ФЛЕЙТА
Флейта — духовой музыкальный инструмент из группы деревяных (поскольку первоначально эти инструменты изготавливались из дерева). В отличие от других духовых инструментов, у флейты звуки образуются в результате рассекания потока воздуха об грань, вместо использования язычка. Музыкант, играющий на флейте, обычно именуется флейтистом.
Древнейшей формой флейты, по-видимому, является свисток. Постепенно в свистковых трубочках стали прорезать пальцевые отверстия, превращая простой свисток в свистковую флейту, на которой уже можно было исполнять музыкальные произведения.
Продольная флейта была известна в Египте ещё пять тысяч лет тому назад, и она остаётся основным духовым инструментом на всём Ближнем Востоке. Продольная флейта, имеющая 5-6 пальцевых отверстий и способная к октавному передуванию, обеспечивает полный музыкальный звукоряд, отдельные интервалы внутри которого могут меняться, образуя различные лады посредством перекрещивания пальцев, закрытия отверстий наполовину, а также изменения направления и силы дыхания.
Поперечная флейта (часто просто флейта; итал. flauto из лат. flatus — «ветер, дуновение»; фр. flûte, англ. flute, нем. Flöte) — деревянный духовой музыкальный инструмент сопранового регистра с 5-6 пальцевыми отверстиями была известна в Китае по меньшей мере 3 тысячи лет назад, а в Индии и Японии — более двух тысяч лет назад. В Европе в период Средневековья были распространены, в основном, простые инструменты свисткового типа (предшественницы блок-флейты и флажолета), а также поперечная флейта, которая проникла в Центральную Европу с Востока через Балканы, где до сих пор остается самым распространенным народным инструментом. Высота звука на флейте меняется путём передувания (извлечения губами гармонических созвуков), а также путём открывания и закрывания клапанами отверстий.
В греческой мифологии изобретателем флейты считается сын Гефеста Ардал.
Древнейшей формой флейты, по-видимому, является свисток. Постепенно в свистковых трубочках стали прорезать пальцевые отверстия, превращая простой свисток в свистковую флейту, на которой уже можно было исполнять музыкальные произведения.
Самое раннее изображение поперечной флейты было найдено на этруском рельефе, который датируется ста или двухстами годами до нашей эры. В то время поперечную флейту держали в левую сторону, лишь иллюстрация к стихотворению XI века нашей эры, впервые изображает манеру держать инструмент в правую сторону.
Первые археологические находки поперечных флейт Окцидента относятся к XII—XIV векам нашей эры. Одно из самых ранних изображений того времени содержится в энциклопедии Hortus Deliciarum. Кроме одной вышеупомянутой иллюстрации XI века, все средневековые европейские и азиатские изображения показывают исполнителей, держащих поперечную флейту в левую сторону, в то время, как античные европейские изображения показывают флейтистов, держащих инструмент в правую сторону. Поэтому предполагают, что поперечная флейта в Европе временно вышла из употребления, а затем вернулась туда из Азии через Византийскую империю.
В средние века поперечная флейта состояла из одной части, иногда из двух у «басовых» флейт. Инструмент имел цилиндрическую форму и имел 6 отверстий одинакового диаметра.
Что же касается продольной или просто флейты, то еще среди духовых инструментов Древней Греции были распространены сиринга и авлос.
Авлос – древнегреческий язычковый духовой инструмент. Представлял собой пару отдельных цилиндрических или конических трубок из тростника, дерева, кости позднее из металла с 3-5 (позднее более) пальцевыми отверстиями.
Длина авлоса различна, обычно около 50 см. Применялся профессиональными исполнителями для сопровождения сольного и хорового пения, танцев, во время похоронных и свадебных обрядов, культовых, военных и других ритуалов, а также в театре. Правый авлос издавал высокие звуки, а левый – низкие. Этот инструмент был снабжен мундштуком и отдаленно напоминал гобой. Играть на нем было нелегко, ведь в оба авлоса нужно было дуть одновременно. Авлос считался инструментом, чей звук и тягучий мелос больше других волнует человека, побуждает в нём страстные чувства.
Известны различные виды авлоса (бомбикс, борим, калам, гингр, ниглар, элим), сиринги (одно-, двух и многотрубчатые) и труб (сальпинга, керас и другие).
Сиринга или сиринкс (греч. συριγξ) имеет два значения — общее название древнегреческих духовых инструментов (тросниковаых, деревянных, типа флейты (продольная), а также древнегреческая пастушечья многоствольная флейта или флейта Пана.
