Голландское искусство 17-го века
Следующая художественная школа - голландская.
Независимость => прилив энергии. Протестантизм => нет икон, живописных церковных изображений, зрелищ, которых требует католичество. Бог в человеке, незачем выражать это внешне.
=> новые тенденции: утверждение реалистического направления в искусстве.
Следующий момент связан с тем, что в Голландии очень рано возникают буржуазные отношения => и артрынок. Раньше отношения между художником и потребителем строились на основе прямого заказа. В Голландии, впервые, это начинает разрушаться: художник пишет не потому, что он получил заказ, а просто - пишет, а бюргеры потом выбирают, что им нравится, и покупают.
Меняются отношения и меняют художников: теперь они будут специализироваться - что у них лучше поучается, то и будут делать => более глубокая разработка.
Статус сюжетов тоже меняется. Статус, который связан с возможностью открытия этого мира... Пейзажи, натюрморты поднимаются до уровня эстетических ценностей.
Впервые здесь возникает сложившаяся, структурированная жанровая система! В эпоху Ренессанса возникает понятие картины, потом выделяется портрет.. Теперь же большее выделение: на ряду с портретом появились жанр бытовой картины, пейзаж и натюрморт.
1. 1610-1640 - период становления, ранний этап
2. 1640 - 1660 - расцвет
3. Начиная с 70-х - упадок
Исторически первый жанр, который утвердил себя в Голландии - портретный жанр.
Вот и начнем с великого портретиста - Франса Хальса. Он очень много нового в жанр ввел, можно сказать, реформировал его.
Групповые портреты - важнейшее направление в Голландии в это время. Кто заказывает? - корпорации, гильдии. Символ единения.
|
|
1) 'Групповой портрет офицеров стрелковой роты Св. Георгия'. Как они на самом деле писались? - есть лидеры корпорации, принимают решение создать портрет => собирают деньги (равное количество денег со всех) => хотят быть равными и на портретах! Как правило - это ряд участников, одного размера и т.д. - они равны.
А здесь? Каждый занимается чем-то своим, но они объединены каким-то чувством. Не ряд, а динамичная линия, заканчивающаяся знаменем => качественно новый уровень. Все офицеры в радостном возбуждении находятся, общее чувство => Франс не только хороший портретист (очень точны его портреты), но и мастер воссоздавать атмосферу.
Условно - портрет барочного толка. Условно, т.к. в Голландии как такового барокко нет, но черты некоторые у части художников проявляются - это выражается именно атмосферой.
Разные позы, разные взгляды...
А цвет? Контраст.
2) Одиночный портрет. Не меньшее значение в его творчестве. 'Портрет Питера ван ден Бруке'. Вызывает улыбку. В чем дело? Франс Хальс - один из первых, кто не гнушался рисовать и простых людей с простыми лицами - просто потому что ему это интересно. И такой свободы до него не было!
Ренессанс - внутри картины изображен человек, мы - вне. В творчестве Хальса граница между мирами утрачивается. Как? Человек на картине хочет нам понравиться, он как будто бы действительно видит нас. Персонажи на его портретах оживают: хотят подмигнуть, поговорить с нами.
3) 'Веселый собутыльник'. Ему все интересно J. Как этот герой хочет с нами поговорить! У Хальса в раннем периоде нет ни одного статичного портрета.
|
|
4) 'Цыганка'. Еще один пример интереса к простым типам. Такое ощущение, что перед нами эскиз... Но в то же время - законченное произведение. Франс Хальс - единственный художник, который мог работать быстро и создавать законченные произведения - единственный вплоть до импрессионистов 19-го века.
Наивность, открытость, лукавость.. - все сразу.
5) 'Мужской портрет 1660' - респектабельный бюргер. Но и он по-особому предстает перед нами. Правда, пример более позднего творчества => больше статичности, больше мрачноватых красок. Но зато – б’ольшая роль контраста, света.
6) 'Регенты приюта для престарелых 1664'. Групповой портрет позднего периода. Эволюция не только в том, что он становится более сдержанным, но и в том, что он открывает в мире и человеке что-то новое - трагизм.
7) 'Портрет Виллема Круса'. Тоже поздний: иногда сохраняет свою открытую манеру. Эффект открытого мазка (как цыганка), но смысл другой - попытка открыть внутренний мир, взглянуть глубже в душу.
