Техники живописи
Долгое время считалось, что история живописи маслом ведет свой отсчет с XV века, а её родоначальником был нидерландский художник Ян ванЭйк. Джорджо Вазари, автор «Жизнеописаний наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих» назвал ванЭйка изобретателем масляной живописи, позднее это утверждение повторил Карел ванМандер. Благодаря искусствоведу И. Мериме мнение о ванЭйке, как о первооткрывателе живописи маслом, распространилось в специальной литературе. Однако неизвестно ни одного свидетельства современников художника, что именно он был изобретателем нового метода. Художники и Северной, и Южной Европы работали масляными красками задолго до ванЭйка.
Масляная краска получается в результате соединения красящего пигмента с льняным маслом. В качестве разбавителя используется пинен, уайт-спирит и другие растворители масел. Для ускорения высыхания применяют разбавительные лаки (например, пихтовый). Красочный слой в зависимости от толщины может сохнуть от двух-трех дней до нескольких месяцев. При этом окончательная полимеризация молекул затягивается на десятки лет.
Масляная живопись требует использования специального грунта. Обычно он состоит из двух частей — нижних двух клеевых слоев (рыбий клей, желатин), предотвращающих проникновение масла в холст или дерево и последующее гниение и трех-пяти верхних слоев — для улучшения адгезии, то есть соединения краски с грунтом, в состав которых обычно входит клей, мел, глицерин. Для работы с масляной краской используют щетинные, колонковые и синтетические кисти, а также другие инструменты — мастихины, шпатели. После высыхания масляной краски картина может быть покрыта покрывным лаком (например, фисташковым, акриловым). Это делается как для защиты красочного слоя, так и для равномерности отражающего блеска её поверхности.
- темпера;
- эмаль;
- гуашь (поскольку в качестве основного материала художник использует бумагу, характерную для графических видов изобразительного искусства — классифицируется и как графика; об этом говорит и применение последней для создания монохромных произведений);
- пастель (к этой технике справедливо замечание аналогичное тому, что высказано относительно предшествующей);
- тушь (и в данном случае, как и в двух предыдущих — нельзя однозначно отнести к графике; на Востоке, например, каллиграфия, по большей части использующая этот материал, традиционно считается живописью, как, впрочем, и академическая китайская живопись использовала по преимуществу именно тушь — ахроматическая гамма);
- живопись по штукатурке: фреска и а секко;
- граттаж;
- гризайль;
- карнация;
- лессировка;
- пуантилизм;
- сграффито;
- сфумато;
- клеевая живопись;
- восковая живопись: энкаустика, восковая темпера и холодный способ (восковые краски на скипидаре);
- живопись керамическими красками;
- живопись силикатными красками;
- акварельная живопись (техника акварели различна, некоторые приёмы ближе к живописи, некоторые — к графике; поэтому неслучайно в тезаурусе присутствует такой оборот: «рисовать акварелью»);
- сухая кисть;
- акрил;
- смешанная техника.
Техники живописи практически неисчерпаемы. Всё, что оставляет какой-либо след на чём-то, строго говоря, является живописью: живопись создаётся природой, временем и человеком. Это уже отметил Леонардо да Винчи.
Традиционные техники живописи: энкаустика, темперная (с яйцом), настенная (известковая), клеевая и других типов. С XV века становится популярной живопись масляными красками; в XX веке появляются синтетические краски со связующим веществом из полимеров (акрилик, винилик и др.). Краски могут приготовляться из натуральных и искусственных пигментов.
Гуашь, акварель, китайскую тушь и полурисовальную технику — пастель — также относят к живописи. Живопись может быть исполнена на любой основе: на камне, штукатурке, на холсте, шёлке, на бумаге, на коже (в том числе на теле животного или человека — татуировки), на металле, на асфальте, бетоне, стекле, керамике и т. д., и т. п.
Задачи живописи как вида искусства
Живопись встречается и соседствует с пластическими искусствами, в том числе с архитектурой, скульптурой; она может участвовать в формировании искусственной и природной среды. Живопись, как и другие изобразительные искусства, иллюзорна: она — это имитация трёхмерного пространства в плоскости, достигаемая посредством линейной и цветовой перспективы. Но её визуальный и к тому же цветовой аспект (глаз воспринимает в одно мгновение практически бесконечную информацию) обуславливает исключительное место живописи среди всех изобразительных искусств.