Флейта Пана — это многоствольчатая флейта. Инструмент состоит из набора открытых с верхнего конца тростниковых, бамбуковых и других трубочек разной длины, скрепленных тростниковыми планками и жгутом. Каждая трубка издает 1 основной звук, высота которого зависит от ее длины и диаметра.
состоящая из нескольких (3 и больше) бамбуковых, тростниковых, костяных или металлических Трубки бывают длиной от 10 до 120 см. На больших панфлейтах, а также двухрядных, играют вдвоём. Название флейты Пана происходит от имени древнегреческого бога Пана, – покровителя пастухов, который обычно изображается играющим на многоствольной флейте.
Пан известен своим пристрастием к вину и веселью. Он полон страстной влюбленности и преследует нимф. Однажды козлоногий Пан влюбился в нимфу по имени Сиринга (буквально "свирель").
Погнался Пан за ней с целью овладеть,
Артур Вардл Флейта Пана аможет просто признаться в любви. Нимфа Сиринга бежала в страхе перед Паном и бросилась к реке Ладон. Обратилась Сиринга к своему отцу - речному богу с просьбой спасти ее от посягательств, и превратил отец ее в тростник, который от дуновения ветра издавал жалобный звук. Срезал Пан тот тростник и сделал себе из него свирель, носящую имя нимфы, а инструмент потом назвали флейтой. Пан ценитель и судья пастушечьих состязаний в игре на свирели.
Пан даже вызвал на состязание Аполлона, но был им побежден, а у царя Мидаса – судьи этого состязания, не оценившего Аполлона, выросли в наказание ослиные уши.
Правда, у соперника Аполлона по другой легенде было и другое имя.
Существует также легенда о Марсии - сатире, подобравшем флейту, изобретенную и брошенную Афиной. В игре на флейте Марсий достиг необычайного мастерства и, возгордясь, вызвал на состязание самого Аполлона. Дерзкое соперничество кончилось тем, что Аполлон, играя на кифаре, не только победил Марсия, но и ободрал с несчастного кожу.
Разновидностей панфлейты много: сампоньа (сампоньо, она же сампони, индейская флейта— однорядная или двухрядная); молдавский нэй (най, мускал); русские кугиклы (от «куга» — камыш), они же кувиклы, кувички; грузинская ларчеми (соинари); литовский скучудай; чипсан и пoлянъяс народа коми, в Великобритании - panpipes или pan-flute и т. д. Некоторые называют флейту Пана свирелью.
Популяризации флейты Пана в современной европейской музыкальной культуре способствовали, главным образом, румынские музыканты — прежде всего, широко гастролирующий начиная с середины 1970-х гг. Георге Замфир.
Кувиклы (кугиклы) — русская разновидность «флейты Пана». У русских первым обратил внимание на флейту Пана Гасри, давший весьма неточное её описание под названием свирель или свирелка. О кувиклах писал Дмитрюков в журнале «Московский телеграф» в 1831 году. На протяжении XIX в. в литературе время от времени встречается свидетельства об игре на кувиклах, особенно на территории Курской губернии. Область распространения кувикл на Руси расположена в пределах современных Брянской, Курской и Калужской областей.
Кувиклы представляют собой набор пустотелых 3-5 трубок различной длины (от 100 до 160 мм) и диаметра с открытым верхним концом и закрытым нижним. Инструмент этот изготавливался обычно из стеблей куги (камыша), тростника, бамбука и т. д., дном служил узел ствола. В русских кувиклах каждая дудочка имеет своё название. В Курской области дудочки, начиная от большой, называются «гудень», «подгудень», «средняя», «пятушка» и самая маленькая «пятушка», в других областях названия могут отличаться. Такие названия позволяют исполнителям в процессе сыгрывания обмениваться репликами, подсказывающими как нужно играть.
Репертуар ограничивается обычно плясовыми наигрышами. При игре кто-то время от времени поёт, или чаще приговаривает текст. Хороши кугиклы в соединении с другими народными инструментами: жалейкой, свирелью, народной скрипкой.
Флейты Пана у разных народов и устроены по-разному. Чаще всего отдельные трубочки флейты скрепляют между собой прочно. А у сампоньо они просто связаны в два ряда, и любую трубку, вышедшую из строя, легко заменить.
Самое раннее изображение поперечной флейты было найдено на этруском рельефе, который датируется ста или двухстами годами до нашей эры. В то время поперечную флейту держали в левую сторону, лишь иллюстрация к стихотворению XI века нашей эры, впервые изображает манеру держать инструмент в правую сторону.