Итак, Франс возносит портрет на почти недосягаемую высоту => стягивает к себе все, что связано с портретами.
Так что поговорим теперь о бытовом жанре.
8) Элементы видели и раньше - у Ван Эйка. А вот тут... 'Зубной врач' Хонтхорста. Сам факт интереса к быту очень значим - расширение кругозора художников + расширение границ возможностей живописи.
Но все не так просто. Как законченное явление реализм формируется в 19 веке.. А сейчас 17-й => с оговорками, неполноценный реализм.
В творчестве Караваджо, на самом деле, были уже такие опыты => точка отсчета - Италия, караваджизм.
|
|
В Голландии же точка отсчета - 'Зубной врач'. С точки зрения формальных приемов - все из караваджизма: персонажи увеличены и кадрированы + свет, хотя нет темноты. Но. Караваджо писал на религиозный сюжет! Конфликт - этически обоснован. И вот это поднимало картину, возвышало ее. А здесь?.. Простая бытовая зарисовка => нет цельности, законченности. Возникает ощущение анекдота. И это действительно проблема: художник того времени может сколько угодно писать картины на повседневные темы, но цельной, законченной картины не будет. Просто зарисовка, анекдот.
9) Ян Стен. 'Крестины'. Он представляет уже сложившийся бытовой жанр в голландской школе. Здесь уже найдены приемы типизации, обобщения (что и есть реализм).
Во-первых, картины Стена и других художников бытового жанра всегда небольшие по формату => 'малые голландцы'. Иначе бы картина рассыпалась, потеряла цельность - а так норм.
Во-вторых, 17-й век. Это еще представление о мире, в котором человек связан с большим миром, и вера сохраняется пока. Это 18-й век - век атеизма. => Сейчас все картины всегда как-то связаны с другим миром: крестины - народный праздник, но и священный. + Как они изображены? Большую роль играют детали, и они тоже несут символическую связь с другим миром: разбитое яйцо - начало жизни (= крестины). Иногда не через предметы, а через приемы изображения - свет, например. Всегда есть что-то, что напоминает нам о другом, вышнем мире.
10) 'Радость отцовства'. В одном ключе написаны. О Яне Стене известно, что он еще и трактир содержал, т.к. его большую семью одна художественная деятельность прокормить не могла.
А в чем смысл картины? - родилось два ребенка от двух разных женщин: флейта - символ сомнительных эротических удовольствий, а она заткнута ему за пояс => назидание.
11) Но больше художников тяготеют к менее насыщенным людьми портретам. Терборх 'Бокал лимонада'. Кажется, все просто.. Но 3-й персонаж - сводня, лимонад - знак заигрывания. Подтекст - соблазнение.
12) Он же. 'Концерт'. Музыкальные инструменты - важные символы тогда. Здесь - тема высших удовольствий.
13) Габриель Метсю. 'Завтрак'. Молодой человек угощает девушку устрицами - тоже знак сомнительных удовольствий.
14) Питер де Хоох. 'Мать у колыбели'. Его картины похожи - связано с тем, что голландцы работают по заказу: богатый дом, но все как застыло, персонажи погружены в себя и, кажется, что мир, изображенный художником замер. Но. Важен свет: всегда есть большое окно или дверной проем, через который в мир картины врывается свет + это же и связь маленького мира картины с миром внешним, большим.
15) Остаде 'Деревенский скрипач'. Он тяготел к праздникам, попойкам. Его персонажи всегда веселятся. Точнее, это одна сторона его творчества..
16) А вот вторая.. 'Художник в мастерской'. Она, кажется, вписывается в рамки картин бытового жанра. Но - тема. Тема художника, который занят своим прямым делом - пишет картины. Сама постановка проблемы чего стоит: что такое - творческая личность? Чем он отличается от простого человека? Для 17 века - сложный вопрос, лишь несколько художников подходит к этому, и каждый из них по-разному отвечает. И хотя проблема редкая, но оттого не менее важная => Остаде человек думающий.
Что рисует художник довольно ясно - он смотрит перед собой. Труд его лишен суетности.. - контраст с темой предыдущей картины. Здесь создание картины - это таинство.
Роль окна: свет из большого, внешнего мира.
7. Голландская жанровая живопись 17 в. Творчество Вермера (+немного предыд. вопрос).
Ян Вермеер Дельфтский - самый великий представитель бытового жанра в Голландии. Поднял его на недосягаемую высоту. Он очень загадочен.
