли между народами увеличился и обмен всякого рода информацией, включая культурную. Музыкальные инструменты стали в ряду других предметов торговли и обмена перемещаться из страны в страну. В результате этого взаимовлияния к концу XIX столетия в России откристаллизовались три основные разновидности гуслей.
Гусли звончатые. Инструмент крыловидной или трапецеидальной формы. При игре его опирают на колени колками в левую сторону. Струны защипываются либо пальцами обеих рук, либо пальцами только правой руки; левая рука в этом случае служит для приглушивания струн. Позже звук начали извлекать плектром или медиатором, отчего он стал ярче и звонче, а последнее и определило наименование инструмента. На звончатых гуслях можно играть и бряцанием, как на балалайке, и извлекать аккорды арпеджированно, то есть арфообразно.
Гусли щипковые как бы синтезировали в себе элементы арфы, древнеславянских гуслей и столообразную форму цимбал.
Действительно, вдоль большого резонаторного корпуса, укреплённого на четырех ножках, натянуты металлические струны разной длины и толщины, настроенные по звукоряду многооктавной хроматической гаммы. Струны с более низкими звуками расположены ближе к исполнителю. Защипываются они пальцами обеих рук, откуда и название — щипковые. На них возможно исполнение не только одноголосных мелодий, но и полифонических пьес и различных аккордов.
Гусли клавишные. Если в своё время на основе арфы, гуслей и цимбал было создано современное фортепиано, то позже уже оно оказывало влияние на реконструкцию старинных инструментов. А точнее, - его во многих отношениях совершенная, очень наглядная и простая клавиатура. Действительно, её всё чаще стали использовать при создании других разновидностей инструментов. Так появился аккордеон - гармоника с фортепианной клавиатурой, мелодика - губная гармоника с фортепианной клавиатурой, а в конце XIX века - клавишные гусли опять-таки с фортепианной клавиатурой.
Устроены они и выглядят так же, как и гусли щипковые. Но струны (в том же количестве) расположены строго горизонтально, а в левой части стола установлен ящик со специальной механикой, позволяющей управлять ими. На край ящика выведена фортепианная клавиатура диапазоном в одну октаву. Сам ящик расположен над струнами так, что находящиеся в нём демпферы (глушители) плотно прилегают к струнам и глушат их. При нажатии на ту или иную клавишу демпфер соответствующей струны приподнимается и струна получает возможность колебаться, звучать. Поскольку диапазон этих гуслей большой, а струны настроены в хроматической последовательности, звуки всего звукоряда повторяются в разных октавах, как на фортепиано. Вот почему конструкторы сделали так, что при нажатии на клавишу поднимаются демпферы соответствующего названия звука струн во всех октавах. Одноголосные мелодии на этих гуслях играть не принято; на них играют арпеджированные аккорды. Поэтому чаще всего на клавиатуре левой рукой нажимают различные созвучия, аккорды, а правой при помощи медиатора извлекают звуки открывшихся струн во всех октавах.
Домра. Музыканты - учёные предполагают, что древним предком русской домры является египетский инструмент «пандура», который проник на Русь через Персию. Похожие инструменты имеются у многих народов. Это украинская бандура, монгольский домбур, татарская думра, калмыцкий домр и многие другие. В Европу подобные инструменты проникли в раннем Средневековье и получили название лютневых. Подобно тому, как нельзя представить скомороха без домры, так нельзя и средневекового трубадура представить без лютни.
Домра на Руси сразу попала в гущу народной жизни. Она стала инструментом общедоступным, демократическим. Лёгкость и малая величина инструмента, его звонкость (играли на домре всегда плектром - косточкой или перышком), богатые художественные и технические возможности - всё это особенно пришлось по душе вездесущим скоморохам. «Рад скомрах о своих домрах», - гласит старая пословица. Домра в те времена звучала всюду: на крестьянских и царских дворах, в часы веселья и в минуты грусти. Влияние искусства скоморохов стало на Руси так велико, что церковники не на шутку встревожились: а не слишком ли музыка отвлекает народ от Бога? Вот почему так ополчилось на домру сначала духовенство, а затем и правители государства. «Где появятся домры, сурны и гусли, - гласит царский указ XV века, - то всех их велеть вымать и, изломав те бесовские игры, велеть жечь, а которые люди от того богомерзкого дела не отстанут - велеть бить батоги». Понятно теперь, почему домра в ближайшие к нашему времени века совсем исчезла и о ней не сохранилось почти никаких сведений. Тем не менее в конце прошлого века в Вятской губернии был найден небольшой струнный инструмент с округлой формой корпуса. Инструмент вскоре попал в руки Василия Васильевича Андреева, как раз в ту пору занимавшегося поисками и восстановлением сохранившихся в народе образцов старинных русских инструментов. Андреев, путем сличения найденного инструмента с изображениями на старинных лубочных картинках и гравюрах, а также по описанию, предположил в нём давно разыскиваемую домру. Именно по этому вятскому образцу и была воссоздана полузабытая русская домра, ставшая с того времени опять основным, ведущим инструментом русских народных оркестров. Домра и сейчас известный и распространённый у нас музыкальный инструмент. Следует лишь знать, что в настоящее время в практике используют две разновидности русской домры - трёхструнную и четырёхструнную. Наибольшее распространение получила четырёхструнная домра, поскольку из-за общности строя на ней можно играть скрипичный репертуар. А в ансамблях и оркестрах используют домры разных размеров и диапазона звучания: малые, пикколо, альтовые и басовые.