Первые археологические находки поперечных флейт Окцидента относятся к XII—XIV векам нашей эры. Одно из самых ранних изображений того времени содержится в энциклопедии Hortus Deliciarum. Кроме одной вышеупомянутой иллюстрации XI века, все средневековые европейские и азиатские изображения показывают исполнителей, держащих поперечную флейту в левую сторону, в то время, как античные европейские изображения показывают флейтистов, держащих инструмент в правую сторону. Поэтому предполагают, что поперечная флейта в Европе временно вышла из употребления, а затем вернулась туда из Азии через Византийскую империю
В средние века поперечная флейта состояла из одной части, иногда из двух у «басовых» флейт. Инструмент имел цилиндрическую форму и имел 6 отверстий одинакового диаметра.
Франсуа Буше Вакханка, играющая на свирели 1760 г.
В эпоху Ренессанса конструкция флейты мало изменилась. Инструмент имел диапазон в две с половиной октавы и более, что превосходило диапазон большинства блок-флейт того времени на октаву. Известные оригинальные флейты эпохи Ренессанса хранятся в музее Castel Vecchio в Вероне.
Жозеф Мари Вьен. Аллегория Музыки.
Поперечная флейта использовалась в основном в ансамблевой игре — квартетах флейт, трио для голоса, флейты и лютни, в консортах, ричеркарах и другой музыке композиторов Аурелио Вирджилиано, Клаудио Монтеверди, Иеронима Преториуса и других.
В конце XVII века поперечную флейту начали использовать при французском дворе, в основном в составе оперного оркестра (первое употребление в опере Люлли «Исида» 1667), и прошло определённое время, пока поперечная флейта приобрела бóльшую популярность.
В начале XVIII века в Германии, Англии, Италии появлялось всё больше исполнителей на духовых инструментах, вначале в основном гобоистов, затем и флейтистов.
В 1718 ― 1719 гг. знаменитый флейтист и композитор Иоахим Кванц жаловался на скудность репертуара для поперечной флейты. С 1700 года во Франции печатались сборники сюит и пьес для флейты соло и с аккомпанементом басо континуо, композиторов Жака Отеттера, Мишеля де ля Барра, Мишель де Монтеклера и других.
Начиная с 1725 года, появились сонаты и трио-сонаты, и другие произведения для флейты французских композиторов Жозефа Буамортье, Мишеля Блаве, Жан-Мари Леклера и других. Представители итальянского барочного стиля этого периода, такие как Арканжелло Корелли, Франческо Верачини, Пьетро Локателли, Джованни Платти, писали сонаты, где поперечная флейта могла быть заменена скрипкой или блок-флейтой.
В 1728 году Антонио Вивальди стал первым композитором, опубликовавшим концерты для поперечной флейты, за ним последовали— Г. Ф. Телеман, Д. Тартини, а позже Пьер-Габриэль Бюффардэн, Мишель Блаве, Андре Гретри, К. Ф. Э. Бах.
Первые серьёзные изменения в конструкцию флейты внесла семья Оттетеров в конце XVII века. Жак Мартин Оттетер разделил инструмент на три части: головку, тело (с дырочками, которые закрывались непосредственно пальцами) и колено, на котором, как правило, располагался один или более клапанов.
Впоследствии большинство поперечных флейт XVIII века состояли из четырёх частей — тело инструмента было поделено пополам. Оттетер также изменил сверление инструмента на коническое, чтобы улучшить интонацию между октавами.
Обладая более экспрессивным звучанием и высокими техническими возможностями, поперечная флейта вскоре вытеснила продольную (блок-флейту) и к концу XVIII века заняла прочное место в симфоническом оркестре и инструментальных ансамблях.
В конце XVIII века к поперечной флейте прибавляют всё больше клапанов — как правило от 4 до 6, и более. Важные нововведения в конструкцию поперечной флейты того времени внесли Иоганн Иоахим Кванц и Иоганн Георг Тромлиц.
Во времена Моцарта поперечная флейта с одним клапаном всё ещё являлась наиболее распространённой конструкцией инструмента.
Адольф фон Мензель Концерт для флейты в исполнении Фридриха Великого в Сансусси 1852 г.