В то же время, развитие искусства, изобразительных методов и средств выразительности, давно вывело за пределы понимания основных своих задач — «воспроизведение реальности». Ещё Плотин говорил: «Не копировать природу, а учиться у неё»; и этим принципом руководствуются многие художники на протяжении многих веков. Поэтому задачи живописи подразумевают не только такую организацию пространства на плоскости, которая руководствуется и ограничивается воссозданием на ней трёхмерной среды, мало того, отдельные методы уже давно воспринимаются как «тупиковые» на пути развития искусства (в контексте понимания и переосмысления адекватности восприятия). Плоскость, как и цвет, имеет самостоятельную целостность и ценность, вместе они диктуют свои условия в синтезе форм и на плоскости как таковой, — и во взаимодействии с трёхмерно-временны́м пространством. Художник уже не может удовлетвориться набором иллюзорных приёмов («иллюзионизмом»), он следует потребностям нового понимания красоты, отказавшись от неактуальных методов самовыражения и воздействия на зрителя, ищет новых же форм таковых, диалектически возвращается к лучшему из отвергнутого, и таким образом приходит к пониманию и реализации новых же ценностей. Такое понимание методов и технических, выразительных задач искусства культивировали в числе других теоретиков и мастеров В. А. Фаворский и о. Павел Флоренский, а впоследствии — самостоятельно развивал сам В. А. Фаворский. Разумеется, это не единственный «верный» путь развития современного искусства и живописи, тем не менее, многие положения такого ви́дения весьма убедительны и продуктивны.
Относительно ошибочности строгого исключения живописи из пластических искусств даже теория «ортодоксального» искусствоведения также уже давно сделала переоценку. Вот что сказано не в каком-нибудь замысловатом концептуальном исследовании, а в «Популярной художественной энциклопедии»: «Искусства пластические делятся, в свою очередь, на изобразительные и неизобразительные. К первым относятся живопись, скульптура, графика, монументальное искусство… К неизобразительным — относятся архитектура, декоративно-прикладное искусство и художественное конструирование… Границы между изобразительными и неизобразительными искусствами не абсолютны…»
«Функции» живописи
Как и другие виды искусства, живопись может выполнять познавательную, эстетическую, религиозную, идеологическую, философскую, социально-воспитательную или документальную функции. Однако основное и первостепенное выразительное и содержательное значение в живописи имеет цвет, который сам по себе является носителем идеи (в том числе и в силу психологических факторов воздействия и восприятия). Это весьма убедительно разъясняет и показывает, например, теория И. Иттена. Неслучайно существует такое понятие как «литературность», когда живопись, по той или иной причине, не обладая достаточными пластическими и выразительными качествами, привлекает в свой арсенал чисто повествовательную, «литературную» составляющую. Тем не менее, эволюционируя вместе с человеком и со всем миром, живопись приобрела и новое истолкование, и новое понимание задач. Так, изначально обладая явными признаками самостоятельных пластических характеристик (неслучайно одним из основных параметров, отделяющих живописную технику от графических, является мазок, предоставляющий большой диапазон именно пластических возможностей — в наибольшей степени, конечно, самому распространённому виду — масляной живописи, но и, конечно же, — многим новым её видам и техникам, подразумевающим синтез форм). Представление о путях и задачах живописи, как и все средства, и способы самовыражения, искусствознание и творческая среда — испытали на себе явное влияние развития общего познавательного процесса, но закономерно и сами они повлияли на него, коснувшись многих сторон мировоззрения и деятельности человека. Переосмысление функций живописи, как, впрочем, и всего творчества, прошло через отрицание целесообразности её как таковой («Только осознав, что это совершенно бессмысленно, можно начать творить» — говорит Р.-М. Рильке); — через осознание того, что «это глубинный иррациональный процесс» — в таком мнении сходятся не только тот же Р.-М. Рильке и правильно воспринятый, хорошо понятый им П. Клее, но и многие художники и философы; причём подготовило новое понимание искусства и его задач само их развитие: невозможно было уместить всю полноту быстротечной жизни, технических и технологических, наконец — общественных и нравственных преобразований — в прокрустово ложе идеологических и академических догм и штампов, жречески изолирующих искусство от самого развития жизни, сводящих именно к «хорошо понятным и давно известным» функциям сам этот глубинный творческий процесс. Особняком стоит живопись, создаваемая людьми, в разной степени неадекватно воспринимающими окружающую действительность, в произведениях которых не наблюдается попыток сблизиться с реалистическим её отображением. В ряде случаев такие полотна создаются лицами с отклонениями психики от общепринятой нормы и, даже, пациентами медицинских учреждений.