17) 'Девушка с письмом'. Что же делает его таким особенным? Почему загадочный? Прожил долгую жизнь - долго писал, но в последние 20 лет как отрубило - почему, никто не знает.
Картины по преимуществу малофигурные.
Итак, особенности. Богатый интерьер, девушка.. все, кажется, просто. Но отчего такая задумчивость? - тут нужно говорить о композиционном даре художника: он основывается на необычайно точных пропорциях => идеальная целостность, идеальная законченность: ничего лишнего не может сюда проникнуть. Это особое, ограниченное, не бытийное пространство. Возвышенное. Хотя внешне - ничего такого.
А свет? На всех картинах Яна Вермер всегда открыто окно (> слева). И из окна всегда льется свет. А персонажи расположены так, что их связь со светом, с окном, внешним миром - очевидна. И это чувствуется. Свет и придает внутреннюю возвышенность его картинам.
Вермер - мастер игры и с отражениями. Образ девушки множится, преломляется.. Мы видим ее другой. Полнее видим ее лицо.
18) 'Женщина с кувшином воды'. Окно, связь с внешним миром очевидна. Все спокойно, никакой сиюминутности. Очень важна структура, выверенность, композиционная точность.
19) 'Бокал вина'. Более сложная композиция - двухфигурая. Богатый интерьер.. Композиция, как всегда, очень важна: соотнесенность частей друг с другом. Как далеки его картины от повседневности, от быта - который на них изображен!
20) 'Офицер и смеющаяся девушка': карты!
21) 'Женщина, взвешивающая жемчуг'. Фактически она бездействует.. Все, что мы уже видели. Но. Нюансы, так характерные для Вермера: весы - геометрический центр композиции, идеално точно в центре. Женщина что-то взвешивает, но весы - спокойны, уравновешены - как и сама женщина. А на картине за ней - сцена Страшного Суда: опять взвешивание, только душ! В этом есть что-то протестантское... - примирение с собственной судьбой.
О бытовом характере картины почти не думаешь.
22) Известный шедевр Вермера - 'Девушка с жемчужной сережкой'. Иногда называют 'Моной Лизой' Голландии.
Неуловимо притягивающее что-то, мало таких образов в Голландии.
23) 'Искусство живописи' - снова поднимается та проблема, посвященная новой теме - работе живописца.
Тема та же, но раскрывает иначе - и другой уровень раскрытия.
Первое, мастер - в глубине => мы как будто бы подглядываем. Второе, карта - не современная карта Вермеру: карта 16 века, когда Голландия и Нидерланды не были еще разделены. Это отсылка к истории - и здесь много отсылок к истории: костюм 16 века художника, атрибуты девушки - книга и др. (образ Клио) => что мы, таким образом, чувствуем? - художник смотрит на то, что его окружает, но это лишь толчок для его интерпретации, он действительность преображает: девушка простая - натурщица (по юбке видно), но художник дал ей дорогой костюм, атрибуты - и она преобразилась. Так всегда. Художник видит все так, как хочет...
8. Пейзаж и натюрморт в голландсткой живописи 17 в.
Итак, продолжаем изучать голландскую школу.
Пейзажная живопись.
Пейзаж - жанр не новый. Он начал формироваться еще в эпоху Возрождения, да и в Новое время тоже уже подхватывался => важно своеобразие голландского. Чем так знаменит голландский пейзаж?
В других художественных школах пейзаж, как часть мира, окружающего человека, трактуется в идеалистическом ключе. Некоторые исключения есть, но, в общем и целом, это так. Голландцы же первые разрушают это устойчивое воззрение, создают новый тип пейзажа.
Почему именно голландцы? Среди ряда ответов есть такой: психологический фактор. Своеобразие голландской культуры связано с тем, что в этой стране установлена новая форма правления - скинута зависимость от ненавистных испанцев. Люди запатриотили. => новое отношение к миру: мир мне принадлежащий, мой мир.
1) 'Мельница у реки'. Ранний этап - 10-20 гг. 17-го века. Художник Ян ван Гойен.
Картина напоминает еще и о том, насколько для голландца был важен человеческий труд. С неброскими живописными пейзажами, тем не менее, связана вся жизнь голландцев.
Голландцы не просто увидели свое... дело в том, что, во-первых, это отношение к природе начало проявляться очень рано, а, во-вторых, в том, что в рамках пейзажа сформировалось аж несколько направлений. Нигде больше такого не было.