Важным центром развития флейтовой школы того времени стал Берлин, где при дворе Фридриха II, который сам был флейтистом и незаурядным композитором, поперечная флейта приобрела особенное значение. Благодаря неугасающему интересу монарха к его любимому инструменту, появились на свет многие произведения для поперечной флейты Иоахима Кванца (придворного композитора и педагога Фридриха), К. Ф. Э. Баха (придворного клавесиниста), Франца и его сына Фридриха Бенды, Карла Фридриха Фаша и другие.
Во второй половине XVIII века в стиле пост-барокко и раннего классицизма для флейты писали Иоганн Христиан Бах, Игнац Плейель, Франсуа Девьен, Иоганн Стамиц, Леопольд Хофман, Франц Хофмайстер.
К шедеврам этого периода относятся произведения В. А.Моцарта, который написал для флейты Концерты соль и ре мажор, концерт для флейты и арфы до мажор, 4 квартета и несколько ранних сонат, а также Серенада для флейты, скрипки и альта Людвига Бетховена.
В начале XIX века к конструкции поперечной флейты прибавляли всё больше клапанов, так как музыка для инструмента становилась всё виртуознее и дополнительные клапаны облегчали исполнение трудных пассажей. Во Франции наиболее популярна была поперечная флейта с 5 клапанами, в Англии с 7 или 8 клапанами, в Германии, Австрии и Италии существовало наибольшее количество различных систем одновременно, где количество клапанов могло доходить до 14 штук и более, а системы назывались именами их изобретателей: «Мейер», «флейта Шведлера», «система Циглера» и другие.
Флейтист Теобальд Бём придал поперечной флейте современный вид. Его нововведения отличались от многочисленных других тем, что он поставил во главу угла акустические исследования и объективные параметры звука, а не удобство исполнителя. Флейта системы Бёма не сразу нашла отклик среди исполнителей — для того, чтобы перейти на новую систему нужно было полностью переучивать аппликатуру и не все были готовы на такую жертву. Многие критиковали и звук инструмента.
Между 1832 и 1847 Бём усовершенствовал инструмент, который с тех пор уже относительно мало изменился. Он ввёл следующие наиболее важные новшества:
1) расположил большие пальцевые отверстия в соответствии с акустическими принципами, а не удобствами исполнения; 2) снабдил инструмент системой клапанов и колец, помогающей закрывать все отверстия; 3) использовал цилиндрический канал старых времен, но с параболической головкой, что улучшило интонацию и выровняло звучание в разных регистрах; 4) перешёл на использование металла для изготовления инструмента, что по сравнению с деревянным инструментом усилило блеск звучания.
Во Франции инструмент приобрёл популярность быстрее других стран, в основном из-за того, что профессор Парижской Консерватории Луи Дорюс стал преданным её популяризатором и преподавал на ней в консерватории. В Германии и Австрии система Бёма не приживалась очень долго. Флейтисты горячо отстаивали свои пристрастия к той или иной системе, возникали многочисленные дискуссии и споры о недостатках и преимуществах.
В начале XIX века репертуар поперечной флейты пополнился произведениями Карла Черни, Иоганна Гуммеля, Игнаца Мошелеса. Особое место в репертуаре этого времени принадлежит многочисленным произведениям Фридриха Кулау, которого называли флейтовым Бетховеном.
К шедеврам романтического стиля во флейтовом репертуаре относятся Вариации на тему «Засохшие цветы» Франца Шуберта, Соната «Ундина» Карла Райнеке, а также его концерт для флейты с оркестром (написанный композитором в начале XX столетия в преклонном возрасте). Известны также ранние произведения для флейты Фредерика Шопена и Рихарда Штрауса.
Флейтовый репертуар XIX века доминируют виртуозные салонные произведения композиторов-флейтистов — Жан-Луи Тюлу, Джулио Бриччальди, Вильгельма Поппа, Жюля Демерссмана, Франца Допплера, Чезаре Чиарди, Антона Фюрстенау, Теобальда Бёма, Иоахима Андерсена, Эрнесто Кёлера и других — написанные авторами в основном для собственных выступлений. Появляется всё больше виртуозных концертов для флейты с оркестром — Вилема Блодека, Саверио Меркаданте, Бернарда Ромберга, Франца Данци, Бернарда Молика и других.
Роберт Штерл Флейтист в Петергофе 1908 г.
В XX веке флейта становится одним из самых востребованных инструментов в музыке. Большинство флейтистов перешли на систему Бёма, хотя другие системы иногда встречались вплоть до 1930-х годов. Большинство флейт всё ещё производились из дерева, но металлические инструменты начали приобретать всё большую популярность.
