Со второй половины XII в. в Западной Европе, и прежде всего в Северной Франции, появляется архитектура нового стиля, коренным образом отличающегося от романского и получившего название готического. Готический стиль был порожден культурой развивающихся городов, ранее всего реализовался в архитектуре и прочно в ней утвердился. Горожане, победившие в борьбе с феодалами, становятся носителями социального и экономического прогресса. Формируется новое бюргерское мировоззрение, обращенное к человеку-созидателю, творцу материальных благ, одной из специфических черт которого является гордость за свой родной город и стремление прославить его. Символом города становится собор, теряющий свои оборонительные функции. Стилевые изменения обоснованы не только функциональными изменениями, но и значительными успехами в развитии строительной техники, основанной на точном расчете и выверенной конструкции. Перенос несущих конструкций наружу позволяет облегчить стены, колонны, увеличить высоту и создать принципиально новый храмовый интерьер, максимально соответствующий идее устремления духа ввысь, к Богу.
В целом готические соборы характеризуются специфическими стилевыми и конструктивными особенностями, главные из которых:
• усложнение типа базилики (пять нефов с востока, три - с запада, хоровые обходы, венец капелл),
• исчезновение изолированности нефов за счет утончения колонны,
• использование контрфорсов и аркбутанов для усиления опор,
• использование строительных арок и ферм;
• нервюрные перекрытия;
• большие стрельчатые окна с витражами и круглым окном «розой» над порталом;
• легкость конструкций,
• обилие скульптурного декора храма, подчеркивающего вертикализм, воздушность сооружения;
|
|
• взаимосвязь интерьера и экстерьера.
Национальные архитектурные школы имели определенные отличия, но они ни в коей мере не нарушали целостности стиля. Шедеврами готической архитектуры в мире признаны Собор Парижской Богоматери, Шартрский и Реймский соборы (Франция), Кельнский собор (Германия), Миланский собор(Италия).
Но готический стиль применялся не только в церковной архитектуре. С развитием городов уже само возведение соборов перестало быть монополией церковныхмастеров. Оно перешло в руки городских ремесленников, объединенных в соответствующие цехи и охотно применявших свое мастерство при строительстве светских сооружений. Осознав свою силу и богатство, горожане стремятся возвести рядом с городским собором на главной площади ратушу как символ города и олицетворение социального самосознания бюргерства. Прекрасные образцы готического гражданского строительства сохранились в ряде западноевропейских городов: Флоренции, Брюгге, Генте, Брюсселе и др.
В искусстве готики обретает большую самостоятельность скульптура. Появляется трехмерная многообразная по формам пластика. Размещение фигур на фасаде соборов совершалось по четкому сюжетно-тематическому принципу. В одних странах скульптуры сосредоточивались в экстерьере собора (Франция), в других—в интерьере.
Благодаря обмирщению строительных артелей и развитию светского строительства, в готической скульптуре наблюдаются нарастание реалистических элементов, портретная индивидуальность, доходящая порой до передачи психологических характеристик (портреты Наумбургского собора). Анатомия фигур становится правильной, лица святых передают человеческие эмоции. Рельеф становился высоким, пластичным, теряет былую линеарность.
|
|
Монументальная живопись готики в основном представлена витражом. Значительное увеличение оконных проемов повысило роль витражей в ущерб росписям. По сравнению с романскими, в готических витражах отмечается более глубокий и конденсированный цвет. Расширяется цветовая палитра, исчезают орнаментальные элементы, их сменяют человеческие фигуры, вначале статичные, стоящие, а потом и в самых различных позах. В XI в. целью витража было освещение, в XIII в. его функция меняется: он призван, украшая, поучать.
Витражи обычно приносились в дар храму монархами, знатными феодалами, духовными лицами высокого сана или же ремесленными корпорациями. Нередко мастера изображают самих себя за работой (Шартрский собор).
В XIV в. свинцовые переплеты становятся тоньше и изящней, рисунок напоминает книжную миниатюру. В XV в. изоб-ретена техника дублирования стекол, что давало тончайшую нюансировку цвета, в витраже Явственно ощущается нарастание реалистических элементов, он уже соперничает с книжной миниатюрой, но при этом теряет монументальность. Особенно громкую славу снискали французские витражи Шартра, Руана и Сент-Шапель в Париже, а также немецкие витражи соборов в Страсбурге и Штутгарте.