2. Видовая структура живописи.
Виды живописи. Монументальная живопись. Специфика вида. Станковая живопись. Специфика вида. «Особенное» и «общее» в станковой и монументальной живописи. Существует пять видов живописи: станковая, монументальная, декоративная, театрально-декоративная, миниатюрная. К станковой живописи относят произведения, существующие независимо от места создания. В основном это картины, созданные на мольберте (то есть на станке) художника. В станковой живописи преобладают работы, выполненные масляными красками, но могут использоваться и другие красители (темпера, акриловые краски и т. д.). Картины пишутся в основном на холсте, натянутом на раму или наклеенном на картон. В прошлом широко применялись деревянные доски, могут использоваться любые плоские материалы. Монументальная живопись выполняется непосредственно на стенах и потолках зданий и других сооружений. В прошлом преобладала живопись водными красками по сырой штукатурке (фреска). В Италии до начала XVI века по высохшей «чистой фреске» практиковалась прописка деталей темперой. Техника «чистой фрески» требует особого мастерства от художника, поэтому применялись и другие технологии, например, не такая устойчивая живопись по сухой штукатурке — секко, позднее росписи выполнялись малоподходящими для монументальной живописи масляными красками.
Цветные изображения на бумаге (акварель, гуашь, пастель и др.) формально, например, по месту в коллекции, относят к графике, но эти произведения часто рассматриваются и как живописные. Все другие способы цветного изображения относятся к графике, в том числе и изображения, созданные с помощью компьютерных технологий. Наиболее распространены произведения живописи, выполненные на плоских или почти плоских поверхностях, таких как натянутый на подрамник холст, дерево, полотно, обработанные поверхности стен и т. д. Существует также узкая трактовка термина живопись как работ, выполненных масляными красками на холсте, картоне, оргалите и других подобных материалах.
3. Прикладные виды живописи.
Театрально-декорационная живопись. История развития иконописи как вида живописи. Миниатюра как вид искусства живописи. Декоративная роспись, область ее применения в искусстве.
Монументальная живопись — это часть монументального искусства, живопись на зданиях и сооружениях.
Театрально-декорационная живопись — это декорации и эскизы костюмов для театральных спектаклей и кинофильмов; наброски отдельных мизансцен.
Декоративная роспись — орнаментальные и сюжетные композиции, создаваемые средствами живописи на различных частях архитектурных сооружений, а также на изделиях декоративно-прикладного искусства.
4. Жанровая структура живописи. Предпосылки формирования жанров живописи.
Предпосылки формирования жанров живописи. Мифологический жанр. Исторический жанр. Батальный жанр в живописи. Анималистический жанр ‑ традиции и тенденции развития.
Истори́ческаяжи́вопись — жанр живописи, берущий своё начало в эпоху Ренессанса и включающий в себя произведения не только на сюжеты реальных событий, но также мифологические, библейские и евангельские картины. Изображает важные для отдельного народа или всего человечества события прошлого.
Бата́льная живопись — жанр изобразительного искусства, посвящённый темам войны и военной жизни. Главное место в батальном жанре занимают сцены сухопутных, морских сражений и военных походов. Художник стремится запечатлеть особо важный или характерный момент битвы, показать героику войны, а часто и раскрыть исторический смысл военных событий.
Жанровая живопись является частью бытового жанра в изобразительном искусстве. Бытовые сцены с древности были предметом живописи, однако как отдельный жанр жанровая живопись сложилась лишь в средневековье, получив особенно сильное развитие в эпоху социальных перемен Нового времени.
Анималистическая живопись — это живопись, главным сюжетом для которой является изображение животных. Фурри-арт это изображение антропоморфных животных.
5. Жанровая структура живописи постренессанса.Портрет. Пейзаж. Натюрморт.
Портрет как самостоятельный жанр живописи, история развития портретного жанра. Парадный и камерный портрет. Композиция портрета. Пейзаж как самостоятельный жанр живописи. Историческое становление и тенденции развития. Натюрморт как жанр живописи. История развития жанра.Портрет — изображение человека либо группы людей, существующих или существовавших в реальной действительности."На портрете изображается внешний облик (а через него и внутренний мир) конкретного, реального, существовавшего в прошлом или существующего в настоящем человека"[4].