Willie Was Different
Высокий уровень исполнителей французской флейтовой школы, таких как Поль Таффанель, Филипп Гобер, Марсель Моиз, а позже Жан-Пьер Рампаль, делает Францию флейтовым центром и кузницей шедевров флейтового репертуара.
В первой половине XX столетия произведения для флейты пишут композиторы, представители французского импрессионизма в музыке и их последователи — Эдгар Варез, Клод Дебюсси, Габриэль Форе, Анри Дютийё, Альбер Руссель, Франсис Пуленк, Дариус Мийо, Жак Ибер, Артур Онеггер, Сесиль Шаминад, Лили Буланже, Жорж Ю, Эжен Бозза, Жюль Муке, Джордже Энеску и другие.
Во второй половине XX века снова возник интерес к поперечным флейтам барочной конструкции, многие исполнители начали специализироваться на аутентичном исполнении барочной музыки на оригинальных инструментах.
Баженов Сергей. Забытая мелодия 2009 г.
Флейта окончательно завоёвывает сердца крупных композиторов разных стран и стилей, один за другим появляются шедевры флейтового репертуара: сонаты для флейты и фортепиано Сергея Прокофьевa и Пауля Хиндемита, концерты для флейты с оркестром Карла Нильсена и Жака Ибера, а также другие произведения композиторов Богуслава Мартину, Франка Мартэна, Оливье Мессиана. Несколько произведений для флейты написали отечественные композиторы Эдисон Денисов и Софья Губайдулина.
ФЛЕЙТЫВОСТОКА
Ди (от старокитайского хэнчуй, хэнди — поперечная флейта) — старинный китайский духовой инструмент, поперечная флейта с 6 игровыми отверстиями.
В большинстве случаев ствол ди изготавливается из бамбука или тростника, но встречаются ди, выполненные из других пород дерева и даже из камня, чаще всего нефрита. Вблизи закрытого конца ствола находится отверстие для вдувания воздуха, рядом с ним — отверстие, прикрытое тончайшей тростниковой или камышовой плёнкой; 4 дополнительных отверстия, расположенных около открытого конца ствола, служат для подстройки. Ствол флейты обычно перевязывается нитяными кольцами, покрытыми чёрным лаком. Способ игры такой же, как и на поперечной флейте.
Сначала считалось, что флейта была завезена в Китай из Средней Азии в период между 140 и 87 г. до н. э. Однако, в ходе недавних археологических раскопок были обнаружены костяные поперечные флейты возрастом около 8000 лет, весьма схожие по конструкции с современными ди (хотя и без характерного заклеиваемого отверстия), что свидетельствует в пользу гипотезы о китайском происхождении ди.
Легенда гласит, что Жёлтый император приказал своим сановникам сделать первую флейту из бамбука.
Существуют ди двух родов: цюйди (в оркестре музыкальной драмы жанра «кунцюй») и банди (в оркестре музыкальной драмы жанра «банцзы» в северных провинциях). Разновидность флейты без заклеиваемого отверстия называется мэньди.
Сякухати (кит. чи-ба) — продольная бамбуковая флейта, пришедшая в Японию из Китая в период Нара (710-784). Существует около 20 разновидностей сякухати. Стандартная длина — 1,8 японского фута (54,5 см) — определила само название инструмента, так как «сяку» — значит «фут», а «хати» — «восемь». По мнению некоторых исследователей, сякухати ведет свое происхождение от египетского инструмента саби, проделавшего долгий путь в Китай через Ближний Восток и Индию.
Первоначально инструмент имел 6 отверстий (5 впереди и 1 позади). Позднее, видимо, по образцу пришедшей также из Китая в период Муромати продольной флейты сяо, модифицированной в Японии и ставшей известной как хитоёгири (дословно — «одно колено бамбука»), она приняла современный вид с 5-ю пальцевыми отверстиями.
Для изготовления сякухати используется комлевая часть бамбука сорта мадакэ (Phyllostachys bambusoides). Средний диаметр трубки — 4–5 см, и внутри трубка почти цилиндрическая. Длина варьируется в зависимости от строя ансамбля кото и сямисэна. Разница в 3 см дает разницу в высоте звучания на полтона. Стандартная длина в 54,5 см используется для сякухати, играющей сольные композиции. Для улучшения качества звучания мастера осторожно покрывают изнутри бамбуковую трубку лаком, как и флейту, используемую в гагаку, в театре Но. Пьесы стиля хонкёку секты Фукэ (сохранилось 30-40 пьес) несут в себе идеи дзэн-буддизма. Хонкёку школы Кинко использует репертуар фукэ сякухати, но придает манере их исполнения больший артистизм.