Чем отличались направления? – тем, что больше любили рисовать художники: горы, или реки, или леса… больше на их картине людей или меньше людей и пр.
Опять же художники работают на массовую продажу => специализация. Что лучше получается, то и рисуем.
Картина ‘Мельница у реки’ типична для голландского искусства. Простой пейзаж, без особой живописности. Некоторые принципы: долевая линия горизонта + пейзаж кажется безграничным, ничто не ограничивает наш глаз => отсюда складывается ощущение бесконечности.
Большую роль всегда играет небо: оно занимает большую часть пространства. Освещенность обычно не очень, пасмурное состояние характерно. Все стягивается к внутреннему, эмоциональному спокойствию.
Что касается деталей.. Это не просто пейзажи. Всегда есть люди, хотя занимают они всегда несоотносительное место по сравнению с природой: они малы на её фоне.
Постройки тоже часто встречаются - след человеческой деятельности. Они тоже заключают в себе большой смысл: более широкий охват мироздания. Здесь - мельница: метафора трудного труда, добродетелей, вечного движения - вспомним Сервантеса - все детали многозначны.
2) 'Морской бриз'. Ян Порселлис, 1630. Очень популярны морские пейзажи. Но он реформировал это направление жанра: цельное, законченное художественное целое. Какими приемами? - цвет.
3) Соломон ван Рейсдал 'Речной пейзаж'.
Пониженная линия горизонта и пр. - все черты обычного голландского пейзажа. Символ здесь - церковь.. Образ града небесного и пр. Малое и великое сопрягаются. Деревья изображаются не так, как будто он говорит, что да, вот существует дерево, но так, чтобы была видна их индивидуальность
4) Он же. “ Переправа на пароме в окрестностях Арнгема ”
Многоплановый художник. Вечерний, переходный пейзаж.. Переходные моменты в голландской живописи редки. Это, конечно, еще не пейзаж-настроение, но переход к тому очевиден.
5) Геркулес Сегерс. 'Пейзаж с всадниками'
Известный художник с трагической судьбой. Его пейзажи создают впечатление большей масштабности в противовес лиризму других художников. Они более композиционно законченные, все свидетельствует о величии природы.
6) Он же. 'Речная долина с группой домов'. Для контраста с другими. Более законченная, статичная композиция. Это, скорее, нетипичный художник.
7) Он же. 'Речная долина. Цветной офорт' (к сожалению, её нет даже в интернете). Еще более уходит от описания со временем. Он выстраивает мир, причем здесь настолько этим увлекается, что описательность, красота, природная естественность совсем уходят. Он пытается искать более глубокие пласты и идет своеобразным путем..
8) 50-60 гг. - высшая точка голландского искусства.
Якоб ван Рейсдал - племянник предыдущего Рейсдала.
Своеобразный художник: многое видит, подмечает, в картины вставляет.
Насколько более обобщающая манера письма у этого художника! И в то же время более законченная. Какое умение колористично связать море и берег и пр. элементы. О символике мельницы мы уже говорили.
9) Зимний пейзаж - редкое явление. Мало привлекают внимания, хотя зима занимает там большую часть года.
“ Зимний пейзаж ”. Спокойствие, отсутствие яркости, сильных чувств.. Хочется назвать этот мир безвременным. Что-то вселенское чувствуется.
10) Морской пейзаж. “ Гроза ”. Такого стилистического разнообразия мы не у каждого встретим! Ведь в Голландии как кто-то свою нишу нашел, так из нее почти и не вылазит. Опять-таки черточки пейзажа-настроения.
11) 'Озеро среди деревьев'. Нечастый пример пейзажа: горизонт скрыт деревьями.
С возрастом Якоб ван Рейсдал становится всё более и более художником-философом. С этой точки зрения он тоже уникален. Философия его картин заключается в желании одного пейзажа говорить о различных, крупных философских проблем. - сухое дерево на болоте: нигде больше не встречается.
12) 'Пейзаж с водопадом'. Вода как динамическое начало => нотка тревожности, беспокойства. Наклоненное дерево... С точки зрения композиционного решения даже беспокойство чувствуется!
13) Знаменитый тоже пейзаж. 'Эгмонт-ан-Зее'. Новый уровень творчества. Не просто переходные состояния, но контрасты. Грозовое небо - луч света на дороге. Тьма - свет.. В центре - церковь. Луч - на дороге, т.е. пути к храму...