Границы жанра портрета очень подвижны, и часто собственно портрет может сочетаться в одном произведении с элементами других жанров[5][6].
Исторический портрет — изображает какого-либо деятеля прошлого и создаваемый по воспоминаниям или воображению мастера.
Посмертный (ретроспективный) портрет — сделан после смерти изображённых людей по их прижизненным изображениям или даже полностью сочинённый.
Портрет-картина — портретируемый представлен в смысловой и сюжетной взаимосвязи с окружающими его миром вещей, природой, архитектурными мотивами и другими людьми.
Портрет-прогулка — изображение гуляющего человека на фоне природы возникло в Англии в XVIII веке и стало популярным в эпоху сентиментализма
Портрет-тип — собирательный образ, структурно близкий портрету.
Костюмированный портрет — человек представлен в виде аллегорического, мифологического, исторического, театрального или литературного персонажа.
Автопортрет — принято выделять в отдельный поджанр.
Религиозный портрет (донаторский или ктиторский) — древняя форма портрета, когда человек, сделавший пожертвование, изображался на картине (например, рядом с Мадонной) или на одной из створок алтаря (часто коленопреклонённым).
По характеру изображения [6][7]:
Парадный портрет — как правило, предполагает показ человека в полный рост.
Полупарадный — обладает той же концепцией, что и парадный портрет, но имеет обычно поясной или поколенный срез и достаточно развитые аксессуары.
Камерный портрет — используется поясное, погрудное, оплечное изображение. Фигура зачастую даётся на нейтральном фоне.
Интимный портрет — является редкой разновидностью камерного с нейтральным фоном. Выражает доверительные отношения между художником и портретируемой особой.
Малоформатный и миниатюрный портреты, выполненные акварелью и тушью.
Пейза́ж — жанр живописи, в котором основным предметом изображения является первозданная, либо в той или иной степени преображённая человеком природа. Существовал с древности, но утратил своё значение в Средневековье и вновь появился в эпоху Ренессанса, постепенно став одним из важнейших живописных жанров.
Марина — жанр изобразительного искусства, изображающий морской вид[8], а также сцену морского сражения или иные события, происходящие на море. Является разновидностью пейзажа. В качестве самостоятельного вида пейзажной живописи марина выделилась в начале XVII века в Голландии.
Архитектурная живопись Живопись, главной темой которой был не природный, а архитектурный ландшафт. Включает в себя не только изображение архитектурных сооружений, но и изображение интерьеров.
натюрморт — изображение неодушевлённых предметов в изобразительном искусстве. Зародился в 15 — 16 веках, но как самостоятельный жанр оформился только в 17 веке в творчестве голландских и фламандских художников. С тех пор является важным жанром в живописи, в том числе и в творчестве русских художников.
6. История развития живописных систем и техник живописи. Древний мир. Средние века.
История развития живописных систем и техник живописи в искусстве Древнего мира. Живопись Древней Греции.Живопись Древнего Рима. Живопись Западной Европы в Средние века.
Пещерная живопись (часто называют наскальной живописью) — изображения в пещерах, выполненные людьми эпохи палеолита, один из видов первобытного искусства. Большинство подобных объектов найдено в Европе, так как именно там древние люди были вынуждены жить в пещерах и гротах, спасаясь от холодов. Но такие пещеры есть и в Азии, например, Ниах-Кейвз в Малайзии.Принято различать одноцветные, или монохромные, и многоцветные, или полихромные изображения. Развиваясь со временем, к XII тысячелетию до н. э. пещерная живопись стала выполняться с учётом объёма, перспективы, цвета и пропорции фигур, учитывала движение. Позднее пещерная живопись стала более стилизованной[3]. Для создания рисунков использовались красители различного происхождения: минерального (гематит, глина, окись марганца), животного, растительного (древесный уголь). Красители при необходимости смешивались с вяжущими веществами, такими как древесная смола или животный жир, и наносились на поверхность непосредственно пальцами; применялись и инструменты, такие как полые трубки, через которые наносились красители, а также тростины и примитивные кисти. Иногда для достижения большей чёткости контуров применялось выскабливание или вырезание на стенах контуров фигур. Поскольку в пещеры, в которых находится большинство наскальных рисунков, практически не проникает солнечный свет, при создании рисунков для освещения использовались факелы и примитивные лампы. Пещерная живопись эпохи палеолита состояла из линий и посвящалась в основном животным. Со временем пещерная живопись эволюционировала по мере развития первобытных общин; в живописи эпох мезолита и неолита встречаются как животные, так и отпечатки рук и изображения людей, их взаимодействия с животными и друг с другом, а также божествами первобытных культов, их обряды. Заметную долю рисунков времён неолита составляют изображения копытных, таких как бизоны, олени, лоси и лошади, а также мамонтов; большую долю также составляют отпечатки рук. Животные нередко изображались ранеными, с торчащими из них стрелами. Более поздние наскальные рисунки изображают также одомашненных животных и другие современные авторам сюжеты. Известны изображения кораблей мореплавателей древней Финикии, замеченные более примитивными общинами Иберийского полуострова.