Балалайка. Есть инструменты, ставшие музыкальным символом того или иного народа. Например, гитара - испанский национальный инструмент, мандолина - итальянский, волынка - шотландский, бандура - украинский и т. д. Все в мире знают, что балалайка - это русское. Любопытно уже само название инструмента, типично народное, звучанием слогосочетания передающее характер игры на нём. Корень слов «балалайка», или, как её ещё называли, «балабайка», давно привлекал внимание исследователей родством с такими русскими словами, как балакать, балабонить, балагурить, что значит болтать, пустозвонить. А эти слова в свою очередь, очевидно, произошли от татарских слов бала - ребёнок, балалар - дети. Не отсюда ли наше баловаться, то есть резвиться, ребячиться? Не передают ли все эти понятия, дополняя друг друга, суть балалайки - инструмента лёгкого, забавного, бренчливого, не очень в те времена серьёзного?
Первое письменное упоминание о балалайке относится к 1715 году, ко времени царствования Петра I. На одном из придворных пиршеств было решено по царскому указанию составить грандиозный оркестр, в который входили бы представители всех народностей, населявших тогда Россию. Каждый представитель нации должен был нести музыкальный инструмент, наиболее характерный для нее. Любопытно, что балалайка была приписана самим Петром I калмыкам. Какие основания побудили его к этому, сказать сейчас трудно. Ни у татар, ни у калмыков инструмента с подобным названием нет. Но были и есть струнные щипковые инструменты, чрезвычайно напоминающие балалайку. И хотя назывались эти инструменты по-разному (у калмыков - домр, у бурят - гор, у татар – думбра и др.), многие из них, в том числе калмыцкий, имели треугольную форму кузова, длинную шейку, две-три струны. И, самое главное, играли на них не плектром, а пальцами, типично балалаечным бряцанием.
С другой стороны, известно, что русские балалайки даже в пору своего широчайшего распространения по Руси не всегда и не везде имели треугольную форму. Многие из них, наподобие вышедшей к этому времени из употребления домры, имели овальный, тамбурообразный корпус. Более того, изготавливался этот корпус нередко из... тыквы. В «Мёртвых душах» Н. В. Гоголь вспоминает «... молдованские тыквы, называемые горлянками, из которых делают на Руси балалайки, двухструнные лёгкие балалайки, красу и потеху ухватливого двадцатилетнего парня...».
Знаменитый русский музыкант - композитор, скрипач, балалаечник и дирижёр Иван Евстигнеевич Хандошкин (1747-1804) играл на балалайке, сделанной также из тыквы, проклеенной внутри порошком битого хрусталя, что придавало звуку, по свидетельству современников, особую чистоту и серебристость.
Можно предположить, что на определенном историческом этапе, как это часто бывало и бывает, произошло слияние двух-трёх родственных щипковых инструментов, в результате которого именно русский человек развил и распространил совершенно новый, самобытный струнный инструмент - балалайку. От домры был заимствован корпус (неважно какой - овальный или треугольный), строй (по квартам, как у трёхструнной домры), а от гуслей - способ игры. И вот, пожалуй, именно способ игры определил своеобразие нового инструмента. По богатству оттенков звука, по разнообразию штрихов балалайка превосходит своих предшественников. Тут и тремоло, как на домре, щипки пальцами правой руки и бряцание, как на гуслях, щипки пальцами левой руки, что идет, пожалуй, от арфы, большая и малая дробь, пиццикато, глиссандо, вибрато...