Почти одновременно с появлением сякухати в Японии зарождается представление о сакральности музыки, исполняемой на флейте. Предание связывает ее чудотворную силу с именем принца Сётоку Тайси (548-622). Выдающийся государственный деятель, престолонаследник, активный проповедник буддизма, автор исторических сочинений и первых комментариев к буддийским сутрам, он стал одной из самых авторитетных фигур в японской истории. Так, в письменных источниках раннего средневековья говорилось, что, когда принц Сётоку по дороге в храм на склоне горы играл на сякухати, на звуки флейты спустились небесные феи и танцевали. Сякухати из храма Хорюдзи, находящаяся ныне в постоянной экспозиции Токийского национального музея, считается тем уникальным инструментом принца Сётоку, с которого начался путь сакральной флейты в Японии. Сякухати упоминается также в связи с именем буддийского священника Эннина (794-864), который изучал буддизм в танском Китае. Он ввел аккомпанемент сякухати во время чтений сутры, посвященной Будде Амида. По его мнению, голос флейты не только украшал молитву, но с большей проникновенностью и чистотой выражал ее суть. Жукоай. Фея флейты в красном
Новый этап в формировании традиции сакральной флейты связан с одной из самых выдающихся личностей периода Муромати Иккю Содзюном (1394-1481). Поэт, живописец, каллиграф, религиозный реформатор, эксцентричный философ и проповедник, в конце жизни настоятель крупнейшего столичного храма Дайтокудзи, он оказал воздействие практически на все области культурной жизни своего времени: от чайной церемонии и дзэнского сада до театра Но и музыки сякухати.
Звук, по его мнению, играл большую роль в чайной церемонии: шум закипающей воды в котелке, постукивание венчика при взбивании чая, бульканье воды, - все было призвано создавать ощущение гармонии, чистоты, почтения, тишины. Та же атмосфера сопутствовала и игре на сякухати, когда человеческое дыхание из глубины души, проходя через простую бамбуковую трубку, становилось дыханием самой жизни.
В собрании стихов, написанных в классическом китайском стиле "Кёунсю" ("Собрание безумных облаков"), пронизанном образами звука и музыки сякухати, философией звука как средства пробуждения сознания, Иккю пишет о сякухати как о чистом голосе вселенной: "Играя на сякухати, видишь невидимые сферы, во всей вселенной только одна песня".
Примерно с начала XVII в. получили хождение различные истории о преподобном Иккю и флейте сякухати. Одна из них рассказывала, как Иккю вместе с другим монахом Итиросо удалился из Киото и поселился в хижине в Удзи. Там они срезали бамбук, сделали сякухати и играли. Согласно иной версии, некий монах по имени Роан жил в уединении, но дружил и общался с Иккю. Поклоняясь сякухати, одним дуновением извлекая звук, он достиг просветления и присвоил себе имя Фукэдося или Фукэцудося (следующий по пути ветра и отверстий) и был первым комусо (букв. "монах небытия и пустоты"). Флейта, на которой, по преданию, играл наставник, стала национальной реликвией и находится в храме Хосюнъин в Киото. Первые сведения о странствующих монахах, играющих на флейтах, относятся к первой половине XVI в. Они именовались монахами комо (комосо), то есть "монахи соломенной циновки". В поэтическом творчестве XVI в. мелодии неразлучного с флейтой странника уподоблялись ветру среди весенних цветов, напоминая о бренности жизни, а прозвище комосо стало записываться иероглифами "ко" - пустота, небытие, "мо" - иллюзия, "cо" - монах. XVII в. в истории японской культуры стал новым этапом в истории сакральной флейты. Повседневная деятельность монахов комусо была сконцентрирована вокруг игры на сякухати. Утром настоятель обычно играл мелодию "Какурэйсэй". Это была пьеса пробуждения, с которой начинался день. Монахи собирались вокруг алтаря и исполняли мелодию "Тёка" ("Утренняя песнь"), после чего начинались их дневные службы. В течение дня они чередовали игру на сякухати, сидячую медитацию дзадзэн, занятия воинскими искусствами и схиму нищенствования. Вечером, перед тем как снова приступить к дзадзэн, звучала пьеса "Банка" ("Вечерняя песнь"). От каждого монаха требовали, чтобы он не менее трех дней в месяц ходил просить подаяние. Во время последнего из перечисленных послушаний - странствия ради милостыни - играли такие мелодии, как "Тори" ("Проход"), "Кадодзукэ" ("Перекресток") и "Хатигаэси" ("Возвращение чаши" - здесь имелась в виду чаша для подаяния). Когда в пути встречались два комусо, они должны были воспроизвести "Ёбитакэ". Это был своеобразный призыв, исполняемый на сякухати, который означал "Зов бамбука". В ответ на приветствие нужно было сыграть "Укэтакэ", смысл которого - "принять и подхватить бамбук". По дороге, желая остановиться в одном из храмов своего ордена, рассеянных по всей стране, они играли пьесу "Хиракимон" ("Отворение врат") для того, чтобы их впустили на ночь. Все ритуальные пьесы, моления о подаянии, исполняемые на сякухати, даже те произведения, которые, кажется, более походили на развлечения монахов, были частью дзэнской практики, называемой суйдзэн (суй - "дуть, играть на духовом инструменте").