Финикийский корабль в пещере Лаха Альта, Кадис, Испания
Пещерная живопись широко практиковалась первобытными обществами, промышлявшими охотой и собирательством и находивших укрытие в пещерах или живших рядом с ними. Образ жизни первобытных людей мало менялся на протяжении тысячелетий, в связи с чем как красители, так и сюжеты наскальных рисунков практически не изменялись и были общими для популяций людей, живших в тысячах километров друг от друга. Тем не менее, различия между пещерной живописью различных временных периодов и регионов существуют. Так, в пещерах Европы в основном изображены животные, в то время как африканские наскальные рисунки уделяют равное внимание как человеку, так и фауне. Техника создания рисунков также претерпевала определённые изменения; более поздняя живопись нередко является менее грубой и демонстрирует более высокий уровень развития культуры.
Век высшего расцвета скульптуры в период классики был и веком расцвета греческой живописи. Именно к этому времени относится замечательное живописное новшество, утраченное впоследствии и как бы заново открытое, возрожденное лишь в эпоху великих итальянских мастеров -- эпоху Возрождения: искусство светотени. Первым включил в свою палитру полутона АполлодорАфинский, за что получил прозвище Тенеписец. Введение светотени имело для развития реалистической живописи огромное значение.
Во времена "Илиады" и "Одиссеи" вазопись примитивна - преобладал геометрический орнамент. В 7-6 вв. до н.э. на вазах пишутся сцены из легенд и мифов, особой популярностью пользовались подвиги Геракла, Троянская война. Появляется техника чернофигурной росписи (закрашенные черным лаком фигуры резко выделялись на красном фоне глины, В 530-525 гг. до н.э. появляется новый способ росписи ваз - краснофигурный (фигуры оставляются в цвете глины, а фон покрывается черным лаком, ил.52). Эта техника раскрыла новые возможности рисунка. Художники стали изображать одежду в мелких складках, узоры каймы, тонкие пряди волос и мелкие локоны. Кроме АпполодораТенеписца известны и другие живописцы: Зевкеис, Паррасий, Тиманф. Их творчество отмечено эмоциональностью, реализмом. Однако монументальная живопись не получила такого масштабного развития, как вазопись. Литературные источники подтверждают, что 4 в. до н.э. является ярким расцветом живописи. Художники создают станковые картины разных жанров: натюрморты, баталии, портреты, исторические картины. В 4 же веке в Сикионе появляется академия живописи со своими правилами преподавания, твердой теорией живописи с использованием перспективы. Другая школа возникла в Фивах, где создавались патриотические картины. К сожалению, картины мастеров, творивших в это время не дошли до нас.
В эпоху эллинизма в Александрии и в Пергаме возникает искусство реалистической живописи, которое получило свое развитие в портрете, пейзаже, карикатуре.
С возникновением римской культуры античная эпоха вступила в свою завершающую стадию. Искусство в Риме играло совершенно иную роль, нежели в Греции, в которой оно было неразрывно связано с жизнью. Греческие живописцы, скульпторы, зодчие, философы и поэты сами творили историю. В Древнем Риме эту задачу выполняли правители городов, полководцы, юристы, ораторы. Их имена вписаны в анналы истории, а вот имена римских живописцев и скульпторов до нас не дошли, хотя они были так же талантливы, как и греческие.