«... Сей инструмент в великом употреблении в России между простым народом» - написано в одной из книг издания 1795 года. Старинные печатные свидетельства говорят и о том, что балалайка была «в великом употреблении» не только «между простым народом». Мы уже упоминали имя И. Хандошкина, за которым утвердилась слава «первого сочинителя и игрока русских песен» и «первого виртуоза на балалайке». Историки свидетельствуют о широком распространении этого инструмента в богатых домах и даже при царском дворе.
Однако в начале XIX века у балалайки появились серьёзные конкуренты, совсем было вытеснившие её из употребления. Вначале это была семиструнная гитара, а затем гармонь. Последняя-то и нанесла вообще всем струнным сокрушительный удар, и трудно сказать, как бы сложилась судьба нашей задорной трёхструнки, если бы не Василий Васильевич Андреев. Именно благодаря этому человеку русские народные струнно-щипковые инструменты приобрели вторую жизнь. И балалайка в том числе. Андреев по многим сохранившимся старинным образцам создал чертёж новой усовершенствованной балалайки, на которой играют по сей день. По этим чертежам были сконструированы инструменты, а сам Андреев написал «Школу игры на балалайке». И в 1889 году ансамбль балалаечников под руководством В. Андреева блистательно представил Россию на Всемирной выставке в Париже. Позднее Андрееву было пожаловано звание академика «за введение нового элемента в музыку». Интересно, что об андреевском ансамбле балалаечников восторженно отзывались П. И. Чайковский, Владимир Стасов и Лев Толстой.
Гитара. Слово «гитара», как предполагают, происходит от древнегреческого «кифара». Этим словом называли по преимуществу все инструменты, имевшие кузов, ручку и струны. Немцы называли такой инструмент zyther, а итальянцы citera. От того же названия произошло испанское слово guitarra. Такой инструмент обязательно должен был иметь плоский, а не выпуклый корпус. В Испании корпус такого инструмента получил своеобразную форму, близкую теперешней. В связи с этим Испании и приписывается изобретение гитары, хотя распространён этот инструмент был во всех странах Европы, особенно южной. Во Франции гитара была известна уже в XI веке и называлась guiterne, guisterne. В то же время в Италии этот инструмент получил название chitarra, а в Германии quinterne. Последнее название связывают со словом «квинта» - пять. И действительно, в те времена у гитары было пять двойных струн. Это положение вещей сохранилось вплоть до середины XVII столетия. «Музыкальный лексикон» (1732 год) всё еще определяет гитару как «плоский лютневый инструмент, снабженный пятью хордами двойных кишечных струн». Но в то самое время, когда писались приведенные строки, гитара уже переживала свое новое рождение. Сначала двойные струны были заменены одинарными. Это сделали немецкие мастера в конце XVIII столетия. А затем, около 1788 года, в Йене, мастер Август Отто, по совету придворного саксонского капельмейстера Науманна, прибавил гитаре шестую струну. Три высокие были кишечными, а три низкие - шёлковыми, обтянутыми серебряной канителью. Гитара стала самым популярным инструментом в Германии (и стоила она довольно дёшево). Но если в Германии этот инструмент лишь сопровождал пение, то в Италии в это время появился профессиональный гитарист-виртуоз Джулиани. Именно он впервые начал писать пьесы и вариации для ансамбля в составе гитары, скрипки и флейты. В 1822 году в Вене выступал гитарист Ленани, о котором писали: «Ни один из соперников, не исключая и Джулиани, не в состоянии состязаться с ним. Не веришь глазам своим и ушам своим, чтобы один человек мог извлекать из данного инструмента столь полногласные пьесы. Сыгранная им одним увертюра звучала так, как будто исполнял её целый оркестр гитар; мелодия постоянно ясно и определённо выдавалась вместе с сопровождающими её фигурами. В исполнявшихся им вариациях он достигал пределов возможного, проявляя высшее торжество технической подготовки».
Великий скрипач Николо Паганини в первые годы своей артистической деятельности играл, кроме скрипки, на гитаре с таким мастерством, что современники затруднялись определить, на каком из двух названных инструментов игра его была совершеннее. На гитаре в молодости играли Гектор Берлиоз и Джоаккино Россини.
В России, в Москве и Петербурге, четырех-пятиструнная гитара стала известна с 1769 года. Но, как говорит один из современников, она «не успела приобрести себе здесь расположения, тем более, что не могла служить, как в Италии, для сопровождения влюбленных вздохов под окнами возлюбленной, в стране, где не в обычаях ни вечерние серенады, ни вздохи на улицах». Позднее, когда гитара попала в руки цыган, она приобрела популярность. Но к тому времени она уже была, как говорят, о семи струнах. По утверждению историка Фаминцина, семиструнной сделал ее в 1790 году Андрей Осипович Сихра, известный в то время виртуоз-арфист. Однако этот факт неоднократно опровергался. Во всяком случае, Сихре принадлежит первое пособие по игре на семиструнной гитаре. С тех пор с гитарой невольно связывалось представление о хорах московских цыган, певших русские и цыганские народные песни под аккомпанемент гитары. Цыганское искусство производило на слушателей огромное впечатление, им увлекались многие выдающиеся художники.