14) 'Еврейское кладбище'. Самая философская картина и в творчестве этого художника, и вообще во всём голландском пейзажном жанре. Это свидетельство величия Якоба Рейсдала.
Это не столько изображение обычного пейзажа, сколько именно философского пейзажа. Философский пейзаж, в общем-то, тоже рождается в 17-ом веке, но, считается, что у другого художника...
Здесь же - глубокая концепция, связанная с пониманием мира. Что же здесь такого философского? - тема кладбища: жизнь и смерть. Церковь - как преодоление смерти. Сложная напряженная природа.. Водопад, радуга, драматическое небо.
Теперь натюрморты. Хотя мы уже говорили об этом направлении в искусстве. Проблема вещи, предмета - самостоятельного мира, который эстетизируется в сознании художника, которому придаются какие-то значимые качества.
Натюрморты очень широко распространены и очень любимы голландцами.
Важен не столько смысл, сколько композиционные решения, постановка света, красок... Но первым шагом является всё-таки понимание смыслового, символического значения картин.
15) 'Ветчина и серебряная посуда'. Виллем Клас Геда.
Начнем с простого перечисления и поразмышляем, почему именно эти предметы избраны для его 'тихой жизни' (Stillleben – нем. натюрморт): дорогущий серебряный кубок в центре, но - крышечка открыта и, скорей всего, все вино уже вылито, он пустой. Далее: тонкий-тонкий стеклянный бокал, его почти не видно… Случайно или нет?.. Подсвечник со свечёй - узнаваемая часть?:) но свеча потухшая.. Дорогая ваза - упала. На смятой скатерти - булочка, которую уже никто не съест L. Лимон: нарезанный, начищенный - любимый элемент голландского натюрморта. Ну и наконец - окорок аппетитный.
Для чего перечисляли? Подумаем: очень четко вырисовываются некие идеи - очень много примет, свидетельствующих о бренности, конечности жизни: вино выпито, хрупкий бокал, потухшая свеча, перевернутая ваза - все это для голландцев 17-го века было символом бренности.
Как сами голландцы к этому относились? Ясно, что им понять было проще: такая уж была символическая эпоха. Это сейчас нам кажется, что все притянуто за уши.. А тогда научная точка зрения на мир еще не сформировалось => символы, символы, символы..
Но рядом с темой бренности всегда ставится вопрос, разными способами, противоположный: как преодолеть бренность сию? Конечно, через приобщению к Богу.
Картины такие были 'иконами' протестантов-голландцев. Нет обычных - найдем замену. Хлеб - евхаристия, вино – кровь Христа, мясо - символ Его плоти (одно из символических значений).
Лимон - вроде красивый, но начинаешь есть - горечь, кислота - такова и наша жизнь.
Голландцы очень любили такие игры. Тому много различных доказательств.
16) Он же. ' Натюрморт '. Его стиль узнается: все то же. Хотя композиция другая..
17) Питер Класс. 'Завтрак'. Своеобразная манера, легко запоминающаяся. Рыба - христианский символ и пр. - тоже.
Вроде все так хорошо, накрытый стол… Но на таких натюрмортах всегда присутствует что-то, разрушающее гармонию: виноградинка оторвалась, сухой листик, червячок где-то ползет..
Солонка - символ евхаристии.
18) тот же набор предметов.
19) Он же. ' Vanitas '. Набор предметов специальный, напоминающий человеку о вышеупомянутом предмете. Всегда все старое, выцветшее, пыльное и пр.
20) Абрахам ван Бейерен «Натюрморт с омаром ». Всегда все очень пышно, разнообразно.
21) Виллем Калф. Он тяготел к дорогим атрибутам: посуда, ткани... 'Натюрморт с китайской миской '
22) Ян Давидс де Хем. 'Натюрморт с цветами и фруктами'
Нет смысла комментировать. Такое обилие предметов: часть из них символизирует сомнительные удовольствие, часть - христианские символы..
23) Цветочные натюрморты - интересная тема, популярная у голландцев. Ян Брейгель Младший - 'Букет'. Различные цветы: пышные и скромные… Пышная красота - недолговечная, быстро угасающая => всегда вплетены маленькие, неброские цветочки белые - символ чистоты с давних времен.
Всегда муравьи, бабочки, жучки, гусеницы и пр. насекомые - показатель конечности.