Конец этрусской культуры стал началом римского искусства. Вероятно, и до этого времени в Древнем Риме существовали художники и ваятели, но никаких сведений о них не сохранилось. Сказалось и то, что почти до конца существования Республики Рим постоянно вел завоевательные войны, покоряя своих соседей, а война, как известно, не способствует развитию искусства. Страну сотрясали также внутренние распри: плебеи боролись с аристократами, отстаивая свои права; италийские города (муниципии) требовали равенства с гражданами Рима. Войны длились столетиями, не прекращаясь ни на один год. Возможно, именно в результате этих причин римского искусства как такового не существовало до IV-III вв. до н. э. Первой заявила о себе архитектура: сначала в виде мостов и оборонительных сооружений, а позднее — храмов.Чтобы представить, как формировалось римское искусство, лучше всего обратиться к Помпеям — городу, погибшему в 79 г. до н. э. в результате извержения Везувия. Этрусские и греческие традиции заметны в архитектуре Помпеев, а также в их фресковой живописи.
Все помпейские росписи относятся к четырем разным стилям. Первые два стиля развивались в эпоху Римской республики. Со II и до начала I в. до н. э. был популярен т. н. инкрустационный стиль, напоминающий инкрустацию стен яшмой и мрамором. В подобных росписях обычно преобладали теплые цвета (темно-красный, желтый), а также белый и черный. Расписанные в инкрустационном стиле внутренние стены дома напоминали своим видом каменные наружные. Таковы росписи в доме Саллюстия и в доме Фавна в Помпеях. Римские мастера заимствовали этот стиль у греков. Росписи в инкрустационном стиле свидетельствуют о том, что декоративное искусство в Риме в это время достигло необыкновенного расцвета.
В 80-30-х гг. до н. э. на смену инкрустационному стилю пришел архитектурно-перспективный. Посетившему комнату, расписанную в подобном стиле, казалось, что его окружают городские здания. Но присмотревшись, он мог увидеть большие картины, как бы помещенные среди иллюзорных колонн. Так расписаны внутренние стены в огромном доме, названном виллой Мистерий. В одной из комнат обнаружены фрески со сценами посвящения в мистерии Диониса помпеянки — хозяйки дома. Подобные мистерии, помогающие, по верованиям помпеян, обрести бессмертие, были очень распространены, несмотря на то что власти неоднократно пытались их запретить.
Эти монументальные фрески с фигурами в человеческий рост и тщательным рисунком напоминают греческие. Но само действие, предстающее перед глазами зрителя, в Греции было бы невозможным. Художник изобразил Диониса, возлежащего со своей супругой Ариадной. Кажется, что бог не видит женщину, которую бьет кнутом крылатая
богиня. Окруженный сатирами Силен произносит пророчества о смерти и возрождении Диониса, вместе с которым умрет и воскреснет женщина. Ощущение тревоги и страха перед неотвратимостью смерти, пронизывающее изображение, подчеркивается кроваво-красным фоном росписей. Сюжет и манера письма, а также образ образ крылатой богини с бичом идут от живописных традиций этрусских гробниц.
Соединяя черты греческого и этрусского искусства, росписи виллы Мистерий имеют элементы, которых ранее не существовало в античной живописи. Эти фрески отличаются цельностью и четкостью композиционного построения и удивительной гармонией.
Фрагмент росписи виллы Мистерий. Помпеи. 60-е гг. до н. э.
В это время были распространены также фрески с изображением садовых ландшафтов в сочетании с человеческими фигурами, написанными несколько гротескно. Постепенно Рим становился крупным культурным центром, куда стекались мастера из разоренных греческих городов, а также из Египта, Сирии, Малой Азии. Все эти иноземные художники, скульпторы, зодчие воплощали в своих творениях идеалы Великого Рима.
В середине I в. до н. э. в Риме сложились необходимые условия для создания централизованного государства. 15 марта 44 г. до н. э. республиканцами был убит диктатор Юлий Цезарь, пытавшийся ограничить власть сената. Сторонник Цезаря Марк Антоний казнил главного идеолога Республики — оратора Цицерона: ему отрубили голову и правую руку, которой он писал свои филиппики против Антония. В стране беспрерывно шли гражданские войны. После смерти Юлия Цезаря главой Рима стал его внучатый племянник, Октавиан Август. В годы его правления было построено множество прекрасных зданий из мрамора, процветали поэзия и проза. В этот период жили замечательные поэты Вергилий, Гораций, Овидий, а также ценитель искусства Меценат, этруск по происхождению. Хитрый и расчетливый политик, Август старался представить народу время своего правления как золотой век. Поэтому искусство этого периода имеет черты греческой классики, идеальной и строгой.