Наряду с искусством витража готика оставила нам великолепные образцы книжной миниатюры. Витраж и миниатюра, сосуществуя, неизбежно подвергались взаимовлиянию. Сфера применения книжной миниатюры в готическом искусстве значительно расширилась. Кроме Библии, Евангелия и Псалтири нужно было иллюстрировать часословы (выдержки из религиозных книг с календарями праздников), учебники, энциклопедии, светскую литературу.
|
|
Существовала узкая специализация мастеров по двум направлениям: миниатюристы, оформлявшие заказы феодальной аристократии, двора, и художники демократического народного направления.
Искусство книжной миниатюры составляло одно из крупнейших достижений готики; в этом виде живописи прослеживается эволюция от «классического» стиля к реализму. Среди наиболее выдающихся достижений книжной миниатюры, собственно готического стиля, можно назвать псалтирь королевы Ингеборг (Шантильи, Музеи, 1200) и псалтирь Людовика Святого (Париж, Национальная библиотека, 1256)
Замечательным памятником немецкой школы начала XIV в. является «Рукопись Манессе» (Гейдельберг, Университетская библиотека). Это сборник самых известных песен немецких миннезингеров. Рукопись украшена портретами певцов, сценами турниров и придворной жизни, гербами.
Самым прославленным миниатюристом поздней готики был Жан Фуке. К этому времени (XV в.) миниатюра становится все более реалистической, превращаясь из иллюстраций текстов в самостоятельные крошечные картины.
Наши современники называет Средневековье эпохой «окольцованной вечности», оставившей миру непреходящие культурные ценности. Но они не возникли сами по себе, из ничего. Средневековье сформировало особый тип личности. Крестьянин, бюргер, ремесленник, свято веря в загробную жизнь и прилежно трудясь, были мужественными людьми, не боялись смерти, стоически терпели превратности судьбы. Но, вместе с тем, им не были чужды земные, человеческие радости, они умели ценить и творить красоту. Об этом говорят дошедшие до нас памятники средневековой культуры.
4. Искусство эпохи Возрождения, о\х
Первые предвестники искусства Возрождения появились в Италии в XIV веке. Художники этого времени, Пьетро Каваллини (1259—1344), Симоне Мартини (1284—1344) и (в первую очередь) Джотто (1267—1337) при создании полотен традиционной религиозной тематики отталкивались от традиции интернациональной готики, однако начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане, что позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными. Это резко отличало их творчество от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении. Для обозначения их творчества используется термин Проторенессанс.
Различные века в истории итальянского искусства имеют названия, образованные от соответствующих числительных:
дученто — 1200-е. От итал. ducento (двести). Интернациональная готика.
треченто — 1300-е. От итал. trecento (триста). Проторенессанс.
кватроченто — 1400-е. От итал. quattrocento (четыреста). Раннее Возрождение, Высокое Возрождение.
чинквеченто — 1500-е. От итал. cinquecento (пятьсот). Конец Высокого Возрождения, Позднее Возрождение.
Раннее ВозрождениеВ начале XV века Филиппо Брунеллески (1377—1446), флорентийский учёный и архитектор, открыл и описал законы линейной перспективы в живописи. Это позволило художникам получать совершенные изображения трёхмерного пространства на плоском полотне картины.
Другим важным шагом стало появление нерелигиозного, секулярного искусства. Портрет и пейзаж утвердились как самостоятельные жанры. Даже религиозные сюжеты приобретали иную трактовку — художники Возрождения стали рассматривать их персонажей как героев с ярко выраженными индивидуальными чертами и человеческой мотивацией поступков.
Наиболее известные художники этого периода — Мазаччо (1401—1428), Мазолино (1383—1440), Беноццо Гоццоли (1420—1497), Пьеро Делла Франческо (1420—1492), Андреа Мантенья (1431—1506), Никколо Пиццоло (1421-1453), Джованни Беллини (1430—1516), Антонелло да Мессина (1430—1479), Доменико Гирландайо (1449—1494), Сандро Боттичелли (1445—1510).
Большое распространение получила скульптура. В творчестве скульпторов получили развитие многие формы: статуя, рельеф, бюст и т. д. Ими были достигнуты новые высоты в изображении пластики человеческого тела: эмоций, движений тела, сложных сцен в многоплановых, перспективных рельефах. Наиболее известными скульпторами этого периода являются Донателло (1386—1466) и Лоренцо Гиберти (1381—1456).