24) Амброзиус Босхарт. 'Букет цветов в проеме окна'. Одна головка гвоздики наклонилась, упала… Далекий пейзаж с ясными символами.
Натюрморты - особая страница в голландском искусстве. К ним стягивается опыт толкования, интерпретации за все века и все направления в изобразительном искусстве. Да и мастера отличились. Молодцы, ребята.
9. Творчество Рембранта ван Эйна.
Завершающая лекция по искусству Голландии. Она будет монографична, целиком посвящается Рембрандту ван Рейну (1606 - 1669).
Это - величайший голландский художник, самый крупный художник этого столетия.
С одной стороны, он - представитель школы голландской живописи, дитя своей страны и времени. Но самое великое в его творчестве - это те стороны его творчества, которые в эту школу не вписываются. Он нетрадиционен, он осмысляет всё по-своему.
Отличает его интерес к мифологии и к евангельским сюжетам - в Голландии, как мы помним, этого не было.
Биография. Родился в Лейдене, небольшом городе, там получил художественное образование. Прожил там до 1632 г.
1) Это одна из его ранних картин. ' Меняла '. Рембрандт начинает свой творческий путь с усвоения уроков Караваджо. Караваджизм - важнейшая черта его творчества.
Кадрированная композиция, светотень, простой сюжет. Начинает он, как и многие представители бытового жанра.
Но. Рембрандт не стремится показать анекдот. Ему важен сам сюжет, детали обстановки - все символичны (свеча).
2) Следующий шаг связан с репертуаром Рембрандта. Появляются портреты... и автопортреты. Интерес к автопортретам поразителен: за 60 с хвостом лет он написал свыше сотни автопортретов в красках! Это значит, что самоизучение, самоосмысление - одна из главных задач художника. ' Автопортрет ' ранний, 1628.
Как он себя изображает? Испуганный.. В караваджистской манере: свет падает слева, темные глаза => неуверенность.
Рембрандт заканчивает обучение, открывает школу. Но Лейден - маленький город => в столицу, в Амстердам.
3) ' Автопортрет ' этого периода. Он очень нравится публике, бюргерам. Заказов много, денег тоже.. Брак с богатой девушкой еще более укрепляет его положение.
Это время безоблачное для него. Репертуар его в эти годы очень обширен.
Итак, картина. Он уже гораздо более уверен в себе. Уходит резкий контраст света и тени.
4) Амстердамский период. Вот еще один “ Автопортрет ”.
За счастливой наружностью скрывается совсем другой человек: все не так хорошо, как могло бы показаться. Опять интерес к градации света и тени.
5) Одно из самых известных произведений. 'Автопортерт с Саскией на коленях'. Эмоциональность => еще один образец бюргерского барокко. Влияние Караваджо все еще сохраняется. Вообще проблема света и тени - важнейшая для Рембрандта. Но пока ничего нового он не вносит.
6) “ Флора ”. Снова Саския в виде богини Флоры. Сейчас ему все интересно, но особенно - изображать близких ему людей.
Интерес к переодеванию, смене облика - тоже очень важен: интерес к многогранности, многосторонности предмета изображения.
7) ' Размышляющий философ '. Совсем другая сторона творчества: заставляет увидеть в молодом художнике незаурядный ум, склонность к философским размышлениям.
На каком фоне это происходит? - в Голландии жанры, аппелирующие к философским размышлениям, почти отсутствуют. Специализируются, в основном, на том, что лучше всего продается. А здесь?..
Как он визуализирует эти проблемы? Погруженный в себя старец, светотень, большая роль окна (в Голландии мы уже встречали) => связь микромира со вселенной => и старец связан через окно с внешним миром.
Но в этой картине не один источник света: в правом углу - служанка и очаг. Там - свет духовный, здесь - мирской свет, менее яркий, ниже находится - но все-таки свет.
Странная келья с винтовой лестницей. Но тоже символично: трудный путь вверх к прозрениям. Движение во тьму, в неизвестное.
Художнику около 30 лет.
При внешнем таком благополучии Рембрандт, в отличие от других голландских художников, проявляет немалый интерес к философским проблемам.
8) Картины на библейские сюжеты. 'Пир Вальтасара'.
Голландцам в целом это не нужно. Рембрандт уделяет этой стороне творчества немало сил. И это не просто так: связь с многовековой традицией, этическая сторона мира, мораль... - это все еще одна грань, которая ставит Рембрандта выше других голландских художников.