На смену архитектурно-перспективному стилю росписей времен Республики приходит новый, получивший название орнаментального, или канделябрного. Этот стиль, цель которого — представить действительность как идеал и совершенство, очень точно соответствует официозно-элегантному и холодному искусству эпохи правления Августа. Теперь стены ничем не напоминают архитектурный ландшафт: внутреннее пространство противопоставлено наружному. В сюжетах, изображенных на фресках, нет ничего драматического, они легки и изящны. Утонченные орнаменты, включающие элементы в виде подсвечников и канделябров (отсюда и название стиля), обрамляли композиции мифологического содержания, как, например, в доме Лукреция Фронтина и в доме «столетней годовщины» (доме «юбилея»).
Нереида. Роспись зала Морских чудовищ. Стабии. I в. н. э.
Кроме мифологических сцен, в орнаментальную композицию иногда вводились натюрморты, пейзажные и бытовые сюжеты. Интересны фрески в доме Ливии на Палатине, изображающие прекрасный сад с деревьями, цветами и птицами.В годы правления Августа в состав Римской империи уже входил Египет. Черты его искусства заметны в римских росписях с египетскими орнаментальными мотивами. Канделябрный стиль фресковой живописи стал объектом для подражания в европейском искусстве XVIII—XIX вв. В 54 г. н. э. римским императором стал Нерон, жестокий и кровавый деспот. В годы его правления обстановка в стране крайне обострилась. Роптали крупные землевладельцы Италии, желавшие возрождения республики. Ряды безработных в городах пополнялись за счет разорившихся мелких и средних землевладельцев. Провинциальная аристократия требовала для себя равных прав с римской. Восстали Иудея, Британия, Галлия.
Для искусства времен правления Нерона характерно явное несоответствие архитектуры и фресковой живописи — конструкции и декора. Внутренние стены величественных и мрачных построек были покрыты утонченными и легкими росписями, выполненными в четвертом, фантазийном, стиле. Именно в этом несоответствии и выразилась вся лживая и безнравственная суть эпохи жестокого тирана. Ярким примером фантазийного стиля являются росписи в «золотом доме» Нерона в Риме. Стены здания украшены изящными гирляндами, орнаментами и небольшими картинами в рамах. Все сияет позолотой и яркими красками, создавая впечатление фантастического и таинственного мира, далекого от суровой реальности.
Расцвет фантазийного стиля пришелся на эпоху Флавиев. Художники этого времени украшали стены мифологическими сюжетами, обрамляя их орнаментом. Изображения отличаются объемностью и динамичностью: фигуры запечатлены в момент движения или танца. С большим мастерством исполнены фрески в доме Веттиев в Помпеях. Их стены представляли собой архитектурные фантазии: фронтоны и арки, причудливые карнизы и позолоченные колонны, иллюзорные дворцы, уходящие в глубину пространства. Поражают своей воздушной легкостью и замечательные росписи из зала Морских чудовищ в Стабиях.
Большой интерес представляет фреска с натюрмортом на стене дома в Геркулануме. Ее отличает светлый, изысканный колорит и продуманная, цельная композиция. Художник настолько искусно изобразил блики на вазе, что стекло кажется удивительно тонким и прозрачным.
Все эти стили росписей, сменяющие друг друга, свидетельствуют о том, как быстро римские живописцы овладели приемами передачи пространственной перспективы, светотеневых эффектов, динамики движений.
В конце правления Тита Флавия на Рим обрушились ужасные бедствия: в результате извержения Везувия погибли Помпеи, Стабии, Геркуланум. Пожар и эпидемия чумы стали причинами страшных разрушений и гибели множества людей в Риме.В V в. н. э. Римское государство, ослабленное внутренними распрями и внешними войнами, распалось. Но его искусство оказало значительное влияние на развитие культуры последующих эпох.Искусство Средневековья: особенности и тенденции Средневековье представляет собой период с пятого по семнадцатый век. Сам термин возник в Италии; считалось, что время это являлось культурным упадком, Средние века постоянно сравнивали с Античностью – и сравнение было не в пользу первых.
Эпоху принято подразделять на несколько периодов: раннее Средневековье (до одиннадцатого века), развитое (до пятнадцатого) и позднее (до семнадцатого века). Каждый из этих промежутков, опять же, имеет свои тенденции. Как пример – раннее Средневековье отличалось полным отказом от античных традиций, скульптура канула в небытие, процветало деревянное зодчество и так называемый звериный стиль. Человека, как правило, не изображали, а искусство было «варварским». Особое внимание уделялось цвету.