Среди наиболее крупных явлений японской музыки, повлиявших на формирование тоновой системы хонкёку, следует назвать теорию и музыкальную практику буддийских песнопений сёмё, теорию и практику гагаку, позднее традиции дзи-ута, сокёку.
XVII-XVIII вв. - время увеличения популярности сякухати в городской среде. Разработанность игровой техники обеспечила возможность воспроизведения на сякухати музыки практически любых жанров. Она стала использоваться для исполнения народных песен (минъё), в светском ансамблевом музицировании, к XIX в., окончательно вытеснив смычковый инструмент кокю из наиболее распространенного ансамбля того времени санкёку (кото, сямисэн, сякухати).
Сякухати имеет разновидности:
Гагаку сякухати - наиболее ранняя разновидность инструмента.
Тэмпуку - от классической сякухати ее отличает несколько иная форма ротового отверстия.
Хитоёгири сякухати (либо просто хитоёгири) - как указывает ее название, изготовляется из одного колена бамбука (hito - один, yo - колено, giri - озвонченное kiri, срезать).
Фукэ сякухати - непосредственный предшественник современной сякухати.
Бансури, бансри (Bansuri) — индийский духовой инструмент, существует 2 вида: классическая поперечная и продольная флейта, используется в Северной Индии.
Изготавливается из бамбука или тростника. Обычно имеет шесть отверстий, однако была тенденция к использованию семи отверстий — для увеличения гибкости и правильности интонирования в высоких регистрах. Раньше бансури встречался только в народной музыке, но сегодня получил распространение в классической музыке Индии. Подобный инструмент, распространённый в Южной Индии - Venu.
Змеиная флейта (Serpent Flut) - индийский духовой язычковый инструмент из двух трубок (одна - бурдонная, другая - с 5-6-ю игровыми отверстиями) с резонатором из дерева или из сушеной тыквы.
На змеиной флейте в Индии играют странствующие факиры и заклинатели змей.
При игре применяется непрерывное, так называемое перманентное (цепное) дыхание.
Блеур или Гамбу - индонезийская продольная флейта со свистковым устройством.
Изготавливается обычно из черного дерева, украшена резьбой (в данном случае в виде дракона), имеет 6 игровых отверстий. Используется как сольный и ансамблевый инструмент.
Малазийская флейта - продольная флейта в виде дракона, со свистковым устройством.
Изготовляется из красного дерева. Применяется при культовых церемониях, для усмирения духа дракона - священного, почитаемого в Малайзии существа.
РУССКИЕ РАЗНОВИДНОСТИ ФЛЕЙТЫ
Рожок - русский двуствольный духовой инструмент, род продольной флейты.Первые письменные свидетельства о рожке появляются только во второй половине XVIII в. в описаниях музыкальных инструментов Тучкова, Штелина и Гасри. В них рожок предстаёт как широко распространённый, исконно русский инструмент: «Орудие это едва ли не самими русскими изобретённое».
Звук рожка, по словам Штелина очень сильный и пронзительный, используется пастухами не только в работе, но и «в кабаках для веселения», и «в лодке для сопровождения пения гребцов». Впервые подробно рожок исследован Н. Приваловым, затем продолжили изучение традиций Б. Смирнов, К. Бромлей. Не исключено, что название «рожок» закрепилось за инструментом в более позднее время, и что в ранних письменных источниках он скрыт под названием «труба».
Рожок представляет собой конической формы прямую трубу с пятью игровыми отверстиями сверху и одним снизу. На нижнем конце есть небольшой раструб, на верхнем вклеенный мундштук. Общая длина рожка колеблется от 320 до 830 мм. Мундштук вырезают в форме мелкой чашечки, а нижний конец ствола — в виде конического раструба.