Итак, картина. Цикл легенд о падении Вавилона. Вавилон осажден, но царь занят - пирует. Появляется рука и чертит письмена - знак конца. В ту же ночь Вавилон и был захвачен.
Все тот же караваджизм + карнавальность, преувеличение роскоши и пр. и пр. Эта театральность, срежиссированность - характерна для его картин. Рембрандт выбирает все эффектное: ткани и пр.
'Неверие Фомы' - тот же принцип.
9) Мифологическая, очень известная композиция. ' Даная '. Одно из высших достижений этого периода Рембрандта.
Формируется непохожий ни на какой больше идеал женской красоты: здесь важнее не идеальное, ибо и лицо, и тело не идеальны, - важнее, характерное, индивидуальное.
Меняется и отношение к светотени. Она используется не для подчеркивания театральности, она по-своему изменяется в самой картине, преображает пространство. Золотистость.
10) А теперь - перелом. 1642 г. Перелом связан с личными обстоятельствами: умирает Саския от родов. Для Рембрандта это огромная трагедия.
'Ночной дозор' - так сейчас называется эта картина, а тогда “ Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рёйтенбюрга ”. Считается, что раньше картина была светлее.
С этой картиной и связан переворот. Она очень большая по формату (а голландцы, мы помним, писали больше маленькие): 3/3 м. И это часть замысла, очень противоречивого.
Первое, название этой картины свидетельствует о том, что изначально эта картина должны была быть групповым портретом. Художник очень популярен, рота эта была одной из самых лучших: правда, это были не столько военные, сколько 'народная дружина' - полиция.
То, что получилось, меньше всего напоминает портретные изображения. Уж точно не вписывается в рамки жанра.
Уникальная композиция для голландской живописи. Обычно - герои предстоят перед нами. А здесь? - офицеры как бы из глубины выходят и предстают перед нами. Он хотел показать торжество новых порядков, новых отношений, торжество бюргеров и пр. Много необычных деталей. Однако заказчики хотели традиционного… => недовольны.
На переднем плане - Кок, вокруг него офицеры. Но вместе с ними появляются и другие персонажи: девочка, по особенному освещенная, рядом, справа в театральном костюме - мальчик. В девочке многие специалисты видят черты недавно скончавшейся Саскии... Есть попытки найти и более сложную интерпретацию: Кок - петух за поясом, возможно, шутка такая с горделивым офицером.
Тайн много, но главное - резкое недовольство заказчиков. 22 человека заплатили, здесь видно 16 человек. И откуда девочка? Зачем?.. она же денег не платила.
С одной стороны, Рембрандт решил преодолеть стереотипы, а с другой - вызвал недовольство.
Это важно, потому что эта картина - реальный рубеж в его творчестве. Он решил с этого момента не подчиняться воле заказчика. Он отстаивает право писать картины, как ему хочется, как хочется художнику => после трагедии он вдруг находит в себе силы противостоять обществу!
Постепенно теряет клиентов, распродает имущество, остается бедняком... Этому сопутствуют страшные личные трагедии: умирает его сын, единственный выживший ребенок от Саскии, умирает вторая жена... Фактически он остается один, без средств к существованию. Умирает без гроша в кармане.
И этот трагизм, конечно, не мог не проникнуть в его творчество.
11) Картина на библейский сюжет. 'Давид и Ионафан'. Сцена прощания двух очень близких друг другу людей, которые должны расстаться навсегда.
Малофигурные теперь картины. Смысл теперь всегда будет трагичный: что чувствует человек, когда теряет или готовится потерять близких людей.
Никто из художников не смог приблизиться к такой психологичности картин!
А светотень? Свет - главный художественный прием Рембрандта, которым он и передает драматическое наполнение этих картин.
Все пространство залито очень странным, своеобразным, золотистым светом - и это добавляет картине трагичности. Давид - спиной к нам. Лаконизм в построении композиции: уходит вся театрализация, наоборот, все стремится к тишине, к самоуглублению... Для каждого из персонажей происходит что-то страшное, и мы это чувствуем.
Особое значение приобретает не только по-особенному окрашенный свет, но и градация этого самого света. В подлиннике видно, что этот свет неоднородный: бесчисленное количество тонов/полутонов. Караваджисты мыслят светом, цветом, Рембрандт - тонами.