Высокое Возрождение
Наивысший расцвет искусства Возрождения пришёлся на первую четверть XVI века, которая получила название «Высокое возрождение». Работы Сансовино (1486—1570), Леонардо да Винчи (1452—1519), Рафаэля Санти (1483—1520), Микеланджело Буонарроти (1475—1564), Джорджоне (1476—1510), Тициана (1477—1576), Антонио Корреджо (1489—1534) составляют золотой фонд европейского искусства.
Подходя к живописи с точки зрения естествоиспытателя, Леонардо да Винчи добился высокого мастерства в передаче мимики лица и тела человека, способах передачи пространства, построения композиции. Вместе с тем его работы создают гармоничный образ человека, отвечающий гуманистическим идеалам. В дальнейшем эти новации были развиты Рафаэлем Санти.
Картины и скульптуры Микеланджело Буонарроти полны героического пафоса и, одновременно трагического ощущения кризиса гуманизма. Его картины прославляют силу и мощь человека, красоту его тела, одновременно подчёркивая его одиночество в мире[источник не указан 1547 дней].
Творчество Джорджоне и Тициана отличает интерес к пейзажу, поэтизации сюжета. Оба художника достигли большого мастерства в искусстве портрета, с помощью которого передавали характер и богатый внутренний мир своих персонажей.
Позднее Возрождение
После разграбления Рима имперскими войсками в 1527 году итальянское Возрождение вступает в период кризиса. Уже в творчестве позднего Рафаэля намечается новая художественная линия, получившая название маньеризма. Для этой эпохи свойственны взвинченность и изломанность линий, удлинённость или даже деформированность фигур, зачастую обнажённых, напряжённость и неестественность поз, необычные или причудливые эффекты, связанные с размерами, освещением или перспективой, использование едкой хроматической гаммы, перегруженность композиции и т. д. Первые мастера маньеризма — Пармиджанино, Понтормо, Бронзино — жили и работали при дворе герцогов дома Медичи во Флоренции. Позднее маньеристская мода распространилась по всей Италии и за её пределами. В 1590-е годы на смену маньеризму приходит искусство барокко (переходные фигуры — Тинторетто и Эль Греко)
Северное Возрождение
Антверпенский маньеризм, за вычетом своего названия, имеет мало общего с итальянским
Художники, жившие к северу от Альп, не имели перед своими глазами образцов античного искусства. Археологическое измерение итальянского Ренессанса, состоявшее в изучении вновь открытых памятников античности, было им совершенно чуждо. Здесь долго сохранялись традиции и навыки готического искусства, меньшее внимание уделялось исследованиям античного наследования и познанию анатомии человека. Портреты северных художников (например, Гольбейна) лишены гармонизации и идеализации действительности, которые свойственны их южным собратьям; в своей реалистичности они доходят до натурализма. С другой стороны, они не порывают со стихией народной, крестьянской жизни и фольклорными традициями; особенно показательно в этом отношении творчество Питера Брейгеля Старшего.
На стыке интернациональной готики и предренессансных веяний в Бургундских Нидерландах 1-й половины XV века родилось старонидерландское искусство. Усложнённая иконография и запутанный символизм сочетались с предельным вниманием к подробностям домашнего обихода. Переход от темперы к масляной живописи позволял художником более рельефно и разносторонне передавать многообразие, глубину и блеск предметного мира. Все эти достижения связаны с именами Робера Кампена и его учеников — братьев ван Эйков и Рогира ван дер Вейдена. Во второй половине века пережитки готики и итальянские влияния причудливо переплелись в творчестве Мемлинга.
Хотя в Италии эпохи кватроченто с интересом следили за достижениями нидерландских художников, итальянское влияние стало проникать в эти края только в XVI веке, когда баварец Альбрехт Дюрер ездил совершенствовать своё искусство в Венецию, а в Нидерландах сформировалась школа антверпенского маньеризма, к которой принадлежал, в частности, Мабюз. С началом Реформации религиозная живопись на севере Европы попала под запрет, зато стали формироваться новые жанры, основанные не столько на переосмыслении художественных достижений предыдущих поколений (как в Италии), сколько на непосредственном наблюдении за природой, — именно, пейзаж, натюрморт, жанровая живопись.