Изготовляют рожок из березы, клена или можжевельника. По утверждению музыкантов, лучшими звуковыми качествами обладают можжевеловые рожки. В прошлом их выделывали тем же способом, что и пастушеские рога, то есть из двух половин, скрепленных берестой; в настоящее время их вытачивают на токарном станке.
Звук у рожка сильный, но мягкий. Извлечение звука на инструменте довольно трудно. Диапазон рожка немного больше октавы. Существуют 2 типа рожка: для сольной и ансамблевой игры.
Разновидности инструмента называются в народе «визгунок» и «бас» и «полубасок».
Венецианов А.Г. Пастушок с рожком. 1820г.. Рожечные наигрыши подразделяются нажанровые разновидности: сигнальные, песенные, плясовые и танцевальные.
Интересна история хора рожечников под управлением Николая Васильевича Кондратьева из Владимирской области. В хоре Н. В. Кондратьева было 12 рожечников. Он делил их на три группы. Одна исполняла высокие подголоски, другая — основную мелодию в среднем регистре. Нижние подголоски игрались на басовых рожках.
Исполнители в хоре рожечников были простые пастухи, незнающие музыкальную грамоту, потому каждый из музыкантов должен был быть ещё и композитором, уметь разрабатывать данную ему тему не выходя из пределов общего ансамбля. Этот хор совершил многочисленные поездки по различным городам России и с большим успехом выступал на Международной выставке в Париже в 1884.
Свирель — русский двуствольный духовой инструмент, род продольной флейты. Один из стволов имеет обычно длину 300—350 мм, второй — 450—470 мм. В верхнем конце ствола — свистковое устройство, в нижней части — по 3 боковых отверстия для изменения высоты звуков. Свирель представляет собой простую деревянную дудку. На одном конце её есть свистковое устройство в виде «клюва», а на середине лицевой стороны вырезаны разное количество игровых отверстий.
Двойная свирель (двойница, двойчатка) состоит из двух однотипных дудок неравномерной длины. Каждая дудка имеет свистковое приспособление для вдувания воздуха и по три игровых отверстия. Обычно большую дудку держат в правой руке, малую - в левой.
Изготавливается свирель из дерева, имеющего мягкую сердцевину: бузины, ивы, черемухи, иногда из крушины, орешника, клёна, ясеня или черёмухи. Сердцевина вывертывается тоненькой палочкой или выжигается раскаленной проволокой. Один конец дудки срезывается наискось, близ отверстия отщепляется тоненький язычок и затем по длине дудки прорезывается от 4 до 8 отверстий. Иногда такие дудки делают из камыша, ягеля, коровки.
По преданию, на свирели играл сын славянской богини любви Лады — Лель. Он делал себе весной свирель из прутиков березы. Русская свирель ещё недостаточно изучена. Специалисты давно пытаются соотнести бытующие свистковые инструменты с древнерусскими названиями. Наиболее часто летописцы употребляют три названия инструментов такого типа — свирель, сопель и цевница.
Вячеслав Евса Вечерняя флейта.
Слово «свирель» более древнее, чем «сопель», поскольку оно встречается в общеславянском языке и, следовательно, существовало еще в эпоху, предшествовавшую разделению этого языка на восточную, западную и южную ветви. Однако относилось ли такое название к инструменту определенного вида сказать трудно: в древней Руси «свирцом», «свирянином» называли исполнителя на любом духовом инструменте, кроме рога и трубы — «трубачея». На раскопках Древнего Новгорода в 1951-1962 годах обнаружены две свирели. Одна из них, датируемая концом XI в., имеет ширину 22,5 см. и 4 игровых отверстия. Вторая свирель относится к началу XV в., она имеет длину 19 см. и только 3 игровых отверстия.
Н.И.Привалов закрепил название «свирель» за парной флейтой, потому что так назывался этот инструмент на Смоленщине — основном районе его бытования. Одинарную свирель в таком случае называют «сопелью».
Жалейка, брёлка - русский духовой язычковый музыкальный инструмент (распространён также у белорусов): деревянная трубка с 3—7 игровыми отверстиями, снабженная с одного конца раструбом из коровьего рога или бересты, а с другого — одинарным подрезным язычком — пищиком. Общая длина — 140—200 мм.
Звук жалейки — сильный, резковатый. Жалейку применяют для сольного исполнения народных песен и танцев. Известен