Особое значение приобретает красный цвет: одежды из него тоже состоят... художник добивается особенного внутреннего свечения цвета. Отблески => эффект мерцания.
12) Вторая половина 40-х годов. 1645. 'Святое семейство'. В этот период очень много картин, обращающихся к этому сюжету. Очень важна эта тема для художника, видно... Очень похоже на быт, но - нет. Это картина евангельская... Хотя если бы не ангелы, мы об этом, наверное, и не подозревали.
Тема опять общехристианская...
13) ' Вирсавия ' 50-е годы. Связано все с тем же Давидом. Вот Вирсавия только прочитала послание о смерти своего мужа, она полностью погружена в свое горе..
14) А вот для сравнения картина Рубенса ' Вирсавия '. На несколько лет раньше. Интересно сравнить. И момент другой - письмо еще не прочитано.
Разница очевидна.
Вернемся к картине Рембрандта. Момент куда более психологичный, тяжелый. И опять-таки разный цвет... => глубина передачи.
15) “ Портрет старушки ” В последний период он пишет очень много портретов стариков и старух. Специалисты называют 'Портретами-биографиями'. Пытаясь изобразить стариков, он также пытается изобразить и их прошлое: все, что сделало их такими, какие они есть. Жизнь их не сломала, какая бы она трудная и тяжелая ни была.
Свет тоже, градация.
А краска на лице - густая => свет на лице как бы физический, как будто он попадает на краску и отражается => возникает ощущение подсветки => у старых людей какой-то свой внутренний источник света...
16) “ Портрет старика в чёрном берете ”
17) “ Портрет старика ”
В 50-60-е года Рембрандт пишет серию автопортретов (без номеров; слева направо – более поздние).
И все автопортреты разные! Некоторые страшные, другие - наоборот... Каждый раз Рембрандт видит в себе разные вещи. Из этого множества граней и формируется образ художника.
18) - послед автопортрет. Написан за год до смерти. Хотя на других автопортретах он выглядит старше.
19) 'Возвращение блудного сына'. Последняя картина. Самая глубокая, самая философская... В очередной раз обращается к общеизвестному сюжету. Пятна красного приобретают новое значение. Узел главный - в левой части композиции: отец и сын. Глаза у старика закрыты: физическая слепота компенсирована зрением духовным.
Кроме двух главных персонажей еще один, выделенный светом, - старший сын: еще один узел композиции. Он прожил жизнь так, как должен был, но и для него происходящее - трагедия: в эту минуту любовь отца полностью сосредоточилась на его младшем сыне. Общечеловеческая трагедия.
Все ранние приемы получают здесь свою законченность. Картина написана за год до смерти, после нее Рембрандт почти ничего не писал.
10. Особенности испанского искусства конца 16 – нач. 17 вв.
Следующая художественная школа, которую мы будем рассматривать, - испанская. Своеобразная у испанцев сложилась традиция. А своеобразие это связано с историей, а именно с Реконкистой, которая длилась около 8-ми столетий, то бишь с постоянными войнами с арабами.
Вступление испанского искусства на общеевропейский путь оказывается несколько запоздавшим. Реконкиста официально закончилась только к концу 15 века. В других странах к этому времени уже Высокое Возрождение, которое связано с появлением нового взгляда на мир. Этот новый взгляд повлиял и на Испанию, но получилось так, что искусство Испании, в отличие от искусства других стран, развивается скачками: свои традиции устарели, но они ведь тоже есть! => неоднородность.
Большое влияние имело и открытие Америки - мощнейший прорыв в сторону формирования новых представлений о мире.
Классического Ренессанса в Испании не образовалось. Зарождение ренессансных черт привело разве что к тому, что к середине 16 века очень важной частью испанского искусства становится маньеризм.
Безусловно, лидировал жанр портрета, причем парадного: усиление абсолютизма. Но это не самое интересное: испанские художники стремились к репрезентативности: одежда, лоск и прочие атрибуты... Внутренний мир - на втором месте.
Что еще? Интерес к борьбе, к подвигу: внутренний, христианский, мученический подвиг - следствие Реконкисты и войн с маврами => интерес к мученикам и к теме духовного подвига.
Эта проблема настолько важна, что весь остальной мир из поля зрения художников практически полностью выпадает: естественные проблемы - пейзаж и т.д. – начинают ставиться очень поздно, под влиянием барочных тенденций.
Теперь хронология.
1) маньеризм, но художников серьезных нет