В 20-30-х годах XIX столетия гитара становится в России модной в самых аристократических кругах. Потом постепенно она демократизируется и делается инструментом широкой публики - и наконец она уже на улице, у ворот, где девицы грызут орешки и семечки, а парни поют им романсы и песни. Так и пошло с тех пор название, закрепившееся за семиструнной гитарой. Её стали называть «русской». В то же время в России получила распространение и шестиструнная, как её называли, «испанская» гитара. Но пути обеих гитар, «русской» и «испанской», резко разошлись. Уже в ХХ веке иностранные виртуозы выражали удивление, узнав о том, что в России сохранилась семиструнная гитара. Но тому есть вполне понятное объяснение. Развитие шестиструнной гитары обусловлено тем, что она трактовалась как сольный, высокотехничный инструмент. А семиструнная гитара была инструментом прежде всего аккомпанирующим, на её развитие влияла русская городская песня. Но в настоящее время более распространена всё же шестиструнная гитара. И способствовал этому знаменитый русский гитарист ХХ века Александр Иванов-Крамской, который начал делать переложения русских песен и романсов для шестиструнной гитары.
Русский баян
Этот инструмент всем хорошо известен. Без гармони и её разновидности – баяна – невозможно представить ни концерта художественной самодеятельности, ни вечера в клубе, ни звучания оркестра русских народных инструментов. Кажется, что этот инструмент существовал всегда. А между тем это один из самых молодых музыкальных инструментов.
Гармоника была изобретена в Берлине в 1822 году. Её изобретателем называют Христиана Фридриха Бушмана. Потом ручная музыкальная игрушка попала к венским мастерам. Они увеличили мехи, прибавили ещё несколько звуков и, услышав, что на новом инструменте можно извлекать простенькие аккорды, стали называть его гармонью – от греческого слова «армония» - созвучие. Из Германии и Австрии гармонь очень быстро распространилась по всему миру. И это не случайно. Ведь она родственница самого величественного инструмента – органа, так как является клавишно-духовым инструментом.
Но европейская гармонь мало походит на русский баян – богатый и яркий по звуку и тембру инструмент. Подлинной родиной русской гармони – баяна – стал город Тула. Жители этого города издавна славились своей изобретательностью. Достаточно вспомнить знаменитого Левшу, подковавшего блоху. До нас дошло имя тульского мастера Сизова, который внёс в гармонь много усовершенствований. Но гармонь Сизова ещё во многом отличалась от баяна: голос её был слабее, меньше по диапазону, и выглядела она совсем ненарядно. Но этот инструмент уже с радостью брали в руки любители песен, и перекинув через плечо лёгкий ремешок, выходили с гармонью на улицу, радуя земляков родными напевами. Работал над гармонью и другой тульский мастер – Николай Иванович Белобородов. Он сумел ввести в строй гармони все известные ему звучания – так родилась хроматическая гармонь, и поныне живущая в народе.
Особую роль в усовершенствовании и распространении гармони сыграл Петербургский музыкант Яков Фёдорович Орланский-Титаренко. Он стал не только замечательным исполнителем, выдающимся педагогом и автором многих учебных пособий, но и одарённым конструктором. По его замыслу создано много различных типов улучшенных гармоней. Орланский-Титаренко отважился исполнять на гармони классическую музыку. И чтобы не искажать и не упрощать произведений великих композиторов, он задумал новый, совершенный тип гармони. Со своим проектом он обратился к мастеру П. Е. Стерлингову, сделавшему такую гармонь. Яков Орланский-Титаренко назвал её баяном - в честь вещего певца Баяна. И по сей день это название сохранилось за самыми совершенными видами русских хроматических гармоник.
В диапазоне правой клавиатуры баяна – четыре с половиной октавы. На его левой стороне – сто отливающих перламутром басовых кнопок.
В наши дни на баяне, ансамблем и оркестром баянистов исполняют не только русские народные напевы и наигрыши, но и сложнейшие произведения музыкальной классики. Особенно хорошо звучат на этом инструменте произведения, написанные для органа. Любопытно, что «король гармоник» баян не вытеснил весёлое, шумное и проворное семейство самых различных русских гармоней – от двухрядки до аккордеона.